musik

För annan användning, se Musik (disambiguation) .

Den räfflade sidan av Voyager Golden Record lanseras längs Voyager -sonderna till rymden, som innehåller musik från hela världen

Musik definieras generellt som konsten att arrangera ljud för att skapa en kombination av form , harmoni , melodi , rytm eller annat uttrycksfullt innehåll . Exakta definitioner av musik varierar avsevärt runt om i världen, även om det är en aspekt av alla mänskliga samhällen, en kulturell universal . Medan forskare är överens om att musik definieras av ett fåtal specifika element , finns det ingen konsensus om deras exakta definitioner. Skapandet av musik delas vanligen in i musikalisk komposition , musikalisk improvisation och musikalisk prestation , även om själva ämnet sträcker sig in i akademiska discipliner , kritik , filosofi och psykologi . Musik kan framföras eller improviseras med ett stort antal instrument , inklusive den mänskliga rösten .

I vissa musikaliska sammanhang kan en föreställning eller komposition vara till viss del improviserad . Till exempel i hindustansk klassisk musik spelar artisten spontant samtidigt som han följer en delvis definierad struktur och använder karaktäristiska motiv. Inom modal jazz kan artisterna turas om att leda och svara, samtidigt som de delar en föränderlig uppsättning toner. I ett freejazzsammanhang kanske det inte finns någon som helst struktur, där varje artist agerar efter eget gottfinnande. Musik kan vara avsiktligt komponerad för att vara outförbar , eller agglomereras elektroniskt från många framträdanden . Musik spelas i offentliga och privata utrymmen, framhävs vid evenemang som festivaler , rockkonserter och orkesterframträdanden , och hörs för övrigt som en del av ett partitur eller soundtrack till en film, tv-show, opera eller videospel . Musikuppspelning är den primära funktionen hos en MP3-spelare eller CD-spelare och en universell funktion hos radioapparater och smartphones .

Musik spelar ofta en nyckelroll i sociala aktiviteter, religiösa ritualer , övergångsceremonier , firanden och kulturella aktiviteter. Musikbranschen inkluderar låtskrivare, artister, ljudtekniker , producenter, turnéarrangörer, distributörer av instrument, tillbehör och noter . Kompositioner, framträdanden och inspelningar bedöms och utvärderas av musikkritiker , musikjournalister och musikforskare , såväl som amatörer.

Etymologi och terminologi

I grekisk mytologi var de nio muserna inspirationen för många kreativa ansträngningar, inklusive konsten , och blev så småningom nära anpassade till musik specifikt.

Det moderna engelska ordet " musik " kom i bruk på 1630-talet. Det härstammar från en lång rad på varandra följande föregångare: den fornengelska " musiken " från mitten av 1200-talet; den gamla franska musiken från 1100-talet; och latinets mūsica . Det latinska ordet i sig härstammar från antikens grekiska mousiké ( technē )— μουσική ( τέχνη )— som bokstavligen betyder "(musernas) konst". Muserna var nio gudar i antikens grekiska mytologi som presiderade över konst och vetenskap . De inkluderades i berättelser av de tidigaste västerländska författarna, Homeros och Hesiod , och kom så småningom att förknippas med musik specifikt. Med tiden Polyhymnia bo över musiken mer framträdande än de andra muserna. Det latinska ordet musica var också upphovsmannen till både den spanska música och franska musique via stavning och språklig justering, även om andra europeiska termer troligen var lånord , inklusive den italienska musica , tysk musik , holländsk muziek , norsk musikk , polsk musika och rysk muzïka .

Den moderna västvärlden definierar vanligtvis musik som en allomfattande term, som används för att beskriva olika genrer, stilar och traditioner. Detta är inte fallet över hela världen, och språk som modern indonesiska ( musikkod : ind befordrad till kod: id ) och Shona ( musakazo ) har nyligen antagit ord för att återspegla denna universella uppfattning, eftersom de inte hade ord som passade exakt den västerländska omfattning. I Östasien har varken Japan eller Kina ett enda ord som omfattar musik i vid bemärkelse, men kulturellt betraktar man ofta musik på ett sådant sätt. Det ord som närmast betyder musik på kinesiska, yue , delar en karaktär med le , som betyder glädje, och refererade ursprungligen till alla konster innan dess betydelse minskade. Afrika är för mångsidigt för att göra bestämda generaliseringar, men musikforskaren JH Kwabena Nketia har betonat afrikansk musiks ofta oskiljaktiga koppling till dans och tal i allmänhet. Vissa afrikanska kulturer, som Songye-folket i Demokratiska republiken Kongo och Tiv-folket i Nigeria, har en stark och bred uppfattning om "musik" men inget motsvarande ord på deras modersmål. Andra ord som vanligtvis översätts som "musik" har ofta mer specifika betydelser i sina respektive kulturer: hindi-ordet för musik, sangita -kod: hin befordrats till kod: hej, hänvisar korrekt till konstmusik , medan de många inhemska språken i Amerika har ord för musik som refererar specifikt till sång men beskriver instrumental musik oavsett. Även om den arabiska musiqi- koden: ara befordrad till kod: ar kan syfta på all musik, används den vanligtvis för instrumental och metrisk musik, medan khandan -koden: ara befordrad till kod: ar identifierar vokal och improviserad musik.

Historia

Huvudartikel: Musikens historia

Ursprung och förhistoria

Ytterligare information: Musikens ursprung och förhistorisk musik

Divje Babe-flöjten , det äldsta kända musikinstrumentet. Den är gjord av lårbenet hos en grottbjörn .

Det diskuteras ofta i vilken utsträckning musikens ursprung någonsin kommer att förstås, och det finns många konkurrerande teorier som syftar till att förklara det. Många forskare lyfter fram ett samband mellan musikens ursprung och språkets ursprung , och det råder oenighet om huruvida musik utvecklades före, efter eller samtidigt med språket. En liknande källa till stridigheter omger huruvida musik var ett avsiktligt resultat av naturligt urval eller var en biprodukt av evolutionen. Den tidigaste inflytelserika teorin föreslogs av Charles Darwin 1871, som påstod att musik uppstod som en form av sexuellt urval , kanske via parningssamtal. Darwins ursprungliga perspektiv har kritiserats hårt för dess inkonsekvens med andra sexuella urvalsmetoder, även om många forskare på 2000-talet har utvecklat och främjat teorin. Andra teorier inkluderar att musik uppstod för att hjälpa till att organisera arbetet, förbättra kommunikationen på långa avstånd, gynna kommunikationen med det gudomliga , hjälpa till i samhällets sammanhållning eller som ett försvar för att skrämma bort rovdjur.

Förhistorisk musik kan endast teoretiseras baserat på fynd från paleolitiska arkeologiska platser. Flöjter upptäcks ofta, huggna av ben i vilka sidohål har genomborrats; dessa tros ha blåst i ena änden som den japanska shakuhachien . Divje Babe-flöjten , uthuggen från en grottbjörns lårben , tros vara minst 40 000 år gammal, även om det finns en avsevärd debatt kring huruvida det verkligen är ett musikinstrument eller ett föremål som bildats av djur. Instrument som den sjuhåliga flöjten och olika typer av stränginstrument , som Ravanahatha , har återvunnits från de arkeologiska platserna i civilisationen i Indusdalen .

Indien har en av de äldsta musiktraditionerna i världen – hänvisningar till indisk klassisk musik ( marga ) finns i Vedas , gamla skrifter från den hinduiska traditionen.

Den tidigaste och största samlingen av förhistoriska musikinstrument hittades i Kina och går tillbaka till mellan 7000 och 6600 fvt.

Antiken

Huvudartiklar: Music of Egypt och Music of Greece

Musiker från Amun , Nakhts grav , 18:e dynastin , västra Thebe

De tidigaste materiella och representativa bevisen för egyptiska musikinstrument dateras till den predynastiska perioden , men bevisen är säkrare intygade i Gamla kungariket när harpor , flöjter och dubbla klarinetter spelades. Slagverksinstrument, lyrar och lutor lades till orkestrar av Middle Kingdom . Cymbaler ackompanjerade ofta musik och dans, ungefär som de fortfarande gör i Egypten idag. Egyptisk folkmusik , inklusive de traditionella Sufi dhikr -ritualerna, är den samtida musikgenren som ligger närmast forntida egyptisk musik, och har bevarat många av dess egenskaper, rytmer och instrument.

" Hurrian Hymn to Nikkal ", som finns på lertavlor som går tillbaka till cirka 1400 f.Kr., är det äldsta bevarade noterade musikverket.

Musik var en viktig del av det sociala och kulturella livet i antikens Grekland , i själva verket var det ett av huvudämnena som barn lärde ut. Musikalisk utbildning ansågs vara viktig för utvecklingen av en individs själ. Musiker och sångare spelade en framträdande roll i grekisk teater , och de som fick en musikalisk utbildning sågs som adelsmän och i perfekt harmoni (som kan läsas i Republiken, Platon ). Blandade könskörer framförs för underhållning, firande och andliga ceremonier. Instrumenten inkluderade aulos med dubbla rör och ett plockat stränginstrument , lyran , huvudsakligen en speciell sort som kallas en kithara . Musik var en viktig del av utbildningen, och pojkar fick lära sig musik från sex års ålder. Grekisk musikalisk läskunnighet skapade en betydande musikalisk utveckling. Grekisk musikteori inkluderade de grekiska musikaliska sätten , som så småningom blev grunden för västerländsk religiös och klassisk musik. Senare förändrade influenser från det romerska riket , Östeuropa och det bysantinska riket den grekiska musiken. Seikilos epitafium är det äldsta bevarade exemplet på en komplett musikalisk komposition, inklusive notskrift, från var som helst i världen. Det äldsta bevarade verket som skrivits i ämnet musikteori är Harmonika Stoicheia av Aristoxenus .

asiatiska kulturer

Huvudartikel: Music of Asia

Indiska kvinnor klädda i regionala kläder spelar en mängd olika musikinstrument som är populära i olika delar av Indien

Asiatisk musik täcker ett stort antal musikkulturer som undersökts i artiklarna om Arabien , Centralasien , Östasien , Sydasien och Sydostasien . Flera har traditioner som sträcker sig in i antiken.

Indisk klassisk musik är en av de äldsta musiktraditionerna i världen. Skulpturer från civilisationen i Indusdalen visar dans och gamla musikinstrument, som den sjuhåliga flöjten. Olika typer av stränginstrument och trummor har återvunnits från Harappa och Mohenjo Daro genom utgrävningar utförda av Sir Mortimer Wheeler . Rigveda musikalisk notation för att beteckna mätaren och sångsättet. Indisk klassisk musik (marga) är monofonisk och baserad på en enda melodilinje eller raga rytmiskt organiserad genom talas . Silappadhikaram av Ilango Adigal ger information om hur nya fjäll kan bildas genom modal skiftning av tonicen från en befintlig skala. Dagens hindimusik var influerad av persisk traditionell musik och afghanska Mughals. Karnatisk musik , populär i sydstaterna, är till stor del hängiven; majoriteten av sångerna är riktade till de hinduiska gudarna. Det finns också många låtar som betonar kärlek och andra sociala frågor.

gongklockans hem , det finns många varianter över hela Indonesien, särskilt på Java och Bali .

Indonesisk musik har formats sedan bronsålderskulturen migrerade till den indonesiska skärgården under 2:a till 300-talen f.Kr. Indonesisk traditionell musik använder ofta slagverksinstrument, särskilt kendang och gongonger . Några av dem utvecklade utarbetade och distinkta musikinstrument, som sasando -stränginstrumentet på ön Rote, den sundanesiska angklung och de komplexa och sofistikerade javanesiska och balinesiska gamelan-orkestrarna. Indonesien är hemmet för gongklockan , en allmän term för en uppsättning små, höga grytgonger. Gongs är vanligtvis placerade i notordning, med bossen uppe på ett snöre som hålls i en låg träram. Den mest populära och berömda formen av indonesisk musik är förmodligen gamelan , en ensemble av stämda slagverksinstrument som inkluderar metallofoner , trummor , gongonger och spikfioler tillsammans med bambusulning .

Kinesisk klassisk musik , den traditionella konsten eller hovmusiken i Kina, har en historia som sträcker sig över cirka tre tusen år. Den har sina egna unika system för notskrift, såväl som musikalisk stämning och tonhöjd, musikinstrument och stilar eller musikgenrer. Kinesisk musik är pentatonisk-diatonisk, med en skala från tolv toner till en oktav (5 + 7 = 12) liksom europeisk influerad musik.

Västerländsk klassisk

Huvudartikel: Västerländsk klassisk musik

Tidig musik

Musiknotation från ett katolskt missal , ca. 1310–1320

Den medeltida musikeran (476 till 1400), som ägde rum under medeltiden, började med införandet av monofonisk (en melodisk linje) sång i den romersk-katolska kyrkans gudstjänster. Notskrift användes sedan antiken i den grekiska kulturen , men under medeltiden introducerades notskrift först av den katolska kyrkan så att sångmelodierna kunde skrivas ner, för att underlätta användningen av samma melodier för religiös musik över hela katolska imperium. Den enda europeiska medeltida repertoaren som har hittats i skriftlig form från före 800 är den monofoniska liturgiska sångsång , vars centrala tradition kallades gregoriansk sång . Vid sidan av dessa traditioner av helig musik och kyrkomusik fanns det en levande tradition av sekulär sång (icke-religiösa sånger). Exempel på kompositörer från denna period är Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut och Walther von der Vogelweide .

Renässansmusiken (ca 1400 till 1600) var mer fokuserad på sekulära (icke-religiösa) teman, såsom hövisk kärlek . Omkring 1450 uppfanns tryckpressen , vilket gjorde tryckta notblad mycket billigare och lättare att massproducera (före uppfinningen av tryckpressen var all noterad musik handkopierad). Den ökade tillgängligheten av notblad bidrog till att sprida musikstilar snabbare och över ett större område. Musiker och sångare arbetade ofta för kyrkan, domstolarna och städerna. Kyrkkörerna växte i storlek och kyrkan förblev en viktig beskyddare av musiken. Vid mitten av 1400-talet skrev kompositörer rikt polyfonisk sakral musik, där olika melodilinjer vävdes samman samtidigt. Framstående kompositörer från denna era inkluderar Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley och Orlande de Lassus . När den musikaliska verksamheten flyttades från kyrkan till de aristokratiska hoven tävlade kungar, drottningar och prinsar om de bästa kompositörerna. Många ledande viktiga kompositörer kom från Nederländerna, Belgien och norra Frankrike. De kallas de fransk-flamländska kompositörerna. De hade viktiga positioner i hela Europa, särskilt i Italien. Andra länder med livlig musikalisk aktivitet var Tyskland, England och Spanien.

Gemensam praktikperiod

Barock

Huvudartikel: Barockmusik

Barockmusikens era ägde rum från 1600 till 1750, då barockens konstnärliga stil blomstrade i Europa; och under denna tid utökades musiken i sitt utbud och komplexitet. Barockmusiken började när de första operorna (dramatisk solosång ackompanjerad av orkester) skrevs. Under barocktiden polyfon kontrapunktisk musik, där flera, samtidiga oberoende melodilinjer användes, viktig (kontrapunkt var viktig i den medeltida vokalmusiken). Tyska barockkompositörer skrev för små ensembler inklusive stråkar , blåsblåsare och träblås , såväl som för körer och klaviaturinstrument som piporgel , cembalo och klavikord . Under denna period definierades flera stora musikformer som varade in i senare perioder när de utökades och utvecklades ytterligare, inklusive fugan, uppfinningen , sonaten och konserten. Senbarockstilen var polyfoniskt komplex och rikt utsmyckad. Viktiga kompositörer från barocktiden är bland andra Johann Sebastian Bach ( cellosviter ), George Frideric Handel ( Messiah ), Georg Philipp Telemann och Antonio Lucio Vivaldi ( De fyra årstiderna ).

Klassicism

Huvudartikel: Klassisk period (musik)

Wolfgang Amadeus Mozart var en produktiv och inflytelserik kompositör från den klassiska perioden.

Musiken från den klassiska perioden (1730 till 1820) syftade till att imitera det som sågs som nyckelelementen i konsten och filosofin i antikens Grekland och Rom: idealen om balans, proportion och disciplinerat uttryck. (Obs: musiken från den klassiska perioden ska inte förväxlas med klassisk musik i allmänhet, en term som syftar på västerländsk konstmusik från 400-talet till 2000-talet, som inkluderar den klassiska perioden som en av ett antal perioder). Musik från den klassiska perioden har en lättare, klarare och betydligt enklare struktur än barockmusiken som föregick den. Huvudstilen var homofoni , där en framträdande melodi och en underordnad ackordsackompanjemangsstämma är tydligt distinkta. Klassiska instrumentala melodier tenderade att vara nästan röstlika och sångbara. Nya genrer utvecklades, och fortepianot , föregångaren till det moderna pianot, ersatte barockens cembalo och piporgel som det huvudsakliga klaviaturinstrumentet (även om piporgel fortsatte att användas i sakral musik, som mässor).

Betydelse lades åt instrumentalmusik . Den dominerades av vidareutveckling av musikaliska former som ursprungligen definierades under barocken: sonaten , konserten och symfonin . Andra huvudslag var trion , stråkkvartett , serenad och divertimento . Sonaten var den viktigaste och mest utvecklade formen. Även om barockkompositörer också skrev sonater, är den klassiska sonatens stil helt distinkt. Alla de viktigaste instrumentala formerna av den klassiska eran, från stråkkvartetter till symfonier och konserter, var baserade på sonatens struktur. Instrumenten som användes av kammarmusik och orkester blev mer standardiserade. I stället för basso continuo -grupp, som bestod av cembalo, orgel eller luta tillsammans med ett antal basinstrument utvalda efter gruppledarens bedömning (t.ex. viol, cello, theorbo, orm), klassiska kammargrupper använt specificerade, standardiserade instrument (t.ex. skulle en stråkkvartett framföras av två violiner, en viola och en cello). Barocktidens improviserade ackordspelande av continuo-keyboardisten eller lutspelaren fasades gradvis ut mellan 1750 och 1800.

En av de viktigaste förändringarna som gjordes under den klassiska perioden var utvecklingen av offentliga konserter. Aristokratin spelade fortfarande en betydande roll i sponsringen av konserter och kompositioner, men det var nu möjligt för tonsättare att överleva utan att vara fast anställda hos drottningar eller prinsar. Klassisk musiks ökande popularitet ledde till en ökning av antalet och typerna av orkestrar. Utbyggnaden av orkesterkonserter krävde byggandet av stora offentliga uppträdandelokaler. Symfonisk musik inklusive symfonier, ackompanjemang till balett och blandade vokal/instrumental genrer som opera och oratorium blev mer populärt.

Klassicismens mest kända kompositörer är Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven och Franz Schubert . Beethoven och Schubert anses också vara tonsättare i den senare delen av den klassiska eran, då den började gå mot romantiken.

Romantik

Huvudartikel: Romantisk musik

Pianot var centrum för social aktivitet för stadsbor i medelklassen på 1800-talet ( Moritz von Schwind, 1868). Mannen vid pianot är kompositören Franz Schubert .

Romantisk musik (c. 1810 till 1900) från 1800-talet hade många inslag gemensamt med epokens romantiska stilar inom litteratur och måleri. Romantiken var en konstnärlig, litterär och intellektuell rörelse som kännetecknades av sin betoning på känslor och individualism samt förhärligande av allt det förflutna och naturen. Romantisk musik expanderade bortom den klassiska erans stela stilar och former till mer passionerade, dramatiska uttrycksfulla stycken och sånger. Romantiska kompositörer som Wagner och Brahms försökte öka känslomässigt uttryck och kraft i sin musik för att beskriva djupare sanningar eller mänskliga känslor. Med symfoniska tondikter försökte kompositörer berätta historier och frammana bilder eller landskap med hjälp av instrumental musik. Vissa kompositörer främjade nationalistisk stolthet med patriotisk orkestermusik inspirerad av folkmusik . Musikens känslomässiga och uttrycksfulla egenskaper kom att gå före traditionen.

Romantiska kompositörer växte i egenhet och gick längre i synkretismen att utforska olika konstformer i ett musikaliskt sammanhang (som litteratur), historia (historiska personer och legender) eller naturen själv. Romantisk kärlek eller längtan var ett utbrett tema i många verk som komponerades under denna period. I vissa fall fortsatte de formella strukturerna från den klassiska perioden att användas (t.ex. sonatformen som användes i stråkkvartetter och symfonier ), men dessa former utökades och förändrades. I många fall undersöktes nya tillvägagångssätt för befintliga genrer, former och funktioner. Dessutom skapades nya formulär som ansågs bättre lämpade för det nya ämnet. Kompositörer fortsatte att utveckla opera- och balettmusik och utforskade nya stilar och teman.

Under åren efter 1800 introducerade musiken utvecklad av Ludwig van Beethoven och Franz Schubert en mer dramatisk, uttrycksfull stil. I Beethovens fall kom korta motiv , utvecklade organiskt, att ersätta melodin som den viktigaste kompositionsenheten (ett exempel är den distinkta fyrtonsfiguren som användes i hans femte symfoni ). Senare romantiska kompositörer som Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák och Gustav Mahler använde mer ovanliga ackord och mer dissonans för att skapa dramatisk spänning. De genererade komplexa och ofta mycket längre musikaliska verk. Under den sena romantiska perioden utforskade kompositörer dramatiska kromatiska förändringar av tonalitet , såsom utökade ackord och ändrade ackord , vilket skapade nya ljud "färger". I slutet av 1800-talet skedde en dramatisk expansion av orkesterns storlek, och den industriella revolutionen bidrog till att skapa bättre instrument och skapa ett kraftfullare ljud. Offentliga konserter blev en viktig del av det välbärgade stadssamhället . Det såg också en ny mångfald inom teatermusik , inklusive operett , och musikalisk komedi och andra former av musikteater.

1900- och 2000-talet

Huvudartikel: 1900-talsmusik

Landman's 2006 Moodswinger , en 3 : e bryggad övertonscittra och ett exempel på experimentella musikinstrument

På 1800-talet var ett av de viktigaste sätten att nya kompositioner blev kända för allmänheten genom försäljningen av notblad , som medelklassens amatörmusikälskare skulle framföra hemma på sitt piano eller andra vanliga instrument, som fiol. Med 1900-talets musik innebar uppfinningen av nya elektriska teknologier som radiosändningar och massmarknadstillgången för grammofonskivor att ljudinspelningar av sånger och stycken som lyssnarna hörde (antingen på radion eller på deras skivspelare) blev huvudvägen att lära sig om nya sånger och stycken. Det skedde en enorm ökning av musiklyssnandet när radion blev populär och fonografer användes för att spela upp och distribuera musik, alla som hade en radio eller skivspelare kunde höra operor, symfonier och storband direkt i sitt eget vardagsrum, medan under 1800-talet , begränsade fokus på noter tillgången till ny musik för medelklassen och överklassens människor som kunde läsa noter och som ägde pianon och instrument. Detta gjorde det möjligt för låginkomsttagare, som inte hade råd med en biljett till en opera- eller symfonikonsert, att höra denna musik. Det innebar också att människor kunde höra musik från olika delar av landet, eller till och med olika delar av världen, även om de inte hade råd att resa till dessa platser. Detta hjälpte till att sprida musikstilar.

Konstmusikens fokus under 1900-talet kännetecknades av utforskning av nya rytmer, stilar och ljud. Första världskrigets fasor påverkade många av konsterna, inklusive musik, och vissa kompositörer började utforska mörkare, hårdare ljud. Traditionella musikstilar som jazz och folkmusik användes av kompositörer som en källa till idéer för klassisk musik. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg och John Cage var alla inflytelserika kompositörer inom 1900-talets konstmusik. Uppfinningen av ljudinspelning och förmågan att redigera musik gav upphov till en ny subgenre av klassisk musik, inklusive de akusmatiska och Musique Concrète skolorna för elektronisk komposition. Ljudinspelning var också ett stort inflytande på utvecklingen av populärmusikgenrer, eftersom det möjliggjorde en stor spridning av inspelningar av låtar och band. Införandet av multitrack-inspelningssystemet hade ett stort inflytande på rockmusiken, eftersom det kunde göra mycket mer än att spela in ett bands framträdande. Med hjälp av ett flerspårssystem kunde ett band och deras musikproducent överdubba många lager av instrumentspår och sång, skapa nya ljud som inte skulle vara möjliga i ett liveframträdande.

Jazz utvecklades och blev en viktig musikgenre under loppet av 1900-talet, och under andra hälften av det århundradet gjorde rockmusiken detsamma. Jazz är en amerikansk musikalisk konstform som har sitt ursprung i början av 1900-talet i afroamerikanska samhällen i södra USA från ett sammanflöde av afrikanska och europeiska musiktraditioner. Stilens västafrikanska härstamning är tydlig i dess användning av blå noter , improvisation , polyrytmer , synkopering och den svängda noten .

Rockmusik är en genre av populärmusik som utvecklades på 1950-talet från 1960-talets rock and roll , rockabilly , blues och countrymusik . Ljudet av rock kretsar ofta kring elgitarren eller akustisk gitarr, och den använder ett starkt bakslag som fastställs av en rytmsektion . Tillsammans med gitarren eller klaviaturen används saxofon och munspel i bluesstil som soloinstrument. I sin "renaste form" har den "tre ackord, ett starkt, enträget bakslag och en catchy melodi." Den traditionella rytmsektionen för populärmusik är rytmgitarr, elbas, trummor. Vissa band har också klaviaturinstrument som orgel, piano eller, sedan 1970-talet, analoga synthesizers . På 1980-talet började popmusiker använda digitala synthesizers, såsom DX-7 synthesizer, elektroniska trummaskiner som TR-808 och synthbasenheter (som TB-303) eller synthbaskeyboards . På 1990-talet användes ett allt större utbud av datoriserade hårdvara, musikaliska enheter och instrument och mjukvara (t.ex. digitala ljudarbetsstationer) . På 2020-talet gör mjuka syntar och datormusikappar det möjligt för sovrumsproducenter att skapa och spela in vissa typer av musik, till exempel elektronisk dansmusik , i sitt eget hem, lägga till samplade och digitala instrument och redigera inspelningen digitalt. På 1990-talet började vissa band i genrer som nu metal att inkludera DJ:s i sina band. DJs skapar musik genom att manipulera inspelad musik på skivspelare eller CD-spelare med hjälp av en DJ-mixer .

Innovation inom musikteknik fortsatte in på 2000-talet, inklusive utvecklingen av isomorfa klaviatur och Dynamic Tonality .

Skapande

Sammansättning

Huvudartikel: Musikalisk komposition

Franske barockmusikkompositören Michel Richard Delalande (1657–1726) , pennan i handen

Människor som komponerade musik 2013 med elektroniska tangentbord och datorer

"Komposition" är handlingen eller praktiken att skapa en sång, ett instrumentellt musikstycke , ett verk med både sång och instrument, eller annan typ av musik. I många kulturer, inklusive västerländsk klassisk musik, inkluderar komponerandet också skapandet av notskrift , såsom ett notnot, som sedan framförs av kompositören eller av andra sångare eller musiker. I populärmusik och traditionell musik kan komponerandet, som vanligtvis kallas låtskrivande, innebära skapandet av en grundläggande kontur av låten, kallad lead sheet , som anger melodin , texten och ackordförloppet . Inom klassisk musik orkestrerar kompositören vanligtvis sina egna kompositioner, men inom musikteater och popmusik kan låtskrivare anlita en arrangör för att göra orkestreringen. I vissa fall kan en låtskrivare inte använda notation alls, utan istället komponera låten i sitt sinne och sedan spela eller spela in den från minnet. Inom jazz och populärmusik ges anmärkningsvärda inspelningar av inflytelserika artister den vikt som skrivna partitur spelar i klassisk musik.

Även när musik noteras relativt exakt, som i klassisk musik, finns det många beslut som en artist måste fatta, eftersom notskrift inte specificerar alla delar av musik exakt. Processen att bestämma hur man ska framföra musik som tidigare har komponerats och noterats kallas "tolkning". Olika artisters tolkningar av samma musikverk kan variera kraftigt, vad gäller de tempor som väljs och melodiernas spel- eller sångstil eller frasering . Kompositörer och låtskrivare som presenterar sin egen musik tolkar sina låtar, lika mycket som de som framför andras musik. Standardsamlingen av val och tekniker som finns vid en given tidpunkt och en given plats kallas prestationspraktik , medan tolkning i allmänhet används för att betyda en artists individuella val.

Även om en musikalisk komposition ofta använder notskrift och har en enda författare, är detta inte alltid fallet. Ett musikverk kan ha flera kompositörer, vilket ofta förekommer i populärmusik när ett band samarbetar för att skriva en låt, eller i musikteater, när en person skriver melodierna, en andra person skriver texterna och en tredje person orkestrerar låtarna. . I vissa musikstilar, som blues , kan en kompositör/låtskrivare skapa, framföra och spela in nya låtar eller stycken utan att någonsin skriva ner dem i notskrift. Ett musikstycke kan också komponeras med ord, bilder eller datorprogram som förklarar eller noterar hur sångaren eller musikern ska skapa musikaliska ljud. Exemplen sträcker sig från avantgardemusik som använder grafisk notation , till textkompositioner som Aus den sieben Tagen , till datorprogram som väljer ljud för musikstycken. Musik som gör stor användning av slumpmässighet och slumpen kallas aleatorisk musik och förknippas med samtida kompositörer verksamma på 1900-talet, som John Cage , Morton Feldman och Witold Lutosławski . Ett mer allmänt känt exempel på slumpbaserad musik är ljudet av vindspel som klirrar i en bris.

Studiet av komposition har traditionellt dominerats av undersökningar av metoder och praktik av västerländsk klassisk musik, men definitionen av komposition är tillräckligt bred för att inkludera skapandet av populärmusik och traditionella musiksånger och instrumentala stycken såväl som spontant improviserade verk som de av frijazzartister och afrikanska slagverkare som Ewe-trummisar .

Prestanda

Huvudartikel: Prestanda

Kinesiska Naxi- musiker

Assyrier spelar zurna och Davul , instrument som går tillbaka tusentals år

Performance är det fysiska uttrycket av musik, som uppstår när en sång sjungs eller när ett pianostycke, elgitarrmelodi, symfoni, trumslag eller annan musikalisk del spelas av musiker. Inom klassisk musik skrivs ett musikaliskt verk i not av en kompositör och sedan framförs det när kompositören är nöjd med dess struktur och instrumentering. Men när den framförs kan tolkningen av en låt eller ett stycke utvecklas och förändras. Inom klassisk musik kan instrumentala artister, sångare eller dirigenter gradvis göra ändringar i fraseringen eller tempot i ett stycke. Inom populär och traditionell musik har artisterna mycket större frihet att ändra formen på en låt eller ett stycke. Som sådan, i populära och traditionella musikstilar, även när ett band spelar en coverlåt , kan de göra ändringar i den, som att lägga till ett gitarrsolo till eller infoga en introduktion.

Ett framträdande kan antingen planeras och repeteras (övas) – vilket är normen inom klassisk musik, jazzstorband och många populära musikstilar – eller improviseras över en ackordförlopp (en sekvens av ackord), vilket är normen i små jazz- och bluesgrupper . Repetitioner av orkestrar, konsertband och körer leds av en dirigent. Rock-, blues- och jazzband leds vanligtvis av bandledaren. En repetition är en strukturerad upprepning av en sång eller ett stycke av artisterna tills det kan sjungas eller spelas på rätt sätt och, om det är en sång eller ett stycke för mer än en musiker, tills delarna är sammansatta ur ett rytmiskt och stämmande perspektiv. Improvisation är skapandet av en musikalisk idé – en melodi eller annan musikalisk linje – skapad på plats, ofta baserad på skalor eller redan existerande melodiska riff .

Många kulturer har starka traditioner av soloframträdande (där en sångare eller instrumentalist uppträder), såsom i indisk klassisk musik och i den västerländska konstmusiktraditionen. Andra kulturer, som på Bali , inkluderar starka traditioner för gruppprestationer. Alla kulturer inkluderar en blandning av båda, och framförandet kan sträcka sig från improviserat solospel till välplanerade och organiserade föreställningar som den moderna klassiska konserten, religiösa processioner, klassiska musikfestivaler eller musiktävlingar . Kammarmusik , som är musik för en liten ensemble med endast ett eller några få av varje typ av instrument, ses ofta som mer intimt än stora symfoniska verk.

Improvisation

Huvudartikel: Musikalisk improvisation

Musikalisk improvisation är skapandet av spontan musik, ofta inom (eller baserad på) en redan existerande harmonisk ram eller ackordförlopp . Improvisatörer använder ackordets toner, olika skalor som är associerade med varje ackord, och kromatiska ornament och passande toner som kanske varken är ackordtoner eller från de typiska skalorna som associeras med ett ackord. Musikalisk improvisation kan göras med eller utan förberedelser. Improvisation är en stor del av vissa typer av musik, som blues , jazz och jazzfusion , där instrumentalartister improviserar solon, melodilinjer och ackompanjemangspartier.

I den västerländska konstmusiktraditionen var improvisation en viktig färdighet under barocktiden och under den klassiska eran. Under barocktiden improviserade artister ornament, och basso continuo- keyboardspelare improviserade ackordstämmor baserade på figurerad basnotation . De bästa solisterna förväntades också kunna improvisera stycken som preludier . Under den klassiska eran improviserade soloartister och sångare virtuosa kadenser under konserter.

Men under 1900-talet och början av 2000-talet, i takt med att västerländsk konstmusikframträdande blev institutionaliserat i symfoniorkestrar, operahus och baletter, har improvisation spelat en mindre roll, eftersom mer och mer musik noterades i partitur och stämmor för musiker att spela. Samtidigt har några av konstmusik från 1900- och 2000-talet alltmer inkluderat improvisation i sitt skapande arbete. I indisk klassisk musik är improvisation en kärnkomponent och ett väsentligt kriterium för framträdanden.

Konst och underhållning

Khatia Buniatishvili spelar en flygel

Musik komponeras och framförs för många syften, allt från estetiskt nöje, religiösa eller ceremoniella syften, eller som en underhållningsprodukt för marknadsplatsen. När musik bara var tillgänglig genom noter , som under den klassiska och romantiska epoken, köpte musikälskare noterna till sina favoritstycken och sånger så att de kunde framföra dem hemma på pianot. Med tillkomsten av fonografen blev skivor av populära låtar, snarare än notblad, det dominerande sättet att musikälskare skulle njuta av sina favoritlåtar. Med tillkomsten av hemmabandspelare på 1980-talet och digital musik på 1990-talet kunde musikälskare göra band eller spellistor med sina favoritlåtar och ta dem med sig på en bärbar kassettspelare eller MP3-spelare. Vissa musikälskare skapar mixband av sina favoritlåtar, som fungerar som ett "självporträtt, en vänskapsgest, recept för en idealisk fest... [och] en miljö som enbart består av det som är mest älskat".

Amatörmusiker kan komponera eller framföra musik för sitt eget nöje och skaffa sin inkomst någon annanstans. Professionella musiker är anställda av en rad institutioner och organisationer, inklusive väpnade styrkor (i marschorkestrar , konsertband och populära musikgrupper), religiösa institutioner, symfoniorkestrar, sändnings- eller filmproduktionsbolag och musikskolor . Professionella musiker arbetar ibland som frilansare eller sessionsmusiker och söker kontrakt och engagemang i en mängd olika miljöer. Det finns ofta många kopplingar mellan amatörer och professionella musiker. Nybörjare amatörmusiker tar lektioner med professionella musiker. I gemenskapsmiljöer uppträder avancerade amatörmusiker med professionella musiker i en mängd olika ensembler som gemenskapskonsertband och gemenskapsorkestrar.

Man skiljer ofta på musik framförd för en livepublik och musik som framförs i en studio så att den kan spelas in och distribueras via musikhandelssystemet eller sändningssystemet. Men det finns också många fall där ett liveframträdande inför publik också spelas in och distribueras. Livekonsertinspelningar är populära inom både klassisk musik och i populärmusikformer som rock, där illegalt inspelade livekonserter prisas av musikälskare. Inom jambandsscenen föredras live, improviserade jamsessioner framför studioinspelningar.

Notation

Huvudartikel: Musikalisk notation

Noter är en skriftlig representation av musik. Homorhytmic (dvs. psalm -stil) arrangemang av den traditionella " Adeste Fideles " i standard två-stavsformat för blandade röster.   spela

På 2000-talet betyder notskrift vanligtvis det skriftliga uttrycket av noter och rytmer på papper med hjälp av symboler. När musik skrivs ner noteras musikens tonhöjder och rytm, såsom tonerna i en melodi . Notskrift ger också ofta instruktioner om hur man framför musiken. Till exempel kan noterna för en låt ange att låten är en "slow blues" eller en "fast swing", vilket anger tempot och genren. För att läsa notskrift måste en person ha en förståelse för musikteori , harmoni och den framförandepraxis som är förknippad med en viss låt eller ett styckes genre.

Skriftlig notskrift varierar med musikens stil och period. På 2000-talet produceras noterad musik som noter eller, för individer med datormusikprogram, som en bild på en datorskärm . I gamla tider sattes notskrift på sten- eller lertavlor. För att framföra musik från notskrift kräver en sångare eller instrumentalist en förståelse för de rytmiska och tonhöjdselement som finns i symbolerna och den framförandepraxis som förknippas med ett musikstycke eller en genre. I genrer som kräver musikalisk improvisation spelar artisten ofta från musik där endast ackordändringarna och låtens form skrivs, vilket kräver att artisten har en stor förståelse för musikens struktur, harmoni och stilarna i en viss genre (t.ex. jazz eller countrymusik ).

I västerländsk konstmusik är de vanligaste typerna av notskrift partitur, som inkluderar alla musikdelar i ett ensemblestycke, och delar, som är notskrift för de enskilda artisterna eller sångarna. I populärmusik, jazz och blues är standardnotationen blyarket, som noterar melodin, ackorden, texten (om det är ett sångstycke) och musikens struktur. Falska böcker används också inom jazz; de kan bestå av lead sheets eller helt enkelt ackordlistor, som tillåter rytmsektionsmedlemmar att improvisera en ackompanjemangsdel till jazzlåtar. Noter och stämmor används också i populärmusik och jazz, särskilt i stora ensembler som jazz " storband" . Inom populärmusik läser gitarrister och elbassister ofta musik noterad i tabulatur (ofta förkortad som "tab"), vilket anger platsen för de toner som ska spelas på instrumentet med hjälp av ett diagram över gitarren eller basens greppbräda. Tabulatur användes också under barocktiden för att notera musik för lutan, ett stränginstrument med band.

Muntlig och fonetisk tradition

Många typer av musik, såsom traditionell blues och folkmusik, skrevs inte ner i noter ; istället bevarades de ursprungligen i artisternas minne, och sångerna överlämnades muntligt , från en musiker eller sångare till en annan, eller fonetisk, där en artist lär sig en sång " på gehör ". När kompositören av en sång eller ett stycke inte längre är känd klassificeras denna musik ofta som "traditionell" eller som en "folkvisa". Olika musiktraditioner har olika attityder till hur och var man ska göra ändringar i det ursprungliga källmaterialet, från ganska strikta till de som kräver improvisation eller modifiering av musiken. En kulturs historia och berättelser kan också föras vidare på gehör genom sång.

Element

Huvudartikel: Elements of music

Musik har många olika grunder eller element. Beroende på definitionen av "element" som används kan dessa inkludera tonhöjd, takt eller puls, tempo, rytm, melodi, harmoni, textur, stil, allokering av röster, klang eller färg, dynamik, uttryck, artikulation, form och struktur . Musikens element har en framträdande plats i musikläroplanerna i Australien, Storbritannien och USA. Alla tre läroplanerna identifierar tonhöjd, dynamik, klang och textur som element, men de andra identifierade delarna av musik är långt ifrån allmänt överens om. Nedan är en lista över de tre officiella versionerna av "musikens element":

• Australien: tonhöjd, klang, textur, dynamik och uttryck, rytm, form och struktur.
• Storbritannien: tonhöjd, klang, textur, dynamik, varaktighet, tempo, struktur.
• USA: tonhöjd, klang, textur, dynamik, rytm, form, harmoni, stil/artikulation.

I förhållande till den brittiska läroplanen, 2013 lades termen: "lämpliga musikaliska notationer " till deras lista över element och titeln på listan ändrades från "element av musik" till "inbördes relaterade dimensioner av musik". Musikens inbördes relaterade dimensioner listas som: tonhöjd, varaktighet, dynamik, tempo, klangfärg, textur, struktur och lämpliga noter.

Frasen "musikens element" används i en rad olika sammanhang. De två vanligaste sammanhangen kan särskiljas genom att beskriva dem som "musikens rudimentära element" och "musikens perceptuella element".

Tonhöjd

Huvudartikel: Pitch (musik)

Tonhöjd är en aspekt av ett ljud som vi kan höra, vilket reflekterar om ett musikaliskt ljud, ton eller ton är "högre" eller "lägre" än ett annat musikaliskt ljud, ton eller ton. Vi kan prata om tonhöjdens höghet eller låghet i mer allmän bemärkelse, till exempel hur en lyssnare hör en genomträngande hög piccolonton eller en visslande ton som är högre i tonhöjd än en djup dunk från en bastrumma . Vi pratar också om tonhöjd i den exakta betydelsen som förknippas med musikaliska melodier , baslinjer och ackord . Exakt tonhöjd kan endast bestämmas i ljud som har en frekvens som är tillräckligt tydlig och stabil för att skilja från brus. Till exempel är det mycket lättare för lyssnare att urskilja tonhöjden för en enstaka ton som spelas på ett piano än att försöka urskilja tonhöjden på en krockcymbal som slås.

Melodi

Huvudartikel: Melodi

Melodin till den traditionella låten " Pop Goes the Weasel "   spelas

En melodi (även kallad "låt") är en serie toner (toner) som låter i följd (en efter den andra), ofta i ett stigande och fallande mönster. Tonerna i en melodi skapas vanligtvis med hjälp av tonhöjdssystem som skalor eller lägen . Melodier innehåller också ofta toner från de ackord som används i sången. Melodierna i enkla folksånger och traditionella sånger får endast använda tonerna i en enda skala, den skala som är associerad med tonisk ton eller tonart för en given sång. Till exempel kan en folksång i tonarten C (även kallad C-dur) ha en melodi som endast använder tonerna i C-durskalan (de enskilda tonerna C, D, E, F, G, A, B , och C; dessa är de " vita tonerna " på ett pianoklaviatur. Å andra sidan kan Bebop -era jazz från 1940-talet och samtida musik från 20- och 2000-talen använda melodier med många kromatiska toner (dvs. till tonerna i durskalan; på ett piano skulle en kromatisk skala inkludera alla toner på klaviaturen, inklusive "vita toner" och "svarta toner" och ovanliga skalor, såsom hela tonskalan ( en heltonskala i tangenten C skulle innehålla tonerna C, D, E, F ♯ , G ♯ och A ♯ ) En låg, djup musikalisk linje som spelas av basinstrument som kontrabas, elbas eller tuba kallas en baslinje .

Harmoni

Huvudartikel: Harmony

En spelare som framför ett ackord (kombination av många olika toner ) på en gitarr

Harmony hänvisar till de "vertikala" ljuden av tonhöjder i musik, vilket betyder tonhöjder som spelas eller sjungs tillsammans samtidigt för att skapa ett ackord . Vanligtvis betyder detta att tonerna spelas samtidigt, även om harmoni också kan antydas av en melodi som skisserar en harmonisk struktur (dvs genom att använda melodinoter som spelas efter varandra, som beskriver tonerna i ett ackord). I musik skriven med systemet med dur-moll tonalitet ("tangenter"), vilket inkluderar mest klassisk musik skriven från 1600 till 1900 och mest västerländsk pop, rock och traditionell musik, bestämmer tonarten i ett stycke "hemnoten" eller tonic till vilken stycket i allmänhet löser sig, och karaktären (t.ex. dur eller moll) på skalan som används. Enkla klassiska stycken och många pop- och traditionella sånger är skrivna så att all musik är i en enda tonart. Mer komplexa klassiska, pop- och traditionella låtar och stycken kan ha två tangenter (och i vissa fall tre eller fler tangenter). Klassisk musik från den romantiska eran (skriven från omkring 1820–1900) innehåller ofta flera tangenter, liksom jazz , särskilt Bebop- jazz från 1940-talet, där tonarten eller "hemtonen" i en låt kan ändras var fjärde takt eller till och med varje två staplar.

Rytm

Huvudartikel: Rhythm

Rytm är arrangemanget av ljud och tystnader i tiden. Mätaren animerar tiden i vanliga pulsgrupperingar, kallade takter eller takter , som i västerländsk klassisk, populär och traditionell musik ofta grupperar toner i set om två (t.ex. 2/4 tid), tre (t.ex. 3/4 tid, även känt som valstid , eller 3/8 tid), eller fyra (t.ex. 4/4 tid). Mätare görs lättare att höra eftersom sånger och stycken ofta (men inte alltid) lägger tonvikten på det första slaget i varje gruppering. Anmärkningsvärda undantag finns, såsom backbeat som används i mycket västerländsk pop och rock, där en låt som använder en takt som består av fyra taktslag (kallad 4/4-tid eller vanlig tid ) kommer att ha accenter på takt två och fyra, som är vanligtvis framförd av trummisen på virveltrumman , ett högt och distinkt klingande slagverksinstrument. I pop och rock spelas rytmdelarna i en låt av rytmsektionen , som inkluderar ackordspelande instrument (t.ex. elgitarr, akustisk gitarr, piano eller andra klaviaturinstrument), ett basinstrument (vanligtvis elbas eller för vissa stilar som jazz och bluegrass , kontrabas) och en trumsetspelare.

Textur

Huvudartikel: Texture (musik)

Musikalisk textur är det övergripande ljudet av ett musikstycke eller en sång. Texturen av ett stycke eller en låt bestäms av hur de melodiska, rytmiska och harmoniska materialen kombineras i en komposition, vilket bestämmer den övergripande karaktären av ljudet i ett stycke. Textur beskrivs ofta med avseende på densiteten, eller tjockleken, och omfånget, eller bredd, mellan lägsta och högsta tonhöjder, i relativa termer såväl som mer specifikt särskiljs efter antalet röster, eller delar, och förhållandet mellan dessa röster (se vanliga typer nedan). Till exempel innehåller en tjock textur många "lager" av instrument. Ett av dessa lager kan vara en strängsektion eller annan mässing. Tjockleken påverkas också av mängden och rikedomen på instrumenten. Textur beskrivs vanligtvis enligt antalet och förhållandet mellan delar eller musiklinjer:

• monofoni : en enda melodi (eller "låt") med varken instrumentellt ackompanjemang eller en harmonistämma . En mamma som sjunger en vaggvisa för sin bebis skulle vara ett exempel.
• heterofoni : två eller flera instrument eller sångare som spelar/sjunger samma melodi, men med varje artist som varierar melodins rytm eller hastighet något eller lägger till olika ornament till melodin. Två bluegrass- spelmän som spelar samma traditionella fiollåt tillsammans kommer vanligtvis var och en att variera melodin i någon grad och var och en lägga till olika ornament.
• polyfoni : flera oberoende melodilinjer som vävs samman, som sjungs eller spelas samtidigt. Körmusik skriven under renässansens musikera skrevs vanligtvis i denna stil. En runda , som är en låt som " Row, Row, Row Your Boat ", som olika grupper av sångare alla börjar sjunga vid olika tidpunkter, är ett exempel på polyfoni.
• homofoni : en tydlig melodi med stöd av ackordsackompanjemang . De flesta västerländska populärmusiklåtar från 1800-talet och framåt är skrivna i denna textur.

Musik som innehåller ett stort antal oberoende stämmor (t.ex. en dubbelkonsert ackompanjerad av 100 orkesterinstrument med många sammanvävda melodilinjer) sägs i allmänhet ha en "tjockare" eller "tätare" textur än ett verk med få stämmor (t.ex. soloflöjtmelodi ackompanjerad av en enda cello) .

Klangfärg

Huvudartikel: Timbre

Spektrogram av den första sekunden av ett E9- upphängt ackord som spelas på en Fender Stratocaster- gitarr. Nedan är E9 suspended ackord audio:

Timbre, ibland kallad "färg" eller "tonfärg" är kvaliteten eller ljudet hos en röst eller ett instrument. Timbre är det som gör att ett visst musikaliskt ljud skiljer sig från ett annat, även när de har samma tonhöjd och ljudstyrka. Till exempel låter en 440 Hz A-ton annorlunda när den spelas på oboe , piano, fiol eller elgitarr. Även om olika spelare av samma instrument spelar samma ton, kan deras toner låta olika på grund av skillnader i instrumentalteknik (t.ex. olika embouchurer ), olika typer av tillbehör (t.ex. munstycken för blåsare, vass för oboe och fagottspelare) eller strängar gjorda av olika material för stråkspelare (t.ex. tarmsträngar kontra stålsträngar) . Även två instrumentalister som spelar samma ton på samma instrument (en efter den andra) kan låta olika på grund av olika sätt att spela instrumentet på (t.ex. två stråkspelare kan hålla stråken olika).

De fysiska egenskaperna hos ljud som bestämmer uppfattningen av klangfärg inkluderar spektrum , omslag och övertoner av en ton eller ett musikaliskt ljud. För elektriska instrument som utvecklades på 1900-talet, såsom elgitarr, elbas och elpiano , kan artisten också ändra tonen genom att justera equalizerkontroller , tonkontroller på instrumentet och genom att använda elektroniska effektenheter som distortionspedaler . Tonen på den elektriska Hammondorgeln styrs av justerbara dragstänger .

Uttryck

Expressiva egenskaper är de element i musik som skapar förändring i musiken utan att ändra huvudtonerna eller väsentligt ändra rytmerna i melodin och dess ackompanjemang. Artister, inklusive sångare och instrumentalister, kan lägga till musikaliskt uttryck till en låt eller ett stycke genom att lägga till frasering , genom att lägga till effekter som vibrato (med röst och vissa instrument, som gitarr, fiol, blåsinstrument och träblås), dynamik (ljudstyrkan). eller mjukheten hos stycket eller en del av det), tempofluktuationer (t.ex. ritardando eller accelerando , som saktar ner respektive påskyndar tempot), genom att lägga till pauser eller fermatas på en kadens och genom att ändra artikulationen av tonerna (t.ex. göra anteckningar mer uttalade eller accentuerade, genom att göra anteckningar mer legato , vilket betyder smidigt sammankopplade, eller genom att göra anteckningar kortare).

Uttryck uppnås genom manipulation av tonhöjd (såsom böjning, vibrato, slides etc.), volym (dynamik, accent, tremolo etc.), varaktighet (tempofluktuationer, rytmiska förändringar, ändrad notlängd som med legato och staccato etc.) .), klangfärg (t.ex. att ändra vokal klang från en lätt till en resonant röst) och ibland till och med textur (t.ex. fördubbling av bastonen för en rikare effekt i ett pianostycke). Uttryck kan därför ses som en manipulation av alla element för att förmedla "en indikation på humör, ande, karaktär etc." och som sådan kan den inte inkluderas som ett unikt perceptuellt element i musik, även om det kan anses vara ett viktigt rudimentärt element i musik.

Form

Se även: Strofisk form , Binär form , Ternär form , Rondoform , Variation (musik) och Musikalisk utveckling

Notnotation för refrängen (refräng) av julsången " Jingle Bells " Jingle Bells refrain vector.mid

I musik beskriver form den övergripande strukturen eller planen för en låt eller ett musikstycke, och den beskriver layouten av en komposition som uppdelad i sektioner. I början av 1900-talet Tin Pan Alley och musikaliska sånger från Broadway ofta i AABA 32 takt , där A-sektionerna upprepade samma åttataktsmelodi (med variation) och B-sektionen gav en kontrasterande melodi eller harmoni för åtta takter . Från 1960-talet och framåt, är västerländska pop- och rocklåtar ofta i vers-refrängform , som består av en sekvens av vers- och refrängavsnitt , med nya texter för de flesta verser och repeterande texter för refrängerna. Populärmusik använder sig ofta av strofisk form , ibland i kombination med tolvtaktsblues .

I den tionde upplagan av The Oxford Companion to Music definierar Percy Scholes musikalisk form som "en serie strategier utformade för att hitta ett framgångsrikt medelvärde mellan de motsatta ytterligheterna av obehindrad upprepning och obehindrad förändring." Exempel på vanliga former av västerländsk musik inkluderar fuga , uppfinningen , sonata-allegro , kanon , strofisk , tema och variationer och rondo .

Scholes konstaterar att europeisk klassisk musik endast hade sex fristående former: enkel binär, enkel ternär, sammansatt binär, rondo, luft med variationer och fuga ( även om musikforskaren Alfred Mann betonade att fuga främst är en kompositionsmetod som ibland har tagits på vissa strukturella konventioner.)

Där ett stycke inte lätt kan delas upp i sektionsenheter (även om det kan låna någon form från en dikt, berättelse eller program ), sägs det vara genomkomponerat . Sådant är ofta fallet med en fantasi , preludium , rapsodi , etud (eller studie), symfonisk dikt , Bagatelle , impromptu , etc. Professor Charles Keil klassificerade former och formella detaljer som "sektions-, utvecklings- eller variationsmässiga."

Filosofi

Huvudartikel: Filosofi om musik

Kvinnan i rött av Giovanni Boldini

Musikfilosofin är studiet av grundläggande frågor om musik. Det filosofiska musikstudiet har många kopplingar till filosofiska frågor inom metafysik och estetik . Några grundläggande frågor inom musikfilosofin är :

• Vad är definitionen av musik ? (Vilka är de nödvändiga och tillräckliga förutsättningarna för att klassificera något som musik?)
• Vad är förhållandet mellan musik och sinne?
• Vad avslöjar musikhistorien för oss om världen?
• Vad är sambandet mellan musik och känslor?
• Vad är mening i förhållande till musik?

I forntida tider, som med de antika grekerna , utforskade musikens estetik de matematiska och kosmologiska dimensionerna av rytmisk och harmonisk organisation. Under 1700-talet flyttades fokus till upplevelsen av att höra musik, och därmed till frågor om dess skönhet och mänskliga njutning ( plaisir och jouissance ) av musik. Ursprunget till detta filosofiska skifte tillskrivs ibland Alexander Gottlieb Baumgarten på 1700-talet, följt av Immanuel Kant . Genom deras författarskap fick den gamla termen "estetik", som betyder sensorisk perception , sin nuvarande klang. På 2000-talet har filosofer tenderat att betona frågor förutom skönhet och njutning. Till exempel har musikens förmåga att uttrycka känslor varit en central fråga.

På 1900-talet gjordes viktiga bidrag av Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton och Stephen Davies . Men många musiker, musikkritiker och andra icke-filosofer har bidragit till musikens estetik. På 1800-talet uppstod en betydande debatt mellan Eduard Hanslick , en musikkritiker och musikforskare , och kompositören Richard Wagner om huruvida musik kan uttrycka mening. Harry Partch och några andra musikforskare , som Kyle Gann , har studerat och försökt popularisera mikrotonal musik och användningen av alternativa musikskalor . Även många moderna kompositörer som La Monte Young , Rhys Chatham och Glenn Branca ägnade mycket uppmärksamhet åt en skala som kallas just intonation .

Man tror ofta att musik har förmågan att påverka våra känslor , intellekt och psykologi ; det kan lindra vår ensamhet eller väcka våra passioner. Filosofen Platon antyder i Republiken att musik har en direkt effekt på själen . Därför föreslår han att musiken i den ideala regimen skulle vara noga reglerad av staten (bok VII). I det antika Kina trodde filosofen Konfucius att musik och ritualer eller riter är sammankopplade och harmoniska med naturen; han påstod att musik var en harmonisering av himmel och jord, medan ordningen fördes av riternas ordning, vilket gjorde dem till extremt avgörande funktioner i samhället.

Psykologi

Huvudartikel: Musikpsykologi

Modern musikpsykologi syftar till att förklara och förstå musikaliskt beteende och erfarenhet . Forskningen inom detta område och dess delområden är i första hand empirisk ; deras kunskaper tenderar att utvecklas på basis av tolkningar av data som samlats in genom systematisk observation av och interaktion med mänskliga deltagare . Utöver sitt fokus på grundläggande uppfattningar och kognitiva processer är musikpsykologi ett forskningsfält med praktisk relevans för många områden, inklusive musikframförande, komposition , utbildning , kritik och terapi , såväl som undersökningar av mänsklig begåvning , skicklighet, intelligens , kreativitet och socialt beteende .

Neurovetenskap

Huvudartikel: Neurovetenskap av musik

Den primära hörselbarken är ett av huvudområdena förknippade med överlägsen tonhöjdsupplösning.

Kognitiv neurovetenskap av musik är den vetenskapliga studien av hjärnbaserade mekanismer involverade i de kognitiva processerna bakom musik. Dessa beteenden inkluderar musiklyssnande, framförande, komponering, läsning, skrivning och kringaktiviteter. Den är också alltmer bekymrad över hjärnans grund för musikalisk estetik och musikalisk känsla. Fältet kännetecknas av sitt beroende av direkta observationer av hjärnan, med hjälp av sådana tekniker som funktionell magnetisk resonanstomografi (fMRI), transkraniell magnetisk stimulering (TMS), magnetoencefalografi (MEG), elektroencefalografi (EEG) och positronemissionstomografi (PET) .

Kognitiv musikvetenskap

Huvudartikel: Kognitiv musikvetenskap

Kognitiv musikvetenskap är en gren av kognitionsvetenskap som sysslar med beräkningsmodellering av musikalisk kunskap med målet att förstå både musik och kognition. Användningen av datormodeller ger ett krävande, interaktivt medium för att formulera och testa teorier och har rötter i artificiell intelligens och kognitionsvetenskap .

Detta tvärvetenskapliga fält undersöker ämnen som parallellerna mellan språk och musik i hjärnan. Biologiskt inspirerade beräkningsmodeller ingår ofta i forskning, såsom neurala nätverk och evolutionära program. Detta fält försöker modellera hur musikalisk kunskap representeras, lagras, uppfattas, framförs och genereras. Genom att använda en välstrukturerad datormiljö kan dessa kognitiva fenomens systematiska strukturer undersökas.

Psykoakustik

Huvudartikel: Psykoakustik

Psykoakustik är den vetenskapliga studien av ljuduppfattning. Mer specifikt är det den vetenskapsgren som studerar de psykologiska och fysiologiska reaktionerna som är förknippade med ljud (inklusive tal och musik). Det kan ytterligare kategoriseras som en gren av psykofysik .

Evolutionär musikvetenskap

Huvudartikel: Evolutionär musikvetenskap

Evolutionär musikvetenskap handlar om "musikens ursprung, frågan om djursång, urvalstryck som ligger bakom musikens evolution", och "musikens evolution och mänsklig evolution". Det strävar efter att förstå musikuppfattning och aktivitet i samband med evolutionsteorin . Charles Darwin spekulerade i att musik kan ha haft en adaptiv fördel och fungerat som ett protospråk , en syn som har gett upphov till flera konkurrerande teorier om musikens evolution. En alternativ syn ser musik som en biprodukt av språklig evolution ; en typ av "auditiv cheesecake" som behagar sinnena utan att ge någon adaptiv funktion. Denna uppfattning har direkt motverkats av många musikforskare.

Kulturella effekter

Huvudartikel: Kultur i musikkognition

En individs kultur eller etnicitet spelar en roll i deras musikkognition , inklusive deras preferenser , känslomässiga reaktioner och musikaliska minne . Musikaliska preferenser är partiska mot kulturellt välbekanta musiktraditioner som börjar i spädbarnsåldern, och vuxnas klassificering av känslorna i ett musikstycke beror på både kulturellt specifika och universella strukturella egenskaper. Dessutom är individers musikaliska minnesförmåga större för kulturellt bekant musik än för kulturellt obekant musik.

Perceptuell

Sedan uppkomsten av studiet av psykoakustik på 1930-talet har de flesta listor över musikelement relaterat mer till hur vi hör musik än hur vi lär oss att spela den eller studera den. CE Seashore identifierade i sin bok Psychology of Music fyra "psykologiska attribut för ljud". Dessa var: "tonhöjd, ljudstyrka, tid och klang" (s. 3). Han kallade dem inte för "musikens element" utan hänvisade till dem som "elementära komponenter" (s. 2). Icke desto mindre länkar dessa elementära komponenter exakt till fyra av de vanligaste musikaliska elementen: "Pitch" och "timbre" matchar exakt, "loudness"-länkar med dynamik och "time"-länkar med de tidsbaserade elementen av rytm, varaktighet och tempo. Denna användning av frasen "the elements of music" länkar närmare till Websters New 20th Century Dictionary definition av ett element som: "en substans som inte kan delas in i en enklare form med kända metoder" och utbildningsinstitutionernas listor över element överensstämmer i allmänhet. med denna definition också.

Även om författare av listor över "rudimentära element av musik" kan variera sina listor beroende på sina personliga (eller institutionella) prioriteringar, bör musikens perceptuella element bestå av en etablerad (eller beprövad) lista med diskreta element som kan manipuleras oberoende för att uppnå en avsedd musikalisk effekt. Det verkar i detta skede som det fortfarande finns forskning att göra på detta område.

Ett lite annorlunda sätt att närma sig identifieringen av musikens element är att identifiera "ljudelementen " som: tonhöjd , varaktighet , ljudstyrka , klangfärg , ljudstruktur och rumslig plats , och sedan definiera "musikelementen" som : ljud, struktur och konstnärlig avsikt.

Sociologiska aspekter

Huvudartikel: Sociomusikologi

Målning från Songdynastin (960–1279), Night Revels of Han Xizai , som visar kinesiska musiker som underhåller gäster på en fest i ett hushåll från 1000-talet

Många etnografiska studier visar att musik är en deltagande, samhällsbaserad aktivitet. Musik upplevs av individer i en rad sociala miljöer, från att vara ensam till att delta i en stor konsert, att bilda en musikgemenskap , som inte kan förstås som en funktion av individuell vilja eller olycka; det inkluderar både kommersiella och icke-kommersiella deltagare med en gemensam uppsättning gemensamma värderingar. Musikframträdanden tar olika former i olika kulturer och socioekonomiska miljöer. I Europa och Nordamerika finns det ofta en klyfta mellan vilka typer av musik som ses som en " högkultur " och " lågkultur" . "Högkultur" typer av musik inkluderar vanligtvis västerländsk konstmusik som barock, klassisk, romantisk och moderna symfonier, konserter och soloverk, och hörs vanligtvis i formella konserter i konsertsalar och kyrkor, med publiken som sitter tysta i säten.

Andra typer av musik – inklusive, men inte begränsat till, jazz, blues, soul och country – framförs ofta på barer, nattklubbar och teatrar, där publiken kanske kan dricka, dansa och uttrycka sig genom att heja. Fram till det senare 1900-talet var uppdelningen mellan "hög" och "låg" musikalisk form allmänt accepterad som en giltig distinktion som skilde ut bättre kvalitet, mer avancerad "konstmusik" från de populära musikstilarna som hördes i barer och danslokaler.

Men på 1980- och 1990-talen hävdade musikforskare som studerade denna upplevda klyfta mellan "hög" och "låg" musikgenrer att denna distinktion inte är baserad på det musikaliska värdet eller kvaliteten hos de olika typerna av musik. stor del baserades på socioekonomiska ställning eller sociala klass för artisterna eller publiken för de olika typerna av musik Till exempel, medan publiken för klassiska symfonikonserter vanligtvis har inkomster över genomsnittet, kan publiken för en rapkonsert i ett innerstadsområde ha inkomster under genomsnittet. Även om artisterna, publiken eller platsen där musik som inte är "konst" framförs kan ha en lägre socioekonomisk status, kan musiken som framförs, såsom blues, rap, punk , funk eller ska vara mycket komplex och sofistikerad.

När tonsättare introducerar musikstilar som bryter mot konventionen kan det uppstå ett starkt motstånd från akademiska musikexperter och populärkultur. Senperiodens Beethovens stråkkvartetter, Stravinsky-balettpartitur, serialism , bebop - era jazz , hiphop , punkrock och elektronik har alla betraktats som icke-musik av vissa kritiker när de först introducerades. Sådana teman undersöks i musikens sociologi. Den sociologiska studien av musik, ibland kallad sociomusicology , bedrivs ofta i avdelningar för sociologi, mediavetenskap eller musik, och är nära besläktad med fältet av etnomusikologi .

Kvinnors roll

Huvudartikel: Kvinnor i musik

1800-talskompositören och pianisten Clara Schumann

Kvinnor har spelat en stor roll i musiken genom historien, som kompositörer, låtskrivare, instrumentala artister , sångare, dirigenter, musikforskare , musikpedagoger , musikkritiker / musikjournalister och andra musikaliska yrken. På 2010-talet, medan kvinnor utgör en betydande del av populärmusik och klassisk musik, och en betydande andel låtskrivare (många av dem är singer-songwriters), finns det få kvinnliga skivproducenter, rockkritiker och rockinstrumentalister. Även om det har funnits ett stort antal kvinnliga tonsättare inom klassisk musik, från medeltiden till idag, är kvinnliga tonsättare avsevärt underrepresenterade i den vanligen framförda klassiska musikrepertoaren, musikhistoriska läroböcker och musikuppslagsverk; till exempel i History of Music är Clara Schumann en av få kvinnliga kompositörer som nämns.

Kvinnor utgör en betydande andel instrumentalsolister inom klassisk musik och andelen kvinnor i orkestrar ökar. En artikel från 2015 om konsertsolister i stora kanadensiska orkestrar visade dock att 84 % av solisterna med Orchestre Symphonique de Montreal var män. År 2012 utgjorde kvinnor fortfarande bara 6 % av den högst rankade Wienerfilharmonikerna . Kvinnor är mindre vanliga som instrumentalspelare i populärmusikgenrer som rock och heavy metal , även om det har funnits ett antal anmärkningsvärda kvinnliga instrumentalister och helt kvinnliga band . Kvinnor är särskilt underrepresenterade i extrema metalgenrer . På 1960-talets popmusikscen, "liksom de flesta aspekter av...musikbranschen, [på 1960-talet,] var låtskrivande ett mansdominerat område. Även om det fanns gott om kvinnliga sångare på radion, kvinnor . ..sågs främst som konsumenter:... Att sjunga var ibland ett acceptabelt tidsfördriv för en tjej, men att spela ett instrument, skriva låtar eller producera skivor var helt enkelt inte gjort." Unga kvinnor "... var inte socialiserade för att se sig själva som människor som skapar [musik]."

Kvinnor är också underrepresenterade inom orkesterledning, musikkritik/musikjournalistik, musikproduktion och ljudteknik . Medan kvinnor avskräcktes från att komponera på 1800-talet, och det finns få kvinnliga musikforskare , blev kvinnor involverade i musikutbildning "... i en sådan grad att kvinnor dominerade [det här området] under senare hälften av 1800-talet och långt in på 1900-talet."

Enligt Jessica Duchen, en musikskribent för Londons The Independent , bedöms kvinnliga musiker inom klassisk musik "...för ofta för sitt utseende snarare än sin talang" och de möter press "...att se sexiga ut på scenen och på foton ." Duchen säger att medan "[d]är finns kvinnliga musiker som vägrar att spela på sitt utseende,... tenderar de som gör det att vara mer materiellt framgångsrika." Enligt Storbritanniens Radio 3-redaktör, Edwina Wolstencroft, har musikindustrin länge varit öppen för att ha kvinnor i prestations- eller underhållningsroller, men kvinnor är mycket mindre benägna att ha auktoritetspositioner, som att vara dirigent för en orkester . Inom populärmusik, medan det finns många kvinnliga sångerskor som spelar in låtar, finns det väldigt få kvinnor bakom ljudkonsolen som agerar som musikproducenter, de individer som styr och hanterar inspelningsprocessen. En av de mest inspelade artisterna är Asha Bhosle , en indisk sångerska som är mest känd som playback-sångerska på hindi.

Media och teknik

Ytterligare information: Datormusik och Musikteknik

Musikproduktion på 2000-talet med hjälp av en digital ljudarbetsstation (DAW) med ett elektroniskt tangentbord och en multimonitoruppställning

Sedan 1900-talet kan livemusik sändas över radio, tv eller internet, eller spelas in och lyssnas på en cd-spelare eller mp3-spelare.

I början av 1900-talet (i slutet av 1920-talet), när talande bilder dök upp i början av 1900-talet, med sina förinspelade musikspår, fick ett ökande antal filmhusorkestermusiker sig utan arbete. Under 1920-talet var levande musikuppträdanden av orkestrar, pianister och teaterorganister vanliga på de första teatrarna. I och med att de talande filmerna kom, eliminerades dessa föreställningar i stort sett. American Federation of Musicians (AFM) tog ut tidningsannonser som protesterade mot ersättningen av livemusiker med mekaniska spelanordningar. En annons från 1929 som visades i Pittsburgh Press har en bild av en burk märkt "Canned Music / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No Intellectual or Emotional Reaction Whatever"

Ibland innehåller liveframträdanden förinspelade ljud. Till exempel använder en discjockey skivor för att repa , och vissa 1900-talsverk har ett solo för ett instrument eller en röst som framförs tillsammans med musik som är förinspelad på ett band. Vissa popband använder inspelade bakgrundsspår . Datorer och många tangentbord kan programmeras för att producera och spela MIDI-musik ( Musical Instrument Digital Interface) . Publiken kan också bli artister genom att delta i karaoke , en aktivitet av japanskt ursprung centrerad på en enhet som spelar rösteliminerade versioner av välkända låtar. De flesta karaokemaskiner har också videoskärmar som visar texter till låtar som framförs; artister kan följa texterna när de sjunger över instrumentala spår.

Tillkomsten av Internet och utbredd höghastighetsbredbandsaccess har förändrat upplevelsen av musik, delvis genom den ökade lättheten att få tillgång till inspelningar av musik via strömmande video och avsevärt ökat utbud av musik för konsumenterna. En annan effekt av Internet uppstod med onlinecommunities och sociala mediewebbplatser som YouTube och Facebook, en social nätverkstjänst . Dessa sajter gör det lättare för blivande sångare och amatörband att distribuera videor med sina låtar, få kontakt med andra musiker och få publikens intresse. Professionella musiker använder också YouTube som en gratis utgivare av reklammaterial. YouTube-användare, till exempel, laddar inte längre bara ner och lyssnar på MP3-filer, utan skapar också aktivt sina egna. Enligt Don Tapscott och Anthony D. Williams har det i deras bok Wikinomics skett ett skifte från en traditionell konsumentroll till vad de kallar en " prosumer " roll, en konsument som både skapar innehåll och konsumerar. Manifestationer av detta i musik inkluderar produktion av mäsk , remixer och musikvideor av fans.

Utbildning

Ytterligare information: Musikutbildning

Icke-institutionell

En Suzuki- fiolrecital med elever i olika åldrar

Att införliva viss musik- eller sångutbildning i allmän utbildning från förskola till eftergymnasial utbildning är vanligt i Nordamerika och Europa. Engagemang i att spela och sjunga musik tros lära ut grundläggande färdigheter som koncentration, räkna , lyssna och samarbete samtidigt som det främjar språkförståelsen, förbättrar förmågan att återkalla information och skapar en miljö som är mer gynnsam för lärande inom andra områden. I grundskolor lär sig barn ofta att spela instrument som blockflöjt, sjunga i små körer och lära sig om historien om västerländsk konstmusik och traditionell musik. Vissa grundskolebarn lär sig också om populära musikstilar. I religiösa skolor sjunger barn psalmer och annan religiös musik. I gymnasieskolor (och mindre vanligt i grundskolor) kan eleverna ha möjlighet att uppträda i vissa typer av musikensembler, såsom körer (en grupp sångare), marschband , konsertband , jazzband eller orkestrar. I vissa skolsystem kan musiklektioner om hur man spelar instrument tillhandahållas. En del elever tar även privata musiklektioner efter skolan med en sånglärare eller instrumentlärare. Amatörmusiker lär sig vanligtvis grundläggande musikaliska rudiment (t.ex. lära sig om musikalisk notation för musikskalor och rytmer) och nybörjar- till medelnivå sång- eller instrumentspelstekniker.

På universitetsnivå kan studenter på de flesta humanistiska och humanistiska programmen få tillgodoräkna sig några musikkurser, som vanligtvis har formen av en översiktskurs i musikens historia , eller en musikuppskattningskurs som fokuserar på att lyssna på musik och lära. om olika musikstilar. Dessutom har de flesta nordamerikanska och europeiska universitet vissa typer av musikensembler som studenter inom konst och humaniora kan delta i, såsom körer, marschorkestrar, konsertband eller orkestrar. Studiet av västerländsk konstmusik är allt vanligare utanför Nordamerika och Europa, såsom Indonesian Institute of the Arts i Yogyakarta , Indonesien , eller de klassiska musikprogrammen som är tillgängliga i asiatiska länder som Sydkorea, Japan och Kina. Samtidigt breddar västerländska universitet och högskolor sin läroplan till att inkludera musik från icke-västerländska kulturer, såsom musiken från Afrika eller Bali (t.ex. Gamelan -musik).

Institutionell

Manhattan School of Music professor och professionell kontrabasist Timothy Cobb undervisade i en baslektion i slutet av 2000-talet. Hans bas har en låg C-förlängning med en "maskin" i metall med knappar för att spela tonhöjderna på förlängningen.

Människor som siktar på att bli professionella musiker, sångare, kompositörer, låtskrivare, musiklärare och utövare av andra musikrelaterade yrken som musikhistoriska professorer, ljudtekniker och så vidare studerar i specialiserade eftergymnasiala program som erbjuds av högskolor, universitet och musikkonservatorier . Vissa institutioner som utbildar individer för karriärer inom musik erbjuder utbildning inom ett brett spektrum av yrken, vilket är fallet med många av de främsta amerikanska universiteten, som erbjuder grader i musikframträdande (inklusive att sjunga och spela instrument), musikhistoria, musikteori, musikkomposition, musikutbildning (för individer som siktar på att bli musiklärare i grundskolan eller gymnasiet) och i vissa fall dirigering. Å andra sidan kan vissa små högskolor bara erbjuda utbildning i ett enda yrke (t.ex. ljudinspelning) .

Medan de flesta universitets- och konservatoriemusikprogram fokuserar på att utbilda studenter i klassisk musik, finns det ett antal universitet och högskolor som utbildar musiker för karriärer som jazz- eller populärmusiker och kompositörer, med anmärkningsvärda amerikanska exempel inklusive Manhattan School of Music och Berklee Musikhögskolan . Två viktiga skolor i Kanada som erbjuder professionell jazzutbildning är McGill University och Humber College . Individer som siktar på karriärer inom vissa typer av musik, som heavy metal-musik , countrymusik eller blues är mindre benägna att bli proffs genom att avlägga examen eller diplom vid högskolor eller universitet. Istället lär de sig vanligtvis om sin musikstil genom att sjunga eller spela i många band (som ofta börjar i amatörband, coverband och hyllningsband ), studera inspelningar tillgängliga på CD, DVD och Internet och arbeta med redan etablerade proffs i deras musikstil, antingen genom informell mentorskap eller regelbundna musiklektioner . Sedan 2000-talet har den ökande populariteten och tillgängligheten av internetforum och YouTube "how-to"-videor gjort det möjligt för många sångare och musiker från metal, blues och liknande genrer att förbättra sina färdigheter. Många pop-, rock- och countrysångare tränar informellt med sångcoacher och sånglärare .

Akademisk studie

Musikvetenskap

Huvudartikel: Musikvetenskap

Musikvetenskap, den akademiska studien i ämnet musik, studeras vid universitet och musikkonservatorier. De tidigaste definitionerna från 1800-talet definierade tre underdiscipliner av musikvetenskap: systematisk musikvetenskap , historisk musikvetenskap och jämförande musikvetenskap eller etnomusikologi . I 2010-erans stipendium är det mer sannolikt att man stöter på en uppdelning av disciplinen i musikteori , musikhistoria och etnomusikologi . Forskning inom musikvetenskap har ofta berikats av tvärvetenskapligt arbete, till exempel inom psykoakustikområdet . Studiet av musik från icke-västerländska kulturer, och kulturstudiet av musik, kallas etnomusikologi. Studenter kan fortsätta grundutbildningen i musikvetenskap, etnomusikologi, musikhistoria och musikteori genom flera olika typer av examina, inklusive kandidatexamen, magisterexamen och doktorsexamen.

Musikteori

Huvudartikel: Musikteori

Musikteori är studiet av musik, i allmänhet på ett mycket tekniskt sätt utanför andra discipliner. Mer allmänt hänvisar det till någon studie av musik, vanligtvis relaterad i någon form med kompositionsproblem, och kan inkludera matematik , fysik och antropologi . Det som vanligtvis lärs ut i början av musikteoriklasser är riktlinjer för att skriva i stil med den vanliga praktikperioden, eller tonal musik . Teori, även om musik från den vanliga praktikperioden, kan ta många andra former. Musikalisk mängdlära är tillämpningen av matematisk mängdlära på musik, först tillämpad på atonal musik . Spekulativ musikteori , i kontrast till analytisk musikteori , ägnas åt analys och syntes av musikmaterial, till exempel stämningssystem , i allmänhet som förberedelse för komposition.

Zoommusikologi

Huvudartikel: Zoomusicology

Zoomusicology är studiet av icke-mänskliga djurs musik, eller de musikaliska aspekterna av ljud som produceras av icke-mänskliga djur. Som George Herzog (1941) frågade, "har djur musik?" François-Bernard Mâches Musique , mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), en studie av "ornitho-musicology" med hjälp av en teknik från Nicolas Ruwets Langage , musique, poésie (1972) paradigmatisk segmenteringsanalys , visar att fågelsånger är organiserade enligt en upprepnings-förvandlingsprincip. Jean-Jacques Nattiez (1990) menar att "i sista hand är det en människa som bestämmer vad som är och inte är musikaliskt, även när ljudet inte är av mänskligt ursprung. Om vi ​​erkänner att ljud inte är organiserat och konceptualiserat (det vill säga gjord för att bilda musik) bara av dess producent, men av sinnet som uppfattar den, då är musik unikt mänsklig."

Etnomusikologi

Huvudartikel: Etnomusikologi

Etnomusikologen Frances Densmore spelar in Blackfoot- chefen Mountain Chief för Bureau of American Ethnology (1916)

I väst handlar mycket av musikhistorien som lärs ut om den västerländska civilisationens konstmusik, som är känd som klassisk musik. Musikens historia i icke-västerländska kulturer (" världsmusik " eller området "etnomusikologi") lärs också ut vid västerländska universitet. Detta inkluderar de dokumenterade klassiska traditionerna i asiatiska länder utanför Västeuropas inflytande, såväl som folkmusik eller inhemsk musik från olika andra kulturer. Populära eller folkliga musikstilar i icke-västerländska länder varierade mycket från kultur till kultur och från period till period. Olika kulturer betonade olika instrument , tekniker, sångstilar och användningsområden för musik. Musik har använts för underhållning, ceremonier, ritualer, religiösa syften och för praktisk och konstnärlig kommunikation. Icke-västerländsk musik har också använts i propagandasyfte, vilket var fallet med kinesisk opera under kulturrevolutionen .

Det finns en mängd musikklassificeringar för icke-västerländsk musik, varav många är fast i argumentet om definitionen av musik . Bland de största av dessa är uppdelningen mellan klassisk musik (eller "konst" musik) och populärmusik (eller kommersiell musik – inklusive icke-västerländska stilar av rock, country och popmusik-relaterade stilar). Vissa genrer passar inte in i någon av dessa "två stora" klassificeringar, (som folkmusik , världsmusik eller jazzrelaterad musik).

När världskulturer har kommit i större global kontakt , har deras inhemska musikstilar ofta smält samman med andra stilar, vilket producerar nya stilar. Till exempel innehåller USA:s bluegrass -stil element från anglo - irländska , skotska , irländska, tyska och afrikanska instrument- och vokaltraditioner, som kunde smälta samman i USA:s multietniska "smältdegel" -samhälle . Vissa typer av världsmusik innehåller en blandning av icke-västerländska inhemska stilar med västerländska popmusikelement. Musikgenrer bestäms lika mycket av tradition och presentation som av den faktiska musiken. Vissa verk, som George Gershwins Rhapsody in Blue , gör anspråk på både jazz och klassisk musik, medan Gershwins Porgy and Bess och Leonard Bernsteins West Side Story gör anspråk på både opera och Broadways musiktradition . Många aktuella musikfestivaler för icke-västerländsk musik inkluderar band och sångare från en viss musikgenre, såsom världsmusik.

Indisk musik , till exempel, är en av de äldsta och längsta levande musiktyperna och hörs och framförs fortfarande i södra Asien såväl som internationellt (särskilt sedan 1960-talet). Indisk musik har huvudsakligen tre former av klassisk musik, Hindustani , Carnatic och Dhrupad stilar. Den har också en stor repertoar av stilar, som endast involverar slagverksmusik, såsom talavadya-framträdanden som är kända i södra Indien .

Terapi

Huvudartikel: Musikterapi

En musikterapeut från ett "Blues in the Schools"-program spelar munspel med en sjöman från den amerikanska flottan på ett Naval Therapy Center.

Musikterapi är en interpersonell process där en utbildad terapeut använder musik och alla dess aspekter – fysiska, emotionella, mentala, sociala, estetiska och andliga – för att hjälpa klienter att förbättra eller behålla sin hälsa. I vissa fall tillgodoses kundens behov direkt genom musik; i andra behandlas de genom de relationer som utvecklas mellan klienten och terapeuten. Musikterapi används med individer i alla åldrar och med en mängd olika tillstånd, inklusive: psykiatriska störningar, medicinska problem, fysiska funktionshinder, sensoriska funktionsnedsättningar, utvecklingsstörningar, missbruksproblem, kommunikationsstörningar, interpersonella problem och åldrande. Det används också för att förbättra inlärningen, bygga upp självkänsla, minska stress, stödja fysisk träning och underlätta en mängd andra hälsorelaterade aktiviteter. Musikterapeuter kan uppmuntra klienter att sjunga, spela instrument, skapa låtar eller göra andra musikaktiviteter.

På 900-talet beskrev filosofen Al-Farabi hur vokalmusik kan stimulera lyssnarnas känslor och själar. Musik har länge använts för att hjälpa människor att hantera sina känslor. På 1600-talet hävdade forskaren Robert Burtons The Anatomy of Melancholy att musik och dans var avgörande för att behandla psykisk sjukdom , särskilt melankoli . Han noterade att musik har en "utmärkt kraft ... att driva ut många andra sjukdomar" och han kallade det "ett suveränt botemedel mot förtvivlan och melankoli." Han påpekade att Canus, en rhodisk spelman, under antiken använde musik för att "göra en melankolisk man glad, ... en älskare mer förälskad, en religiös man mer hängiven." I det osmanska riket behandlades psykiska sjukdomar med musik. I november 2006 fann Dr Michael J. Crawford och hans kollegor också att musikterapi hjälpte schizofrena patienter.

Se även

Huvudartiklar: Översikt över musik och Index över musikartiklar

• Ordlista för musikterminologi
• Listor över musiker
• Lista över musikvetenskapliga ämnen
• Musik och känslor
• Musik arkeologi
• Musikhistoria
• Musikspecifika störningar

Källor

•   Anderson, Warren (2001). "Muser" . Grove musik online . Reviderad av Thomas J. Mathiesen . Oxford: Oxford University Press . doi : 10.1093/gmo/9781561592630.article.19396 . ISBN 978-1-56159-263-0 . (prenumeration eller medlemskap i det brittiska offentliga biblioteket krävs)
•   Apel, Willi (1969). Harvard Dictionary of Music . Cambridge: Harvard University Press . ISBN 978-0-674-37501-7 .
• Epperson, Gordon (16 juni 2022). "Musik | Konstform, stilar, rytm och historia" . Encyclopædia Britannica . Chicago: Encyclopædia Britannica, Inc.
•   Gardner, Howard (1983). Frames of Mind: Theory of Multiple Intelligences . New York: Basic Books . ISBN 978-0-465-02508-4 .
•   Huron, David (2003). "Är musik en evolutionär anpassning?". I Peretz, Isabelle ; Zatorre, Robert J. (red.). Musikens kognitiva neurovetenskap . Oxford: Oxford University Press . ISBN 978-0-19-852519-6 .
•      Merker, Björn ; Morley, Iain; Zuidema, Willem (19 mars 2015). "Fem grundläggande begränsningar för teorier om musikens ursprung" . Philosophical Transactions of the Royal Society . Royal Society . 370 (1664). doi : 10.1098/rstb.2014.0095 . eISSN 1471-2970 . ISSN 0962-8436 . PMC 4321136 . PMID 25646518 .
•   Mithen, Steven (2005). De sjungande neandertalarna: ursprunget till musik, språk, sinne och kropp . London: Orion Publishing Group . ISBN 978-1-7802-2258-5 .
•   Morley, Iain (2013). Musikens förhistoria: mänsklig evolution, arkeologi och musikalitetens ursprung . Oxford: Oxford University Press . ISBN 978-0-19-923408-0 .
•   Murray, Penelope (2020). "Musernas mytologi". I Lynch, Tosca AC; Rocconi, Eleonora (red.). En följeslagare till antik grekisk och romersk musik . Blackwell följeslagare till den antika världen. Hoboken: Wiley . ISBN 978-1-119-27547-3 .
•   Nettl, Bruno (2001). "Musik" . Grove musik online . Oxford: Oxford University Press . doi : 10.1093/gmo/9781561592630.article.40476 . ISBN 978-1-56159-263-0 . (prenumeration eller medlemskap i det brittiska offentliga biblioteket krävs)
•   Wallin, Nils; Merker, Björn ; Brown, Steven, red. (2000). Musikens ursprung . Cambridge: MIT Press . ISBN 978-0-262-73143-0 .
• "musik (n.)" . Online etymologiordbok . Hämtad 30 maj 2022 .
• "Musik" . The American Heritage Dictionary of the English Language (femte upplagan). Boston: Houghton Mifflin Harcourt .
• "musik, n. och adj." . OED Online . Oxford: Oxford University Press . (prenumeration krävs)

Vidare läsning

•   Kennedy, Michal ; Kennedy, Joyce Bourne (2013) [2012]. Tim Rutherford-Johnson (red.). The Oxford Dictionary of Music (6:e pocketutgåvan). Oxford: Oxford University Press. ISBN 978-0-19-957854-2 .
•   Small, Christopher (1977). Musik, samhälle, utbildning . John Calder Publishers, London. ISBN 0-7145-3614-8
•   Tymoczko, Dmitri (2011). A Geometry of Music: Harmony and Counterpoint in the Extended Common Practice . New York: Oxford University Press . ISBN 978-0-19-533667-2 .

externa länkar

• Grove Music Online — onlineversion av The New Grove Dictionary of Music and Musicians .
• Alla tio volymer av Garland Encyclopedia of World Music (prenumeration krävs)
• Dolmetsch gratis musikordbok online , komplett, med hänvisningar till en lista över specialiserade musikordböcker (per kontinent, efter instrument, efter genre, etc.)