Elektronisk musik

För annan användning, se Elektronisk musik (disambiguation) .
"Elektronisk musiker" omdirigerar här. För tidningen, se Electronic Musician .

Elektronisk musik
Andra namn Electronica
Stilistiskt ursprung
Derivatformer
Andra ämnen
Elektronisk musik
Experimentella former
Populära stilar
Andra ämnen

Elektronisk musik är en musikgenre som använder elektroniska musikinstrument , digitala instrument eller kretsbaserad musikteknik i sin skapelse. Det inkluderar både musik gjord med elektroniska och elektromekaniska medel ( elektroakustisk musik) . Rena elektroniska instrument var helt beroende av kretsbaserad ljudgenerering, till exempel med hjälp av enheter som en elektronisk oscillator , theremin eller synthesizer. Elektromekaniska instrument kan ha mekaniska delar som strängar, hammare och elektriska element inklusive magnetiska pickuper , effektförstärkare och högtalare . Sådana elektromekaniska anordningar inkluderar telharmonium , Hammond-orgel , elpiano och elgitarr.

De första elektroniska musikapparaterna utvecklades i slutet av 1800-talet. Under 1920- och 1930-talen introducerades vissa elektroniska instrument och de första kompositionerna med dem skrevs. På 1940-talet tillät magnetiska ljudband musiker att banda ljud och sedan modifiera dem genom att ändra bandhastigheten eller riktningen, vilket ledde till utvecklingen av elektroakustisk bandmusik på 1940-talet, i Egypten och Frankrike. Musique concrète , skapad i Paris 1948, baserades på att tillsammans redigera inspelade fragment av naturliga och industriella ljud. Musik producerad enbart från elektroniska generatorer producerades först i Tyskland 1953. Elektronisk musik skapades också i Japan och USA med början på 1950-talet och Algoritmisk komposition med datorer demonstrerades första gången under samma decennium.

Under 1960-talet var digital datormusik banbrytande, innovation inom liveelektronik ägde rum och japanska elektroniska musikinstrument började påverka musikindustrin . I början av 1970-talet Moog synthesizers och trummaskiner till att popularisera syntetiserad elektronisk musik. På 1970-talet började elektronisk musik också ha ett betydande inflytande på populärmusik , med antagandet av polyfoniska syntar , elektroniska trummor , trummaskiner och skivspelare , genom uppkomsten av genrer som disco , krautrock , new wave , synth-pop , hiphop och EDM . I början av 1980-talet blev massproducerade digitala synthesizers , som Yamaha DX7 , populära, och MIDI (Musical Instrument Digital Interface) utvecklades. Under samma decennium, med ett större beroende av syntar och antagandet av programmerbara trummaskiner, kom elektronisk populärmusik i förgrunden. Under 1990-talet, med spridningen av allt mer överkomlig musikteknologi, blev elektronisk musikproduktion en etablerad del av populärkulturen. I Berlin med start 1989 Love Parade den största gatufesten med över 1 miljon besökare, vilket inspirerade andra sådana populära firanden av elektronisk musik.

Samtida elektronisk musik inkluderar många varianter och sträcker sig från experimentell konstmusik till populära former som elektronisk dansmusik . Elektronisk popmusik är mest igenkännlig i sin 4/4-form och mer kopplad till mainstream än tidigare former som var populära på nischmarknader.

Ursprung: sent 1800-tal till tidigt 1900-tal

Framsidan av Scientific American 1907, som visar storleken, driften och populariteten av Telharmonium

Vid 1900-talets början ledde experiment med framväxande elektronik till de första elektroniska musikinstrumenten . Dessa initiala uppfinningar såldes inte utan användes istället i demonstrationer och offentliga uppträdanden. Publiken fick reproduktioner av befintlig musik istället för nya kompositioner för instrumenten. Medan vissa ansågs vara nyheter och producerade enkla toner, syntetiserade Telharmonium ljudet av flera orkesterinstrument med rimlig precision. Den uppnådde ett livskraftigt allmänintresse och gjorde kommersiella framsteg i att strömma musik genom telefonnätverk .

Kritiker av musikaliska konventioner vid den tiden såg lovande i denna utveckling. Ferruccio Busoni uppmuntrade kompositionen av mikrotonal musik som tillåts av elektroniska instrument. Han förutspådde användningen av maskiner i framtida musik och skrev den inflytelserika Sketch of a New Esthetic of Music ( 1907). Futurister som Francesco Balilla Pratella och Luigi Russolo började komponera musik med akustiskt brus för att framkalla ljudet av maskineri . De förutspådde expansioner i klangfärg som tillåts av elektronik i det inflytelserika manifestet The Art of Noises (1913).

Tidiga kompositioner

Leon Theremin demonstrerade thereminen 1927

Utvecklingen av vakuumröret ledde till elektroniska instrument som var mindre, förstärkta och mer praktiska för prestanda. I synnerhet theremin , ondes Martenot och trautonium tillverkades kommersiellt i början av 1930-talet.

Från slutet av 1920-talet påverkade den ökade användbarheten av elektroniska instrument kompositörer som Joseph Schillinger att adoptera dem. De användes vanligtvis inom orkestrar, och de flesta kompositörer skrev delar till theremin som annars kunde framföras med stråkinstrument .

Avantgardekompositörer kritiserade den övervägande användningen av elektroniska instrument för konventionella ändamål. Instrumenten erbjöd expansioner i tonhöjdsresurser som utnyttjades av förespråkare för mikrotonal musik som Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen och Edgard Varèse . Vidare Percy Grainger thereminen för att helt överge fast tonation, medan ryska kompositörer som Gavriil Popov behandlade den som en källa till brus i annars akustisk brusmusik .

Inspelning av experiment

Utvecklingen inom tidig inspelningsteknik gick parallellt med elektroniska instrument. Det första sättet att spela in och återge ljud uppfanns i slutet av 1800-talet med den mekaniska fonografen . Skivspelare blev ett vanligt hushållsobjekt, och på 1920-talet använde kompositörer dem för att spela korta inspelningar i föreställningar.

Införandet av elektrisk inspelning 1925 följdes av ökade experimenterande med skivspelare. Paul Hindemith och Ernst Toch komponerade flera stycken 1930 genom att lagra inspelningar av instrument och sång med anpassade hastigheter. Influerad av dessa tekniker komponerade John Cage Imaginary Landscape nr 1 1939 genom att justera hastigheterna på inspelade toner.

Kompositörer började experimentera med nyutvecklad ljud-på-film- teknik. Inspelningar skulle kunna skarvas ihop för att skapa ljudcollage , som de av Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann och Dziga Vertov . Vidare tillät tekniken att ljud skapas och modifieras grafiskt . Dessa tekniker användes för att komponera ljudspår till flera filmer i Tyskland och Ryssland, förutom de populära Dr. Jekyll och Mr. Hyde i USA. Experiment med grafiskt ljud fortsatte av Norman McLaren från slutet av 1930-talet.

Utveckling: 1940- till 1950-talet

Elektroakustisk bandmusik

Ytterligare information: Elektroakustisk musik och Ljudinspelning och återgivning

Den första praktiska ljudbandspelaren presenterades 1935. Förbättringar av tekniken gjordes med hjälp av AC-förspänningstekniken , vilket avsevärt förbättrade inspelningstroheten. Redan 1942 gjordes provinspelningar i stereo. Även om denna utveckling till en början begränsades till Tyskland, togs inspelare och band till USA efter andra världskrigets slut. Dessa var grunden för den första kommersiellt producerade bandspelaren 1948.

1944, innan magnetbandet användes för kompositionsändamål, använde den egyptiske kompositören Halim El-Dabh , medan han fortfarande var student i Kairo , en besvärlig wire recorder för att spela in ljud från en gammal zaars ceremoni. Med hjälp av faciliteter i Middle East Radio studios bearbetade El-Dabh det inspelade materialet med efterklang, eko, spänningskontroller och ominspelning. Det som resulterade tros vara den tidigaste bandmusikkompositionen. Det resulterande verket fick titeln The Expression of Zaar och det presenterades 1944 vid ett konstgalleri i Kairo. Medan hans första experiment med bandbaserad komposition inte var allmänt kända utanför Egypten vid den tiden, är El-Dabh också känd för sitt senare arbete inom elektronisk musik vid Columbia-Princeton Electronic Music Center i slutet av 1950-talet.

Musique betong

Huvudartikel: Musique concrète
Se även: Akusmatisk musik
Phonogene (1953), en bandmaskin för att modifiera ljudstrukturen, utvecklad av Pierre Schaeffer et al. på GRMC
Pierre Schaeffer presenterar Acousmonium (1974) som bestod av 80 högtalare för banduppspelning, på GRM

Efter sitt arbete med Studio d'Essai på Radiodiffusion Française (RDF), under det tidiga 1940-talet, är Pierre Schaeffer krediterad för att ha ursprunget till teorin och praktiken för musique concrète. I slutet av 1940-talet utfördes först experiment i ljudbaserad komposition med shellackskivor av Schaeffer. År 1950 utökades teknikerna för musiquebetong när magnetbandsmaskiner användes för att utforska ljudmanipulationsmetoder som hastighetsvariation ( tonhöjdsförskjutning ) och tejpskarvning .

Den 5 oktober 1948 sände RDF Schaeffers Etude aux chemins de fer . Detta var den första " rörelsen " av Cinq études de bruits , och markerade början på studioförverkliganden och musique concrète (eller akusmatisk konst). Schaeffer använde en skivskärsvarv , fyra skivspelare, en fyra-kanals mixer, filter, en ekokammare och en mobil inspelningsenhet. Inte långt efter detta Pierre Henry samarbeta med Schaeffer, ett partnerskap som skulle ha djupgående och bestående effekter på riktningen av elektronisk musik. En annan medarbetare till Schaeffer, Edgard Varèse , började arbeta på Déserts , ett verk för kammarorkester och band. Banddelarna skapades i Pierre Schaeffers studio och reviderades senare vid Columbia University.

1950 gav Schaeffer den första offentliga (icke-sända) konserten av musique concrète på École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer använde ett PA-system , flera skivspelare och mixers. Föreställningen gick inte bra, eftersom att skapa livemontage med skivspelare aldrig hade gjorts förut." Senare samma år samarbetade Pierre Henry med Schaeffer på Symphonie pour un homme seul (1950), det första större verket av musique betong. I Paris 1951, i vad som skulle bli en viktig världsomspännande trend, etablerade RTF den första studion för produktion av elektronisk musik. Också 1951 producerade Schaeffer och Henry en opera, Orpheus , för konkreta ljud och röster.

År 1951 hade Schaeffers, kompositören-slagverkaren Pierre Henrys och ljudteknikern Jacques Poullins verk fått officiellt erkännande och The Groupe de Recherches de Musique Concrète, Club d 'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française etablerades vid RTF i Paris, förfadern av ORTF .

Elektronisk musik

Karlheinz Stockhausen i Electronic Music Studio i WDR, Köln, 1991

Karlheinz Stockhausen arbetade kort i Schaeffers studio 1952, och därefter i många år vid WDR Kölns studio för elektronisk musik .

1954 såg tillkomsten av vad som nu skulle anses vara autentiska elektriska plus akustiska kompositioner - akustisk instrumentering förstärkt/ackompanjerad av inspelningar av manipulerat eller elektroniskt genererat ljud. Tre stora verk uruppfördes det året: Varèses Déserts , för kammarensemble och bandljud, och två verk av Otto Luening och Vladimir Ussachevsky : Rhapsodiska varianter för Louisvillesymfonin och A Poem in Cycles and Bells , både för orkester och band. Eftersom han hade arbetat i Schaeffers studio innehåller banddelen för Varèses verk mycket mer konkreta ljud än elektroniska. "En grupp som består av blåsinstrument, slagverk och piano växlar med muterade ljud från fabriksljud och fartygssirener och motorer, som kommer från två högtalare."

Vid den tyska premiären av Déserts i Hamburg, som dirigerades av Bruno Maderna , sköttes bandkontrollerna av Karlheinz Stockhausen. Titeln Déserts föreslog Varèse inte bara "alla fysiska öknar (av sand, hav, snö, yttre rymden, tomma gator), utan också öknarna i människans sinne; inte bara de avskalade aspekterna av naturen som antyder barhet, distans, tidlöshet, men också det avlägsna inre rymden som inget teleskop kan nå, där människan är ensam, en värld av mystik och väsentlig ensamhet."

I Köln, det som skulle bli den mest kända elektroniska musikstudion i världen, öppnades officiellt i radiostudiorna i NWDR 1953 , även om den hade varit i planeringsstadiet så tidigt som 1950 och tidiga kompositioner gjordes och sändes 1951 Studion, som skapades av Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer och Herbert Eimert (som blev dess första regissör), fick snart sällskap av Karlheinz Stockhausen och Gottfried Michael Koenig . I sin avhandling 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, kom Meyer-Eppler på idén att syntetisera musik helt och hållet från elektroniskt producerade signaler; på så sätt skildes elektronische Musik kraftigt från franska musique concrète , som använde ljud inspelade från akustiska källor.

1953 komponerade Stockhausen sin Studie I , följt 1954 av Elektronische Studie II — det första elektroniska stycket som publicerades som partitur. 1955 började mer experimentella och elektroniska studior dyka upp. Anmärkningsvärda var skapandet av Studio di fonologia musicale di Radio Milano , en studio vid NHK i Tokyo grundad av Toshiro Mayuzumi , och Philips-studion i Eindhoven , Nederländerna, som flyttade till University of Utrecht som Institute of Sonology 1960 .

"Med Stockhausen och Mauricio Kagel i bostad blev [Köln] en året runt bikupa av karismatisk avantegardism." vid två tillfällen genom att kombinera elektroniskt genererade ljud med relativt konventionella orkestrar – i Mixtur (1964) och Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). Stockhausen uppgav att hans lyssnare hade berättat för honom att hans elektroniska musik gav dem en upplevelse av "yttre rymden", sensationer av att flyga eller att vara i en "fantastisk drömvärld".

Förenta staterna

I USA skapades elektronisk musik redan 1939, när John Cage publicerade Imaginary Landscape, nr 1 , med två skivspelare med variabel hastighet, frekvensinspelningar, dämpat piano och cymbal, men inga elektroniska produktionsmedel. Cage komponerade ytterligare fem "Imaginary Landscapes" mellan 1942 och 1952 (en indragen), mest för slagverksensemble, även om nr 4 är för tolv radioapparater och nr 5, skriven 1952, använder 42 inspelningar och ska realiseras som en magnetisk tejp. Enligt Otto Luening framförde Cage också Williams Mix på Donaueschingen 1954, med åtta högtalare, tre år efter hans påstådda samarbete. [ förtydligande behövs ] Williams Mix var en succé på Donaueschingen-festivalen , där den gjorde ett "starkt intryck".

Music for Magnetic Tape Project bildades av medlemmar från New York School ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor och Morton Feldman ), och varade i tre år fram till 1954. Cage skrev om detta samarbete: "I detta sociala mörker, därför fortsätter arbetet av Earle Brown, Morton Feldman och Christian Wolff att presentera ett lysande ljus, av den anledningen att action är provocerande vid de olika punkterna notation, framförande och audition."

Cage avslutade Williams Mix 1953 medan han arbetade med Music for Magnetic Tape Project. Gruppen hade ingen permanent anläggning och var tvungen att förlita sig på lånad tid i kommersiella ljudstudior, inklusive studion för Bebe och Louis Barron .

Columbia-Princeton Center

Ytterligare information: Columbia-Princeton Electronic Music Center
Se även: Vladimir Ussachevsky och RCA Mark II Sound Synthesizer

Samma år köpte Columbia University sin första bandspelare – en professionell Ampex- maskin – för att spela in konserter. Vladimir Ussachevsky, som var på musikfakulteten vid Columbia University, blev ansvarig för enheten och började nästan omedelbart experimentera med den.

Herbert Russcol skriver: "Snart blev han fascinerad av de nya ljuden han kunde uppnå genom att spela in musikinstrument och sedan lägga dem ovanpå varandra." Ussachevsky sa senare: "Jag insåg plötsligt att bandspelaren kunde behandlas som ett instrument för ljudtransformation." Torsdagen den 8 maj 1952 presenterade Ussachevsky flera demonstrationer av bandmusik/effekter som han skapade på sitt kompositörsforum i McMillin Theatre vid Columbia University. Dessa inkluderade Transposition, Reverberation, Experiment, Composition och Underwater Valse . I en intervju sa han: "Jag presenterade några exempel på min upptäckt på en offentlig konsert i New York tillsammans med andra kompositioner jag hade skrivit för konventionella instrument." Otto Luening, som hade deltagit i denna konsert, anmärkte: "Utrustningen till hans förfogande bestod av en Ampex-bandspelare ... och en enkel lådliknande anordning designad av den briljante unge ingenjören Peter Mauzey, för att skapa feedback, en form av mekanisk efterklang. Annan utrustning lånades eller köptes med personliga medel."

Bara tre månader senare, i augusti 1952, reste Ussachevsky till Bennington, Vermont, på Luenings inbjudan för att presentera sina experiment. Där samarbetade de två på olika stycken. Luening beskrev händelsen: "Utrustad med hörlurar och en flöjt började jag utveckla min första bandspelare. Vi båda var flytande improvisatorer och mediet satte igång vår fantasi." De spelade några tidiga stycken informellt på en fest, där "ett antal kompositörer nästan högtidligt gratulerade oss och sa: 'Det här är det' ('det' betyder framtidens musik)."

Ryktet nådde snabbt New York City. Oliver Daniel ringde och bjöd in paret att "producera en grupp korta kompositioner för oktoberkonserten sponsrad av American Composers Alliance och Broadcast Music, Inc., under ledning av Leopold Stokowski vid Museum of Modern Art i New York. Efter några tvekan kom vi överens... Henry Cowell ställde sitt hem och sin studio i Woodstock, New York, till vårt förfogande. Med den lånade utrustningen bak i Ussachevskys bil lämnade vi Bennington för Woodstock och stannade två veckor... I slutet av september 1952 nådde det resande laboratoriet Ussachevskys vardagsrum i New York, där vi så småningom färdigställde kompositionerna."

Två månader senare, den 28 oktober, presenterade Vladimir Ussachevsky och Otto Luening den första Tape Music-konserten i USA. Konserten inkluderade Luenings Fantasy in Space (1952) - "ett impressionistiskt virtuos stycke" med hjälp av manipulerade inspelningar av flöjt - och Low Speed ​​(1952), en "exotisk komposition som tog flöjten långt under sitt naturliga omfång." Båda verken skapades hemma hos Henry Cowell i Woodstock, New York. Efter att flera konserter väckt sensation i New York, bjöds Ussachevsky och Luening in till en livesändning av NBC:s Today Show för att göra en intervjudemonstration – det första TV-sända elektroakustiska framträdandet. Luening beskrev händelsen: "Jag improviserade några [flöjt]sekvenser för bandspelaren. Ussachevsky satte dem då och där igenom elektroniska transformationer."

Partituret för Forbidden Planet , av Louis och Bebe Barron , komponerades helt med hjälp av specialbyggda elektroniska kretsar och bandspelare 1956 (men inga synthesizers i ordets moderna mening). [ förtydligande behövs ]

Australien

CSIRAC, Australiens första digitala dator, visas på Melbourne Museum

Världens första dator för att spela musik var CSIRAC , som designades och byggdes av Trevor Pearcey och Maston Beard. Matematikern Geoff Hill programmerade CSIRAC för att spela populära musikaliska melodier från tidigt 1950-tal. År 1951 spelade den offentligt överste Bogey March , av vilken inga kända inspelningar finns, bara den exakta rekonstruktionen. Men CSIRAC spelade standardrepertoar och användes inte för att utöka musikaliskt tänkande eller kompositionsövning. CSIRAC spelades aldrig in, men musiken som spelades rekonstruerades korrekt. De äldsta kända inspelningarna av datorgenererad musik spelades av Ferranti Mark 1- datorn, en kommersiell version av Baby Machine från University of Manchester hösten 1951. Musikprogrammet skrevs av Christopher Strachey .

Japan

Yamaha Magna-orgel och det utsedda tonskåpet (1935)

Den tidigaste gruppen av elektroniska musikinstrument i Japan, Yamaha Magna Organ byggdes 1935. Men efter andra världskriget kände japanska kompositörer som Minao Shibata till utvecklingen av elektroniska musikinstrument. I slutet av 1940-talet började japanska kompositörer experimentera med elektronisk musik och institutionell sponsring gjorde det möjligt för dem att experimentera med avancerad utrustning. Deras infusion av asiatisk musik i den framväxande genren skulle så småningom stödja Japans popularitet i utvecklingen av musikteknologi flera decennier senare.

Efter grundandet av elektronikföretaget Sony 1946, undersökte kompositörerna Toru Takemitsu och Minao Shibata oberoende möjliga användningsområden för elektronisk teknik för att producera musik. Takemitsu hade idéer som liknade musique concrète , som han inte var medveten om, medan Shibata förutsåg utvecklingen av synthesizers och förutspådde en drastisk förändring i musiken. Sony började producera populära magnetbandspelare för statligt och offentligt bruk.

Avantgardekollektivet Jikken Kōbō (Experimentell verkstad), grundat 1950, erbjöds tillgång till framväxande ljudteknik av Sony. Företaget anlitade Toru Takemitsu för att demonstrera sina bandspelare med kompositioner och framföranden av elektronisk bandmusik. De första elektroniska bandstyckena av gruppen var "Toraware no Onna" ("Imprisoned Woman") och "Piece B", komponerad 1951 av Kuniharu Akiyama. Många av de elektroakustiska bandstyckena de producerade användes som tillfällig musik för radio, film och teater. De höll också konserter med ett bildspel synkroniserat med ett inspelat soundtrack. Kompositörer utanför Jikken Kōbō, som Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga och Shirō Fukai , experimenterade också med radiofonisk bandmusik mellan 1952 och 1953.

Musique concrète introducerades till Japan av Toshiro Mayuzumi , som var influerad av en Pierre Schaeffer-konsert. Från 1952 komponerade han bandmusik till en komedifilm, en radiosändning och ett radiodrama. Schaeffers koncept med ljudobjekt var dock inte inflytelserik bland japanska kompositörer, som främst var intresserade av att övervinna begränsningarna för mänskligt framförande. Detta ledde till att flera japanska elektroakustiska musiker använde sig av serialism och tolvtonstekniker , tydligt i Yoshirō Irinos dodekafoniska stycke "Concerto da Camera" från 1951, i organiseringen av elektroniska ljud i Mayuzumis "X, Y, Z for Musique Concrète" , och senare i Shibatas elektroniska musik 1956.

Modellering av NWDR-studion i Köln, etablerade en NHK elektronisk musikstudio i Tokyo 1954, som blev en av världens ledande elektroniska musikanläggningar. NHKs elektroniska musikstudio var utrustad med teknologier som tongenererande och ljudbehandlingsutrustning, inspelning och radiofonisk utrustning, ondes Martenot, Monochord och Melochord , sinusvågsoscillatorer , bandspelare, ringmodulatorer, bandpassfilter och fyra- och åttakanalsblandare . Musiker associerade med studion var bland annat Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi och Toru Takemitsu. Studions första elektroniska kompositioner färdigställdes 1955, inklusive Mayuzumis femminutersstycken "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" och "Invention for Square Wave and Sawtooth Wave" producerad med hjälp av studions olika tongenererande möjligheter, och Shibatas 20-minuters stereostycke "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".

Mitten till slutet av 1950-talet

Datorernas inverkan fortsatte 1956. Lejaren Hiller och Leonard Isaacson komponerade Illiac Suite för stråkkvartett , det första kompletta verket med datorstödd komposition med hjälp av algoritmisk komposition. "... Hiller postulerade att en dator kunde läras ut reglerna för en viss stil och uppmanades sedan att komponera därefter." Senare utvecklingar inkluderade arbetet av Max Mathews vid Bell Laboratories , som utvecklade det inflytelserika programmet MUSIC I 1957, ett av de första datorprogrammen som spelade elektronisk musik. Vocoder- teknologin var också en stor utveckling i denna tidiga era. År 1956 komponerade Stockhausen Gesang der Jünglinge , det första stora verket i studion i Köln, baserat på en text från Daniels bok . En viktig teknisk utveckling det året var uppfinningen av Clavivox synthesizer av Raymond Scott med undermontering av Robert Moog .

1957 släppte Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) och Tom Dissevelt sitt debutalbum, Song Of The Second Moon , inspelat i Philips studio i Nederländerna. Allmänheten förblev intresserad av de nya ljuden som skapades runt om i världen, vilket kan utläsas av inkluderingen av Varèses Poème électronique , som spelades över fyrahundra högtalare på Philips Pavilion på världsutställningen i Bryssel 1958 . Samma år Mauricio Kagel , en argentinsk kompositör, Transición II . Arbetet förverkligades i WDR-studion i Köln. Två musiker uppträdde på piano, en på traditionellt sätt, den andra spelade på stråkar, ram och låda. Två andra artister använde band för att förena presentationen av liveljud med framtiden för förinspelat material från senare tid och dess förflutna med inspelningar gjorda tidigare i föreställningen.

RCA Mark II Sound Synthesizer

1958 utvecklade Columbia-Princeton RCA Mark II Sound Synthesizer , den första programmerbara synthesizern. Framstående kompositörer som Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel och Mario Davidovsky använde RCA Synthesizer flitigt i olika kompositioner. En av de mest inflytelserika kompositörerna förknippade med studions första år var Egyptens Halim El-Dabh som, efter att ha utvecklat den tidigaste kända elektroniska bandmusiken 1944, blev mer känd för Leiyla and the Poet , en serie elektroniska kompositioner från 1959 som stod ut för sin fördjupning och sömlösa sammansmältning av elektronisk musik och folkmusik , i motsats till det mer matematiska tillvägagångssättet som användes av den tidens seriekompositörer som Babbitt. El-Dabhs Leiyla and the Poet , släppt som en del av albumet Columbia-Princeton Electronic Music Center 1961, skulle citeras som ett starkt inflytande av ett antal musiker, allt från Neil Rolnick , Charles Amirkhanian och Alice Shields till rockmusikerna Frank Zappa och The West Coast Pop Art Experimental Band .

Efter uppkomsten av skillnader inom GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète) avgick Pierre Henry, Philippe Arthuys och flera av deras kollegor i april 1958. Schaeffer skapade ett nytt kollektiv, kallat Groupe de Recherches Musicales (GRM) och började rekryterar nya medlemmar inklusive Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani och Mireille Chamass-Kyrou. Senare ankomster inkluderade Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton och François Bayle .

Expansion: 1960-talet

Se även: Synthesizer , Harald Bode , Modular synthesizer , Buchla , och Moog Music

Dessa var bördiga år för elektronisk musik – inte bara för akademin, utan för oberoende artister i takt med att synthesizertekniken blev mer tillgänglig. Vid den här tiden etablerades och växte en stark gemenskap av kompositörer och musiker som arbetar med nya ljud och instrument. 1960 bevittnade kompositionen av Luenings Gargoyles för violin och band samt premiären av Stockhausens Kontakte för elektroniska ljud, piano och slagverk. Det här stycket fanns i två versioner - en för 4-kanals band och den andra för band med mänskliga artister. "I Kontakte övergav Stockhausen traditionell musikalisk form baserad på linjär utveckling och dramatiskt klimax. Detta nya tillvägagångssätt, som han kallade "ögonblicksform", liknar de "filmiska skarvningsteknikerna" i det tidiga nittonhundratalets film."

Thereminen hade varit i bruk sedan 1920-talet men den uppnådde en viss grad av populärt erkännande genom dess användning i science-fiction-filmsoundtrackmusik på 1950-talet (t.ex. Bernard Herrmanns klassiska partitur för The Day the Earth Stood Still ).

I Storbritannien under denna period blev BBC Radiophonic Workshop (grundad 1958) framträdande, till stor del tack vare deras arbete med BBC:s science-fiction-serie Doctor Who . En av de mest inflytelserika brittiska elektroniska artisterna under denna period var Workshop-medarbetaren Delia Derbyshire , som nu är känd för sin elektroniska realisering 1963 av det ikoniska Doctor Who- temat , komponerat av Ron Grainer .

Den israeliska kompositören Josef Tal i Electronic Music Studio i Jerusalem (ca 1965) med Hugh Le Caines Creative Tape Recorder (en ljudsynt) aka "Multi-track"

Under tiden för UNESCO- stipendiet för studier i elektronisk musik (1958) åkte Josef Tal på en studieturné i USA och Kanada. Han sammanfattade sina slutsatser i två artiklar som han skickade in till UNESCO. 1961 etablerade han Center for Electronic Music i Israel vid Hebrew University of Jerusalem. 1962 Hugh Le Caine till Jerusalem för att installera sin kreativa bandspelare i centrum. På 1990-talet genomförde Tal, tillsammans med Dr. Shlomo Markel, i samarbete med Technion – Israel Institute of Technology och Volkswagen Foundation ett forskningsprojekt ('Talmark') som syftade till att utveckla ett nytt notsystem för elektronisk musik.

Milton Babbitt komponerade sitt första elektroniska verk med synthesizern - hans Composition for Synthesizer (1961) - som han skapade med RCA-synthesizern vid Columbia-Princeton Electronic Music Center.

För Babbitt var RCA-synten en dröm som gick i uppfyllelse av tre anledningar. För det första, förmågan att peka ut och kontrollera varje musikaliskt element exakt. För det andra, den tid som behövdes för att förverkliga hans utarbetade seriella strukturer fördes inom praktisk räckhåll. För det tredje var frågan inte längre "Vilka är gränserna för den mänskliga artisten?" utan snarare "Vilka är gränserna för mänsklig hörsel?"

Samarbetena förekom även över hav och kontinenter. 1961 bjöd Ussachevsky in Varèse till Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Vid ankomsten inledde Varese en revision av Déserts . Han fick hjälp av Mario Davidovsky och Bülent Arel .

Den intensiva aktiviteten som inträffade på CPEMC och på andra ställen inspirerade till etableringen av San Francisco Tape Music Center 1963 av Morton Subotnick , med ytterligare medlemmar Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin och Terry Riley .

Senare flyttade centret till Mills College , regisserat av Pauline Oliveros , där det idag är känt som Center for Contemporary Music. Pietro Grossi var en italiensk pionjär inom datorkomposition och bandmusik, som först experimenterade med elektroniska tekniker i början av sextiotalet. Grossi var cellist och kompositör, född i Venedig 1917. Han grundade S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) 1963 för att experimentera med elektroniskt ljud och komposition.

Samtidigt i San Francisco presenterade kompositören Stan Shaff och utrustningsdesignern Doug McEachern den första "Audium"-konserten på San Francisco State College (1962), följt av arbete på San Francisco Museum of Modern Art (1963), tänkt som i tiden , kontrollerad rörelse av ljud i rymden. Tolv högtalare omringade publiken, fyra högtalare var monterade på en roterande, mobilliknande konstruktion ovanför. I ett SFMOMA-framträdande året därpå (1964), kommenterade musikkritikern Alfred Frankenstein från San Francisco Chronicle , "möjligheterna med rymd-ljudskontinuum har sällan undersökts så omfattande". 1967 öppnade det första Audiumet , ett "sound-space continuum", som höll veckovisa föreställningar fram till 1970. År 1975, möjliggjort av fröpengar från National Endowment for the Arts, öppnade ett nytt Audium, designat golv till tak för rumslig ljudkomposition och prestanda. "Däremot finns det kompositörer som manipulerade ljudutrymmet genom att placera flera högtalare på olika platser i ett framförande utrymme och sedan växla eller panorera ljudet mellan källorna. I detta tillvägagångssätt är sammansättningen av rumslig manipulation beroende av platsen för högtalarna och utnyttjar vanligtvis höljets akustiska egenskaper. Exempel inkluderar Vareses Poeme Electronique (bandmusik framförd i Philips Pavilion på världsutställningen 1958 i Bryssel) och Stan Schaffs Audium -installation, som för närvarande är aktiv i San Francisco." Genom veckoprogram (över 4 500 på 40 år) "skulpterar" Shaff ljud och framför nu digitaliserade rumsliga verk live genom 176 högtalare.

Jean-Jacques Perrey experimenterade med Schaeffers tekniker på bandslingor och var bland de första att använda den nyligen släppta Moog-synthesizern utvecklad av Robert Moog. Med detta instrument komponerade han några verk med Gershon Kingsley och solo. Ett välkänt exempel på användningen av Moogs Moog modulära synt i full storlek är 1968 års Switched-On Bach- album av Wendy Carlos , som utlöste en vurm för synthesizermusik. 1969 David Tudor med en Moog modulär synthesizer och Ampex-bandmaskiner till National Institute of Design i Ahmedabad med stöd av Sarabhai-familjen , vilket bildade grunden för Indiens första elektroniska musikstudio. Här utvecklade en grupp kompositörer Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur och Atul Desai experimentella ljudkompositioner mellan 1969 och 1973

Datormusik

Huvudartikel: Datormusik
Se även: Music-N och Algoritmisk komposition

Musikaliska melodier genererades först av datorn CSIRAC i Australien 1950. Det fanns tidningsrapporter från Amerika och England (tidigt och nyligen) om att datorer kan ha spelat musik tidigare, men grundlig forskning har avslöjat dessa berättelser eftersom det inte finns några bevis som stöder tidningsrapporter (av vilka några uppenbarligen var spekulativa). Forskning har visat att människor spekulerade om datorer som spelar musik, möjligen för att datorer skulle göra ljud, men det finns inga bevis för att de faktiskt gjorde det.

Världens första dator för att spela musik var CSIRAC , som designades och byggdes av Trevor Pearcey och Maston Beard på 1950-talet. Matematikern Geoff Hill programmerade CSIRAC för att spela populära musikaliska melodier från tidigt 1950-tal. 1951 spelade den offentligt " överste Bogey March " som det inte finns några kända inspelningar av. CSIRAC spelade dock standardrepertoar och användes inte för att utvidga musikaliskt tänkande eller kompositionspraktik som är nuvarande datormusikpraktik.

Den första musiken som framfördes i England var ett framförande av den brittiska nationalsången som programmerades av Christopher Strachey på Ferranti Mark I, sent 1951. Senare samma år spelades korta utdrag av tre stycken in där av en extern sändningsenhet från BBC : nationalsången, " Ba, Ba Black Sheep " och " In the Mood " och detta anses vara den tidigaste inspelningen av en dator för att spela musik. Denna inspelning kan höras på denna Manchester University-webbplats . Forskare vid University of Canterbury , Christchurch avböjde och återställde denna inspelning 2016 och resultaten kan höras på SoundCloud .

I slutet av 1950-, 1960- och 1970-talen utvecklades också syntes av stora stordatorer. Från och med 1957 utvecklade Max Mathews från Bell Labs MUSIC-programmen, som kulminerade i MUSIC V , ett direkt digitalt syntesspråk. Laurie Spiegel utvecklade den algoritmiska musikkompositionsmjukvaran " Music Mouse " (1986) för Macintosh , Amiga och Atari -datorer.

Stokastisk musik

En viktig ny utveckling var tillkomsten av datorer för att komponera musik, i motsats till att manipulera eller skapa ljud. Iannis Xenakis startade det som kallas musique stochastique , eller stochastic music , som är en komponerande metod som använder matematiska sannolikhetssystem. Olika sannolikhetsalgoritmer användes för att skapa en bit under en uppsättning parametrar. Xenakis använde datorer för att komponera stycken som ST/4 för stråkkvartett och ST/48 för orkester (båda 1962), Morsima-Amorsima , ST/10 och Atrées . Han utvecklade datorsystemet UPIC för att översätta grafiska bilder till musikaliska resultat och komponerade Mycènes Alpha (1978) med det.

Levande elektronik

Huvudartikel: Levande elektronisk musik

I Europa 1964 komponerade Karlheinz Stockhausen Mikrofonie I för tam-tam , handhållna mikrofoner, filter och potentiometrar, och Mixtur för orkester, fyra sinusvågsgeneratorer och fyra ringmodulatorer . 1965 komponerade han Mikrofonie II för kör, Hammondorgel och ringmodulatorer.

1966–1967 upptäckte och började Reed Ghazala att lära ut " kretsböjning " - tillämpningen av den kreativa kortslutningen, en process av tillfällig kortslutning, skapande av experimentella elektroniska instrument, utforskande av ljudelement huvudsakligen av klangfärg och med mindre hänsyn till tonhöjd eller rytm, och influerad av John Cages aleatoriska musikkoncept [ sic ].

Cosey Fanni Tuttis performancekonst och musikaliska karriär utforskade konceptet "acceptabel" musik och hon fortsatte med att utforska användningen av ljud som ett sätt för lust eller obehag. [ misslyckad verifiering ]

Wendy Carlos framförde urval från sitt album Switched-On Bach på scen med en synthesizer med St. Louis Symphony Orchestra ; ett annat liveframträdande var med Kurzweil Baroque Ensemble för "Bach at the Beacon" 1997. I juni 2018 släppte Suzanne Ciani LIVE Quadraphonic , ett livealbum som dokumenterar hennes första soloframträdande på en Buchla-synthesizer på 40 år. Det var en av de första kvadrafoniska vinylsläppen på över 30 år.

Japanska instrument

Tidig elektronisk orgel : Yamaha Electone D-1 (1959)

På 1950-talet började japanska elektroniska musikinstrument att påverka den internationella musikindustrin . Ikutaro Kakehashi , som grundade Ace Tone 1960, utvecklade sin egen version av elektronisk slagverk som redan hade varit populärt på den utländska elektroniska orgeln. På NAMM 1964 avslöjade han det som R-1 Rhythm Ace, en handmanövrerad slagverksenhet som spelade elektroniska trumljud manuellt när användaren tryckte på knappar, på ett liknande sätt som moderna elektroniska trumplattor.

Tidig trummaskin : Korg Donca Matic DA-20 (1963)

1963 släppte Korg Donca-Matic DA-20 , en elektromekanisk trummaskin . 1965 Nippon Columbia en helt elektronisk trummaskin. Korg släppte den elektroniska trummaskinen Donca-Matic DC-11 1966, som de följde med Korg Mini Pops, som utvecklades som ett tillval för Yamaha Electone elorgel. Korgs Stageman- och Mini Pops-serier var anmärkningsvärda för "naturliga metalliska slagverk"-ljud och inkluderade kontroller för "trumpauser och fill -ins" .

1967 patenterade Ace Tone-grundaren Ikutaro Kakehashi en förinställd rytm-mönstergenerator som använder diodmatriskrets liknande Seeburgs tidigare amerikanska patent 3 358 068 inlämnat 1964 (Se Drum machine#History ), som han släppte som FR-1 Rhythm. trummaskin samma år. Den erbjöd 16 förinställda mönster och fyra knappar för att manuellt spela varje instrumentljud ( cymbal , claves , cowbell och bastrumma ). Rytmmönstren kunde också kaskadkopplas genom att trycka på flera rytmknappar samtidigt, och den möjliga kombinationen av rytmmönster var mer än hundra. Ace Tones Rhythm Ace-trummaskiner hittade sin väg in i populärmusik från slutet av 1960-talet, följt av Korg-trummaskiner på 1970-talet. Kakehashi lämnade senare Ace Tone och grundade Roland Corporation 1972, med Roland synthesizers och trummaskiner som blev mycket inflytelserika under de kommande decennierna. Företaget skulle fortsätta att ha en stor inverkan på populärmusik och göra mer för att forma populär elektronisk musik än något annat företag.

Direktdriven skivspelare : Technics SL-1200 (introducerad 1972)

Turntablism har sitt ursprung i uppfinningen av direktdrivna skivspelare . Tidiga remdrivna skivspelare var olämpliga för vändskivor, eftersom de hade en långsam starttid, och de var benägna att slitas sönder och gå sönder, eftersom remmen skulle gå sönder av backspin eller repor. Den första direktdrivna skivspelaren uppfanns av Shuichi Obata, en ingenjör på Matsushita (nu Panasonic ), baserad i Osaka , Japan. Den eliminerade bälten och använde istället en motor för att direkt driva en tallrik som en vinylskiva vilar på. 1969 släppte Matsushita den som SP-10 , den första direktdrivna skivspelaren på marknaden och den första i deras inflytelserika Technics -serie av skivspelare. Den efterträddes av Technics SL-1100 och SL-1200 i början av 1970-talet, och de antogs allmänt av hiphopmusiker, med SL-1200 som förblev den mest använda skivspelaren i DJ-kulturen under flera decennier.

Jamaicansk dub-musik

Huvudartikel: Dubbmusik
Se även: Ljudsystem (jamaicanskt)

På Jamaica växte en form av populär elektronisk musik upp på 1960-talet, dubmusik , med rötter i ljudsystemkulturen . Dubmusik skapades av studioingenjörer, som Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry och Scientist , och producerade reggae -influerad experimentell musik med elektronisk ljudteknik, i inspelningsstudior och på ljudsystemfester. Deras experiment inkluderade former av bandbaserad komposition som kan jämföras med aspekter av musique concrète , en betoning på repetitiva rytmiska strukturer (ofta avskalade sina harmoniska element) jämförbara med minimalism , elektronisk manipulation av rumslighet, sonisk elektronisk manipulation av förinspelade musikmaterial från massmedia, deejays som skålar över förinspelad musik jämförbar med levande elektronisk musik , remix av musik, turntablism och mixning och scratchning av vinyl.

Trots den begränsade elektroniska utrustningen tillgänglig för dubbningspionjärer som King Tubby och Lee "Scratch" Perry, var deras experiment i remixkultur musikaliskt banbrytande. King Tubby, till exempel, var en ljudsystemsinnehavare och elektroniktekniker, vars lilla studio i framrummet i Waterhouse-gettot i västra Kingston var en viktig plats för dubmusikskapande.

Sent 1960-tal till början av 1980-talet

Uppkomsten av populär elektronisk musik

Huvudartiklar: Elektronisk rock , Synth-pop , Electropop , Elektromusik och Housemusik
Se även: Progressiv rock , Krautrock , Space rock och modern elektronisk musik

I slutet av 1960-talet började pop- och rockmusiker, inklusive Beach Boys och Beatles , använda elektroniska instrument, som theremin och Mellotron , för att komplettera och definiera deras sound. I sin bok Electronic and Experimental Music känner Thom Holmes igen Beatles inspelning från 1966 " Tomorrow Never Knows " som låten som "inledde en ny era i användningen av elektronisk musik i rock- och popmusik" på grund av bandets inkorporering av band. loopar och omvända och hastighetsmanipulerade bandljud.

Också i slutet av 1960-talet betraktas musikduosna Silver Apples , Beaver och Krause , och experimentella rockband som White Noise och USA, som pionjärer inom genrerna för elektronisk rock och elektronik för deras arbete med att förena psykedelisk rock med oscillatorer och syntar. Den instrumentala " Popcorn " från 1969 skriven av Gershon Kingsley för Music To Moog By blev en världsomspännande succé tack vare 1972 års version gjord av Hot Butter .

Moog-synten kom till mainstream 1968 av Switched-On Bach , ett bästsäljande album med Bach-kompositioner arrangerat för Moog-synt av den amerikanska kompositören Wendy Carlos . Albumet nådde kritisk och kommersiell framgång och vann 1970 Grammy Awards för bästa klassiska album , bästa klassiska framförande – instrumentalsolist eller solister (med eller utan orkester) och bästa konstruerade klassiska inspelning .

1969 bildade David Borden världens första synthesizerensemble kallad Mother Mallard's Portable Masterpiece Company i Ithaca, New York.

Keith Emerson uppträdde i Sankt Petersburg 2008

I slutet av 1960-talet tog Moog-synthesizern en ledande plats i ljudet av framväxande progressiv rock med band inklusive Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer och Genesis som gjorde dem till en del av deras sound. Instrumental progrock var särskilt betydelsefull på den europeiska kontinenten, och tillät band som Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Neu! , och Faust för att kringgå språkbarriären. Deras synthesizer-tunga " krautrock ", tillsammans med Brian Enos arbete (för en tid keyboardspelare med Roxy Music ), skulle ha stor inflytande på efterföljande elektronisk rock .

Ambient dub skapades av King Tubby och andra jamaicanska ljudartister , med hjälp av DJ-inspirerad ambientelektronik , komplett med drop-outs, eko, utjämning och psykedeliska elektroniska effekter. Den innehöll lagertekniker och inkorporerade delar av världsmusik , djupa baslinjer och harmoniska ljud. Tekniker som en lång ekofördröjning användes också. Andra anmärkningsvärda artister inom genren inkluderar Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob och Transglobal Underground .

Dubmusik påverkade elektroniska musikaliska tekniker som senare anammades av hiphopmusiken när den jamaicanske immigrant- DJ:n Kool Herc i början av 1970-talet introducerade Jamaicas ljudsystemskultur och dubmusiktekniker till Amerika. En sådan teknik som blev populär i hiphopkulturen var att spela två exemplar av samma skiva på två skivspelare omväxlande, vilket utökade b-dansarnas favoritsektion. Skivspelaren fortsatte så småningom att bli det mest synliga elektroniska musikinstrumentet, och ibland det mest virtuosa , på 1980- och 1990-talen.

Elektronisk rock producerades också av flera japanska musiker, inklusive Isao Tomitas Electric Samurai: Switched on Rock (1972), som innehöll Moog synthesizer-återgivningar av samtida pop- och rocklåtar, och Osamu Kitajimas progressiva rockalbum Benzaiten (1974). I mitten av 1970-talet sågs uppkomsten av musiker för elektronisk konst som Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita och Klaus Schulze som var betydande influenser på utvecklingen av new age-musik . Den högteknologiska dragningskraften hos dessa verk skapade under några år trenden att lista den elektroniska musikutrustningen som används i skivomslagen, som ett särdrag. Elektronisk musik började regelbundet komma in i radioprogram och toppsäljarlistor, som det franska bandet Space med deras debutstudioalbum Magic Fly eller Jarre med Oxygène . Mellan 1977 och 1981 släppte Kraftwerk album som Trans-Europe Express , The Man-Machine eller Computer World , som påverkade subgenrer av elektronisk musik.

I den här eran brukade ljudet av rockmusiker som Mike Oldfield och The Alan Parsons Project (som krediteras som den första rocklåten med en digital vocoder 1975, The Raven ) arrangeras och blandas med elektroniska effekter och/eller musik som väl, som blev mycket mer framträdande i mitten av 1980-talet. Jeff Wayne nådde en långvarig framgång med sin elektroniska rockmusikalversion av The War of the Worlds från 1978 .

Filmmusik drar också nytta av det elektroniska ljudet. Under 1970- och 1980-talen komponerade Wendy Carlos partituret för A Clockwork Orange, The Shining och Tron . 1977 Gene Page in en discoversion av hittemat av John Williams från Steven Spielbergs film Close Encounters of the Third Kind . Pages version nådde en topp på R&B -listan på #30. [ citat behövs ] Partituret för filmen Midnight Express från 1978 komponerat av den italienske syntpionjären Giorgio Moroder vann Oscar för bästa originalmusik 1979 , liksom det igen 1981 partituret av Vangelis för Chariots of Fire . Efter ankomsten av punkrock växte en form av grundläggande elektronisk rock fram, som alltmer använde ny digital teknik för att ersätta andra instrument. Den amerikanska duon Suicide , som uppstod från punkscenen i New York, använde trummaskiner och syntar i en hybrid mellan elektronik och punk på deras eponyma album från 1977 .

Synth-pop banbrytande band som haft framgångar i flera år inkluderar Ultravox med deras 1977 låt "Hiroshima Mon Amour" på Ha!-Ha!-Ha! , Yellow Magic Orchestra med sitt självbetitlade album (1978), The Buggles med sin framstående debutsingel 1979 Video Killed the Radio Star , Gary Numan med sitt solodebutalbum The Pleasure Principle och singeln Cars 1979, Orchestral Maneuvers in the Dark med deras singel Electricity från 1979 med på deras självbetitlade debutalbum , Depeche Mode med deras första singel Dreaming of Me inspelad 1980 och släpptes 1981 albumet Speak & Spell , A Flock of Seagulls med deras 1981 singel Talking , New Order with Ceremony 1981, och The Human League med sin hit från 1981 Don't You Want Me från deras tredje album Dare .

New Order uppträder i Chile 2019

Definitionen av MIDI och utvecklingen av digitalt ljud gjorde utvecklingen av rent elektroniska ljud mycket lättare, med ljudingenjörer , producenter och kompositörer som ofta utforskade möjligheterna med praktiskt taget varje ny modell av elektronisk ljudutrustning som lanserats av tillverkare. Synth-pop använde ibland syntar för att ersätta alla andra instrument, men det var vanligare att band hade en eller flera keyboardister i sina laguppställningar tillsammans med gitarrister, basister och/eller trummisar. Denna utveckling ledde till tillväxten av synth-pop, som efter att den antogs av den nya romantiska rörelsen, tillät synthesizers att dominera pop- och rockmusiken i början av 1980-talet tills stilen började falla från popularitet i mitten till slutet av årtiondet. Tillsammans med de tidigare nämnda framgångsrika pionjärerna inkluderade nyckelakter Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan och Eurythmics .

Synth-pop togs upp över hela världen, med internationella hits för akter som Men Without Hats , Trans-X och Lime från Kanada, Telex från Belgien, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda och Alphaville från Tyskland, Yello från Schweiz och Azul y Negro från Spanien. Dessutom är synthljudet en nyckelfunktion i Italo-disco .

Vissa synth-popband skapade futuristiska visuella stilar av sig själva för att förstärka idén om elektroniska ljud kopplades främst till teknik, som amerikanerna Devo och spanjorerna Aviador Dro .

Klaviatursyntar blev så vanliga att även heavy metal -rockband, en genre som ofta betraktas som motsatsen i estetik, ljud och livsstil från elektroniska popartister av fans från båda sidor, nådde världsomfattande framgång med teman som 1983 Jump by Van Halen och 1986 The Final Countdown by Europe , som har syntar framträdande.

Spridning av forskningsinstitutioner för elektronisk musik

Elektronmusikstudion [ sv ] (EMS), tidigare känd som Elektroakustisk musik i Sverige, är det svenska nationella centret för elektronisk musik och ljudkonst . Forskningsorganisationen startade 1964 och har sitt säte i Stockholm.

IRCAM på Place Igor Stravinsky, Paris

STEIM är ett centrum för forskning och utveckling av nya musikinstrument inom elektronisk scenkonst, beläget i Amsterdam, Nederländerna. STEIM har funnits sedan 1969. Det grundades av Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen [ nl ] , Reinbert de Leeuw och Konrad Boehmer . Denna grupp holländska tonsättare hade kämpat för reformeringen av Amsterdams feodala musikstrukturer; de insisterade på att Bruno Maderna skulle utses till musikalisk ledare för Concertgebouworkestern och tvingade fram de första offentliga anslagen för experimentell och improviserad elektronisk musik i Nederländerna.

IRCAM i Paris blev ett stort centrum för forskning om datormusik och realisering och utveckling av datorsystemet Sogitec 4X , med då revolutionerande digital signalbehandling i realtid. Pierre Boulez 's Répons (1981) för 24 musiker och 6 solister använde 4X för att transformera och dirigera solister till ett högtalarsystem.

Barry Vercoe beskriver en av sina erfarenheter av tidiga datorljud:

Sogitec 4X (ca 1983) i IRCAM maskinrum 1989

På IRCAM i Paris 1982 hade flöjtisten Larry Beauregard kopplat sin flöjt till DiGiugnos 4X -ljudprocessor, vilket möjliggjorde tonhöjdsföljning i realtid. På en Guggenheim vid den tiden utökade jag detta koncept till att följa partitur i realtid med automatiskt synkroniserat ackompanjemang, och under de kommande två åren gav Larry och jag många demonstrationer av datorn som kammarmusiker och spelade Händels flöjtsonater , Boulez ' s Sonatine för flöjt och piano och 1984 min egen Synapse II för flöjt och dator – det första stycket som någonsin komponerats uttryckligen för en sådan uppsättning. En stor utmaning var att hitta rätt mjukvarukonstruktioner för att stödja mycket känsligt och lyhört ackompanjemang. Allt detta var pre-MIDI, men resultaten var imponerande även om tunga doser tempo rubato ständigt skulle överraska min Synthetic Performer . 1985 löste vi tempo rubato-problemet genom att införliva lärande från repetitioner (varje gång du spelade på detta sätt skulle maskinen bli bättre). Vi spårade nu också fiol, eftersom vår briljanta, unga flöjtist hade fått en dödlig cancer. Dessutom använde den här versionen en ny standard som heter MIDI, och här fick jag skickligt hjälp av tidigare elev Miller Puckette, vars initiala koncept för denna uppgift han senare utökade till ett program som heter MAX .

Tangentbordssynthesizers

Mini-Moog synthesizer
Se även: Modular synthesizer , Buchla , Electronic Music Studios och Korg

Mini -Moog släpptes 1970 av Moog Music och var bland de första allmänt tillgängliga, bärbara och relativt prisvärda synthesizers. Det blev en gång den mest använda synthesizern vid den tiden i både populär och elektronisk konstmusik. Patrick Gleeson , som spelade live med Herbie Hancock i början av 1970-talet, var banbrytande för användningen av synthesizers i ett turnerande sammanhang, där de utsattes för påfrestningar som de tidiga maskinerna inte var designade för.

1974 förvärvade WDR- studion i Köln en EMS Synthi 100 synthesizer, som många kompositörer använde för att producera anmärkningsvärda elektroniska verk – inklusive Rolf Gehlhaars Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausens Sirius (1975–1976) och John McGuire s Pulsmusik III (1978).

Tack vare miniatyriseringen av elektroniken på 1970-talet, i början av 1980-talet, blev klaviatursynthesizers lättare och överkomliga, och integrerade i en enda slimmad enhet all nödvändig ljudsynteselektronik och själva klaviaturen i pianostil, i skarp kontrast till det skrymmande maskineriet och " kabel spaguetty " anställd tillsammans med 1960- och 1970-talen. För det första, med analoga synthesizers, följde trenden även med digitala synthesizers och samplers (se nedan).

Digitala synthesizers

Se även: Digital synthesizer , Digitalt styrd oscillator , Additiv syntes § Implementeringar , Subtraktiv syntes , Fasdistorsionssyntes och Bell Labs Digital Synthesizer

1975 licensierade det japanska företaget Yamaha algoritmerna för frekvensmodulationssyntes (FM-syntes) från John Chowning , som hade experimenterat med det vid Stanford University sedan 1971. Yamahas ingenjörer började anpassa Chownings algoritm för användning i en digital synthesizer, och lade till förbättringar som t.ex. "nyckelskalningsmetoden" för att undvika införandet av distorsion som normalt inträffade i analoga system under frekvensmodulering .

1980 släppte Yamaha så småningom den första digitala FM-synthesizern, Yamaha GS-1, men till ett dyrt pris. 1983 introducerade Yamaha den första fristående digitala synthesizern, DX7 , som också använde FM-syntes och skulle bli en av de mest sålda synthesizers genom tiderna. DX7 var känd för sina igenkännbara ljusa toner som delvis berodde på en överpresterande samplingsfrekvens på 57 kHz.

Yamaha DX7 , en modell för många digitala syntar från 1980-talet

Korg Poly-800 är en synthesizer som släpptes av Korg 1983. Dess initiala listpris på $795 gjorde den till den första fullt programmerbara synthesizern som såldes för mindre än $1000. Den hade 8-röst polyfoni med en digitalt styrd oscillator (DCO) per röst.

Casio CZ-101 var den första och mest sålda fasförvrängningssynten i Casio CZ -serien. Släppt i november 1984, det var en av de första (om inte den första) fullt programmerbara polyfoniska synthesizers som var tillgänglig för under 500 $.

Roland D-50 är en digital synthesizer producerad av Roland och släpptes i april 1987. Dess funktioner inkluderar subtraktiv syntes , inbyggda effekter, en joystick för datamanipulation och en layoutdesign i analog syntesstil. Den externa programmeraren Roland PG-1000 (1987–1990) kan också anslutas till D-50 för mer komplex manipulering av dess ljud.

Provtagare

Se även: Sampling (musik) , Fairlight CMI och Synclavier

En sampler är ett elektroniskt eller digitalt musikinstrument som använder ljudinspelningar (eller " samplingar ") av verkliga instrumentljud (t.ex. ett piano, fiol eller trumpet), utdrag från inspelade låtar (t.ex. ett femsekunders basgitarriff från en funksång ) eller hittade ljud (t.ex. sirener och havsvågor). Proverna laddas eller registreras av användaren eller av en tillverkare. Dessa ljud spelas sedan upp med hjälp av själva samplerprogrammet, ett MIDI-keyboard , sequencer eller annan triggande enhet (t.ex. elektroniska trummor ) för att framföra eller komponera musik. Eftersom dessa prover vanligtvis lagras i digitalt minne kan informationen snabbt nås. Ett enda sampel kan ofta tonhöjdsskiftas till olika tonhöjder för att producera musikskalor och ackord .

Fairlight CMI (1979–)

Innan datorminnesbaserade samplers använde musiker tape replay keyboards, som lagrar inspelningar på analoga band. När en knapp trycks ned kommer bandhuvudet i kontakt med det rörliga bandet och spelar upp ett ljud. Mellotron system var dyra och tunga på grund av de många bandmekanismerna som var involverade, och instrumentets räckvidd var begränsad till högst tre oktaver. För att ändra ljud behövde en ny uppsättning band installeras i instrumentet. Framväxten av den digitala samplern gjorde samplingen mycket mer praktisk.

Den tidigaste digitala samplingen gjordes på EMS Musys-systemet, utvecklat av Peter Grogono (mjukvara), David Cockerell (hårdvara och gränssnitt) och Peter Zinovieff (systemdesign och drift) i deras London (Putney) Studio c. 1969.

Den första kommersiellt tillgängliga samplingssyntesen var Computer Music Melodian av Harry Mendell (1976).

Först släpptes 1977–1978, Synclavier I med FM-syntes , återlicensierad från Yamaha och såldes mest till universitet, visade sig vara mycket inflytelserik bland både kompositörer för elektronisk musik och musikproducenter, inklusive Mike Thorne , en tidig adoptiv från reklamfilmen världen, på grund av dess mångsidighet, dess banbrytande teknik och distinkta ljud.

Den första polyfoniska digitala samplingssyntesen var den australiensiskt producerade Fairlight CMI , först tillgänglig 1979. Dessa tidiga samplingssynteser använde vågbar samplingsbaserad syntes .

MIDI:s födelse

Huvudartikel: MIDI

1980 träffades en grupp musiker och musikhandlare för att standardisera ett gränssnitt som nya instrument kunde använda för att kommunicera styrinstruktioner med andra instrument och datorer. Denna standard kallades för Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) och var resultatet av ett samarbete mellan ledande tillverkare, till en början Sequential Circuits , Oberheim , Roland — och senare, andra deltagare som inkluderade Yamaha , Korg och Kawai . En artikel skrevs av Dave Smith från Sequential Circuits och föreslogs till Audio Engineering Society 1981. Sedan, i augusti 1983, slutfördes MIDI-specifikationen 1.0.

MIDI-tekniken tillåter en enda tangenttryckning, kontrollhjulsrörelse, pedalrörelse eller kommando från en mikrodator för att aktivera varje enhet i studion på distans och synkront, med varje enhet som svarar enligt villkor som förutbestämts av kompositören.

MIDI-instrument och mjukvara gjorde kraftfull kontroll av sofistikerade instrument lätt överkomliga av många studior och individer. Akustiska ljud återintegrerades i studior via sampling och samplade-ROM-baserade instrument.

Miller Puckette utvecklade grafisk signalbehandlingsprogramvara för 4X kallad Max (efter Max Mathews ) och portade den senare till Macintosh (med Dave Zicarelli utökad den för Opcode ) för MIDI-kontroll i realtid, vilket gjorde algoritmisk komposition tillgänglig för de flesta kompositörer med blygsam datorprogrammering bakgrund.

Sekvenserare och trummaskiner

Huvudartiklar: Musiksequencer och trummaskin

Det tidiga 1980-talet såg uppkomsten av bassynthesizers , den mest inflytelserika var Roland TB-303 , en bassynthesizer och sequencer som släpptes i slutet av 1981 och som senare blev ett fast inslag i elektronisk dansmusik , särskilt acid house . En av de första som använde det var Charanjit Singh 1982, även om det inte skulle bli populärt förrän Phutures " Acid Tracks " 1987. Musiksekvenser började användas runt mitten av 1900-talet och Tomitas album i mitten av 1970-talet senare exempel. 1978 använde Yellow Magic Orchestra datorbaserad teknologi i kombination med en synthesizer för att producera populärmusik, och använde sig tidigt av den mikroprocessorbaserade Roland MC-8 Microcomposer sequencer. [ misslyckad verifiering ]

Trummaskiner , även kända som rytmmaskiner, började också användas i slutet av 1950-talet, med ett senare exempel var Osamu Kitajimas progressiva rockalbum Benzaiten (1974), som använde en rytmmaskin tillsammans med elektroniska trummor och en synthesizer. 1977 Ultravoxs " Hiroshima Mon Amour " en av de första singlarna som använde det metronomliknande slagverket från en Roland TR-77 trummaskin. 1980 släppte Roland Corporation TR-808 , en av de första och mest populära programmerbara trummaskinerna . Det första bandet som använde det var Yellow Magic Orchestra 1980, och det skulle senare få stor popularitet med släppet av Marvin Gayes " Sexual Healing " och Afrika Bambaataas " Planet Rock " 1982. TR-808 var en grundläggande verktyg i den senare Detroit technoscenen i slutet av 1980-talet, och var den trummaskin som valdes för Derrick May och Juan Atkins .

Chiptunes

Huvudartikel: Chiptune
Se även: Videospelsmusik

Det karakteristiska lo-fi-ljudet från chipmusik var ursprungligen resultatet av tidiga datorljudchips och ljudkorts tekniska begränsningar; dock har ljudet sedan dess blivit eftertraktat i sin egen rätt.

Vanliga billiga populära ljudchips för de första hemdatorerna på 1980-talet inkluderar SID för Commodore 64 och General Instrument AY- serien och kloner (som Yamaha YM2149) som används i ZX Spectrum , Amstrad CPC , MSX - kompatibla och Atari ST- modeller, bland annat andra.

Slutet av 1980-talet till 1990-talet

Dansmusikens uppkomst

Huvudartikel: Elektronisk dansmusik

Synth-pop fortsatte in i slutet av 1980-talet, med ett format som flyttade närmare dansmusik, inklusive verk av akter som brittiska duos Pet Shop Boys , Erasure och The Communards , som nådde framgång under stora delar av 1990-talet.

Trenden har fortsatt till idag med moderna nattklubbar över hela världen som regelbundet spelar elektronisk dansmusik (EDM). Idag har elektronisk dansmusik radiostationer, webbplatser och publikationer som Mixmag enbart dedikerade till genren. Trots branschens försök att skapa ett specifikt EDM-varumärke förblir initialismen i bruk som en paraplyterm för flera genrer, inklusive dance-pop , house , techno , electro och trance , såväl som deras respektive subgenrer. Dessutom har genren funnit kommersiell och kulturell betydelse i USA och Nordamerika, tack vare det omåttligt populära big room house /EDM-ljudet som har införlivats i USA:s popmusik och uppkomsten av storskaliga kommersiella raves som Electric Daisy Carnival , Tomorrowland och Ultra Music Festival .

Electronica

Å andra sidan blev en bred grupp av elektroniskt baserade musikstilar avsedda för att lyssna snarare än enbart för dans kända under paraplyet " elektroniska " som också var en musikscen i början av 1990-talet i Storbritannien. Enligt en Billboard- artikel från 1997 tillhandahöll "föreningen av klubbgemenskapen och oberoende etiketter " den experimentella och trendsättande miljön där electronica-akter utvecklades och så småningom nådde mainstream, med hänvisning till amerikanska etiketter som Astralwerks ( The Chemical Brothers , Fatboy Slim). , The Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ), Sims och City of Angels ( The Crystal Method ) för att popularisera den senaste versionen av elektronisk musik. [ citat behövs ]

2000- och 2010-talen

Weekend Festival , ett elektroniskt musikevenemang i Pärnu , Estland , 2016

I takt med att datortekniken har blivit mer tillgänglig och musikmjukvaran har avancerat, är det nu möjligt att interagera med musikproduktionsteknik med hjälp av medel som inte har något samband med traditionella musikaliska framförandepraxis : till exempel bärbar datorprestanda ( laptronica ), livekodning och Algorave . I allmänhet hänvisar termen Live PA till varje liveframträdande av elektronisk musik, oavsett om det är med bärbara datorer, syntar eller andra enheter.

Med början runt år 2000 uppstod några mjukvarubaserade virtuella studiomiljöer, med produkter som Propellerhead's Reason och Ableton Live som fann populärt tilltal. Sådana verktyg ger livskraftiga och kostnadseffektiva alternativ till typiska hårdvarubaserade produktionsstudior, och tack vare framstegen inom mikroprocessorteknik är det nu möjligt att skapa högkvalitativ musik med lite mer än en enda bärbar dator. Sådana framsteg har demokratiserat musikskapandet, vilket lett till en massiv ökning av mängden hemproducerad elektronisk musik tillgänglig för allmänheten via internet. Mjukvarubaserade instrument och effektenheter (så kallade "plugins") kan integreras i en datorbaserad studio med hjälp av VST-plattformen. Vissa av dessa instrument är mer eller mindre exakta kopior av befintlig hårdvara (som Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 eller Korg M1). I många fall går dessa mjukvarubaserade instrument inte att skiljas från sin fysiska motsvarighet. [ förtydligande behövs ] [ citat behövs ]

Kretsböjning

Kretsböjning är modifieringen av batteridrivna leksaker och syntar för att skapa nya oavsiktliga ljudeffekter. Den var pionjär av Reed Ghazala på 1960-talet och Reed myntade namnet "kretsböjning" 1992.

Modulär synth-revival

Efter kretsböjningskulturen började musiker också bygga sina egna modulära synthesizers, vilket orsakade ett förnyat intresse för de tidiga 1960-talets design. Eurorack blev ett populärt system.

Se även

Levande elektronisk musik

Fotnoter

Källor

Vidare läsning

externa länkar


Bibliotekets resurser om elektronisk musik
Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Electronic_music&oldid=1140373970 "