Afroamerikansk musik
| Den här artikeln är en del av en serie om |
musiken i USA |
|---|
 |
| Del av en serie om |
| afroamerikaner |
|---|
Afroamerikansk musik är en paraplyterm som täcker ett brett spektrum av musik och musikgenrer som till stor del utvecklats av afroamerikaner och deras kultur. Dess ursprung är i musikaliska former som utvecklades som ett resultat av förslavandet av afroamerikaner före det amerikanska inbördeskriget . Det har sagts att "varje genre som är född från Amerika har svarta rötter."
Vita slavägare underkuvade sina slavar fysiskt, mentalt och andligt genom brutala och förnedrande handlingar. Vita amerikaner ansåg att afroamerikaner var separata och ojämlika i århundraden, och gick till extraordinära ansträngningar för att hålla dem förtryckta. Afroamerikanska slavar skapade en distinkt typ av musik som spelade en viktig roll i förslavningens era. Slavsånger, allmänt kända som arbetssånger , användes för att bekämpa det fysiska arbetets svårigheter. Arbetssånger användes också för att kommunicera med andra slavar utan att slavägaren hörde det. Låten " Wade in the Water " sjöngs av slavar för att varna andra som försökte lämna för att använda vattnet för att skymma deras spår. Efter inbördeskriget utvecklade afroamerikaner som spelade europeisk musik i militärband en ny stil som kallas ragtime som gradvis utvecklades till jazz . Jazzen inkorporerade den sofistikerade polyrytmiska strukturen av dans och folkmusik från folk från västra Afrika och Afrika söder om Sahara . Dessa musikformer hade ett brett inflytande på musikens utveckling inom USA och runt om i världen under 1900-talet.
Att analysera afrikansk musik genom europeisk musikvetenskap kan utelämna mycket av den kulturella användningen av ljud och metoder för musikskapande. Vissa metoder för afrikansk musikskapande översätts tydligare genom själva musiken och inte i skriftlig form.
Blues och ragtime utvecklades under det sena 1800-talet genom fusionen av västafrikanska vokaliseringar, som använde den naturliga harmoniska serien och blå toner . "Om man betraktar de fem kriterier som Waterman angett som klusteregenskaper för västafrikansk musik, finner man att tre har dokumenterats väl som karakteristiska för afroamerikansk musik. Call-and-response organisatoriska procedurer, dominans av en perkussiv inställning till musik , och off-beat fraser av melodiska accenter har citerats som typiska för genren i praktiskt taget alla studier av någon form av afroamerikansk musik från arbetslåtar, fält- eller gatusamtal, rop och spirituals till blues och jazz."
De tidigaste jazz- och bluesinspelningarna gjordes på 1920-talet, och afroamerikanska musiker utvecklade relaterade stilar som rhythm and blues på 1940-talet. På 1960-talet soulartister ett stort inflytande på vita amerikanska och brittiska sångare. I mitten av 1960-talet utvecklade svarta musiker funk och var ledande gestalter i sena 1960- och 1970-talets genre av fusion . På 1970- och 1980-talen utvecklade svarta artister hiphop , och på 1980-talet introducerades den disco -infunderade dansstilen som kallas housemusik . National Museum of African American Music öppnade i Nashville, Tennessee den 18 januari 2021. "Det är det enda museet i USA som visar upp de över 50 musikgenrer och stilar som skapats eller influerats av afroamerikaner – spirituals, gospellåtar, jazz, hiphop och mer."
Historiska drag
De flesta slavar anlände till Amerika från Afrikas västra kust. Detta område omfattar dagens Nigeria , Ghana , Elfenbenskusten , Senegal , Gambia och delar av Sierra Leone . Harmoniska och rytmiska drag från dessa områden, europeisk musikinstrumentering och det lösöreslaveri som tvingades på svarta amerikaner bidrog alla till deras musik.
Många av de karaktäristiska musikformer som definierar afroamerikansk musik har historiska prejudikat. Dessa tidigare former inkluderar: fältrop , beatboxning , arbetssång , talat ord , rappning , scatting , call and response , vokalitet (eller speciell vokaleffekt: gutturala effekter, interpolerad vokalitet, falsett , melisma , vokalrytmisering), improvisation , blå toner , polyrytmer ( synkopering , konkrescens, spänning, improvisation, slagverk, svängd ton ), textur ( antifoni , homofoni , polyfoni , heterofoni ) och harmoni (vernacular progressions ; komplex, flerstemmig harmoni , som i spirituals , och barbershop -musik ).
Den amerikanske kompositören Olly Wilson skisserar "heterogena ljudideal" som definierar traditionella och vanliga mönster i afrikansk musik , såsom användningen av klang , tonhöjd , volym och varaktighet, och införlivandet av kroppen i att göra musik. Hans upptäckter inkluderar användningen av call-and-response och vikten av interjektioner från publiken för att uttrycka tillfredsställelse eller missnöje. Dessa heterogena ljudideal finns också i många andra typer av musik.
Historia
1700-talet
I slutet av 1700-talet uppstod folklig spirituals bland sydliga slavar efter deras omvandling till kristendomen. Slavar omtolkade utövandet av kristendomen på ett sätt som hade betydelse för dem som afrikaner i Amerika. De sjöng ofta spirituals i grupper när de arbetade på plantagefälten. Afroamerikanska spirituals ( Negro Spirituals ) skapades i osynliga kyrkor och vanliga svarta kyrkor. Hymnerna, melodin och rytmerna liknade sånger som hördes i Västafrika. Förslavade och fria svarta skapade sina egna ord och låtar. Teman inkluderar slaveriets svårigheter och hoppet om frihet.
Spiritualer från slaveriets era kallas Slave Shout Songs. Dessa skriksånger sjungs idag av Gullah Geechee -folk och andra afroamerikaner i kyrkor och lovsångshus. Under slaveriet var dessa sånger kodade meddelanden som talade om att fly från slaveriet på den underjordiska järnvägen och sjöngs av förslavade afroamerikaner i plantagefält för att skicka kodade meddelanden till andra slavar, utan att slavägarna visste det. Harriet Tubman sjöng kodade meddelanden till sin mamma och andra slavar på fältet för att låta dem veta att hon flydde på tunnelbanan. Tubman sjöng: "Jag är ledsen att jag lämnar dig, farväl, åh farväl; men jag träffar dig på morgonen, farväl, åh farväl, jag träffar dig på morgonen, jag är på väg till det utlovade landet, på andra sidan Jordan, på väg till det utlovade landet."
Slavar använde också trummor för att kommunicera budskap om flykt. I Västafrika används trummor för kommunikation, firande och andliga ceremonier. Västafrikanska människor som var förslavade i USA fortsatte att göra trummor för att skicka kodade meddelanden till andra slavar över plantager. Tillverkning och användning av trummor av förslavade afrikaner förbjöds efter Stono-upproret i South Carolina 1739. Förslavade afroamerikaner använde trummor för att skicka kodade meddelanden för att starta slavuppror, och vita slavinnehavare förbjöd skapandet och användningen av trummor. Efter förbudet mot trummor gjorde slavar rytmisk musik genom att slå sina knän, lår, armar och andra kroppsdelar, en övning som kallas pattin Juba . Juba-dansen fördes ursprungligen av Kongo- slavar till Charleston, South Carolina , och blev en afroamerikansk plantagedans framförd av slavar under sammankomster när rytminstrument var förbjudna.
Folk spirituella, till skillnad från mycket vitt evangelium, var ofta pigg. Slavar lade till dans (senare känd som " ropet ") och andra kroppsrörelser till sången. De ändrade också melodierna och rytmerna i psalmer och psalmer , genom att sätta fart på tempot, lägga till upprepade refränger och refränger, och ersätta texter med nya som ofta kombinerade engelska och afrikanska ord och fraser. Ursprungligen överförts muntligt, har folklig spirituals varit centrala i livet för afroamerikaner i mer än tre århundraden, och tjänat religiösa, kulturella, sociala, politiska och historiska funktioner.
Folk spirituals skapades spontant och framfördes i en repetitiv, improviserad stil. De vanligaste sångstrukturerna är call-and-response ("Blow, Gabriel") och repetitiva refränger ("He Rose from the Dead"). Call-and-response är ett alternerande utbyte mellan solisten och de andra sångarna. Solisten improviserar vanligtvis en rad som de andra sångarna svarar på och upprepar samma fras. Sångtolkning innehåller interjektioner av stön, gråt, rop och skiftande vokaltoner, och kan åtföljas av handklappning och fotstamp.
Smithsonian Institution Folkways Recordings har prover på afroamerikanska slavshoutlåtar .
1800-talet
Afroamerikanernas inflytande på mainstream amerikansk musik började på 1800-talet med tillkomsten av blackface minstrelsy . Banjon , av afrikanskt ursprung, blev ett populärt instrument, och dess afrikanskt härledda rytmer inkorporerades i populära låtar av Stephen Foster och andra låtskrivare. Med tiden antog banjons konstruktion vissa europeiska traditioner som en platt greppbräda. Vissa banjos hade fem strängar, i motsats till den västafrikanska tresträngade versionen. Detta resulterade i skapandet av flera olika typer av banjos i USA.
På 1830-talet ledde det andra stora uppvaknandet till en ökning av kristna väckelser, särskilt bland afroamerikaner. Med hjälp av traditionella arbetslåtar skapade förslavade afroamerikaner och framförde en mängd olika spirituals och annan kristen musik . Några av dessa sånger var kodade meddelanden om subversion mot slavinnehavare, eller signaler om att fly.
Under tiden efter inbördeskriget fortsatte spridningen av afroamerikansk musik. Fisk University Jubilee Singers turnerade första gången 1871. Artister inklusive Jack Delaney hjälpte till att revolutionera efterkrigstidens afroamerikanska musik i central-östra USA. Under de följande åren bildades professionella "jubileums"-trupper och turnerade. Den första svarta musikal-komedi-truppen, Hyers Sisters Comic Opera Co., organiserades 1876. Under den sista hälften av 1800-talet fungerade frisörsalonger ofta som gemenskapscenter, där män samlades. Barbershop-kvartetter har sitt ursprung med afroamerikanska män som umgås i barbershopar; de skulle harmonisera medan de väntade på sin tur, sjöng spirituals, folkvisor och populära sånger. Detta genererade en ny stil av ensamkommande fyrstämmig, nära harmonisk sång. Senare antog vita minstrelsångare stilen, och i skivbranschens tidiga dagar spelades deras framträdanden in och såldes. I slutet av 1800-talet var afroamerikansk musik en integrerad del av den vanliga amerikanska kulturen.
Tidigt 1900-tal (1900-1930-tal)
Den första musikalen skriven och producerad av afroamerikaner, av Bob Cole och Billy Johnson, debuterade på Broadway 1898. Den första inspelningen av svarta musiker var av Bert Williams och George Walker 1901, med musik från Broadway-musikaler. Theodore Drury hjälpte svarta konstnärer att utvecklas inom opera. Han grundade Drury Opera Company 1900 och använde en vit orkester, men hade svarta sångare i huvudroller och körer. Sällskapet var endast verksamt fram till 1908, men det markerade det första svarta deltagandet i operakompanier. Scott Joplins opera Treemonisha , unik som en ragtime-folkopera, framfördes första gången 1911.
Den tidiga delen av 1900-talet såg en ökning i popularitet för blues och jazz . Afroamerikansk musik vid denna tid klassades som "rasmusik". Ralph Peer , musikalisk ledare på Okeh Records , lade skivor gjorda av "utländska" grupper under det skivbolaget. På den tiden var "ras" en term som vanligen användes av den afroamerikanska pressen för att tala om samhället som en helhet med en bemyndigande synvinkel, eftersom en person av "ras" var en inblandad i kampen för lika rättigheter. Ragtime -artister som Scott Joplin blev populära och några förknippades med Harlems renässans och tidiga medborgarrättsaktivister . Vita och latinamerikanska artister av afroamerikansk musik var också synliga. Afroamerikansk musik var ofta anpassad för vita publik, som inte skulle ha lika lätt accepterade svarta artister, vilket ledde till genrer som swingmusik .
I början av 1900-talet började afroamerikaner också bli en del av klassisk musik. Ursprungligen uteslutna från stora symfoniorkestrar, kunde svarta musiker studera i musikkonservatorier som hade grundats på 1860-talet, såsom Oberlin School of Music , National Conservatory of Music och New England Conservatory . Svarta människor bildade också symfoniorkestrar i större städer som Chicago, New Orleans och Philadelphia. Olika svarta orkestrar började uppträda regelbundet i slutet av 1890-talet och början av 1900-talet. 1906 etablerades den första inkorporerade svarta orkestern i Philadelphia. grundades helt svarta musikskolor, som Music School Settlement for Colored och Martin-Smith School of Music, i New York.
The Music School Settlement for Colored blev sponsor till Clef Club- orkestern i New York. Clef Club Symphony Orchestra lockade både svart och vit publik till konserter i Carnegie Hall från 1912 till 1915. Under ledning av James Reese Europe och William H. Tyers inkluderade orkestern banjos, mandoliner och barytonhorn. Konserter innehöll musik skriven av svarta kompositörer, särskilt Harry T. Burleigh och Will Marion Cook . Andra årliga svarta konsertserier inkluderar William Hackneys "All-Colored Composers"-konserter i Chicago och Atlanta Coloured Music Festivals.
Den svarta musikalens återkomst till Broadway inträffade 1921 med Sissle och Eubie Blakes Shuffle Along . 1927 genomfördes en konsertundersökning av svart musik i Carnegie Hall, inklusive jazz, spirituals och den symfoniska musiken från WC Handy 's Orchestra och Jubilee Singers. Den första stora filmmusikalen med en svart skådespelare var King Vidors Hallelujah från 1929. Afroamerikanska artister var med i musikalen Show Boat (som hade en del skriven för Paul Robeson och en kör av Jubilee Singers), och särskilt alla- svarta operor som Porgy and Bess och Virgil Thomsons Four Saints in Three Acts från 1934.
Den första symfonin av en svart kompositör som framfördes av en stor orkester var William Grant Stills Afro -American Symphony (1930) av New York Philharmonic . Florence Beatrice Prices symfoni i e-moll framfördes 1933 av Chicago Symphony Orchestra. 1934 framfördes William Dawsons Negro Folk Symphony av Philadelphia Orchestra.
Mitten av 1900-talet (1940-1960-talet)
Billboard började göra en separat lista över hitskivor för afroamerikansk musik i oktober 1942 med "Harlem Hit Parade", som ändrades 1945 till " Race Records ", och sedan 1949 till "Rhythm and Blues Records".
På 1940-talet var coverversioner av afroamerikanska låtar vanliga och toppade ofta listorna medan originalversionerna inte nådde mainstream. 1955 Thurman Ruth en gospelgrupp att sjunga i Apollo Theatre . Denna presentation av gospelmusik i en sekulär miljö var framgångsrik, och han arrangerade gospelkaravaner som reste runt i landet och spelade på arenor som rhythm and blues- sångare hade populariserat. Samtidigt började jazzartister gå bort från swing till musik med mer invecklade arrangemang, mer improvisation och tekniskt utmanande former. Detta kulminerade i bebop , den modala jazzen av Miles Davis och frijazzen av Ornette Coleman och John Coltrane .
Afroamerikanska musiker på 1940- och 1950-talen utvecklade rhythm and blues till rock and roll , som innehöll en stark backbeat . Framstående exponenter för denna stil inkluderade Louis Jordan och Wynonie Harris . Rock and roll musik blev kommersiellt framgångsrik med inspelningar av vita musiker, dock, som Bill Haley och Elvis Presley , som spelar en gitarrbaserad fusion av svart rock and roll och rockabilly . Rockmusik blev mer förknippat med vita artister, även om vissa svarta artister som Chuck Berry och Bo Diddley hade kommersiell framgång.
.jpg)
År 2017 skrev National Public Radio om syster Rosetta Tharpes karriär och avslutade med dessa kommentarer: Tharpe "var en gospelsångerska i hjärtat som blev en kändis genom att slå en ny väg musikaliskt ... Genom sin oförglömliga röst och gospelswing crossover-stil , Tharpe påverkade en generation av musiker inklusive Aretha Franklin , Chuck Berry och otaliga andra ... Hon var och är en oöverträffad artist."
När 1940-talet gick mot sitt slut, försökte andra afroamerikaner att samordna sig som klassiska musiker i ett försök att överskrida rasistiska och nationalistiska barriärer under efterkrigstiden. 1948 Henry Lewis den förste afroamerikanska instrumentalisten i en ledande amerikansk symfoniorkester, en tidig "musikalisk ambassadör" till stöd för kulturell diplomati i Europa, och den första afroamerikanska dirigenten för en stor amerikansk symfonisk ensemble 1968.
Termen "rock and roll" hade en stark sexuell klang i jump blues och R&B, men när DJ Alan Freed hänvisade till rock and roll på mainstream-radio i mitten av 50-talet, "hade den sexuella komponenten dragits ner tillräckligt för att den helt enkelt blev en acceptabel term för dans".
R&B var ett starkt inflytande på rock and roll, enligt många källor, inklusive en Wall Street Journal- artikel från 1985 med titeln "Rock! It's Still Rhythm and Blues". Författaren uppger att de "två termerna användes omväxlande", fram till omkring 1957.
Fats Domino var inte övertygad om att det fanns någon ny genre. 1957 sa han: "Det de kallar rock 'n' roll nu är rhythm and blues. Jag har spelat det i 15 år i New Orleans". Enligt Rolling Stone är "det här ett giltigt uttalande ... alla femtiotalsrockare, svarta och vita, landsfödda och stadsfödda, var i grunden influerade av R&B, den svarta populärmusiken från slutet av fyrtiotalet och början av femtiotalet". Elvis Presleys erkännande av betydelsen av artister som Fats Domino var betydande, enligt en artikel från 2017: "försvaret av svarta musiker som en del av ett narrativ som såg många positiva effekter i växande unga vita intresse för afroamerikanska musikstilar". Vid ett pressevenemang 1969 introducerade Presley Fats Domino och sa, "det är den riktiga kungen av Rock 'n' Roll" ... ett stort inflytande på mig när jag började".
I mitten av 1950-talet blev många R&B-låtar "coverade" av vita artister och inspelningarna fick mer airplay på de vanliga radiostationerna. Till exempel, "Presley täckte snabbt "Tutti Frutti" ... Så gjorde Pat Boone", enligt New Yorker . "1956 kom sjuttiosex procent av de bästa R.&B.-låtarna också in på poplistan; 1957 kom åttiosju procent på poplistan; 1958 var det nittiofyra procent. Den marginella marknaden hade blivit huvudmarknaden, och majorerna hade kommit igång."
1950-talet såg också ökad popularitet för blues , både i USA och Storbritannien, i stilen från tidigt 1900-tal. Doo-wop blev också populärt på 1950-talet. Doo-wop hade utvecklats genom vokalgruppsharmoni, med användning av olika sångdelar, nonsensstavelser, lite eller ingen instrumentering och enkla texter. Det handlade vanligtvis om enstaka artister som framträdde med en backinggrupp. Solofakturering gavs till sångare som var mer framträdande i det musikaliska arrangemanget. En sekulariserad form av amerikansk gospelmusik kallad soul utvecklades också i mitten av 1950-talet, med pionjärer som Ray Charles , Jackie Wilson och Sam Cooke som ledde vågen. Soul och R&B blev ett stort inflytande på surfmusik , och med topptoppande tjejgrupper inklusive The Angels och The Shangri-Las . 1959 Hank Ballard en låt för den nya dansstilen "The Twist", som blev en ny dansvurm i början av 60-talet.
1959 grundade Berry Gordy Motown Records , det första skivbolaget med främst afroamerikanska artister, som syftade till att nå framgång i crossover. Etiketten utvecklade en innovativ och kommersiellt framgångsrik stil av soulmusik med distinkta popelement. Dess tidiga lista inkluderade The Miracles , Martha and the Vandellas , Marvin Gaye , The Temptations och The Supremes . Svarta divor som Aretha Franklin blev 60-talets crossover-stjärnor. I Storbritannien brittisk blues ett gradvis mainstream-fenomen som återvände till USA i form av British Invasion , en grupp band ledda av The Beatles och The Rolling Stones som framförde blues och R&B-inspirerad pop med både traditionell och modern aspekter. WGIV i Charlotte, North Carolina , var en av få radiostationer dedikerade till afroamerikansk musik som startade under denna period.
Den brittiska invasionen slog ut många svarta artister från USA:s poplistor, även om vissa, som Otis Redding , Wilson Pickett , Aretha Franklin och ett antal Motown-artister, fortsatte att göra bra ifrån sig. Soulmusik förblev dock populär bland svarta människor genom nya former som funk , som utvecklats ur James Browns innovationer . 1961 gjorde 11-årige Stevland Hardaway Morris sin första skiva under Motowns Tamla-etikett som Stevie Wonder .
1964 förbjöd Civil Rights Act stora former av diskriminering mot afroamerikaner och kvinnor. När spänningarna började minska gick fler afroamerikanska musiker över till mainstream. Några artister som framgångsrikt gick över var Aretha Franklin , James Brown och Ella Fitzgerald i pop- och jazzvärlden, och Leontyne Price och Kathleen Battle i klassisk musik.
I slutet av årtiondet var svarta människor en del av psykedelia och tidiga heavy metal -trender, särskilt genom de allestädes närvarande Beatles inflytande och elgitarr innovationer av Jimi Hendrix . Hendrix var bland de första gitarristerna som använde ljudfeedback , fuzz och andra effektpedaler som wah wah-pedalen för att skapa ett unikt gitarrsololjud. Psychedelic soul , en blandning av psykedelisk rock och soul började blomstra med 1960-talskulturen. Ännu mer populärt bland svarta människor, och med mer crossover-attraktionskraft, var albumorienterad soul i slutet av 1960-talet och början av 1970-talet, vilket revolutionerade afroamerikansk musik. Genrens intelligenta och inåtvända texter, ofta med en socialt medveten ton, skapades av artister som Marvin Gaye i What's Going On och Stevie Wonder i Songs in the Key of Life .
1970-talet
På 1970-talet fortsatte albumorienterad soul sin popularitet medan musiker som Smokey Robinson hjälpte till att förvandla den till Quiet Storm- musik. Funk utvecklades till två strängar, en pop-soul-jazz-basfusion pionjär av Sly & the Family Stone , och en mer psykedelisk fusion med George Clinton och hans P-Funk- ensemble. Disco utvecklades från svarta musiker som skapade soulmusik med en up-tempo melodi. Isaac Hayes , Barry White , Donna Summer och andra hjälpte till att popularisera disco, som fick mainstream framgång.
Vissa afroamerikanska artister inklusive The Jackson 5 , Roberta Flack , Teddy Pendergrass , Dionne Warwick , Stevie Wonder , The O'Jays , Gladys Knight & the Pips och Earth, Wind & Fire hittade crossover-publik, medan vita lyssnare föredrog countryrock , singer-songwriters, stadionrock , softrock , glamrock och i viss mån heavy metal och punkrock .
Under 1970-talet utvecklades The Dozens , en urban afroamerikansk tradition av att använda skämtsamt rimförlöjligande, till streetjive i början av 70-talet, vilket i sin tur inspirerade hiphop i slutet av 1970-talet. Spoken-word- artister som The Watts Prophets , The Last Poets , Gil Scott-Heron och Melvin Van Peebles var några innovatörer av tidig hiphop. Många ungdomar i Bronx använde detta medium för att förmedla orättvisa minoriteter som stod inför vid den tiden. DJ:s spelade skivor, vanligtvis funk, medan MC:s introducerade låtar för den dansande publiken. Med tiden började DJ:s isolera och upprepa slagverkspauserna, producera ett konstant, eminent dansbart beat, över vilket MC:s började rappa, använda rim och ihållande texter. Hiphop skulle bli en mångkulturell rörelse i ett ungdomligt svart Amerika, ledd av artister som Kurtis Blow och Run-DMC .
1980-talet
.jpg)
Michael Jackson hade rekordstor framgång med sina 1980-talsalbum Off the Wall , Bad , och det bästsäljande albumet genom tiderna, Thriller . Jackson banade väg för andra framgångsrika crossover-svarta soloartister som Prince , Lionel Richie , Luther Vandross , Tina Turner , Whitney Houston och Janet Jackson (Michaels syster). Pop och dance-soul från denna era inspirerade nya jack swing i slutet av decenniet. [ citat behövs ]
Hiphopen spreds över hela landet och diversifierades. Techno , dans, Miami bas , post-disco , Chicago house , Los Angeles hardcore och Washington, DC Go-go utvecklades under denna period, med endast Miami bas som nådde mainstream framgång. Snart förvisades Miami bas i första hand till sydöstra USA , medan Chicago house hade gjort stora framsteg på universitetscampus och dansarenor (dvs. lagersoundet, rave ) . Washingtons Go-go fick blygsam nationell uppmärksamhet med låtar som EU:s Da Butt (1988), men visade sig vara ett mestadels regionalt fenomen. Chicago house sound hade expanderat till Detroit musikmiljön och började använda mer elektroniska och industriella ljud, skapade Detroit techno , acid och djungel . Kombinationen av dessa experimentella, vanligtvis DJ-orienterade, ljud med det multietniska NYC-disco-ljudet från 1970- och 1980-talen skapade ett märke av musik som var mest uppskattat på stora diskotek i storstäder. Den europeiska publiken omfamnade den här typen av elektronisk dansmusik med mer entusiasm än sina nordamerikanska motsvarigheter. [ citat behövs ]
Från omkring 1986 kom rap in i mainstream med Run-DMC :s Raising Hell , och Beastie Boys ' Licensed to Ill . Licensed to Ill var det första rapalbumet som kom in på nummer 1 på Billboard 200 och öppnade dörren för vita rappare. Båda dessa grupper blandade rap och rock, vilket tilltalade båda publiken. Hiphopen tog fart från sina rötter och hiphopen från guldåldern blomstrade, med artister som Eric B. & Rakim , Public Enemy , LL Cool J , Queen Latifah , Big Daddy Kane och Salt-N-Pepa . Hiphop blev populärt i USA och blev ett världsomspännande fenomen i slutet av 1990-talet. Guldåldersscenen skulle ta slut i början av 1990-talet när gangstarap och G-funk tog över, med västkustartisterna Dr. Dre , Snoop Dogg , Warren G och Ice Cube , East Coast-artisterna Notorious BIG , Wu-Tang Clan och Mobb Djup , och ljudet av urbana svarta manliga bravader, medkänsla och social medvetenhet. [ citat behövs ]
Medan heavy metal-musik nästan uteslutande skapades av vita artister på 1970- och 1980-talen, fanns det några undantag. År 1988 nådde det helt svarta heavy metal-bandet Living Color mainstream-framgångar med deras debutalbum Vivid , som nådde en topp som nr 6 på Billboard 200 , tack vare deras topp 20-singel " Cult of Personality ". Bandets musik innehöll texter som attackerar vad de uppfattade som eurocentrism och rasism i Amerika. Ett decennium senare skulle fler svarta artister som Lenny Kravitz , Body Count , Ben Harper och otaliga andra börja spela rock igen. [ citat behövs ]
1990-talet, 2000-talet, 2010-talet och idag
.jpg)
Samtida R&B , postdiscoversionen av soulmusik , förblev populär under 1980- och 1990-talen. Manliga sånggrupper som The Temptations och The O'Jays var särskilt populära, liksom New Edition , Boyz II Men , Jodeci , Dru Hill , Blackstreet och Jagged Edge . Tjejgrupper, inklusive TLC , Destiny's Child , SWV och En Vogue var också mycket framgångsrika. [ citat behövs ]
Singer-songwriters som R. Kelly , Mariah Carey , Montell Jordan , D'Angelo , Aaliyah och Raphael Saadiq från Tony! Toni! Tona! var också populära under 1990-talet. Mary J. Blige , Faith Evans och BLACKstreet populariserade en fusionsblandning känd som hip-hop soul . 1990- talets neosoulrörelse , med klassiska soulinfluenser, populariserades i slutet av 1990-talet och början av 2000-talet av artister som D'Angelo, Erykah Badu , Maxwell , Lauryn Hill , Indien.Arie , Alicia Keys , Jill Scott , Angie Stone , Bilal och Musiq Soulchild . En skivrecension hävdade att D'Angelos kritikerrosade album Voodoo (2000) "representerar afroamerikansk musik vid ett vägskäl ... Att helt enkelt kalla [det] neoklassisk soul ... skulle vara [att] ignorera elementen i vaudeville-jazz , Memphis-horn , ragtime-blues , funk och bas, för att inte tala om hiphop, som glider ut ur varje por i dessa hemsökta låtar." Blue-eyed soul är soulmusik som framförs av vita artister, inklusive Michael McDonald , Christina Aguilera , Amy Winehouse , Robin Thicke , Michael Bolton , Jon B. , Lisa Stansfield , Teena Marie , Justin Timberlake , Joss Stone , George Michael och Anastacia . [ citat behövs ]
Tillsammans med singer-songwriterns inflytande på hiphop och R&B, skedde en ökning av kreativitet och uttryck genom rapmusik . Tupac , The Notorious BIG ("Biggie"), NWA , Lil Kim , Snoop Dog och Nas bröt sig in i musikbranschen. 90-talsrap introducerade många andra subgenrer, inklusive Gangsta-rap , Medveten rap och Poprap . Gangsta-rap fokuserade på gängvåld, droghandel och fattigdom. Det var också en stor spelare i hiphoprivaliteten mellan östkusten och västkusten . Huvudspelare i denna rivalitet var Tupac och Suge Knight på västkusten och The Notorious BIG och Diddy på östkusten.
I början av 2000-talet började R&B framhäva soloartister med poptilltal, inklusive Usher , Beyoncé och den karibiskt födda Rihanna . Denna musik ackompanjerades av kreativa och unika musikvideor som Beyoncés "Crazy in Love", Rihannas "Pon de Replay" och Ushers "Caught Up". Dessa videor hjälpte R&B att bli mer lönsam och mer populär än den hade varit på 1990-talet. Gränsen mellan hiphop, R&B och pop suddades ut av producenter som Timbaland och Lil Jon och av artister som Missy Elliott , T-Pain , Nelly , Akon och OutKast . [ citat behövs ]
Hiphop är fortfarande en genre skapad och dominerad av afroamerikaner. Under de första åren handlade texterna om svårigheterna med att vara svart i USA. White-ägda skivbolag kontrollerade hur hiphop marknadsfördes, vilket resulterade i förändringar i hiphopens texter och kultur för att passa den vita publiken. Forskare och afroamerikanska hiphopskapare märkte denna förändring. Hiphop används för att sälja bilar, mobiltelefoner och andra varor.
Hiphoprörelsen har blivit allt mer mainstream i takt med att musikindustrin har tagit kontroll över den. I huvudsak, "från det ögonblick som 'Rapper's Delight' blev platina, blev hiphop folkkulturen hiphop den amerikanska underhållningsindustrins sidoshow."
.jpg)
I början av 2000-talet var 50 Cent en av de mest populära afroamerikanska artisterna. 2005 sålde hans album The Massacre över en miljon album under sin första vecka. 2008 Lil Waynes album Tha Carter III också mer än en miljon exemplar under sin första vecka.
Inom ett år efter Michael Jacksons oväntade död 2009, genererade hans egendom 1,4 miljarder dollar i intäkter. En dokumentär som innehåller repetitionsmaterial för Jacksons planerade This Is It- turné, med titeln Michael Jacksons This Is It , släpptes den 28 oktober 2009 och blev den mest inkomstbringande konsertfilmen i historien.
2013 hade ingen afroamerikansk musiker en Billboard Hot 100 nummer ett, det första året då det inte fanns ett nummer ett rekord av en afroamerikan i listans 55-åriga historia. J. Cole , Beyonce , Jay Z och halvkanadensiska Drake , var alla bästsäljande musikartister i år, men ingen tog sig till Billboard Hot 100 :s nummer ett, vilket ledde till mycket debatt.
Svart protestmusik blev mainstream på 2010-talet. Beyoncé, hennes syster Solange , Kanye West , Frank Ocean och Rihanna släppte svarta protestalbum. Beyoncé släppte sitt första "black protest"-album Lemonade 2016.
I slutet av 2010-talet blev mumble-rap som härstammade från afro-amerikanska engelska populär bland artister som Playboi Carti , Young Thug och Lil Baby . Mumble rap fokuserar på melodin i låten snarare än på texten, och har en stor instrumentell bas. I ett samtal med den välkända mumlarrapparen HipHopDx Future : "När jag freestyle vet jag att det finns bitar som du inte riktigt förstår, men det är det du gillar det för - det är vad det handlar om för mig, det är konst."
Kulturell påverkan
Genom hybridiseringen av afrikanska, europeiska och indianska kulturelement har afroamerikansk musik gjort sig själv till "ett distinkt amerikanskt fenomen".
Jim Crow & Civil Rights Eras (tidigt till mitten av 1900-talet)
Musiken som gjordes under Jim Crow och Civil Rights-eran väckte "passionen och målmedvetenheten hos Southern Civil Rights Movement" som "gav ett rörande musikaliskt ackompanjemang till kampanjen för rasrättvisa och jämlikhet". Afroamerikanska män, kvinnor och barn från hela landet samlades i sociala miljöer som marscher, massmöten, kyrkor och till och med fängelser och "förmedlade den moraliska brådskan i frihetskampen". Afroamerikansk musik tjänade till att lyfta själen och hjärtan hos dem som kämpar för medborgerliga rättigheter. Guy Carawan hänvisade till Civil Rights Movement som "den största sångrörelse som detta land har upplevt".
"Vi ska överkomma"
Ofta kallad "medborgarrättsrörelsens hymn", " We Shall Overcome " var en hymn från 1800-talet som användes som en arbetarsång i en arbetarstrejk mot American Tobacco i Charleston, South Carolina 1945–1946. Den hördes av Zilhpia Horton i ett tobaksfält i Tennessee på en strejklinje 1946, och en arbetare vid namn Lucille Simmons ändrade den ursprungliga formuleringen av "I Will Overcome" till "We Will Overcome", vilket gjorde den mer kraftfull för medborgarrättsrörelsen.
1947 lade Horton till några verser till sången och lärde Pete Seeger sin version. Seeger reviderade låten från "We will" till "We shall". I april 1960 i Raleigh, North Carolina, sjöng folksångaren Guy Carawan den nya versionen på grundkonventet av Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC), och startade dess snabba spridning genom Civil Rights Movement. Seeger, Carawan och Frank Hamilton upphovsrättsskyddade låten för att förhindra att den blev en "kommersialiserad poplåt".
"We Shall Overcome" fortsatte att spridas snabbt när medborgarrättsrörelsen fick anhängare och fart. Demonstranter över hela landet sjöng sången när de marscherade för rättigheter, misshandlades, attackerades av polishundar och skickades i fängelse för att ha brutit mot segregationslagarna. "We Shall Overcome" och många andra protestlåtar under Civil Rights-rörelsen blev dess soundtrack. Utanför USA har låten använts i frihetsrörelser runt om i världen. I Indien är låten känd som " Hum Honge Kaamyaab ", vilket är en låt som de flesta skolbarn i Indien kan utantill.
Harlem Cultural Festival (1969)
Harlem Cultural Festival var en serie musikkonserter som hölls i Harlems Mount Morris Park i New York City. Denna festival "hyllade afroamerikansk musik och kultur och främjade den fortsatta politiken för Black pride". Klockan 15.00 på söndagar från den 29 juni 1969 till den 24 augusti 1969 uppträdde artister för en publik på tiotusentals människor. Sådana artister som uppträdde var Stevie Wonder , Nina Simone , BB King , Sly and the Family Stone , The 5th Dimension , Gladys Knight & the Pips , Mahalia Jackson och många andra.
Ekonomisk påverkan
Skivbutiker spelade en viktig roll i afroamerikanska samhällen i många decennier. På 1960- och 1970-talen verkade mellan 500 och 1 000 svartägda skivbutiker i den amerikanska södern, och förmodligen dubbelt så många i USA som helhet. Enligt The Political Economy of Black Music av Norman Kelley, "Svart musik existerar i ett nykolonialt förhållande med musikindustrin på 12 miljarder dollar, som består av sex skivbolag." Afroamerikanska entreprenörer omfamnade skivbutiker som nyckelmedel för ekonomisk bemyndigande och kritiska offentliga utrymmen för svarta konsumenter i en tid då många svartägda företag stängde mitt i avsegregeringen. Otaliga afroamerikaner har arbetat som musikaler, klubbägare, radiodeejays, konsertpromotorer och skivbolagsägare. Många företag använder afroamerikansk musik för att sälja sina produkter. Företag som Coca-Cola, Nike och Pepsi har använt afroamerikansk musik i reklam.
Internationellt inflytande
Jazz och hiphop reste till Afrika och Asien och påverkade andra genrer av afrikansk och asiatisk musik. Många säger att utan afroamerikansk musik skulle det inte finnas någon amerikansk musik. Låtarna som afrikaner tog med till Amerika skapade en grund för amerikansk musik. Texturstilarna, slangen och den afroamerikanska språkliga engelskan påverkade amerikansk popkultur och global kultur. Sättet afroamerikaner klär sig i hiphop-videor och hur afroamerikaner pratar kopieras på den amerikanska marknaden och den globala marknaden.
Afrobeat
Afrobeat är en västafrikansk musikgenre skapad av den nigerianska artisten Fela Kuti . Afrobeat började under det tidiga nittonhundratalet när artister från Ghana och Västafrika kombinerade sin musik med västerländsk calypso och jazz. Åren mellan krigen (1918–1939) var en särskilt bördig tid för bildandet av pan-västafrikanska urbana musiktraditioner. Kuti smälte samman traditionell västafrikansk musik med afroamerikansk musik av jazz, R&B och andra genrer av västafrikansk och afroamerikansk musik. James Browns funkmusik, dansstil och afroamerikanska trumspel påverkade Afrobeat. I London gick Kuti med i jazz- och rockband och återvände till Nigeria och skapade Afrobeat genom att smälta samman afroamerikansk och traditionell Yoruba-musik . 1969 turnerade Kuti i USA och blev inspirerad av afroamerikanernas politiska aktivism. Malcolm X :s liv och inspirerades av hans tal för svarta. Detta resulterade i en förändring i Kutis budskap när han började diskutera de politiska frågorna i Afrika och Nigeria. Däremot är "Afrobeats" en term som används för ett stort antal genrer som är populära över hela Afrika. Musik som kallas Afrobeats, i motsats till Kuti, är ofta optimistisk, genereras digitalt och sjungs på engelska, västafrikanska och pidgin-språk. Kutis musik kännetecknades av dess politiska innehåll och orkesterstil, medan Afrobeats antar många musikaliska teman som finns i R&B och Hip-Hop/Rap (Kärlek, sex, droger, pengar, svåra tider, berömmelse).
Se även
- afroamerikansk kultur
- Afroamerikansk dans
- Afroamerikansk musikteater
- Räffla
- Afro-Karibisk musik
- Svart ansikte
- Kulturell appropriering
- Afrikas kultur
- USA:s kultur
- Kultur i södra USA
- Gandy dansare
- Juke joint
- Lista över musikgenrer i den afrikanska diasporan
- Afrikas musik
- Musik från den afrikanska diasporan
- Cajun musik
- Kreol musik
- Musik från Baltimore
- Musik från Detroit
- Music of Georgia (USA)
- Musik från New Orleans
- Musik från USA
- judisk musik
- Mexikansk musik
- National Museum of African American Music
- Romanisk musik
Källor
- Southern, Eileen (1997). The Music of Black Americans: A History . WW Norton & Company; 3:e upplagan. ISBN 0-393-97141-4
- Stewart, Earl L. (1998). Afroamerikansk musik: en introduktion . ISBN 0-02-860294-3 .
- Cobb, Charles E., Jr., "Traveling the Blues Highway" , National Geographic Magazine , april 1999, v. 195, n.4
- Dixon, RMW & Godrich, J (1981), Blues and Gospel Records : 1902–1943, Storyville, London.
- Hamilton, Marybeth: In Search of the Blues .
- Leadbitter, M., & Slaven, N. (1968), Blues Records 1943–1966 , Oak Publications, London.
- Ferris, William ; Give My Poor Heart Ease: Voices of the Mississippi Blues , University of North Carolina Press (2009). ISBN 0-8078-3325-8 ISBN 978-0807833254 (med CD och DVD)
- Ferris, William; Glenn Hinson, The New Encyclopedia of Southern Culture: Volym 14: Folkliv , University of North Carolina Press (2009). ISBN 0-8078-3346-0 ISBN 978-0-8078-3346-9 (Omslag: foto av James Son Thomas)
- Ferris, William; Blues från deltat , Da Capo Press; reviderad upplaga (1988). ISBN 0-306-80327-5 ISBN 978-0306803277
- Gioia, Ted ; Delta Blues: The Life and Times of the Mississippi Masters Who Revolutionized American Music , WW Norton & Company (2009). ISBN 0-393-33750-2 ISBN 978-0393337501
- Harris, Sheldon ; Blues Who's Who , Da Capo Press, 1979.
- Nicholson, Robert; Mississippi Blues idag! Da Capo Press (1999). ISBN 0-306-80883-8 ISBN 978-0-306-80883-8
- Palmer, Robert ; Deep Blues: A Musical and Cultural History of the Mississippi Delta , Penguin reprint (1982). ISBN 0-14-006223-8 ; ISBN 978-0-14-006223-6
- Ramsey Jr, Frederic ; Been Here And Gone , 1:a upplagan (1960), Rutgers University Press; London Cassell (UK) och New Brunswick, NJ. 2nd printing (1969), Rutgers University Press, New Brunswick, NJ: University Of Georgia Press, 2000.
- Wilson, Charles Reagan, William Ferris , Ann J. Adadie, Encyclopedia of Southern Culture (1656 s.), University of North Carolina Press; 2:a upplagan (1989). ISBN 0-8078-1823-2 . ISBN 978-0-8078-1823-7
Vidare läsning
- Joshua Clark Davis, "For the Records: How African American Consumers and Music Retailers Created Commercial Public Space in the 1960s and 1970s South," Southern Cultures , Winter 2011.
- Work, John W., kompilator (1940), American Negro Songs and Spirituals: a Comprehensive Collection of 230 Folk Songs, Religious and Secular, with a Foreword . Bonanza Books, New York. OBS .: Består framför allt av en analytisk studie av detta repertoar, på sid. 1–46, en antologi över sådan musik (ord med den noterade musiken, harmoniserad), på s. 47–250, och en bibliografi, på sid. 252–256.
externa länkar
- En samling afroamerikansk gospelmusik från Library of Congress
- Shall We Gather at the River , en samling afroamerikansk helig musik, tillgänglig för allmänt bruk av State Archives of Florida
- 20 historiska milstolpar i afroamerikansk musik
- . New International Encyclopedia . 1905.
- Afrikansk musiks historia
| Musikens historia |
|
||||
|---|---|---|---|---|---|
| Utbildning och studier | |||||
| Produktion | |||||
| Efter suverän stat |
|
||||
| Listor | |||||
| Relaterade artiklar | |||||
| Myndighetskontroll : Nationella bibliotek |
|---|
