Dekorativ konst

Le Nove porslin , Skål med lock , 1765–70, målad med ruiner, mjukpasta porslin
Framsidan av Lothairkorset ( ca 1000 ), ett klassiskt exempel på "Ars Sacra"
Vinkruka , ca. 1700-talet, Kina, Walters Art Museum

Dekorationskonsten är konst eller hantverk vars föremål är design och tillverkning av föremål som är både vackra och funktionella. Det inkluderar det mesta av konst att göra föremål för interiörer av byggnader och inredning , men inte vanligtvis arkitektur . Keramikkonst , metallarbete , möbler , smycken , mode , olika former av textilkonst och glasvaror är stora grupperingar.

Användningskonst överlappar till stor del med dekorativ konst, och den moderna tillverkningen av brukskonst brukar kallas design . De dekorativa konsterna kategoriseras ofta i distinktion till "de sköna konsterna ", nämligen målning , teckning , fotografi och storskalig skulptur , som i allmänhet producerar föremål enbart för sin estetiska kvalitet och förmåga att stimulera intellektet .

Skillnad från de sköna konsterna

Surahi, Mughal , 1600-talet e.Kr. Nationalmuseet, New Delhi

Skillnaden mellan den dekorativa och den sköna konsten uppstod huvudsakligen från den postrenässanskonsten i väst, där distinktionen till största delen är meningsfull. Denna distinktion är mycket mindre meningsfull när man betraktar konsten från andra kulturer och perioder, där de mest uppskattade verken, eller till och med alla verk, inkluderar de i dekorativa medier. Till exempel islamisk konst i många perioder och platser helt och hållet av dekorativ konst, ofta med geometriska former och växtformer , liksom konsten i många traditionella kulturer.

Skillnaden mellan dekorativ och skön konst är inte särskilt användbar för att uppskatta kinesisk konst , och inte heller för att förstå tidig medeltida konst i Europa . Under den perioden i Europa fanns konst som manuskriptbelysning och monumental skulptur , men de mest prestigefyllda verken tenderade att vara i guldsmedsarbete , i gjutna metaller som brons, eller i andra tekniker som snideri i elfenben . Storskaliga väggmålningar var mycket mindre ansedda, grovt utförda och nämndes sällan i samtida källor. De sågs förmodligen som ett sämre substitut för mosaik , som för perioden måste betraktas som en konst, även om mosaik under de senaste århundradena tenderat att anses vara dekorativa. Ett liknande öde har drabbat gobelänger , som kungligheter från senmedeltiden och renässansen betraktade som den mest magnifika konstformen, och definitivt var den dyraste. Termen "ars sacra" ("heliga konster") används ibland för medeltida kristen konst utförd i metall, elfenben, textilier och andra mer värdefulla material men inte för mer sällsynta sekulära verk från den perioden.

Kinesisk skål, Northern Song Dynasty , 1000- eller 1100-tal, porslins keramik med celadonglasyr

Synen på dekoration som en "mindre konst" utmanades formellt på 1970-talet av författare och konsthistoriker som Amy Goldin och Anne Swartz. Argumentet för en sällsynt berättelse inom konsten hade tappat dragkraft vid slutet av 1900-talet genom postmodernistisk ironi och ett ökat kuratoriskt intresse för gatukonst och för etniska dekorativa traditioner. "Pattern and Decoration Movement" i New Yorks gallerier på 1980-talet, även om det var kortlivat, öppnade vägen för en mer inkluderande utvärdering av konstföremålens värde.

Påverkan av olika material

Modern förståelse av konsten i många kulturer tenderar att förvrängas av den moderna privilegieringen av bildkonstmedia framför andra, såväl som de mycket olika överlevnadsgraden för verk i olika medier. Verk i metall, framför allt i ädelmetaller, riskerar att "återvinnas" så fort de faller från modet, och användes ofta av ägare som förråd av rikedomar, för att smältas ner när extra pengar behövdes. Upplysta manuskript har en mycket högre överlevnadsgrad, särskilt i kyrkans händer, eftersom det fanns lite värde i materialen och de var lätta att förvara.

Renässansens attityder

Främjandet av den sköna konsten framför det dekorativa i europeiskt tänkande kan till stor del spåras till renässansen, då italienska teoretiker som Vasari främjade konstnärliga värden, exemplifierade av konstnärerna från högrenässansen, som satte litet värde på kostnaderna för material eller mängd skickligt arbete som krävdes för att producera ett verk, men istället värderade konstnärlig fantasi och den individuella handen av en överlägset begåvad mästare som Michelangelo , Raphael eller Leonardo da Vinci , vilket i viss mån återupplivade antikens tillvägagångssätt. Det mesta av europeisk konst under medeltiden hade producerats under en helt annan värdegrund, där både dyra material och virtuosa uppvisningar i svåra tekniker hade värderats högt. I Kina hade båda tillvägagångssätten samexisterat i många århundraden: tusch- och tvättmålning , mestadels av landskap , producerades i stor utsträckning av och för forskarbyråkrater eller "literater", och var tänkt som ett uttryck för konstnärens fantasi ovan. allt, medan andra stora konstområden, inklusive den mycket viktiga kinesiska keramik som producerats under effektivt industriella förhållanden, producerades enligt en helt annan uppsättning konstnärliga värden.

Konst och hantverk rörelse

Arts and Crafts-rörelsen "Artichoke" tapet av Morris and Co.

Den lägre statusen som gavs till konstverk i kontrast till konst minskade med uppkomsten av Arts and Crafts-rörelsen . Denna estetiska rörelse under andra hälften av 1800-talet föddes i England och inspirerades av Thomas Carlyle , John Ruskin och William Morris skrifter . Rörelsen representerade början på en större uppskattning av den dekorativa konsten i hela Europa. Arts and Crafts-rörelsens överklagande till en ny generation ledde till att den engelske arkitekten och designern Arthur H. Mackmurdo organiserade Century Guild för hantverkare 1882, för att kämpa för idén att det inte fanns någon meningsfull skillnad mellan konst och dekorativ konst. Många konvertiter, både från professionella konstnärers led och från den intellektuella klassen som helhet, hjälpte till att sprida rörelsens idéer.

Inflytandet från Arts and Crafts-rörelsen ledde till att den dekorativa konsten fick en större uppskattning och status i samhället och detta återspeglades snart i lagändringar. Fram till antagandet av Copyright Act 1911 hade endast konstverk skyddats från otillåten kopiering. 1911 års lag utvidgade definitionen av ett "konstnärligt verk" till att även omfatta verk av "konstnärligt hantverk".

Massproduktion och kundanpassning

Elektrisk lampa i form av en sköldpadda

I samband med massproduktion och konsumtion kommer vissa individer att försöka skapa eller behålla sin livsstil eller att konstruera sin identitet när de tvingas acceptera massproducerade identiska föremål i sitt liv. Enligt Campbell i sitt stycke "The Craft Consumer" görs detta genom att välja varor med specifika avsikter i åtanke att förändra dem. Istället för att acceptera ett främmande föremål för vad det är, inkorporeras och ändras det främmande föremålet för att passa ens livsstil och val, eller anpassas .

Ett sätt att få ett skräddarsytt utseende och känsla för vanliga föremål är att ändra deras yttre utseende genom att använda dekorativa tekniker, som i decoupage , konstbilar , lastbilskonst i södra Asien och IKEA -hacking.

Se även

Referenser och källor

Referenser
Källor
  • Fiell, Charlotte och Peter, red. Årsbok för dekorativ konst (en för varje årtionde av 1900-talet). Översatt. Bonn: Taschen , 2000.
  • Fleming, John och Hugh Honour. Ordbok för de dekorativa konsterna . New York: Harper och Row, 1977.
  • Frank, Isabelle. The Theory of Decorative Art: An Anthology of European and American Writings, 1750–1940 . New Haven: Yale University Press, 2000.
  • Campbell, Gordon. The Grove Encyclopedia of Decorative Arts . New York: Oxford University Press, 2006.
  • Thornton, Peter. Autentisk inredning: Heminredning, 1620–1920 . London: Seven Dials, 2000.

Vidare läsning

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Decorative_arts&oldid=1138904268 "