Gotisk konst

Gotisk konst
Cenral tympanum Chartres.jpg
Sainte Chapelle Interior Stained Glass.jpg
Anonimo inglese o francese, dittico wilton, 1395-99 ca. 01.jpg
Överst: Den västra (kungliga) portalen i Chartres katedral ( cirka 1145), dessa arkitektoniska statyer är de tidigaste gotiska skulpturerna och en revolution i stil och förebilden för en generation av skulptörer; Centrum: Sainte-Chapelle från Paris (1194-1248); Nederst: Wilton-diptyken (1395–1459)
Antal aktiva år Sent 1100-tal-1500-tal

Gotisk konst var en stil av medeltida konst som utvecklades i norra Frankrike ur romansk konst på 1100-talet e.Kr., ledd av den samtidiga utvecklingen av gotisk arkitektur . Det spred sig till hela Västeuropa , och mycket av norra , södra och centrala Europa , och utplånade aldrig mer klassiska stilar i Italien. I slutet av 1300-talet utvecklades den sofistikerade hovstilen för internationell gotik , som fortsatte att utvecklas fram till slutet av 1400-talet. På många områden, särskilt i Tyskland, fortsatte sengotisk konst långt in på 1500-talet, innan den inordnades i renässanskonst . Primära medier under den gotiska perioden inkluderade skulptur , panelmålning , målat glas , fresker och belysta manuskript . De lätt igenkännliga skiftningarna i arkitekturen från romansk till gotisk och gotisk till renässansstil används vanligtvis för att definiera konstens perioder i alla medier, även om den figurativa konsten på många sätt utvecklades i en annan takt.

Den tidigaste gotiska konsten var monumental skulptur , på väggarna i katedraler och kloster. Kristen konst var ofta typologisk till sin natur (se Medeltida allegori ), och visade berättelserna om Nya testamentet och Gamla testamentet sida vid sida. Helgons liv skildrades ofta. Bilder av Jungfru Maria förändrades från den bysantinska ikoniska formen till en mer mänsklig och tillgiven mamma, som kramade om sitt spädbarn, svajade från höften och visar en välfödd aristokratisk hövisk dams raffinerade sätt.

Sekulär konst kom till sin rätt under denna period med uppkomsten av städer, grundandet av universitet , ökad handel, upprättandet av en penningbaserad ekonomi och skapandet av en borgerlig klass som hade råd att spela förmyndare och beställa verk, vilket resulterade i i en mängd målningar och belysta manuskript. Ökad läskunnighet och en växande mängd sekulär folklig litteratur uppmuntrade representationen av sekulära teman i konsten. Med tillväxten av städer bildades handelsskrån och konstnärer krävdes ofta att vara medlemmar i ett målarskrå . Som ett resultat, på grund av bättre rekordhållning, är fler artister kända för oss vid namn under denna period än någon tidigare; vissa artister var till och med så djärva att de skrev under sina namn.

Ursprung

Internationell gotisk Maria Magdalena från 1300-talet i St. John Cathedral i Toruń .

Gotisk konst dök upp i Île-de-France , Frankrike, i början av 1100-talet, vid Abbey Church of St Denis byggd av Abbot Suger . Stilen spred sig snabbt bortom dess ursprung i arkitekturen till skulptur, både monumental och personlig i storlek, textilkonst och målning, som tog en mängd olika former, inklusive fresk , målat glas , det upplysta manuskriptet och panelmålning . Klosterorden , särskilt cistercienserna och kartusianerna , var viktiga byggare som spred stilen och utvecklade distinkta varianter av den över hela Europa. Regionala variationer av arkitektur förblev viktiga, även när, i slutet av 1300-talet, en sammanhängande universell stil känd som internationell gotik hade utvecklats, som fortsatte fram till slutet av 1400-talet, och därefter i många områden.

Även om det fanns mycket mer sekulär gotisk konst än vad man ofta tror idag, eftersom överlevnadsgraden för religiös konst i allmänhet har varit bättre än för sekulära motsvarigheter, var en stor del av den konst som producerades under perioden religiös, vare sig den beställdes av kyrkan eller av lekmännen. Gotisk konst var ofta typologisk till sin natur, vilket återspeglade en övertygelse om att händelserna i Gamla testamentet förebildade de i Nya, och att detta verkligen var deras huvudsakliga betydelse. Gamla och Nya testamentets scener visades sida vid sida i verk som Speculum Humanae Salvationis och utsmyckning av kyrkor. Den gotiska perioden sammanföll med ett stort uppsving i Marian hängivenhet , där bildkonsten spelade en stor roll. Bilder av Jungfru Maria utvecklades från de bysantinska hieratiska typerna, genom Jungfruns kröning , till mer mänskliga och intima typer, och cykler av Jungfruns liv var mycket populära. Konstnärer som Giotto , Fra Angelico och Pietro Lorenzetti i Italien, och tidig nederländsk måleri , förde realism och en mer naturlig mänsklighet till konsten. Västerländska konstnärer, och deras beskyddare, blev mycket mer säkra på innovativ ikonografi , och mycket mer originalitet ses, även om kopierade formler fortfarande användes av de flesta konstnärer.

Ikonografin påverkades av förändringar i teologin, med skildringar av Marias himmelsfärd som vann mark efter Jungfruns äldre död , och i hängivna metoder som Devotio Moderna , som producerade nya behandlingar av Kristus i ämnen som sorgens man , Eftertänksamma Kristus och Pietà , som betonade hans mänskliga lidande och sårbarhet, i en parallell rörelse till den i skildringar av Jungfrun. Till och med i de sista domarna visades Kristus nu vanligtvis exponera sitt bröst för att visa såren av sin passion . Helgon visades oftare och altartavlor visade helgon som var relevanta för den speciella kyrkan eller donatorn som deltog på en korsfästelse eller tronade Jungfru och barn , eller ockuperade själva det centrala utrymmet (detta vanligtvis för verk designade för sidokapell). Under perioden eliminerades många forntida ikonografiska särdrag som har sitt ursprung i Nya testamentets apokryfer gradvis under prästerligt tryck, som barnmorskorna vid födseln , även om andra var alltför väletablerade och ansågs ofarliga.

Etymologi

The Lady and the Unicorn , titeln som ges till en serie av sex gobelänger vävda i Flandern , denna kallas À Mon Seul Désir ; sent 1400-tal; ull och siden; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
Ytterligare information: Goternas namn

Ordet " gotisk " för konst användes från början som en synonym för " barbarisk ", och användes därför nedsättande. Dess kritiker såg denna typ av medeltida konst som oraffinerad och alltför avlägsen från den klassiska konstens estetiska proportioner och former . Renässansförfattare trodde att de gotiska stammarnas plundring av Rom år 410 hade utlöst den klassiska världens undergång och alla de värden de höll kära. På 1400-talet klagade olika italienska arkitekter och författare över att de nya "barbariska" stilarna som filtrerades ner från norr om Alperna utgjorde ett liknande hot mot den klassiska väckelsen som främjades av den tidiga renässansen. Den "gotiska" kvalificeringen för denna konst användes först i Rafaels brev till påven Leo X ca. 1518 och populariserades därefter av den italienske konstnären och författaren Giorgio Vasari , som använde den så tidigt som 1530, och kallade gotisk konst för en "monstruös och barbarisk" "störning". Raphael hävdade att den nordliga arkitekturens spetsbågar var ett eko av de primitiva hyddor som de germanska skogsborna bildade genom att böja ihop träd – en myt som skulle återuppstå långt senare i en mer positiv mening i den tyska romantiska rörelsens skrifter . "Gotisk konst" kritiserades starkt av franska författare som Boileau , La Bruyère , Rousseau , innan den blev en erkänd konstform, och formuleringen blev fast. Molière skulle berömt kommentera Gothic:



Den förtjusande smaken av gotiska monument, Dessa avskyvärda monster av okunniga århundraden, som barbariets strömmar spydde fram.

I början kallades gotisk konst från början "franskt verk" ( Opus Francigenum ), vilket intygar Frankrikes prioritet i skapandet av denna stil.

Målning

Simone Martini (1285–1344).

Måleri i en stil som kan kallas gotisk dök inte upp förrän omkring 1200, nästan 50 år efter ursprunget till gotisk arkitektur och skulptur. Övergången från romansk till gotisk är mycket oprecis och inte alls ett tydligt avbrott, och gotiska prydnadsdetaljer introduceras ofta innan man ser mycket förändring i själva stilen på figurer eller kompositioner. Då blir figurer mer animerade i pose och ansiktsuttryck, tenderar att vara mindre i förhållande till bakgrunden till scener och arrangeras friare i det bildmässiga rummet, där det finns plats. Denna övergång inträffar först i England och Frankrike omkring 1200, i Tyskland omkring 1220 och Italien omkring 1300. Målning under den gotiska perioden praktiserades i fyra primära medier: fresker , panelmålningar , manuskriptbelysning och målat glas .

Fresker

Fresker fortsatte att användas som det huvudsakliga bildberättarhantverket på kyrkväggar i södra Europa som en fortsättning på tidiga kristna och romanska traditioner. En överlevnadsolycka har gett Danmark och Sverige de största grupperna av bevarade kyrkväggsmålningar i Biblia pauperum- stil, vanligtvis upp till nyligen konstruerade korsvalv . I både Danmark och Sverige var de nästan alla täckta med kalk efter reformationen som har bevarat dem, men en del har också stått orörda sedan tillkomsten. Bland de finaste exemplen från Danmark är Elmelundemästaren från den danska ön Møn som dekorerade kyrkorna Fanefjord , Keldby och Elmelunde . Albertus Pictor är utan tvekan den mest kända freskkonstnären från den tid som arbetade i Sverige. Exempel på svenska kyrkor med välbevarade fresker är Tensta , Gökhem och Anga kyrkor.

Färgatglas

Del av tysk glasmålning från 1444 med visitationen ; grytmetall i olika färger, inklusive vitt glas, svart glasaktig färg, gul silverbets, och de "olivgröna" delarna är emalj. Växtmönstren på den röda himlen bildas genom att skrapa bort svart färg från det röda glaset innan bränning. En restaurerad panel med nya blykom.

I norra Europa var glasmålning en viktig och prestigefylld form av målning fram till 1400-talet, då det ersattes av panelmålning . Gotisk arkitektur ökade kraftigt mängden glas i stora byggnader, delvis för att möjliggöra breda glaspartier, som i rosenfönster . Under den tidiga delen av perioden användes främst svart färg och klart eller ljust färgat glas, men i början av 1300-talet användes sammansättningar av silver, målade på glas som sedan brändes, tillät ett antal färgvariationer, centrerat på gula, att användas med klart glas i ett stycke. Mot slutet av perioden användes allt mer stora glasbitar som målades, med gula som dominerande färger, och relativt få mindre glasbitar i andra färger.

Manuskript och grafik

Hours of Jeanne d'Evreux , av Jean Pucelle , Paris, 1320-talet.

Upplysta manuskript representerar den mest kompletta uppteckningen av gotisk målning, och ger ett register över stilar på platser där inga monumentala verk annars har överlevt. De tidigaste fullständiga manuskripten med franska gotiska illustrationer dateras till mitten av 1200-talet. Många sådana illuminerade manuskript var kungliga biblar, även om psalterna också inkluderade illustrationer; Parisian Psalter of Saint Louis , med anor från 1253 till 1270, har 78 helsidesbelysningar i temperafärg och bladguld.

Under slutet av 1200-talet började skriftlärda skapa böneböcker för lekmän, ofta kända som timböcker på grund av att de användes vid föreskrivna tider på dygnet. Bland de tidigaste är ett exempel av William de Brailes som tycks ha skrivits för en okänd lekkvinna som bodde i en liten by nära Oxford omkring 1240. Adeln köpte ofta sådana texter och betalade rejält för dekorativa illustrationer; bland de mest välkända skaparna av dessa är Jean Pucelle , vars Hours of Jeanne d'Evreux beställdes av kung Charles IV som en gåva till sin drottning, Jeanne d'Évreux . Inslag av den franska gotiken som finns i sådana verk inkluderar användningen av dekorativ sidram som påminner om tidens arkitektur med långsträckta och detaljerade figurer. Användningen av rumsliga indikatorer som byggnadselement och naturliga egenskaper som träd och moln anger också den franska gotiska belysningsstilen.

Från mitten av 1300-talet verkar blockböcker med både text och bilder skurna som träsnitt ha varit överkomliga av kyrkoherde i de låga länderna , där de var mest populära. I slutet av århundradet blev tryckta böcker med illustrationer, fortfarande mestadels om religiösa ämnen, snabbt tillgängliga för den välmående medelklassen, liksom gravyrer av ganska hög kvalitet av tryckare som Israhel van Meckenem och Master ES . På 1400-talet införandet av billiga tryck , mestadels i träsnitt , gjorde det möjligt även för bönder att ha andaktsbilder hemma. Dessa bilder, små längst ner på marknaden, ofta grovt färgade, såldes i tusental men är nu extremt sällsynta, de flesta har klistrats på väggar.

Altartavla och panelmålning

Att måla med olja på duk blev inte populärt förrän på 1400- och 1500-talen och var ett kännetecken för renässanskonsten . I norra Europa är den viktiga och nyskapande skolan för tidig nederländsk måleri i huvudsak i gotisk stil, men kan också betraktas som en del av den nordliga renässansen, eftersom det dröjde länge innan den italienska återupplivningen av intresset för klassicism fick stort genomslag i norr. Målare som Robert Campin och Jan van Eyck använde sig av oljemålningstekniken för att skapa minutiöst detaljerade verk, korrekt i perspektiv, där skenbar realism kombinerades med rikt komplex symbolik som uppstod just från den realistiska detalj som de nu kunde inkludera, även i små verk . I det tidiga nederländska måleriet, från de rikaste städerna i Nordeuropa, kombinerades en ny minuts realism i oljemålning med subtila och komplexa teologiska anspelningar, uttryckta just genom de mycket detaljerade miljöerna av religiösa scener. Mérode altartavla (1420-talet) av Robert Campin och Washington Van Eyck Annunciation eller Madonna av kansler Rolin (båda 1430-talet, av Jan van Eyck ) är exempel. För de rika, små panelmålningarna , blev till och med polyptyker i oljemålning allt mer populära, och visade ofta donatorporträtt vid sidan av, men ofta mycket mindre än Jungfrun eller helgonen avbildade. Dessa ställdes vanligtvis upp i hemmet.

Skulptur

Huvudartikel: Gotisk skulptur

Monumental skulptur

Fransk elfenben Jungfru och barn, slutet av 1200-talet, 25 cm hög, böjd för att passa formen på elfenbensbeten.

Den gotiska perioden definieras i huvudsak av gotisk arkitektur och passar inte helt in i stilutvecklingen inom skulptur vare sig dess början eller slut. De stora kyrkornas fasader, framför allt runt dörrar, fortsatte att ha stora tympaner, men också rader av skulpterade figurer spridda runt sig.

Statyerna på den västra (kungliga) portalen vid Chartres katedral (ca 1145) visar en elegant men överdriven kolumnformad förlängning, men statyerna på den södra korsarmsportalen , från 1215–20, visar en mer naturalistisk stil och ökande avskildhet från väggen bakom , och viss medvetenhet om den klassiska traditionen. Dessa trender fortsatte i den västra portalen vid Reims katedral några år senare, där siffrorna nästan är i rundan, som blev vanligt när gotiken spred sig över Europa. Bambergs katedral har kanske den största samlingen av 1200-talsskulpturer, som kulminerade 1240 med Bambergryttaren, den första ryttarestatyn i naturlig storlek i västerländsk konst sedan 600-talet.

"I Italien predikades gotikens evangelium från predikstolar inte från tympana, och enheten för skulptörens tänkande var ett autonomt, självständigt konstverk" ( John Pope-Hennessy ). Nicola Pisano (1258–78) och hans son Giovanni utvecklade en stil som ofta kallas proto-renässans , med omisskännlig inflytande från romerska sarkofager och sofistikerade och trånga kompositioner, inklusive en sympatisk hantering av nakenhet, i reliefpaneler på deras predikstol i Sienas katedral (1265–68) , Fontana Maggiore i Perugia och Giovannis predikstol i Pistoia 1301.

En annan återupplivning av klassisk stil ses i Claus Sluters och hans anhängares internationella gotiska arbete i Bourgogne och Flandern omkring 1400. Sengotisk skulptur fortsatte i norr, med ett mode för mycket stora, skulpterade altartavlor i trä med allt mer virtuosa snideri och stora siffror upprörda uttrycksfulla figurer; de flesta överlevande exemplen finns i Tyskland, efter mycket ikonoklasm ​​på andra håll. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss och andra fortsatte stilen långt in på 1500-talet, och absorberade gradvis italienska renässansinfluenser.

Gravbilder i naturlig storlek i sten eller alabaster blev populära för de rika, och stora gravar på flera nivåer utvecklades, med Scaliger-gravarna i Verona så stora att de måste flyttas utanför kyrkan. På 1400-talet fanns det en industri som exporterade Nottingham alabaster altareliefer i grupper av paneler över stora delar av Europa för ekonomiska församlingar som inte hade råd med stenbord.

Bärbar skulptur

Lock av Walters Casket , med belägringen av Castle of Love till vänster, och tornerspel . Paris, 1330–1350.

Små sniderier, för en huvudsakligen lekmanna- och ofta kvinnlig marknad, blev en betydande industri i Paris och några andra centra. Typer av elfenben inkluderade små, hängivna polyptyker , singelfigurer, särskilt av Jungfrun , spegelfodral, kammar och utarbetade skrin med scener från romanser , som används som förlovningspresenter. De mycket rika samlade extravagant utarbetade, juvelbelagda och emaljerade metallarbeten, både sekulära och religiösa, som Duc de Berry 's Holy Thorn Reliquary, tills de fick ont ​​om pengar, då de smältes ner igen för kontanter.

Elfenbensdiptyk, med en del av den färgade färgen kvar. Tillbedjan av magi och korsfästelse . Meusedalen , Frankrike, ca. 1350.

Gotiska skulpturer oberoende av arkitektonisk prydnad skapades främst som andaktsföremål för hemmet eller avsedda som donationer till lokala kyrkor, även om små reliefer i elfenben , ben och trä täcker både religiösa och sekulära ämnen, och var för kyrkligt och hushållsbruk. Sådana skulpturer var verk av stadshantverkare, och det mest typiska ämnet för tredimensionella små statyer är Jungfru Maria ensam eller med barn. Paris var det huvudsakliga centrum för elfenbensverkstäder och exporterades till större delen av norra Europa, även om Italien också hade en betydande produktion. Ett exemplar av dessa oberoende skulpturer är bland samlingarna av Abbey Church of St Denis; den silverförgyllda Jungfrun och barnet dateras till 1339 och visar Maria insvept i en flödande mantel som håller en infantil Kristusfigur. Både mantelns enkelhet och barnets ungdom förebådar andra skulpturer som finns i norra Europa med anor från 1300-talet och början av 1400-talet. En sådan skulptur visar en utveckling från en tidigare stel och långsträckt stil, fortfarande delvis romansk, till en rumslig och naturalistisk känsla i slutet av 1100-talet och början av 1200-talet. Andra franska gotiska skulpturala ämnen inkluderade figurer och scener från den tidens populärlitteratur. trubadurernas poesi var särskilt populärt bland hantverkare av spegelfodral och små lådor, förmodligen för användning av kvinnor. Kisten med romansscener (Walters 71264) från 1330–50 är ett ovanligt stort exempel med plats för ett antal scener från olika litterära källor.

Souvenirer av pilgrimsfärder till helgedomar, såsom lera eller blymärken , medaljer och ampuller stämplade med bilder var också populära och billiga. Deras sekulära motsvarighet, livmärket , visade tecken på feodal och politisk lojalitet eller allians som kom att betraktas som ett socialt hot i England under bastardfeodalismen . De billigare formerna gavs ibland bort gratis, som med de 13 000 märken som beställdes 1483 av kung Richard III av England i fustiskt tyg med hans emblem av en vit vildsvin för hans son Edvards invigning som prins av Wales, ett stort antal med tanke på befolkningen vid den tiden. Dunstable Swan Jewel , helt och hållet modellerad i emaljerat guld, är en mycket mer exklusiv version, som skulle ha getts till någon mycket nära eller viktig för givaren.

Se även

Anteckningar

  •   Calkins, Robert G.; Monuments of Medieval Art , Dutton, 1979, ISBN 0525475613
  •   Cherry, John. The Holy Thorn Reliquary , 2010, British Museum Press (British Museum-objekt i fokus), ISBN 0-7141-2820-1
  •   Cherry, John, i Marks, Richard och Williamson, Paul, red. Gothic: Art for England 1400–1547 , 2003, V&A Publications, London, ISBN 1-85177-401-7
  •   Henderson, George. Gothic , 1967, Penguin, ISBN 0-14-020806-2
  •   Hugh Honor och John Fleming, A World History of Art , 1st edn. 1982 (många senare upplagor), Macmillan, London, sid hänvisar till 1984 Macmillan 1st edn. pocketbok. ISBN 0333371852
  •   Olson, Roberta JM, italiensk renässansskulptur , 1992, Thames & Hudson (konstens värld), ISBN 978-0-500-20253-1
  •   Pope-Hennessy, John, Introduktion till italiensk skulptur, volym 1, italiensk gotisk skulptur , 1955, fjärde upplagan 1996, Phaidon Press, ISBN 0-7148-3014-3
  •   Robinson, James, Masterpieces of Medieval Art , 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
  •   Rudolph, Conrad , red., A Companion to Medieval Art: Romanesque and Gothic in Northern Europe, 2006, ISBN 978-1405198783
  • Rudolph, Conrad, "Inventing the Gothic Portal: Suger, Hugh of Saint Victor, and the Construction of a New Public Art at Saint-Denis," Art History 33 (2010) 568–595
  • Rudolph, Conrad, "Inventing the Exegetical Stained-Glass Window: Suger, Hugh, and a New Elite Art," Art Bulletin 93 (2011) 399–422
  •   Snyder, James . Northern Renaissance Art , 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0136235964

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Gothic_art&oldid=1141418978 "