Konst

Den här artikeln handlar om det allmänna konstbegreppet. För gruppen av kreativa discipliner, se Konsten . För annan användning, se Art (disambiguation) .

Medurs från övre vänster: ett självporträtt från 1887 av Vincent van Gogh ; en kvinnlig förfadersfigur av en Chokwe -konstnär; detalj från The Birth of Venus ( c. 1484 –1486) av Sandro Botticelli ; och ett Okinawan Shisa- lejon

Konst är en mångfald av mänsklig aktivitet , och resulterande produkt, som involverar kreativ eller fantasifull talang som uttrycker teknisk skicklighet, skönhet , känslomässig kraft eller konceptuella idéer .

Det finns ingen allmänt överenskommen definition av vad konst är, och dess tolkning har varierat mycket genom historien och mellan kulturer. I den västerländska traditionen är de tre klassiska grenarna av bildkonst målning , skulptur och arkitektur . Teater , dans och annan scenkonst , såväl som litteratur , musik , film och andra medier såsom interaktiva medier , ingår i en bredare definition av konsten . Fram till 1600-talet konst på någon skicklighet eller behärskning och var inte särskiljd från hantverk eller vetenskap . I modernt bruk efter 1600-talet, där estetiska överväganden är av största vikt, är de sköna konsterna separerade och särskiljda från förvärvade färdigheter i allmänhet, såsom dekorativ eller tillämpad konst .

Arten av konst och relaterade begrepp, såsom kreativitet och tolkning , utforskas inom en gren av filosofin som kallas estetik . De resulterande konstverken studeras inom de professionella områdena konstkritik och konsthistoria .

Översikt

I ett konsthistoriskt perspektiv har konstnärliga verk funnits nästan lika länge som mänskligheten: från tidig förhistorisk konst till samtida konst ; vissa teoretiker tycker dock att det typiska begreppet "konstnärliga verk" inte passar bra utanför moderna västerländska samhällen. En tidig betydelse av definitionen av konst är nära besläktad med den äldre latinska betydelsen, som ungefär översätts till "skicklighet" eller "hantverk", som förknippas med ord som "hantverkare". Engelska ord som härrör från denna betydelse inkluderar artefakt , artificiell , artificiell , medicinsk konst och militär konst . Det finns dock många andra vardagliga användningar av ordet, alla med något samband med dess etymologi .

Flaska från 1900-talet, Twa -folk, Rwanda. Konstnärliga verk kan fylla praktiska funktioner, utöver sitt dekorativa värde.

Med tiden ifrågasatte filosofer som Platon , Aristoteles , Sokrates och Immanuel Kant , bland andra, betydelsen av konst. Flera dialoger i Platon tar upp frågor om konst: Sokrates säger att poesin är inspirerad av muserna och inte är rationell. Han talar gillande om detta och andra former av gudomlig galenskap (fylleri, erotik och drömmar) i Phaedrus ( 265a –c), och ändå vill han i republiken förbjuda Homeros stora poetiska konst, och även skratt. I Ion ger Sokrates ingen antydan om det ogillande av Homeros som han uttrycker i republiken . Dialogen Ion antyder att Homers Iliaden fungerade i den antika grekiska världen som Bibeln gör idag i den moderna kristna världen: som gudomligt inspirerad litterär konst som kan ge moralisk vägledning, om den bara kan tolkas rätt.

När det gäller den litterära konsten och musikkonsten, ansåg Aristoteles episk poesi , tragedi, komedi, dityrambisk poesi och musik vara mimetisk eller imiterande konst, var och en varierande i imitation efter medium, föremål och sätt. Till exempel imiterar musik med media av rytm och harmoni, medan dans imiterar med enbart rytm och poesi med språk. Formerna skiljer sig också åt i deras imitationsobjekt. Komedi, till exempel, är en dramatisk imitation av män som är värre än genomsnittet; medan tragedi imiterar män något bättre än genomsnittet. Slutligen skiljer sig formerna åt i sitt sätt att imitera – genom berättelse eller karaktär, genom förändring eller ingen förändring, och genom drama eller ingen dramatik. Aristoteles trodde att imitation är naturligt för mänskligheten och utgör en av mänsklighetens fördelar gentemot djur.

Den nyare och specifika betydelsen av ordet konst som en förkortning för skapande konst eller skön konst uppstod i början av 1600-talet. Konst hänvisar till en färdighet som används för att uttrycka konstnärens kreativitet, eller för att engagera publikens estetiska känsla, eller för att dra publiken till övervägande av mer raffinerade eller finare konstverk.

I denna senare betydelse kan ordet konst syfta på flera saker: (i) en studie av en kreativ färdighet, (ii) en process för att använda den kreativa färdigheten, (iii) en produkt av den kreativa färdigheten, eller (iv) publikens erfarenhet av den kreativa färdigheten. Den kreativa konsten ( konst som disciplin) är en samling discipliner som producerar konstverk ( konst som objekt) som tvingas av en personlig drivkraft (konst som aktivitet) och förmedlar ett budskap, stämning eller symbolik för den som uppfattar att tolka (konst som erfarenhet). Konst är något som stimulerar en individs tankar, känslor, övertygelser eller idéer genom sinnena. Konstverk kan uttryckligen tillverkas för detta ändamål eller tolkas utifrån bilder eller föremål. För vissa forskare, såsom Kant, kunde vetenskapen och konsten särskiljas genom att ta vetenskapen som representerande kunskapens domän och konsten som representerande domänen för den konstnärliga uttrycksfriheten.

Baksidan av ett ovalt handfat eller fat från renässansen, i Metropolitan Museum of Art

Ofta, om färdigheten används på ett vanligt eller praktiskt sätt, kommer folk att betrakta det som ett hantverk istället för konst. På samma sätt, om färdigheten används på ett kommersiellt eller industriellt sätt, kan det betraktas som kommersiell konst istället för konst. Å andra sidan betraktas hantverk och design ibland som brukskonst . Vissa konstanhängare har hävdat att skillnaden mellan konst och brukskonst har mer att göra med värdebedömningar som görs om konsten än någon tydlig definitionsskillnad. Men även konst har ofta mål utöver ren kreativitet och självuttryck. Syftet med konstverk kan vara att förmedla idéer, såsom i politiskt, andligt eller filosofiskt motiverad konst; att skapa en känsla av skönhet (se estetik ); att utforska perceptionens natur; För njutning; eller för att skapa starka känslor . Syftet kan också vara till synes obefintligt.

Konstens natur har beskrivits av filosofen Richard Wollheim som "ett av de mest svårfångade av den mänskliga kulturens traditionella problem". Konst har definierats som ett medel för uttryck eller kommunikation av känslor och idéer, ett sätt att utforska och uppskatta formella element för sin egen skull, och som mimesis eller representation . Konst som mimesis har djupa rötter i Aristoteles filosofi. Leo Tolstoy identifierade konst som en användning av indirekta medel för att kommunicera från en person till en annan. Benedetto Croce och RG Collingwood förde fram den idealistiska synen att konst uttrycker känslor, och att konstverket därför i huvudsak existerar i skaparens sinne. Teorin om konst som form har sina rötter i Kants filosofi och utvecklades i början av 1900-talet av Roger Fry och Clive Bell . På senare tid har tänkare influerade av Martin Heidegger tolkat konst som det sätt på vilket en gemenskap för sig själv utvecklar ett medium för självuttryck och tolkning. George Dickie har erbjudit en institutionell konstteori som definierar ett konstverk som varje artefakt på vilken en eller flera kvalificerade personer som agerar på uppdrag av den sociala institutionen som vanligtvis kallas "konstvärlden" har gett "statusen som kandidat för uppskattning" ". Larry Shiner har beskrivit konst som "inte en essens eller ett öde utan något vi har gjort. Konst som vi allmänt har förstått det är en europeisk uppfinning som är knappt tvåhundra år gammal."

Konst kan karaktäriseras i termer av mimesis (dess representation av verkligheten), narrativ (berättande), uttryck, kommunikation av känslor eller andra egenskaper. Under den romantiska perioden kom konsten att ses som "en speciell förmåga i det mänskliga sinnet att klassificeras med religion och vetenskap".

Historia

Huvudartikel: Konsthistoria
Löwenmensch- figur , mellan 35 000 och 41 000 år gammal. Ett av de äldsta kända exemplen på en konstnärlig representation och den äldsta bekräftade statyn som någonsin upptäckts.

Ett skal graverat av Homo erectus bestämdes vara mellan 430 000 och 540 000 år gammalt. En uppsättning av åtta 130 000 år gamla havsörnsklötor har skärmärken och nötning som indikerar manipulation av neandertalare, möjligen för att använda den som smycke. En serie små, borrade snäckskal omkring 75 000 år gamla upptäcktes i en sydafrikansk grotta. Behållare som kan ha använts för att hålla färger har hittats så långt tillbaka som 100 000 år.

Det äldsta konstverket som finns i Europa är Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , som går tillbaka 51 000 år och tillverkat av neandertalare.

Skulpturer, grottmålningar , hällmålningar och hällristningar från övre paleolitikum som dateras till ungefär 40 000 år sedan har hittats, men den exakta innebörden av sådan konst är ofta omtvistad eftersom så lite är känt om de kulturer som producerade dem.

De första obestridda skulpturerna och liknande konstverk, som Venus i Hohle Fels , är de många föremål som hittats vid grottorna och istidens konst i den schwabiska Jura UNESCO : s världsarvslista , där de äldsta icke-stationära verk av mänsklig konst som hittills upptäckts var hittades, i form av snidade djur- och humanoida figurer, förutom de äldsta musikinstrument som hittills grävts fram, med artefakter som daterar sig mellan 43 000 och 35 000 f.Kr., vilket är det första centrumet för mänsklig konst.

Grottmålning av en häst från Lascaux -grottorna, ca. 16 000 BP

Många stora traditioner inom konst har en grund i konsten av en av de stora antika civilisationerna: det antika Egypten , Mesopotamien , Persien , Indien, Kina, det antika Grekland, Rom, såväl som Inka , Maya och Olmec . Var och en av dessa centra för tidig civilisation utvecklade en unik och karakteristisk stil i sin konst. På grund av storleken och varaktigheten av dessa civilisationer har fler av deras konstverk överlevt och mer av deras inflytande har överförts till andra kulturer och senare tider. Vissa har också tillhandahållit de första uppgifterna om hur artister arbetade. Till exempel såg denna period av grekisk konst en vördnad av den mänskliga fysiska formen och utvecklingen av likvärdiga färdigheter för att visa muskulatur, balans, skönhet och anatomiskt korrekta proportioner.

Inom den västerländska medeltidens bysantinska och medeltida konst fokuserade mycket konst på uttrycket av ämnen om biblisk och religiös kultur, och använde stilar som visade en himmelsk världs högre härlighet, såsom användningen av guld i bakgrunden av målningar, eller glas i mosaik eller fönster, som också presenterade figurer i idealiserade, mönstrade (platta) former. Ändå kvarstod en klassisk realistisk tradition i små bysantinska verk, och realismen växte stadigt i konsten i det katolska Europa .

Renässanskonsten hade en kraftigt ökad betoning på den realistiska skildringen av den materiella världen och människans plats i den, vilket återspeglas i människokroppens kroppslighet, och utvecklingen av en systematisk metod för grafiskt perspektiv för att skildra lågkonjunktur i en tredimensionell bild utrymme.

Den stiliserade signaturen av Sultan Mahmud II av det osmanska riket skrevs i islamisk kalligrafi . Det står "Mahmud Khan, son till Abdulhamid är för evigt segerrik".
Den stora moskén i Kairouan i Tunisien, även kallad Uqba-moskén, är ett av de finaste, mest betydelsefulla och bäst bevarade konstnärliga och arkitektoniska exemplen på tidiga stora moskéer. Daterat i sitt nuvarande tillstånd från 900-talet, är det förfader och modell för alla moskéer i de västra islamiska länderna.

I öst ledde islamisk konsts förkastande av ikonografi till betoning på geometriska mönster , kalligrafi och arkitektur . Längre österut dominerade religion också konstnärliga stilar och former. Indien och Tibet såg tonvikt på målade skulpturer och dans, medan religiös målning lånade många konventioner från skulptur och tenderade till ljusa kontrasterande färger med betoning på konturer. Kina såg hur många konstformer blomstrade: jadesnideri, bronsverk, keramik (inklusive kejsar Qins fantastiska terrakottaarmé ) , poesi, kalligrafi, musik, målning, drama, fiktion, etc. Kinesiska stilar varierar mycket från era till era och varje en är traditionellt uppkallad efter den härskande dynastin. Så, till exempel, Tang-dynastins målningar är monokromatiska och sparsamma, och betonar idealiserade landskap, men Ming-dynastins målningar är upptagna och färgstarka och fokuserar på att berätta historier via miljö och komposition. Japan döper också sina stilar efter kejserliga dynastier och såg också mycket samspel mellan stilarna kalligrafi och målning. Träblockstryck blev viktigt i Japan efter 1600-talet.

Kinesisk målning av Song-dynastins konstnär Ma Lin, ca. 1250 . 24,8 × 25,2 cm

Den västerländska upplysningstiden på 1700-talet såg konstnärliga skildringar av fysiska och rationella säkerheter i urverksuniversumet, såväl som politiskt revolutionära visioner av en postmonarkistisk värld, som Blakes skildring av Newton som en gudomlig geometer, eller David s propagandistiska målningar. Detta ledde till romantiska avvisande av detta till förmån för bilder av den känslomässiga sidan och individualiteten hos människor, exemplifierade i Goethes romaner . Det sena 1800-talet såg sedan en mängd konstnärliga rörelser , såsom akademisk konst , symbolism , impressionism och fauvism bland andra.

1900-talskonstens historia är en berättelse om oändliga möjligheter och sökandet efter nya standarder, som var och en rivs ner i följd av nästa. Således kan parametrarna för impressionism , expressionism , fauvism , kubism , dadaism , surrealism , etc. inte upprätthållas särskilt mycket efter tiden för deras uppfinning. Den ökande globala interaktionen under denna tid såg ett motsvarande inflytande från andra kulturer i västerländsk konst. Således hade japanska träblockstryck (som själva påverkats av västerländsk renässans ritning) ett enormt inflytande på impressionismen och efterföljande utveckling. Senare togs afrikanska skulpturer upp av Picasso och till viss del av Matisse . På liknande sätt har västvärlden under 1800- och 1900-talen haft enorma effekter på österländsk konst med ursprungligen västerländska idéer som kommunism och postmodernism som utövade ett kraftfullt inflytande.

Modernismen , det idealistiska sökandet efter sanning, gav vika under senare hälften av 1900-talet för ett insikt om dess ouppnåelighet. Theodor W. Adorno sa 1970: "Det tas nu för givet att ingenting som rör konst längre kan tas för givet: varken konsten själv eller konsten i förhållande till helheten, inte ens konstens rätt att existera." Relativismen accepterades som en oundviklig sanning, vilket ledde till en period av samtidskonst och postmodern kritik , där världens och historiens kulturer ses som föränderliga former, som endast kan uppskattas och hämtas från med skepticism och ironi. Dessutom blir åtskillnaden mellan kulturer alltmer suddig och vissa hävdar att det nu är mer lämpligt att tänka i termer av en global kultur snarare än regionala.

I Konstverkets uppkomst beskriver Martin Heidegger, en tysk filosof och en framstående tänkare, konstens väsen i termer av begreppen vara och sanning. Han menar att konst inte bara är ett sätt att uttrycka sanningselementet i en kultur, utan ett sätt att skapa det och ge en språngbräda från vilken "det som är" kan avslöjas. Konstverk är inte bara representationer av hur saker är, utan producerar faktiskt en gemenskaps gemensamma förståelse. Varje gång ett nytt konstverk läggs till i någon kultur förändras innebörden av vad det är att existera.

Historiskt sett har konst och konstnärliga färdigheter och idéer ofta spridits genom handel. Ett exempel på detta är Sidenvägen , där hellenistiska, iranska, indiska och kinesiska influenser kan blandas. Grekisk buddhistisk konst är ett av de mest levande exemplen på denna interaktion. Mötet mellan olika kulturer och världsbilder påverkade också det konstnärliga skapandet. Ett exempel på detta är den mångkulturella hamnmetropolen Trieste i början av 1900-talet, där James Joyce träffade författare från Centraleuropa och den konstnärliga utvecklingen av New York City som en kulturell smältdegel.

Former, genrer, media och stilar

Napoleon I på sin kejserliga tron ​​av Ingres (franska, 1806), olja på duk
Huvudartikel: Konsten

Den kreativa konsten delas ofta in i mer specifika kategorier, vanligtvis längs perceptuellt urskiljbara kategorier som media , genre, stilar och form. Konstform avser konstens element som är oberoende av dess tolkning eller betydelse. Den täcker de metoder som antagits av konstnären och den fysiska sammansättningen av konstverket, främst icke-semantiska aspekter av verket (dvs figurae ), såsom färg , kontur , dimension , medium , melodi , rymd , textur och värde . Form kan också innehålla visuella designprinciper , såsom arrangemang, balans , kontrast , betoning , harmoni , proportioner , närhet och rytm.

Generellt finns det tre filosofiska skolor om konst, med fokus på form, innehåll och sammanhang. Extrem formalism är uppfattningen att konstens alla estetiska egenskaper är formella (det vill säga en del av konstformen). Filosofer förkastar nästan universellt denna uppfattning och menar att konstens egenskaper och estetik sträcker sig bortom material, tekniker och form. Tyvärr finns det lite konsensus om terminologi för dessa informella egenskaper. Vissa författare hänvisar till ämne och innehåll – dvs denotationer och konnotationer – medan andra föredrar termer som mening och betydelse.

Extrem intentionalism menar att författarens avsikt spelar en avgörande roll i betydelsen av ett konstverk, förmedlar innehållet eller väsentlig huvudidé, medan alla andra tolkningar kan förkastas. Den definierar ämnet som de personer eller idé som representeras, och innehållet som konstnärens erfarenhet av ämnet. Till exempel är kompositionen av Napoleon I på hans kejserliga tron ​​delvis lånad från Zeusstatyn i Olympia . Som framgår av titeln är ämnet Napoleon , och innehållet är Ingres representation av Napoleon som "Kejsar-Gud bortom tid och rum". I likhet med extrem formalism avvisar filosofer vanligtvis extrem intentionalism, eftersom konst kan ha flera tvetydiga betydelser och författarens avsikt kan vara okända och därmed irrelevant. Dess restriktiva tolkning är "socialt ohälsosam, filosofiskt overklig och politiskt oklok".

Slutligen studerar den framväxande teorin om poststrukturalism konstens betydelse i ett kulturellt sammanhang, såsom idéer, känslor och reaktioner som ett verk föranleder. Det kulturella sammanhanget reduceras ofta till konstnärens tekniker och intentioner, i vilket fall analysen fortskrider i linje med formalism och intentionalism. Men i andra fall kan historiska och materiella förhållanden dominera, såsom religiösa och filosofiska övertygelser, sociopolitiska och ekonomiska strukturer, eller till och med klimat och geografi. Konstkritiken fortsätter att växa och utvecklas vid sidan av konsten.

Skicklighet och hantverk

Se även: Konceptuell konst och konstnärlig skicklighet
Adams skapelse , detalj från Michelangelos fresk i Sixtinska kapellet (1511)

Konst kan antyda en känsla av tränad förmåga eller behärskning av ett medium . Konst kan också syfta på den utvecklade och effektiva användningen av ett språk för att förmedla mening med omedelbarhet eller djup. Konst kan definieras som en handling för att uttrycka känslor, tankar och observationer.

Det finns en förståelse som uppnås med materialet som ett resultat av att hantera det, vilket underlättar ens tankeprocesser. En vanlig uppfattning är att epitetet konst , särskilt i sin förhöjda betydelse, kräver en viss nivå av kreativ expertis av konstnären, oavsett om detta är en demonstration av teknisk förmåga, en originalitet i stilistiskt förhållningssätt eller en kombination av dessa två. Traditionellt sett sågs färdighet att utföra som en egenskap oskiljaktig från konsten och därmed nödvändig för dess framgång; för Leonardo da Vinci var konsten, varken mer eller mindre än hans andra ansträngningar, en manifestation av skicklighet. Rembrandts verk, som nu prisas för sina tillfälliga dygder, beundrades mest av hans samtida för sin virtuositet. Vid sekelskiftet av 1900-talet beundrades och betraktades John Singer Sargents skickliga framträdanden omväxlande med skepsis för deras manuella flyt, men nästan samtidigt var konstnären som skulle bli epokens mest erkända och peripatetiska ikonoklast, Pablo Picasso , avslutade en traditionell akademisk utbildning där han utmärkte sig.

Detalj av Leonardo da Vincis Mona Lisa , ca. 1503 –1506, som visar sfumatos målningsteknik

En vanlig samtida kritik av viss modern konst förekommer i linje med att invända mot den uppenbara bristen på skicklighet eller förmåga som krävs i produktionen av det konstnärliga föremålet. Inom konceptkonst Marcel Duchamps fontän bland de första exemplen på verk där konstnären använde hittade föremål ("färdiga") och inte utövade några traditionellt erkända färdigheter. Tracey Emins My Bed , eller Damien Hirsts The Physical Imposibility of Death in the Mind of Someone Living följer detta exempel och manipulerar även massmedia. Emin sov (och ägnade sig åt andra aktiviteter) i sin säng innan hon placerade resultatet i ett galleri som ett konstverk. Hirst kom med den konceptuella designen för konstverket men har överlåtit det mesta av det eventuella skapandet av många verk till anställda hantverkare. Hirsts kändis bygger helt på hans förmåga att producera chockerande koncept. Själva produktionen i många konceptuella och samtida konstverk är en fråga om sammansättning av hittade föremål. Det finns dock många modernistiska och samtida konstnärer som fortsätter att utmärka sig i färdigheterna att rita och måla och i att skapa praktiska konstverk.

Syfte

En Navajo-matta gjord c. 1880
Mozarabic Beatus miniatyr . Spanien, sent 900-tal

Konst har haft ett stort antal olika funktioner genom sin historia, vilket gör att dess syfte är svårt att abstrahera eller kvantifiera till något enskilt begrepp. Detta innebär inte att syftet med konst är "vagt", utan att det har haft många unika, olika anledningar till att skapas. Några av dessa konstfunktioner ges i följande disposition. Konstens olika syften kan grupperas efter de som är omotiverade och de som är motiverade ( Lévi-Strauss ) .

Icke-motiverade funktioner

Konstens icke-motiverade syften är de som är integrerade med att vara människa, transcenderar individen eller inte uppfyller ett specifikt yttre syfte. I denna mening är konst, som kreativitet, något som människor måste göra av sin natur (dvs ingen annan art skapar konst), och är därför bortom nyttan.

  1. Grundläggande mänsklig instinkt för harmoni, balans, rytm . Konst på denna nivå är inte en handling eller ett objekt, utan en intern uppskattning av balans och harmoni (skönhet), och därför en aspekt av att vara människa bortom nyttan.

    Imitation är alltså en instinkt i vår natur. Därefter finns det instinkten för "harmoni" och rytm, meter är uppenbart delar av rytmen. Människor, som började med denna naturliga gåva, utvecklade därför gradvis sina speciella begåvningar, tills deras oförskämda improvisationer födde poesi. – Aristoteles

  2. Upplevelse av det mystiska. Konst ger ett sätt att uppleva sig själv i relation till universum. Denna upplevelse kan ofta komma omotiverad, eftersom man uppskattar konst, musik eller poesi.

    Det vackraste vi kan uppleva är det mystiska. Det är källan till all sann konst och vetenskap. – Albert Einstein

  3. Uttryck för fantasin. Konst ger ett sätt att uttrycka fantasin på icke-grammatiska sätt som inte är knutna till formaliteten i talat eller skriftspråk. Till skillnad från ord, som kommer i sekvenser och var och en har en bestämd betydelse, ger konst en rad former, symboler och idéer med betydelser som är formbara.

    Jupiters örn [som ett exempel på konst] är inte, som ett objekts logiska (estetiska) attribut, begreppet skapelsens höghet och majestät, utan snarare något annat – något som ger fantasin ett incitament att sprida sin flykt över en en mängd släktrepresentationer som väcker mer eftertanke än erkänner uttryck i ett begrepp som bestäms av ord. De tillhandahåller en estetisk idé, som tjänar ovanstående rationella idé som ett substitut för logisk presentation, men med den rätta funktionen att liva upp sinnet genom att öppna för det en utsikt till ett fält av besläktade representationer som sträcker sig bortom dess kunskap. – Immanuel Kant

  4. Ritualistiska och symboliska funktioner. I många kulturer används konst i ritualer, uppträdanden och danser som dekoration eller symbol. Även om dessa ofta inte har något specifikt utilitaristiskt (motiverat) syfte, vet antropologer att de ofta tjänar ett syfte på meningsnivå inom en viss kultur. Denna innebörd ges inte av någon enskild individ, utan är ofta resultatet av många generationers förändringar och av ett kosmologiskt förhållande inom kulturen.

    De flesta forskare som sysslar med hällmålningar eller föremål som återvunnits från förhistoriska sammanhang som inte kan förklaras i utilitaristiska termer och därmed kategoriseras som dekorativa, rituella eller symboliska, är medvetna om den fälla som termen 'konst' utgör. – Silva Tomaskova

Motiverade funktioner

Motiverade syften med konst hänvisar till avsiktliga, medvetna handlingar från konstnärens eller skaparens sida. Dessa kan vara att åstadkomma politisk förändring, att kommentera en aspekt av samhället, att förmedla en specifik känsla eller stämning, att ta upp personlig psykologi, att illustrera en annan disciplin, att (med kommersiell konst) sälja en produkt, eller användas som en form. Kommunikation.

  1. Kommunikation. Konst, när den är som enklast, är en form av kommunikation. Eftersom de flesta former av kommunikation har en avsikt eller ett mål riktat mot en annan individ, är detta ett motiverat syfte. Illustrativ konst, såsom vetenskaplig illustration, är en form av konst som kommunikation. Kartor är ett annat exempel. Innehållet behöver dock inte vara vetenskapligt. Känslor, stämningar och känslor förmedlas också genom konst.

    [Konst är en uppsättning] artefakter eller bilder med symboliska betydelser som kommunikationsmedel. – Steve Mithen

  2. Konst som underhållning . Konst kan försöka skapa en viss känsla eller stämning, i syfte att koppla av eller underhålla betraktaren. Detta är ofta funktionen för konstindustrin för filmer och videospel.
  3. Avantgardet. Konst för politisk förändring. En av de avgörande funktionerna för konsten från början av 1900-talet har varit att använda visuella bilder för att åstadkomma politisk förändring. Konströrelser som hade detta mål – dadaism , surrealism , rysk konstruktivism och abstrakt expressionism – kallas gemensamt för avantgardekonsten .

    Däremot tycks den realistiska attityden, inspirerad av positivismen, från Saint Thomas Aquinas till Anatole France, uppenbarligen vara fientlig mot alla intellektuella eller moraliska framsteg. Jag avskyr det, för det består av medelmåttighet, hat och matt inbilskhet. Det är denna attityd som idag ger upphov till dessa löjliga böcker, dessa förolämpande pjäser. Den livnär sig ständigt på och hämtar styrka från tidningarna och hämmar både vetenskap och konst genom att ihärdigt smickra de lägsta av smaker; klarhet på gränsen till dumhet, ett hundliv. – André Breton (surrealism)

  4. Konsten som en "fri zon", borttagen från den sociala misstroendevotumen. Till skillnad från avantgarderörelserna, som ville utplåna kulturella skillnader för att skapa nya universella värden, samtidskonsten ökat sin tolerans mot såväl kulturella skillnader som dess kritiska och befriande funktioner (social undersökning, aktivism, subversion, dekonstruktion, etc.) , att bli en mer öppen plats för forskning och experiment.
  5. Konst för social utredning, subversion eller anarki. Även om den liknar konst för politisk förändring, kan subversiv eller dekonstruktivistisk konst försöka ifrågasätta aspekter av samhället utan något specifikt politiskt mål. I det här fallet kan konstens funktion användas för att kritisera någon aspekt av samhället.
    Spraymåla graffiti på en vägg i Rom
    Graffitikonst och andra typer av gatukonst är grafik och bilder som är spraymålade eller stencilerade på offentligt synliga väggar, byggnader, bussar, tåg och broar, vanligtvis utan tillstånd. Vissa konstformer, som graffiti, kan också vara olagliga när de bryter mot lagar (i det här fallet vandalism).
  6. Konst för sociala ändamål. Konst kan användas för att öka medvetenheten för en mängd olika orsaker. Ett antal konstaktiviteter syftade till att öka medvetenheten om autism , cancer, människohandel och en mängd andra ämnen, såsom havsbevarande, mänskliga rättigheter i Darfur , mördade och saknade aboriginska kvinnor, övergrepp på äldre och föroreningar. Trashion , som använder skräp för att göra mode, utövat av konstnärer som Marina DeBris är ett exempel på att använda konst för att öka medvetenheten om föroreningar.
  7. Konst för psykologiska och helande syften. Konst används även av konstterapeuter, psykoterapeuter och kliniska psykologer som konstterapi . Diagnostic Drawing Series , till exempel, används för att bestämma en patients personlighet och känslomässiga funktion. Slutprodukten är inte huvudmålet i detta fall, utan snarare eftersträvas en process av helande, genom kreativa handlingar. Det resulterande konstverket kan också ge insikt i de problem som ämnet upplever och kan föreslå lämpliga tillvägagångssätt att användas i mer konventionella former av psykiatrisk terapi.
  8. Konst för propaganda, eller kommersialism. Konst används ofta som en form av propaganda, och kan därför användas för att subtilt påverka populära föreställningar eller stämningar. På liknande sätt påverkar konst som försöker sälja en produkt också humör och känslor. I båda fallen är syftet med konst här att subtilt manipulera betraktaren till en viss känslomässig eller psykologisk reaktion mot en viss idé eller ett visst objekt.
  9. Konst som fitnessindikator. Det har hävdats att förmågan hos den mänskliga hjärnan vida överstiger vad som behövdes för att överleva i förfädernas miljö. En evolutionär psykologisk förklaring till detta är att den mänskliga hjärnan och tillhörande egenskaper (såsom konstnärlig förmåga och kreativitet) är den mänskliga motsvarigheten till påfågelns svans . Syftet med påfågelhanens extravaganta svans har hävdats vara att locka till sig honor (se även Fisherian runaway and handicap-principen ). Enligt denna teori var överlägsen utförande av konst evolutionärt viktigt eftersom det attraherade kompisar.

De ovan beskrivna konstens funktioner utesluter inte varandra, eftersom många av dem kan överlappa varandra. Till exempel kan konst i underhållningssyfte också söka sälja en produkt, det vill säga filmen eller tv-spelet.

Steg

Konst kan delas in i hur många steg som helst man kan argumentera för. Det här avsnittet delar upp den kreativa processen i tre stora steg, men det finns ingen konsensus om ett exakt antal.

Förberedelse

Tänkaren i Helvetets portar på Musée Rodin

I det första steget föreställer sig konstnären konsten i sitt sinne. Genom att föreställa sig hur deras konst skulle se ut, börjar konstnären processen att få konsten till existens. Vissa postulerar att bara tanken på konsten skapar den . Andra hävdar att om man tänker på det direkt ökar chanserna att det kommer att inträffa . Förberedelse av konst kan innebära att närma sig och undersöka ämnet. Konstnärlig inspiration är en av konstens främsta drivkrafter och kan anses härröra från instinkt, intryck och känslor. "Belysningen" av en konstnärlig idé är att "komma över idén".

Skapande

Den stora vågen utanför Kanagawa , den första i Hokusais serie Thirty-sex Views of Mount Fuji

I det andra steget utför konstnären skapandet av sitt verk. Konsten som konstnären skapar kan bero på deras humör , deras omgivning och deras mentala tillstånd . Till exempel, De svarta målningarna av Francisco de Goya , skapade under de äldre åren av hans liv, anses vara så dystra eftersom han var isolerad och på grund av sin erfarenhet av krig. Han målade dem direkt på väggarna i sin lägenhet i Spanien och diskuterade dem med största sannolikhet aldrig med någon. Beatles uppgav att droger som LSD och cannabis påverkade några av deras största hits, som Revolver . Trial and error anses vara en integrerad del av skapelseprocessen.

Uppskattning

Det sista steget är konstuppskattning , som har underämnet kritik. I en studie instämde över hälften av bildkonststudenterna att reflektion är ett viktigt steg i konstprocessen. Enligt utbildningstidskrifter anses reflektion av konst vara en väsentlig del av upplevelsen. Men en viktig aspekt av konst är att andra kan se och uppskatta den också. Medan många fokuserar på om de som tittar/lyssnar/osv. tro att konsten är bra/framgångsrik eller inte, konst har ett djupt värde utöver dess kommersiella framgång som leverantör av information och hälsa i samhället. Konstnjutning kan skapa ett brett spektrum av känslor på grund av skönhet . En del konst är avsedd att vara praktisk, med sin analys flitig och avsedd att stimulera diskurs.

Allmänhetens tillgång

Metropolitan Museum of Art på Manhattan . Museer är viktiga forum för visning av bildkonst .

Sedan urminnes tider har mycket av den finaste konsten representerat en avsiktlig uppvisning av rikedom eller makt, ofta uppnådd genom att använda massiv skala och dyra material. Mycket konst har beställts av politiska härskare eller religiösa etablissemang, med mer blygsamma versioner endast tillgängliga för de mest rika i samhället.

Ändå har det funnits många perioder då konst av mycket hög kvalitet funnits tillgänglig, ägandemässigt, över stora delar av samhället, framför allt i billiga medier som keramik, som finns kvar i marken, och lättförgängliga medier som textil och trä . I många olika kulturer finns keramik från ursprungsbefolkningar i Amerika i ett så stort antal gravar att de uppenbarligen inte var begränsade till en social elit , även om andra former av konst kan ha varit det. Reproduktionsmetoder som formar gjorde massproduktion lättare och användes för att föra ut högkvalitativ antik romersk keramik och grekiska Tanagra-figurer till en mycket bred marknad. Cylindertätningar var både konstnärliga och praktiska, och mycket flitigt använt av vad som löst kan kallas medelklassen i den antika Mellanöstern . När mynten väl fick stor användning blev dessa också en konstform som nådde det bredaste utbudet av samhället.

En annan viktig innovation kom på 1400-talet i Europa, när grafiken började med små träsnitt , mestadels religiösa, som ofta var mycket små och handfärgade och överkomliga även av bönder som limmade dem på väggarna i sina hem. Tryckta böcker var till en början mycket dyra, men föll stadigt i pris tills på 1800-talet även de fattigaste hade råd med några med tryckta illustrationer. Populära tryck av många olika slag har dekorerat hem och andra platser i århundraden.

Kunstmuseum Basel , konstmuseet i Basel , Schweiz, är det äldsta offentliga konstmuseet i världen.

År 1661 öppnade staden Basel , i Schweiz , det första offentliga konstmuseet i världen, Kunstmuseum Basel . Idag kännetecknas dess samling av ett imponerande brett historiskt spann, från tidigt 1400-tal fram till nutid. Dess olika tyngdpunktsområden ger det internationell ställning som ett av de mest betydande museerna i sitt slag. Dessa omfattar: målningar och teckningar av konstnärer verksamma i Oberrhenregionen mellan 1400 och 1600, och om konsten från 1800- till 2000-talen.

Offentliga byggnader och monument , sekulära och religiösa, vänder sig till sin natur normalt till hela samhället, och besökare som betraktare och visning för allmänheten har länge varit en viktig faktor i deras utformning. Egyptiska tempel är typiska genom att den största och mest påkostade utsmyckningen placerades på de delar som kunde ses av allmänheten, snarare än de områden som bara sågs av prästerna. Många områden i kungliga palats, slott och den sociala elitens hus var ofta allmänt tillgängliga, och stora delar av sådana människors konstsamlingar kunde ofta ses, antingen av vem som helst eller av dem som kunde betala ett litet pris, eller de iklädda rätt kläder, oavsett vem de var, som på slottet i Versailles , där lämpliga extra tillbehör (silver skospännen och ett svärd) kunde hyras från butiker utanför.

Särskilda arrangemang gjordes för att tillåta allmänheten att se många kungliga eller privata samlingar placerade i gallerier, som med Orleans Collection mestadels inrymt i en flygel av Palais Royal i Paris, som kunde besökas under större delen av 1700-talet. I Italien blev konstturismen vid Grand Tour en stor industri från renässansen och framåt, och regeringar och städer ansträngde sig för att göra sina nyckelverk tillgängliga. Den brittiska kungliga samlingen förblir distinkt, men stora donationer såsom Old Royal Library gjordes från den till British Museum , som grundades 1753. Uffizierna i Florens öppnade helt som ett galleri 1765, även om denna funktion gradvis hade tagit byggnaden över från de ursprungliga tjänstemännens kontor en lång tid förut. Byggnaden som nu upptas av Prado i Madrid byggdes före den franska revolutionen för offentlig visning av delar av den kungliga konstsamlingen, och liknande kungliga gallerier som var öppna för allmänheten fanns i Wien , München och andra huvudstäder. Öppnandet av Musée du Louvren under den franska revolutionen (1793) som ett offentligt museum för mycket av den tidigare franska kungliga samlingen markerade förvisso ett viktigt steg i utvecklingen av allmänhetens tillgång till konst, och överförde äganderätten till en republikansk stat, men var en fortsättning på redan etablerade trender.

De flesta moderna offentliga museer och konstutbildningsprogram för barn i skolor kan spåras tillbaka till denna impuls att ha konst tillgänglig för alla. Men museer ger inte bara tillgång till konst, utan påverkar också hur konst uppfattas av publiken, vilket studier visade. Museet i sig är alltså inte bara en trubbig scen för presentation av konst, utan spelar en aktiv och vital roll i den övergripande konstuppfattningen i det moderna samhället.

Museer i USA tenderar att vara gåvor från de mycket rika till massorna. ( The Metropolitan Museum of Art i New York City, till exempel, skapades av John Taylor Johnston , en järnvägschef vars personliga konstsamling skapade museet.) Men trots allt detta, åtminstone en av konstens viktiga funktioner under den 21:a århundradet kvarstår som en markör för rikedom och social status.

Det har gjorts försök från konstnärer att skapa konst som inte kan köpas av de rika som ett statusobjekt. En av de främsta originalmotivatorerna för mycket av konsten under slutet av 1960- och 1970-talen var att skapa konst som inte gick att köpa och sälja. Det är "nödvändigt att presentera något mer än bara föremål" sa den stora efterkrigstidens tyske konstnär Joseph Beuys . Denna tidsperiod såg uppkomsten av sådant som performancekonst, videokonst och konceptuell konst . Tanken var att om konstverket var en föreställning som inte skulle lämna något bakom sig, eller var en idé, så kunde den inte köpas och säljas. "Demokratiska föreskrifter som kretsar kring idén att ett konstverk är en vara framkallade den estetiska innovationen som grodde i mitten av 1960-talet och som skördades under hela 1970-talet. Konstnärer som brett identifierades under rubriken Konceptuell konst ... ersatte performance och publiceringsverksamhet för engagemang med både de materiella och materialistiska angelägenheterna av målad eller skulptural form ... [har] försökt att undergräva konstobjektet qua objekt."

Versailles: Louis Le Vau öppnade den inre gården för att skapa den vidsträckta entrén cour d'honneur, senare kopierad över hela Europa.

Under decennierna sedan har dessa idéer gått förlorade eftersom konstmarknaden har lärt sig att sälja DVD-skivor i begränsade upplagor med videoverk, inbjudningar till exklusiva performancekonstverk och de föremål som blivit över från konceptuella verk. Många av dessa föreställningar skapar verk som bara förstås av eliten som har utbildats om varför en idé eller video eller ett skenbart skräp kan betraktas som konst. Statusmarkören blir att förstå verket istället för att nödvändigtvis äga det, och konstverket förblir en överklassaktivitet. "Med den utbredda användningen av DVD-inspelningsteknik i början av 2000-talet fick konstnärer och gallerisystemet som får sina vinster från försäljning av konstverk ett viktigt sätt att kontrollera försäljningen av video- och datorkonstverk i begränsade upplagor till samlare."

Kontroverser

Théodore Géricaults flotte av Medusa , ca. 1820

Konst har länge varit kontroversiell, det vill säga ogillas av vissa tittare, av en mängd olika anledningar, även om de flesta förmoderna kontroverser är svagt registrerade eller helt förlorade för en modern syn. Ikonoklasm ​​är förstörelsen av konst som ogillas av olika anledningar, inklusive religiösa. Anikonism är en allmän motvilja mot antingen alla figurativa bilder, eller ofta bara religiösa, och har varit en tråd i många stora religioner. Det har varit en avgörande faktor i historien om islamisk konst , där skildringar av Muhammed fortfarande är särskilt kontroversiella. Mycket konst har ogillats enbart för att den avbildade eller på annat sätt stod för impopulära härskare, partier eller andra grupper. Konstnärliga konventioner har ofta varit konservativa och tagits på största allvar av konstkritiker , men ofta mycket mindre av en bredare publik. Det ikonografiska innehållet i konst kan orsaka kontroverser, som med senmedeltida skildringar av det nya motivet av Jungfruns svimning i scener av Jesu korsfästelse . Den sista domen av Michelangelo var kontroversiell av olika anledningar, inklusive kränkningar av dekorum genom nakenhet och Kristi Apollo -liknande ställning.

Innehållet i mycket formell konst genom historien dikterades av beskyddaren eller kommissionären snarare än bara konstnären, men med tillkomsten av romantiken och ekonomiska förändringar i produktionen av konst, blev konstnärernas vision den vanliga avgörande faktorn för innehållet i hans konst. konst, vilket ökar förekomsten av kontroverser, men ofta minskar deras betydelse. Starka incitament för upplevd originalitet och publicitet uppmuntrade också konstnärer att upprätthålla kontroverser. Théodore Géricaults Flotte av Medusa ( ca 1820 ), var delvis en politisk kommentar till en nyligen genomförd händelse. Édouard Manets Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) ansågs vara skandalös inte på grund av den nakna kvinnan, utan för att hon sitter bredvid män helt klädda i tidens kläder, snarare än i den antika världens dräkter. John Singer Sargents Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), orsakade en kontrovers över den rödrosa som användes för att färga kvinnans örsnibb, som ansågs alldeles för suggestiv och förmodades förstöra högsamhällesmodellens rykte. Det gradvisa övergivandet av naturalismen och skildringen av realistiska representationer av ämnens visuella utseende under 1800- och 1900-talen ledde till en rullande kontrovers som varade i över ett sekel.

Föreställning av Joseph Beuys , 1978: Alla en konstnär – På väg mot den sociala organismens libertarianska form

På 1900-talet använde Pablo Picassos Guernica ( 1937) gripande kubistiska tekniker och skarpa monokromatiska oljor för att skildra de upprörande konsekvenserna av en samtida bombning av en liten, gammal baskisk stad. Leon Golubs Interrogation III (1981), föreställer en kvinnlig naken fånge med huva fastspänd vid en stol, hennes ben öppnade för att avslöja hennes könsorgan, omgiven av två plågoande klädda i vardagskläder. Andres Serranos Piss Christ (1989) är ett fotografi av ett krucifix, heligt för den kristna religionen och som representerar Kristi offer och slutliga lidande, nedsänkt i ett glas av konstnärens egen urin. Det resulterande uppståndelsen ledde till kommentarer i den amerikanska senaten om offentlig finansiering av konsten.

Teori

Huvudartikel: Estetik

Före modernismen var estetik i västerländsk konst mycket angelägen om att uppnå den lämpliga balansen mellan olika aspekter av realism eller sanning för naturen och idealet ; idéer om vad den lämpliga balansen är har skiftat fram och tillbaka under århundradena. Denna oro saknas till stor del i andra konsttraditioner. Den estetiska teoretikern John Ruskin , som försvarade vad han såg som J. M. W. Turners naturalism , såg konstens roll som konstgjord kommunikation av en väsentlig sanning som bara kunde hittas i naturen.

Definitionen och utvärderingen av konst har blivit särskilt problematisk sedan 1900-talet. Richard Wollheim särskiljer tre tillvägagångssätt för att bedöma konstens estetiska värde: realisten , där estetisk kvalitet är ett absolut värde oberoende av varje människosyn; objektivisten , varvid den också är ett absolut värde, men är beroende av allmän mänsklig erfarenhet ; och den relativistiska positionen , där det inte är ett absolut värde, utan beror på och varierar med olika människors mänskliga erfarenheter.

Modernismens ankomst

Komposition med rött blått och gult (1930) av Piet Mondrian (nederländska, 1872–1944)

Modernismens ankomst i slutet av 1800-talet ledde till ett radikalt brott i uppfattningen om konstens funktion, och sedan igen i slutet av 1900-talet med tillkomsten av postmodernismen . Clement Greenbergs artikel "Modernist Painting" från 1960 definierar modern konst som "användningen av karakteristiska metoder för en disciplin för att kritisera själva disciplinen". Greenberg tillämpade ursprungligen denna idé på den abstrakta expressionistiska rörelsen och använde den som ett sätt att förstå och rättfärdiga platt (icke-illusionistisk) abstrakt målning:

Realistisk, naturalistisk konst hade plockat undan mediet och använde konst för att dölja konst; modernismen använde konst för att uppmärksamma konsten. De begränsningar som utgör måleriets medium – den plana ytan, formen på stödet, pigmentets egenskaper – behandlades av de gamla mästarna som negativa faktorer som endast kunde erkännas implicit eller indirekt. Under modernismen kom samma begränsningar att betraktas som positiva faktorer och erkändes öppet.

Efter Greenberg växte flera viktiga konstteoretiker fram, såsom Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin och Griselda Pollock med flera. Även om Greenbergs definition av modern konst ursprungligen endast var tänkt som ett sätt att förstå en specifik uppsättning konstnärer, är den viktig för många av konstidéerna inom de olika konströrelserna under 1900-talet och början av 2000-talet.

Popkonstnärer som Andy Warhol blev både anmärkningsvärda och inflytelserika genom arbete som inklusive och möjligen kritiserade populärkulturen, såväl som konstvärlden . Konstnärer på 1980-, 1990- och 2000-talen utökade denna teknik för självkritik bortom hög konst till allt kulturellt bildskapande, inklusive modebilder, serier, skyltar och pornografi.

Duchamp föreslog en gång att konst är vilken aktivitet som helst – allt. Men sättet att idag klassificera vissa aktiviteter som konst är en social konstruktion. Det finns bevis för att det kan finnas ett element av sanning i detta. I The Invention of Art: A Cultural History undersöker Larry Shiner konstruktionen av det moderna konstsystemet, det vill säga skön konst. Han finner bevis för att det äldre konstsystemet före vårt moderna system (fin konst) ansåg att konst var vilken skicklig mänsklig aktivitet som helst; till exempel hade det antika grekiska samhället inte termen konst , utan techne . Techne kan varken förstås som konst eller hantverk, anledningen är att skillnaderna mellan konst och hantverk är historiska produkter som kom senare i mänsklighetens historia. Techne inkluderade målning, skulptering och musik, men också matlagning, medicin, ridning , geometri , snickeri, profetior och jordbruk, etc.

Ny kritik och den "avsiktliga villfarelsen"

Efter Duchamp under första hälften av 1900-talet skedde ett betydande skifte till allmän estetisk teori som försökte tillämpa estetisk teori mellan olika former av konst, inklusive litterär konst och bildkonst, på varandra. Detta resulterade i uppkomsten av New Criticism -skolan och debatt om den avsiktliga villfarelsen . Frågan gällde huruvida konstnärens estetiska avsikter med att skapa konstverket, oavsett dess specifika form, skulle förknippas med kritiken och utvärderingen av konstverkets slutprodukt, eller om konstverket bör utvärderas utifrån sina egna meriter oberoende av konstnärens intentioner.

År 1946 publicerade William K. Wimsatt och Monroe Beardsley en klassisk och kontroversiell New Critical-essä med titeln " The Intentional Fallacy ", där de argumenterade starkt mot relevansen av en författares avsikt , eller "avsedd mening" i analysen av ett litterärt verk. . För Wimsatt och Beardsley var orden på sidan allt som gällde; import av betydelser utanför texten ansågs irrelevant och potentiellt distraherande.

I en annan essä, " The Affective Fallacy ", som fungerade som en slags systeressä till "The Intentional Fallacy", diskuterade Wimsatt och Beardsley också läsarens personliga/emotionella reaktion på ett litterärt verk som ett giltigt sätt att analysera en text. Denna felaktighet skulle senare förkastas av teoretiker från den litteraturteoretiska läsaren-svar- skolan. Ironiskt nog blev en av de ledande teoretikerna från denna skola, Stanley Fish , själv utbildad av New Critics. Fish kritiserar Wimsatt och Beardsley i sin essä "Literature in the Reader" från 1970.

Som sammanfattats av Berys Gaut och Paisley Livingston i deras essä "The Creation of Art": "Strukturalistiska och poststrukturalistiska teoretiker och kritiker var skarpt kritiska mot många aspekter av New Criticism, med början med betoningen på estetisk uppskattning och den så kallade autonomin konst, men de upprepade attacken mot biografisk kritiks antagande att konstnärens verksamhet och erfarenhet var ett privilegierat kritiskt ämne." Dessa författare hävdar att: "Anti-intentionalister, såsom formalister, anser att intentionerna som är involverade i att skapa konst är irrelevanta eller perifera för att korrekt tolka konst. Så detaljer om handlingen att skapa ett verk, även om de möjligen är av intresse i sig själva, har ingen betydelse för den korrekta tolkningen av verket."

Gaut och Livingston definierar intentionalisterna som skilda från formalisterna och säger att: "Intentionalister, till skillnad från formalister, anser att hänvisning till avsikter är avgörande för att fastställa den korrekta tolkningen av verk." De citerar Richard Wollheim som säger att "Kritikens uppgift är rekonstruktionen av den kreativa processen, där den kreativa processen i sin tur måste ses som något som inte stannar för, utan slutar på, själva konstverket."

"Språklig vändning" och dess debatt

Slutet av 1900-talet ledde till en omfattande debatt känd som den språkliga vändningskontroversen , eller den "oskyldiga ögondebatten" inom konstfilosofin. Denna debatt diskuterade konstverkets möte som bestämt av den relativa utsträckning i vilken det konceptuella mötet med konstverket dominerar över det perceptuella mötet med konstverket.

Avgörande för den språkliga vändningsdebatten i konsthistorien och humaniora var verken av ännu en tradition, nämligen Ferdinand de Saussures strukturalism och den efterföljande poststrukturalismens rörelse . 1981 skapade konstnären Mark Tansey ett konstverk med titeln The Innocent Eye som en kritik av det rådande klimatet av oenighet i konstfilosofin under 1900-talets avslutande decennier. Inflytelserika teoretiker inkluderar Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault och Jacques Derrida . Språkets kraft, närmare bestämt vissa retoriska troper, i konsthistoria och historisk diskurs utforskades av Hayden White . Det faktum att språket inte är ett genomskinligt tankemedium hade betonats av en helt annan form av språkfilosofi som har sitt ursprung i Johann Georg Hamanns och Wilhelm von Humboldts verk . Ernst Gombrich och Nelson Goodman i sin bok Languages ​​of Art: An Approach to a Theory of Symbols kom fram till att det konceptuella mötet med konstverket dominerade uteslutande över det perceptuella och visuella mötet med konstverket under 1960- och 1970-talen. Han utmanades på grundval av forskning gjord av den nobelprisbelönade psykologen Roger Sperry som hävdade att det mänskliga visuella mötet inte var begränsat till begrepp som representerades i enbart språket (den språkliga vändningen) och att andra former av psykologiska representationer av konstverket var lika försvarbara och påvisbara. Sperrys åsikt rådde så småningom i slutet av 1900-talet med estetiska filosofer som Nick Zangwill som starkt försvarade en återgång till måttlig estetisk formalism bland andra alternativ.

Klassificeringstvister

Huvudartikel: Klassificeringstvister om konst
Den ursprungliga fontänen av Marcel Duchamp , 1917, fotograferad av Alfred Stieglitz på 291 efter utställningen 1917 Society of Independent Artists . Stieglitz använde en bakgrund av The Warriors av Marsden Hartley för att fotografera urinalen. Mässanpassningsbrickan syns tydligt.

Tvister om huruvida något ska klassificeras som ett konstverk eller inte kallas klassificerande tvister om konst. Klassificeringskonflikter under 1900-talet har inkluderat kubistiska och impressionistiska målningar, Duchamps fontän , filmerna, JSG Boggs superlativa imitationer av sedlar, konceptuell konst och videospel . Filosofen David Novitz har hävdat att oenighet om definitionen av konst sällan är kärnan i problemet. Snarare är "de passionerade bekymmer och intressen som människor lägger i sitt sociala liv" "så mycket en del av alla klassificerande dispyter om konst." Enligt Novitz är klassificeringskonflikter oftare tvister om samhälleliga värderingar och vart samhället försöker ta vägen än om egentlig teori. Till exempel, när Daily Mail kritiserade Hirsts och Emins arbete genom att argumentera "I 1 000 år har konst varit en av våra stora civiliserande krafter. Idag hotar inlagda får och smutsiga sängar att göra barbarer av oss alla" är de inte det. föra fram en definition eller teori om konst, men ifrågasätter värdet av Hirsts och Emins verk. 1998 Arthur Danto ett tankeexperiment som visade att "statusen för en artefakt som konstverk är resultatet av de idéer som en kultur tillämpar på den, snarare än dess inneboende fysiska eller märkbara egenskaper. Kulturell tolkning (en konstteori av något slag ) är därför konstituerande för ett objekts konstighet."

Antikonst är en etikett för konst som avsiktligt utmanar konstens etablerade parametrar och värden; det är en term som förknippas med dadaismen och tillskrivs Marcel Duchamp strax före första världskriget, när han gjorde konst av hittade föremål . En av dessa, Fountain (1917), en vanlig pissoar, har uppnått betydande framträdande och inflytande på konsten. Anti-konst är ett inslag i arbete av Situationist International , lo-fi Mail- konströrelsen och Young British Artists , även om det är en form som fortfarande förkastas av Stuckists , som beskriver sig själva som anti-anti-konst .

Arkitektur ingår ofta som en av bildkonsten; men som inom dekorativ konst , eller reklam, handlar det om att skapa föremål där de praktiska hänsynstagandena är väsentliga på ett sätt som de vanligtvis inte är i en målning, till exempel.

Värdeomdöme

Aboriginska ihåliga stockgravar. National Gallery, Canberra , Australien.

Något i relation till ovanstående används ordet konst också för att tillämpa värdebedömningar, som i sådana uttryck som "den måltiden var ett konstverk" (kocken är en konstnär), eller "konsten att bedrägeri" (den bedragarens högt uppnådda skicklighetsnivå beröms). Det är denna användning av ordet som ett mått på hög kvalitet och högt värde som ger termen dess smak av subjektivitet. Att göra värdebedömningar kräver underlag för kritik. På den enklaste nivån är ett sätt att avgöra om föremålets påverkan på sinnena uppfyller kriterierna för att betraktas som konst om det uppfattas som attraktivt eller frånstötande. Även om perception alltid är färgad av erfarenhet och nödvändigtvis subjektiv, är det allmänt sett att det som inte på något sätt är estetiskt tillfredsställande inte kan vara konst. Men "bra" konst är inte alltid eller ens regelbundet estetiskt tilltalande för en majoritet av tittarna. Med andra ord behöver en konstnärs främsta motivation inte vara strävan efter det estetiska. Dessutom skildrar konst ofta fruktansvärda bilder gjorda av sociala, moraliska eller tankeväckande skäl. Till exempel Francisco Goyas målning som föreställer de spanska skottlossningarna den 3 maj 1808 en grafisk skildring av en skjutningsgrupp som avrättar flera vädjande civila. Men samtidigt visar det fruktansvärda bildspråket Goyas skarpa konstnärliga förmåga i komposition och utförande och producerar passande social och politisk upprördhet. Således fortsätter debatten om vilket sätt av estetisk tillfredsställelse, om någon, krävs för att definiera "konst".

Antagandet av nya värderingar eller upproret mot accepterade föreställningar om vad som är estetiskt överlägset behöver inte ske samtidigt med ett fullständigt övergivande av strävan efter det som är estetiskt tilltalande. Faktum är att det omvända ofta är sant, att revideringen av vad som populärt uppfattas som estetiskt tilltalande möjliggör en återupplivning av estetisk sensibilitet och en ny uppskattning av själva konstens normer. Otaliga skolor har föreslagit sina egna sätt att definiera kvalitet, men de verkar alla vara överens på åtminstone en punkt: när deras estetiska val väl har accepterats, bestäms värdet av konstverket av dess förmåga att överskrida gränserna för det valda mediet. att slå något universellt ackord av sällsyntheten i konstnärens skicklighet eller i dess exakta reflektion i vad som kallas tidsandan . Konst är ofta tänkt att vädja till och koppla samman med mänskliga känslor. Det kan väcka estetiska eller moraliska känslor, och kan förstås som ett sätt att kommunicera dessa känslor. Artister uttrycker något så att deras publik blir upphetsad till viss del, men de behöver inte göra det medvetet. Konst kan betraktas som en utforskning av det mänskliga tillståndet ; det vill säga vad det är att vara människa. I förlängningen har det hävdats av Emily L. Spratt att utvecklingen av artificiell intelligens , särskilt när det gäller dess användning med bilder, nödvändiggör en omvärdering av estetisk teori i konsthistorien idag och en omprövning av gränserna för mänsklig kreativitet.

Konst och juridik

En väsentlig juridisk fråga är konstförfalskningar , plagiat , repliker och verk som är starkt baserade på andra konstverk.

Handel med konstverk eller export från ett land kan vara föremål för lagregleringar. Internationellt pågår också omfattande insatser för att skydda de skapade konstverken. FN , UNESCO och Blue Shield International försöker säkerställa ett effektivt skydd på nationell nivå och att ingripa direkt i händelse av väpnade konflikter eller katastrofer . Detta kan särskilt drabba museer, arkiv, konstsamlingar och utgrävningsplatser. Detta bör också säkra den ekonomiska basen för ett land, särskilt eftersom konstverk ofta är av turistvikt. Grundaren för Blue Shield International, Karl von Habsburg , förklarade ett ytterligare samband mellan förstörelsen av kulturegendom och orsaken till flykten under ett uppdrag i Libanon i april 2019: "Kulturföremål är en del av identiteten hos de människor som bor i en viss plats. Om du förstör deras kultur, förstör du också deras identitet. Många människor rycks upp med rötterna, har ofta inte längre några framtidsutsikter och flyr som ett resultat från sitt hemland.”

Se även

Anteckningar

Anförda verk

Bibliografi

Vidare läsning

externa länkar


Biblioteksresurser om konstresurser
Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art&oldid=1140285450 "