Katolsk konst

Jungfrukröning av Enguerrand Quarton (1453-54), med Kristus och Gud Fadern som identiska figurer, enligt vad prästen som beställde verket specificerade.
Guido Renis ärkeängel Michael trampar Satan (ca 1636, i Capuchinkyrkan Santa Maria della Concezione, Rom ).

Katolsk konst är konst som produceras av eller för medlemmar av den katolska kyrkan . Detta inkluderar bildkonst ( ikonografi ), skulptur , dekorativ konst , brukskonst och arkitektur . I en vidare mening katolsk musik och annan konst också inkluderas. Uttryck av konst kan eller kanske inte försöker illustrera, komplettera och skildra i påtaglig form katolsk undervisning. Katolsk konst har spelat en ledande roll i historien och utvecklingen av västerländsk konst sedan åtminstone 300-talet. Det huvudsakliga ämnet för katolsk konst har varit Jesu Kristi liv och tider, tillsammans med människor som är associerade med honom, inklusive hans lärjungar, helgonen och motiv från den katolska bibeln .

De tidigaste bevarade konstverken är de målade freskerna på väggarna i katakomberna och möteshusen för de förföljda kristna i det romerska imperiet . Kyrkan i Rom var influerad av den romerska konsten och den tidens religiösa konstnärer. De romerska kristnas stensarkofager visar den tidigaste bevarade snidade statyer av Jesus, Maria och andra bibliska figurer. Legaliseringen av kristendomen med Ediktet i Milano (313) förvandlade katolsk konst, som antog rikare former som mosaiker och upplysta manuskript . Ikonoklasmkontroversen delade kort den västra kyrkan och den östliga kyrkan , varefter den konstnärliga utvecklingen fortskred i separata riktningar . Romansk och gotisk konst blommade i den västerländska kyrkan i takt med att målarstilen och statyerna rörde sig i en allt mer naturalistisk riktning.

Den protestantiska reformationen på 1500-talet producerade nya vågor av bildförstörelse, som den katolska kyrkan svarade på med de dramatiska, utarbetade känslomässiga barock- och rokokostilerna för att betona skönhet som en transcendental . På 1800-talet flyttade ledarskapet inom västerländsk konst bort från den katolska kyrkan som, efter att ha anammat den historiska väckelsen, i allt högre grad påverkades av den modernistiska rörelsen, en rörelse som i sitt "uppror" mot naturen motverkar kyrkans betoning av naturen som en god skapelse av Gud .

Börjande

Kristus Jesus, den gode herden , 2:a århundradet.
Huvudartikel: Tidig kristen konst

Kristen konst är nästan lika gammal som kristendomen själv. De äldsta kristna skulpturerna är från romerska sarkofager , som dateras till början av 200-talet. Som en förföljd sekt var dock de tidigaste kristna bilderna svårbegripliga och menade att vara begripliga endast för de invigda. Tidiga kristna symboler inkluderar duvan, fisken, lammet, korset, symbolisk representation av de fyra evangelisterna som odjur och den gode herden . Tidiga kristna anpassade också romerska dekorativa motiv som påfågeln, vinrankor och den gode herden. Det är i Roms katakomber som igenkännbara representationer av kristna gestalter först dyker upp i antal. Den nyligen utgrävda Dura-Europos på gränsen till Syrien är från omkring 265 e.Kr. och innehåller många bilder från förföljelseperioden. De bevarade freskerna i doprummet är bland de äldsta kristna målningarna. Vi kan se "Gode Herden", "Healing of the paralytic" och "Kristus och Petrus går på vattnet". En mycket större fresk föreställer de två Maria som besöker Kristi grav.

Jungfru och barn. Väggmålning från de tidiga katakomberna , Rom, 300-talet.

På 300-talet tillät Milanos edikt offentlig kristen dyrkan och ledde till utvecklingen av en monumental kristen konst. Kristna kunde bygga byggnader för tillbedjan större och vackrare än de hemliga mötesplatser de hade använt. Befintliga arkitektoniska formler för tempel var olämpliga eftersom hedniska offer inträffade utomhus i gudarnas åsyn, med templet, som inrymmer kultfigurerna och skattkammaren, som bakgrund. Som en arkitektonisk modell för stora kyrkor valde de kristna basilikan , den romerska offentliga byggnaden som används för rättvisa och administration. Dessa basilika-kyrkor hade ett mittskepp med en eller flera gångar på varje sida och en rundad absid i ena änden: på denna upphöjda plattform satt biskopen och prästerna , och även altaret . Även om det verkar som att de tidiga altaren var konstruerade av trä (som är fallet i Dura-Europos-kyrkan) byggdes altaren från denna period av sten och började bli rikare designade. Rikare material kunde nu användas för konst, som mosaikerna som pryder Santa Maria Maggiore i Rom och 400-talets basilikor i Ravenna , där berättande sekvenser börjar utvecklas.

Mycket kristen konst lånad från kejserliga bilder, inklusive Kristus i majestät , och användningen av gloria som en symbol för helighet. Senantik kristen konst ersatte den klassiska hellenistiska naturalismen med en mer abstrakt estetik. Det primära syftet med denna nya stil var att förmedla religiös mening snarare än att exakt återge föremål och människor. Realistiskt perspektiv, proportioner, ljus och färg ignorerades till förmån för geometrisk förenkling, omvänt perspektiv och standardiserade konventioner för att skildra individer och händelser. Ikoner av Kristus, Maria och helgonen, elfenbensristningar och belysta manuskript blev viktiga medier – ännu viktigare i termer av modern förståelse, eftersom nästan alla av de få bevarade verken, förutom byggnader, från perioden består av dessa bärbara föremål.

Bysantinsk och österländsk konst

6:a? talets ikon av Kristus Pantocrator , en mycket sällsynt ikon före ikonoklasm .
Huvudartikel: Bysantinsk konst

Invigningen av Konstantinopel som huvudstad år 330 e.Kr. skapade ett stort nytt kristet konstnärligt centrum för det östromerska riket, som snart blev en separat politisk enhet. Major Constantinopolitan kyrkor byggda under kejsar Constantine och hans son, Constantius II , inkluderade de ursprungliga grunderna av Hagia Sophia och kyrkan av de heliga apostlarna . När det västromerska riket upplöstes och togs över av "barbariska" folk, nådde det bysantinska imperiets konst nivåer av sofistikering, makt och konstnärskap som inte tidigare setts i kristen konst, och satte standarden för de delar av väst som fortfarande är i kontakt med Konstantinopel.

Denna prestation kontrollerades av kontroversen om användningen av graverade bilder och den korrekta tolkningen av det andra budordet, vilket ledde till krisen med ikonoklasm ​​eller förstörelse av religiösa bilder, vilket skakade imperiet mellan 726 och 843. Återupprättandet av ortodox ikonodulism resulterade i i en strikt standardisering av religiös bildspråk inom den östortodoxa kyrkan . Den bysantinska konsten blev allt mer konservativ, eftersom själva bildformen, många tillerkände gudomligt ursprung eller trodde att den hade målats av Saint Luke eller andra figurer, ansågs ha en status inte långt ifrån en skrifttext. De kunde kopieras, men inte förbättras. Som en eftergift till Iconoclast-känslan förbjöds monumental religiös skulptur i praktiken. Ingen av dessa attityder hölls i Västeuropa, men den bysantinska konsten hade ändå stort inflytande där fram till högmedeltiden, och förblev mycket populär långt efter det, med ett stort antal ikoner från den kretensiska skolan som exporterades till Europa så sent som på renässansen . Där det var möjligt lånades bysantinska konstnärer till projekt som mosaiker i Venedig och Palermo . De gåtfulla freskerna på Castelseprio kan vara ett exempel på verk av en grekisk konstnär som arbetar i Italien.

östliga katolicismens konst har alltid varit ganska närmare den ortodoxa konsten i Grekland och Ryssland och i länder nära den ortodoxa världen, särskilt Polen , har katolsk konst många ortodoxa influenser. Den svarta madonnan i Częstochowa kan mycket väl ha varit av bysantinskt ursprung – den har målats om och det är svårt att säga. Andra bilder som säkert är av grekiskt ursprung, som Salus Populi Romani och Our Lady of Perpetual Help , båda ikoner i Rom, har varit föremål för specifik vördnad i århundraden.

Även om inflytandet ofta har motverkats, särskilt i Ryssland, har katolsk konst också påverkat ortodoxa skildringar i många avseenden, särskilt i länder som Rumänien , och i den post-bysantinska kretensiska skolan , som ledde grekisk-ortodox konst under venetianskt styre på 15:e och 1500-talet. El Greco lämnade Kreta när han var relativt ung, men Michael Damaskinos återvände efter en kort period i Venedig och kunde växla mellan italienska och grekiska stilar. Även traditionalisten Theophanes the Cretan , som huvudsakligen arbetar på berget Athos , visar ändå ett omisskännligt västerländskt inflytande.

Katolsk lära om heliga bilder

Den katolska teologiska ståndpunkten om heliga bilder har i praktiken förblivit identisk med den som anges i Libri Carolini , även om detta, det fullaste medeltida uttrycket för västerländska syn på bilder, faktiskt var okänt under medeltiden. Den förbereddes cirka 790 för Karl den Store efter att en dålig översättning hade fått hans domstol att tro att det bysantinska andra konciliet i Nicaea hade godkänt dyrkan av bilder, vilket faktiskt inte var fallet. Den katolska motsprängningen satte en mellanväg mellan den bysantinska ikonoklasmens extrema positioner och ikonodulerna , och godkände vördnaden av bilder för vad de representerade, men accepterade inte vad som blev den ortodoxa ståndpunkten, att bilderna till viss del tog del av sakens natur. de representerade (en tro senare att återuppstå i väst i renässansen nyplatonism) .

För den västerländska kyrkan var bilderna bara föremål gjorda av hantverkare, för att användas för att stimulera de troendes sinnen och för att respekteras för det representerade ämnets skull, inte i sig själva. Även om det i populär andaktspraktik ofta har funnits en tendens att gå över dessa gränser, var kyrkan, innan tanken på att samla gammal konst, vanligtvis brutal när det gällde att göra sig av med bilder som inte längre behövdes, till stor beklagande för konsthistorikerna. De flesta monumentala skulpturerna från det första årtusendet som har överlevt bröts upp och återanvändes som spillror vid återuppbyggnaden av kyrkor.

I praktiska frågor som rör användningen av bilder, i motsats till deras teoretiska plats i teologin, befann sig Libri Carolini i den antiikoniska änden av spektrumet av katolska åsikter, eftersom de till exempel snarare ogillade tändning av ljus före bilder. Sådana åsikter uttrycktes ofta av enskilda kyrkoledare, som det berömda exemplet med Sankt Bernard av Clairvaux , även om många andra lutade åt andra hållet och uppmuntrade och beställde konst för sina kyrkor. Bernard var faktiskt bara emot dekorativa bilder i kloster som inte var specifikt religiösa, och populära predikanter som Saint Bernardino av Siena och Savonarola riktade regelbundet sig mot sekulära bilder som ägdes av lekmän.

Tidig medeltid

Folio 27r från Lindisfarne-evangelierna innehåller den inledande Liber generationis av Matteusevangeliet .
Huvudartiklar: Insulär konst och karolingisk konst

Medan det västromerska imperiets politiska struktur kollapsade efter Roms fall, fortsatte kyrkan att finansiera konst där den kunde. De mest talrika bevarade verken från den tidiga perioden är illuminerade manuskript, vid detta datum alla förmodligen skapade av prästerskapet, ofta inklusive abbotar och andra höga personer. Klosterhybriden mellan "barbariska" dekorativa stilar och boken i Insular art of the British Isles från 700-talet skulle vara enormt inflytelserik i europeisk konst under resten av medeltiden, och ge en alternativ väg till klassicismen, överförd till kontinent av Hiberno-skotska uppdraget . Vid denna period var evangelieboken , med figurativ konst mestadels begränsad till evangelistporträtt , vanligtvis den typ av bok som var mest överdådigt dekorerad; Book of Kells är det mest kända exemplet.

Karl den Store från 900-talet satte sig för att skapa konstverk anpassade till statusen för hans återupplivade imperium. Karolingisk och ottonisk konst var till stor del begränsad till kretsen av det kejserliga hovet och olika klostercentra, som var och en hade sin egen distinkta konstnärliga stil. Karolingiska konstnärer försökte medvetet efterlikna sådana exempel på bysantinsk och senantik konst som var tillgängliga för dem, kopierade manuskript som Chronography of 354 och producerade verk som Utrecht Psalter , som fortfarande delar konsthistoriker i frågan om det är en kopia av en mycket tidigare manuskript, eller en original karolinsk skapelse. Detta i sin tur kopierades tre gånger i England, sist i tidiggotisk stil.

Sankt Markus, från de karolingiska Ebbo-evangelierna .

, ofta för bokomslag, ritade på senantikets diptyker . Till exempel är de främre och bakre omslagen på Lorsch-evangelierna av en kejserlig triumf från 600-talet, anpassad till Kristi och Jungfruns triumf. Men de drog också på Insular-traditionen, särskilt för dekorativa detaljer, samtidigt som de avsevärt förbättrade det när det gäller skildringen av den mänskliga figuren. Kopior av skrifterna eller liturgiska böcker illustrerade på veläng och prydda med ädelmetaller producerades i kloster och nunnekloster över hela Västeuropa. Ett verk som Stockholm Codex Aureus ("Guldbok") kan vara skrivet i bladguld på lila veläng , i imitation av romerska och bysantinska kejserliga manuskript. Den anglosaxiska konsten var ofta friare och använde sig mer av livliga linjeteckningar, och det fanns andra distinkta traditioner, som gruppen extraordinära mozarabiska manuskript från Spanien, inklusive Saint-Sever Beatus och de i Girona och Morgan Library .

Karl den Store hade ett krucifix i naturlig storlek med Kristusgestalten i ädelmetall i hans Palatinska kapell i Aachen , och många sådana föremål, alla nu försvunna, finns nedtecknade i stora anglosaxiska kyrkor och på andra håll. Den gyllene madonnan i Essen och några mindre relikviefigurer är nu allt som återstår av denna spektakulära tradition, helt utanför bysantinska normer. Liksom Essen-figuren var dessa förmodligen alla gjorda av tunna ark av guld eller silver som stöddes av en träkärna.

romansk

Gero Cross från ca 960 (ram senare).
Huvudartiklar: Romansk konst och romansk arkitektur

Romansk konst , som länge föregåtts av förromansk, utvecklades i Västeuropa från cirka 1000 e.Kr. fram till uppkomsten av den gotiska stilen. Kyrkobyggandet kännetecknades av en ökning i höjd och total storlek. Valvtak stöddes av tjocka stenmurar, massiva pelare och rundade bågar. De mörka interiörerna var upplysta av fresker av Jesus, Maria och helgonen, ofta baserade på bysantinska förebilder.

Ristningar i sten prydde exteriörer och interiörer, särskilt tympanen ovanför huvudentrén, som ofta förekom med en Kristus i majestät eller i dom, och det stora träkrucifixet var en tysk innovation redan i början av perioden. Kolumnhuvudena var också ofta utsmyckat snidade med figurativa scener. Ensemblen av stora och välbevarade kyrkor i Köln , då den största staden norr om Alperna, och Segovia i Spanien, är bland de bästa platserna idag för att uppskatta inverkan av de nya större kyrkorna på ett stadslandskap, men många enskilda byggnader finns, från katedraler i Durham , Ely och Tournai till ett stort antal enskilda kyrkor, särskilt i södra Frankrike och Italien. I mer välmående områden överlever många romanska kyrkor täckta av en barockmakeover, mycket lättare att göra med dessa än en gotisk kyrka.

Få av de stora väggmålningar som ursprungligen täckte de flesta kyrkor har överlevt i gott skick. Den sista domen visades normalt på den västra väggen, med en Kristus i majestät i absidens halvkupol. Omfattande narrativa cykler av Kristi liv utvecklades, och Bibeln, med Psaltaren , blev det typiska fokus för belysning, med mycket användning av historiska initialer . Metallarbete, inklusive dekoration i emalj , blev mycket sofistikerat, och många spektakulära helgedomar gjorda för att hålla reliker har överlevt, varav den mest kända är de tre kungarnas helgedom vid Kölnerdomen av Nicholas av Verdun och andra (ca 1180–1225).

Gotisk konst

Huvudartiklar: Gotisk konst och gotisk arkitektur
Den västra (kungliga) portalen vid Chartres katedral ( ca 1145). Dessa arkitektoniska statyer är bland de tidigaste gotiska skulpturerna och var en revolution i stil och förebilden för en generation av skulptörer.

Gotisk konst uppstod i Frankrike i mitten av 1100-talet. Basilikan i Saint-Denis byggd av abbot Suger var den första större byggnaden i gotisk stil. Nya klosterordnar , särskilt cistercienserna och kartusianerna , var viktiga byggare som utvecklade distinkta stilar som de spred över Europa. Franciskanerna stadskyrkor med stora öppna skepp för att predika för stora församlingar. Regionala variationer förblev dock viktiga, även när, i slutet av 1300-talet, en sammanhängande universell stil känd som internationell gotik hade utvecklats, som fortsatte fram till slutet av 1400-talet, och därefter på många områden. De huvudsakliga medierna för gotisk konst var skulptur, panelmålning , målat glas , fresk och det upplysta manuskriptet , även om religiös bildspråk också uttrycktes i metallarbete, gobelänger och broderade dräkter. De arkitektoniska innovationerna av den spetsiga bågen och den flygande strävan möjliggjorde högre, lättare kyrkor med stora ytor av glasade fönster. Gotisk konst utnyttjade denna nya miljö till fullo och berättade en berättelse genom bilder, skulptur, målat glas och skyhög arkitektur. Chartres katedral är ett utmärkt exempel på detta.

Gotisk konst var ofta typologisk till sin natur, vilket återspeglade en övertygelse om att händelserna i Gamla testamentet förebildade det Nya, och att det verkligen var deras huvudsakliga betydelse. Gamla och Nya testamentets scener visades sida vid sida i verk som Speculum Humanae Salvationis och utsmyckning av kyrkor. Den gotiska perioden sammanföll med ett stort uppsving i Marian hängivenhet , där bildkonsten spelade en stor roll. Bilder av Jungfru Maria utvecklades från de bysantinska hieratiska typerna, genom Jungfruns kröning , till mer mänskliga och intima typer, och cykler av Jungfruns liv var mycket populära. Konstnärer som Giotto , Fra Angelico och Pietro Lorenzetti i Italien, och tidig nederländsk måleri , förde realism och en mer naturlig mänsklighet till konsten. Västerländska konstnärer, och deras beskyddare, blev mycket mer säkra på innovativ ikonografi , och mycket mer originalitet ses, även om kopierade formler fortfarande användes av de flesta konstnärer. Timboken utvecklades, främst för lekmän som hade råd – det tidigaste kända exemplet verkar ha skrivits för en okänd lekkvinna som bodde i en liten by nära Oxford omkring 1240 – och nu blev kungliga och aristokratiska exempel typen av manuskript oftast överdådigt dekorerat. Den mesta religiösa konsten, inklusive illuminerade manuskript, producerades nu av lekmannakonstnärer, men beställningspatronen specificerade ofta i detalj vad verket skulle innehålla.

Man of Sorrows av Meister Francke , ca. 1435

Ikonografin påverkades av förändringar i teologin, med skildringar av Marias himmelsfärd som vann mark efter Jungfruns äldre död , och i hängivna metoder som Devotio Moderna , som producerade nya behandlingar av Kristus i andachtsbilder ämnen som sorgens man , Eftertänksam Kristus och Pietà , som betonade hans mänskliga lidande och sårbarhet, i en parallell rörelse till den i skildringar av Jungfrun. Många sådana bilder var nu små oljemålningar avsedda för privat meditation och hängivenhet i de rikas hem. Till och med i de sista domarna visades Kristus nu vanligtvis exponera sitt bröst för att visa såren av hans passion . Helgon visades oftare, och altartavlor visade helgon som var relevanta för den särskilda kyrkan eller donatorn som deltog på en korsfästelse eller tronade Jungfru och barn , eller ockuperade själva det centrala utrymmet (detta vanligtvis för verk designade för sidokapell). Under perioden eliminerades många forntida ikonografiska särdrag som har sitt ursprung i Nya testamentets apokryfer gradvis under prästerligt tryck, som barnmorskorna vid födseln , även om andra var alltför väletablerade och ansågs ofarliga.

I det tidiga nederländska måleriet, från de rikaste städerna i Nordeuropa, kombinerades en ny minuts realism i oljemålning med subtila och komplexa teologiska anspelningar, uttryckta just genom de mycket detaljerade miljöerna av religiösa scener. Mérode altartavla (1420-talet) av Robert Campin och Washington Van Eyck Annunciation eller Madonna av kansler Rolin (båda 1430-talet, av Jan van Eyck ) är exempel.

På 1400-talet gjorde införandet av billiga tryck , mestadels i träsnitt , det möjligt även för bönder att ha andaktsbilder hemma. Dessa bilder, små längst ner på marknaden, ofta grovt färgade, såldes i tusental men är nu extremt sällsynta, de flesta har klistrats på väggar. Souvenirer av pilgrimsfärder till helgedomar, såsom märken av lera eller bly, medaljer och ampuller stämplade med bilder var också populära och billiga. Från mitten av seklet blockböcker , med både text och bilder skurna som träsnitt, ha varit överkomliga av kyrkoherde i de låga länderna , där de var mest populära. I slutet av århundradet blev tryckta böcker med illustrationer, fortfarande mestadels om religiösa ämnen, snabbt tillgängliga för den välmående medelklassen, liksom gravyrer av ganska hög kvalitet av tryckare som Israhel van Meckenem och Master ES

blev små panelmålningar , till och med polyptyker i oljemålning , alltmer populära, och visade ofta donatorporträtt vid sidan av, men ofta mycket mindre än, Jungfrun eller helgonen avbildade. Dessa ställdes vanligtvis upp i hemmet.

Renässanskonst

Virgin of the Rocks , ( Louvrens version), Leonardo da Vinci , 1483–1486
Statyer i katedralen Saint Martin, Utrecht , attackerade i reformationens ikonoklasm ​​på 1500-talet.

Renässanskonst , starkt influerad av "pånyttfödelsen" (franska: renässansen ) av intresse för konsten och kulturen från den klassiska antiken, fortsatte till en början trenderna från den föregående perioden utan grundläggande förändringar, men med klassiska kläder och arkitektoniska miljöer som trots allt var mycket lämplig för scener i Nya testamentet. Men en tydlig förlust av religiös intensitet är uppenbar i många från tidig renässans – de berömda freskerna i Tornabuonikapellet av Domenico Ghirlandaio (1485–1490) verkar mer intresserade av den detaljerade skildringen av scener i det borgerliga stadslivet än deras faktiska motiv, Jungfruns liv och Johannes döparens liv och Benozzo Gozzolis magiska kapell (1459–1461) är mer ett firande av Medici -status än en ankomst av magierna . Båda dessa exempel (som fortfarande använde samtida kläder) kommer från Florens , hjärtat av den tidiga renässansen, och platsen där den karismatiske dominikanska predikanten Savonarola inledde sin attack mot medborgarnas världslighet i livet och konsten, som kulminerade i hans berömda Bonfire av fåfängligheterna 1497; i själva verket hade andra predikanter hållit liknande evenemang i årtionden, men i mindre skala. Många från den tidiga renässansen , som Fra Angelico och Botticelli , var extremt hängivna, och den senare var en av många som föll under Savonarolas inflytande.

Den korta högrenässansen (ca 1490–1520) av Leonardo da Vinci , Michelangelo och Raphael förvandlade den katolska konsten mer fundamentalt och bröt med den gamla ikonografin som var grundligt integrerad med teologiska konventioner för originalkompositioner som återspeglade både konstnärliga imperativ och inflytande från Renässanshumanism . Både Michelangelo och Raphael arbetade nästan uteslutande för påvedömet under stora delar av sina karriärer, inklusive året 1517, då Martin Luther skrev sina nittiofem teser . Sambandet mellan händelserna var inte bara kronologiskt, eftersom de avlat som provocerade Luther bidrog till att finansiera det påvliga konstnärliga programmet, vilket många historiker har påpekat.

De flesta bilder från 1400-talet från denna period var religiösa bilder. Detta är självklart i en mening, men "religiösa bilder" syftar på mer än bara ett visst spektrum av ämne; det betyder att bilderna existerade för att möta institutionella syften. Kyrkan beställde konstverk av tre huvudsakliga skäl: Den första var indoktrinering, tydliga bilder kunde förmedla mening till en outbildad person. Den andra var lätt att återkalla, skildringar av helgon och andra religiösa figurer möjliggör en punkt för mental kontakt. Det tredje är att väcka vördnad i betraktarens hjärta, John of Genoa trodde att detta var lättare att göra med bild än med ord. Med tanke på dessa tre grundsatser kan det antas att guld användes för att väcka vördnad i betraktarens sinne och hjärta, där senare under den protestantiska reformationen förmågan att återge guld genom att använda vanliga pigment visade en konstnärs skicklighet på ett sätt som appliceringen av bladguld på en panel gör det inte

Den protestantiska reformationen var en konstförintelse i många delar av Europa. Även om lutherdomen var beredd att leva med mycket befintlig katolsk konst så länge den inte blev ett fokus för hängivenhet, såg de mer radikala åsikterna hos Calvin , Zwingli och andra offentliga religiösa bilder av något slag som avgudadyrkan , och konsten förstördes systematiskt i områden där deras anhängare höll makten. Denna destruktiva process fortsatte fram till mitten av 1600-talet, då religionskrig ledde till perioder av protestantisk kontroll över stora delar av kontinenten. I England och Skottland var förstörelsen av religiös konst, mest intensiv under det engelska samväldet , särskilt tung. Vissa stenskulpturer, upplysta manuskript och målade glasfönster (dyra att byta ut) överlevde, men av de tusentals högkvalitativa verk av målad och träsnidad konst som producerats i det medeltida Storbritannien finns praktiskt taget inget kvar.

I Rom var plundringen av 1527 av den katolske kejsaren Karl V och hans till stor del protestantiska legosoldatstrupper enormt destruktiv både för konst och konstnärer, vars många biografiska uppteckningar slutar abrupt. Andra artister lyckades fly till olika delar av Italien och hade ofta svårt att ta upp tråden i sina karriärer. Italienska artister, med ett udda undantag som Girolamo da Treviso , verkar ha haft liten attraktion till protestantismen. I Tyskland följde dock ledargestalter som Albrecht Dürer och hans elever, Lucas Cranach den äldre , Albrecht Altdorfer och Donauskolan och Hans Holbein den yngre alla reformatorerna. Utvecklingen av det tyska religiösa måleriet hade kommit till ett abrupt stopp omkring 1540, även om många tryck och bokillustrationer, särskilt av gammaltestamentliga ämnen, fortsatte att produceras.

rådet i Trent

The Last Judgment -fresken i Sixtinska kapellet av Michelangelo (1534–1541) utsattes för ihärdig attack i motreformationen för bland annat nakenhet (senare målad över i flera århundraden), som inte visade Kristus sittande eller skäggig, och inklusive hednisk figur av Charon .

Italiensk målning efter 1520, med det anmärkningsvärda undantaget för konsten i Venedig , utvecklades till mannerism , en mycket sofistikerad stil, strävande efter effekt, som väckte oro hos många kyrkomän att den saknade attraktionskraft för befolkningens massa. Kyrkans påtryckningar för att hålla tillbaka religiösa bilder påverkade konsten från 1530-talet och resulterade i att dekreten från den sista sessionen av konciliet i Trent 1563 inkluderade korta och ganska otydliga passager om religiösa bilder, som skulle få stor inverkan på utvecklingen av katolsk konst. Tidigare katolska kyrkoråd hade sällan känt behov av att uttala sig om dessa frågor, till skillnad från ortodoxa som ofta har beslutat om specifika typer av bilder.

Dekretet bekräftade den traditionella doktrinen att bilder endast representerade den avbildade personen och att vördnad för dem betalades till personen själv, inte bilden, och instruerade vidare att:

...varje vidskepelse skall avlägsnas ... all elakhet bör undvikas; på ett sådant sätt att figurer inte ska målas eller prydas med en skönhet som är spännande att lusta... det syns ingenting som är oordnat, eller som är orättvist eller förvirrat arrangerat, inget som är profant, inget oskönt, eftersom helighet blir huset av Gud. Och för att dessa saker må vara desto mer troget iakttagna, förordnar den heliga synoden, att ingen får placera eller låta placera ut någon ovanlig bild, på någon plats eller i någon kyrka, hur som helst undantagen, utom den bilden har godkänts. av biskopen...

Tio år efter dekretet kallades Paolo Veronese till inkvisitionen för att förklara varför hans sista nattvarden , en enorm duk för matsalen i ett kloster, innehöll, med inkvisitionens ord: "buffoner, berusade tyskar, dvärgar och andra sådana scurrilities" samt extravaganta kostymer och miljöer, i vad som verkligen är en fantasiversion av en venetiansk patricierfest. Veronese fick höra att han måste ändra sin målning inom en tremånadersperiod – i själva verket ändrade han bara titeln till Festen i huset av Levi , fortfarande en episod från evangelierna, men en mindre doktrinärt central, och inte mer var sa. Men antalet sådana dekorativa behandlingar av religiösa ämnen minskade kraftigt, liksom "olämpligt eller förvirrat arrangerade" manneristiska stycken, som ett antal böcker, särskilt av den flamländska teologen Molanus ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ( "Treatise on Sacred Images"), 1570), kardinal Federico Borromeo ( De Pictura Sacra ) och kardinal Gabriele Paleotti ( Discorso , 1582), och instruktioner från lokala biskopar, förstärkte dekreten och gick ofta in i minsta detalj om vad som var acceptabelt. En av de tidigaste av dessa, Degli Errori dei Pittori (1564), av den dominikanska teologen Andrea Gilio da Fabriano, anslöt sig till kören av kritik av Michelangelos sista dom och försvarade den hängivna och enkla naturen hos många medeltida bilder. Men andra författare var mindre sympatiska för medeltida konst och många traditionella ikonografier som ansågs utan adekvat biblisk grund var i praktiken förbjudna (till exempel Jungfruns svimning), liksom all inkludering av klassiska hedniska element i religiös konst, och nästan all nakenhet, inklusive det av Jesusbarnet. Enligt medeltida Émile Mâle var detta "den medeltida konstens död".

Barockkonst

Huvudartikel: Barock
Altaret i Vierzehnheiligen , pilgrimsfärdskyrkan i Oberfranken

Barockkonst, som utvecklades under decennierna efter konciliet i Trent, även om i vilken utsträckning detta påverkade det är en fråga om debatt, uppfyllde verkligen de flesta av rådets krav, särskilt i de tidigare, enklare faserna i samband med Carracci och Caravaggio , som ändå mötte prästerligt motstånd över realismen hos sina heliga gestalter.

The Crucifixion of Saint Peter , 1601. Cerasi Chapel , Santa Maria del Popolo , Rom

Ämnen visades på ett direkt och dramatiskt sätt, med relativt få abstruerade anspelningar. Valet av ämnen breddades avsevärt, eftersom barockkonstnärer gladde sig åt att hitta nya bibliska episoder och dramatiska ögonblick från helgonens liv. När rörelsen fortsatte in på 1600-talet tenderade enkelhet och realism att minska, långsammare i Spanien och Frankrike, men dramatiken kvarstod, producerad av skildringen av extrema ögonblick, dramatiska rörelser, färg- och chiaroscuro-belysning, och om nödvändigt mängder av upprörda keruber och virvlande moln, alla avsedda att överväldiga den tillbedjare. Arkitektur och skulptur syftade till samma effekter; Bernini (1598–1680) representerar barockstilen inom dessa konster. Barockkonst spreds över det katolska Europa och in i de utomeuropeiska beskickningarna i Asien och Amerika, främjat av jesuiterna och franciskanerna , som lyfter fram målning och/eller skulptur från Quito School , Cuzco School och Chilote School of Religious Imagery .

Nya ikoniska ämnen som populariserades under barocken inkluderar Jesu heliga hjärta och Marias obefläckade avlelse ; den definitiva ikonografin för den sistnämnda tycks ha fastställts av mästaren och sedan svärfar till Diego Velázquez , målaren och teoretikern Francisco Pacheco , till vilken inkvisitionen i Sevilla också kontrakterade godkännandet av nya bilder. Marias antagande blev ett mycket vanligt ämne, och (trots en Caravaggio av ämnet) blev Jungfruns död nästan utdöd i katolsk konst; Molanus och andra hade skrivit emot det.

1700-talet

Gianbattista Tiepolo , Madonna och barn med den helige Philip Neri , 1739–40

På 1700-talet utvecklades den sekulära barocken till den ännu mer flamboyanta men lättare rokokostilen , som var svår att anpassa till religiösa teman, även om Gianbattista Tiepolo kunde göra det. Under senare delen av århundradet kom en reaktion, särskilt inom arkitekturen, mot barocken, och en återgång till mer strama klassiska och palladiska former.

Vid det här laget avtog produktionstakten av religiös konst märkbart. Efter en ström av byggnader och ombyggnader under barocken, var katolska länder mestadels tydligt överstockade med kyrkor, kloster och kloster, i fallet med vissa platser som Neapel , nästan absurt så. Kyrkan var nu mindre viktig som beskyddare än kungligheter och aristokratin, och medelklassens efterfrågan på konst, mestadels sekulär, ökade snabbt. Konstnärer kunde nu ha en framgångsrik karriär med att måla porträtt, landskap, stilleben eller andra genrespecialismer, utan att någonsin måla ett religiöst ämne – något ovanligt hittills ovanligt i de katolska länderna, även om det länge varit normen i protestantiska länder. Antalet försäljningar av målningar, metallarbeten och andra kyrkliga inventarier till privata samlare ökade under seklet, särskilt i Italien, där Grand Tour gav upphov till nätverk av återförsäljare och agenter. Leonardo da Vincis London Virgin of the Rocks såldes till den skotske konstnären och återförsäljaren Gavin Hamilton av kyrkan i Milano som den målades för omkring 1781; versionen i Louvren har tydligen avledats från samma kyrka tre århundraden tidigare av Leonardo själv, för att gå till kungen av Frankrike.

Krigen efter den franska revolutionen såg stora mängder av den finaste konsten, i synnerhet målningar, noggrant utvalda för tillägnelse av de franska arméerna eller de sekulära regimer de etablerade. Många skickades till Paris för Louvren (en del för att så småningom återlämnas, andra inte) eller lokala museer som inrättats av fransmännen, som Brera i Milano . Undertryckandet av kloster, som hade pågått i årtionden under katolska upplysta despoter av Ancien Régime , till exempel i Edict on Idle Institutions (1780) av Joseph II av Österrike , intensifierades avsevärt. År 1830 visades mycket av den bästa katolska religiösa konsten offentligt på museer, vilket har varit fallet sedan dess. Detta utökade utan tvekan tillgången till många verk och främjade allmänhetens medvetenhet om arvet från katolsk konst, men till en kostnad, eftersom föremål kom att betraktas som av främst konstnärlig snarare än religiös betydelse, och sågs utanför sitt ursprungliga sammanhang och miljön. de var designade för.

1800- och 1900-talen

The Renunciation of St. Elizabeth of Hungary (1850) av den prerafaelitiska konstnären James Collinson , en konverterad till katolicismen

På 1800-talet såg både katolska och protestantiska kyrkor ett utbrett förkastande av klassicismen, som var förknippad med den franska revolutionen och upplysningens sekularism. Detta ledde till den gotiska väckelsen , en återgång till gotisk-influerade former inom arkitektur, skulptur och måleri, ledd av personer som Augustus Pugin i England och Eugène Viollet-le-Duc i Frankrike. Över hela världen producerades tusentals gotiska kyrkor och katedraler i en ny våg av kyrkobyggande, och den kollegiala gotiska stilen blev normen för andra kyrkliga institutioner. Medeltida gotiska kyrkor, särskilt i England och Frankrike, restaurerades, ofta mycket hårt. Inom måleriet ledde liknande attityder till den tyska nazarenerrörelsen och de engelska prerafaeliterna . Båda rörelserna omfattade både katolska och protestantiska medlemmar, men inkluderade några konstnärer som konverterade till katolicismen.

Typisk populär bild av Marias obefläckade hjärta

Utanför dessa och liknande rörelser producerade etableringskonstvärlden mycket mindre religiös måleri än någon gång sedan romarriket, även om många typer av brukskonst för kyrkoinredning i gotisk stil gjordes. Kommersiell populär katolsk konst blomstrade med hjälp av billigare tekniker för massreproduktion. Färglitografi gjorde det möjligt att reproducera färgbilder billigt, vilket ledde till en mycket bredare cirkulation av heliga kort . Mycket av denna konst fortsatte att använda urvattnade versioner av barockstilar. Marias obefläckade hjärta var ett nytt ämne på 1800-talet, och nya uppenbarelser i Lourdes och Fátima , såväl som nya helgon, gav nya ämnen för konsten.

Arkitekter började återuppliva andra tidigare kristna stilar och experimentera med nya, vilket gav resultat som Sacre Coeur i Paris, Sagrada Familia i Barcelona och den bysantinskt influerade Westminster Cathedral i London. 1900-talet ledde till antagandet av modernistiska stilar inom arkitektur och konst. Denna rörelse förkastade traditionella former till förmån för utilitaristiska former med ett absolut minimum av dekoration. Sådan konst som där undvek naturalism och mänskliga egenskaper och gynnade stiliserade och abstrakta former. Exempel på modernism inkluderar Liverpool Metropolitan Cathedral of Christ the King och Los Angeles Cathedral .

Moderna katolska konstnärer inkluderar Brian Whelan , Efren Ordonez , Ade Bethune , Imogen Stuart och Georges Rouault .

2000-talet

Det tidiga antagandet av modernistiska stilar i början av 2000-talet fortsatte med trenderna från 1900-talet. Konstnärer började experimentera med material och färger. I många fall bidrog detta till förenklingar som ledde till likhet med den tidiga kristna konsten. Enkelhet sågs som det bästa sättet att föra rena kristna budskap till tittaren.

Ämnen

The Gent Altarpiece: The Adoration of the Lamb (interiörvy) målad 1432 av Jan van Eyck
Wilton -diptyken (ca 1395–1399), tempera på trä, varje sektion 57 cm × 29,2 cm (22,44 tum × 11,50 tum). National Gallery, London

Några av de vanligaste ämnen som skildras i katolsk konst:

Kristi liv i konsten :

Mary:

Övrig:

Se även

Fotnoter

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Catholic_art&oldid=1074585850 "