Annie Hall

För den höga sheriffen i Derbyshire, se Annie Hall (hög sheriff) .

Annie Hall
Anniehallposter.jpg
Teaterreleaseaffisch
Regisserad av Woody Allen
Skriven av
Producerad av
Medverkande
Filmkonst Gordon Willis
Redigerad av
Musik av Se soundtracket

Produktionsbolag _
Levererad av United Artists
Lanseringsdatum
Körtid
 93 minuter
Land Förenta staterna
språk
engelska tyska
Budget 4 miljoner dollar
Biljettkassan 44 miljoner USD (USA/UK)

Annie Hall är en amerikansk satirisk romantisk komedi-dramafilm från 1977, regisserad av Woody Allen efter ett manus skrivet av honom och Marshall Brickman , och producerat av Allens manager, Charles H. Joffe . Allen spelar huvudrollen i filmen Alvy Singer, som försöker ta reda på orsakerna till misslyckandet i hans förhållande med den självbetitlade kvinnliga huvudrollen, spelad av Diane Keaton i en roll skriven speciellt för henne.

Huvudfotograferingen för filmen började den 19 maj 1976 på South Fork of Long Island och fortsatte med jämna mellanrum under de följande tio månaderna. Allen har beskrivit resultatet, som markerade hans första samarbete med filmfotograf Gordon Willis , som "en stor vändpunkt", i det att till skillnad från farserna och komedier som var hans verk till den punkten, introducerade det en ny nivå av allvar. Akademiker har noterat kontrasten i miljöerna i New York City och Los Angeles, stereotypen av könsskillnader i sexualitet, presentationen av judisk identitet och inslagen i psykoanalys och modernism .

Annie Hall visades på Los Angeles filmfestival den 27 mars 1977, innan den officiellt släpptes i USA den 20 april 1977. Filmen fick mycket beröm, nominerades till Big Five Academy Awards och vann fyra: Academy Pris för bästa film , två för Allen ( bästa regissör och, med Brickman, bästa originalmanus ) och bästa kvinnliga kvinnliga för Keaton. Filmen vann dessutom fyra BAFTA-priser och en Golden Globe , den senare tilldelas Keaton. Filmens kassakvitton i USA och Kanada på $38 251 425 är fjärde bästa av Allens verk när de inte är inflationsjusterade.

Den rankas bland de bästa filmerna som någonsin gjorts, och rankas 31:a på AFI:s lista över de bästa filmerna på amerikansk film, 4:a på listan över bästa komedifilmer och 28:a på Bravos "100 roligaste filmer". Filmkritikern Roger Ebert kallade den "bara om allas favorit Woody Allen-film". Filmens manus utsågs också till det roligaste som någonsin skrivits av Writers Guild of America i sin lista över de "101 roligaste manus". År 1992 Library of Congress filmen för bevarande i United States National Film Registry som "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefull."

Komplott

Komikern Alvy Singer försöker förstå varför hans förhållande med Annie Hall tog slut för ett år sedan. När han växte upp i Brooklyn , retade han sin mamma med omöjliga frågor om tillvarons tomhet, men han var brådmogen inför sin oskyldiga sexuella nyfikenhet, och kysste plötsligt en klasskamrat vid sex år gammal och förstod inte varför hon inte var angelägen om att återgälda.

Annie och Alvy, i en rad för The Sorrow and the Pity , hör en annan man håna Federico Fellinis och Marshall McLuhans arbete ; Alvy föreställer sig att McLuhan själv kliver in på hans inbjudan för att kritisera mannens förståelse. Den kvällen visar Annie inget intresse för sex med Alvy. Istället diskuterar de hans första fru, vars iver inte gav honom något nöje. Hans andra äktenskap var med en New York-författare som inte gillade sport och som inte kunde nå orgasm.

Med Annie är det annorlunda. De två roar sig med att laga en måltid med kokt hummer tillsammans. Han retar henne om de ovanliga männen i hennes förflutna. De hade träffats på att spela dubbeltennis med vänner. Efter matchen leder obekväma småprat henne att erbjuda honom en tur upp till stan och sedan ett glas vin på sin balkong. Där avslöjas vad som verkade vara ett milt utbyte av triviala personuppgifter i "mentala undertexter" som en eskalerande flirt. Deras första dejt följer Annies sjungande audition för en nattklubb (" It Had to be You") . Efter deras älskling den kvällen är Alvy "ett vrak", medan Annie slappnar av med en joint .

Snart erkänner Annie att hon älskar Alvy, medan han köper hennes böcker om döden och säger att hans känslor för henne är mer än bara kärlek. När Annie flyttar in hos honom blir det väldigt spänt. Så småningom hittar Alvy sin arm i arm med en av hennes högskoleprofessorer, och de två börjar bråka om huruvida detta är "flexibiliteten" de hade diskuterat. De bryts så småningom upp, och han letar efter sanningen om relationer, frågar främlingar på gatan om kärlekens natur, ifrågasätter hans uppväxtår och föreställer sig en tecknad version av sig själv som bråkar med en tecknad film som Annie porträtteras som den onda drottningen i Snövit .

Alvy försöker återvända till dejting, men ansträngningen försvåras av neuros och en episod av dålig sex som avbryts när Annie ringer mitt i natten och insisterar på att han ska komma över omedelbart för att döda två spindlar i hennes badrum. En försoning följer, tillsammans med ett löfte att hålla ihop, vad som än händer. Men deras separata diskussioner med sina terapeuter gör det uppenbart att det finns en outtalad och oöverbryggbar klyfta. När Alvy accepterar ett erbjudande att dela ut ett pris på tv, reser de till Los Angeles med Alvys vän Rob. Men på hemresan är de överens om att deras förhållande inte fungerar. Efter att ha förlorat Annie till sin skivproducent Tony Lacey, försöker Alvy utan framgång tända lågan igen med ett äktenskapsförslag. Tillbaka i New York sätter han upp en pjäs av deras förhållande, men han ändrar slutet: nu accepterar hon.

Det sista mötet mellan Annie och Alvy är en vemodig coda på Manhattans Upper West Side efter att de båda har flyttat till någon ny. Alvys röst återkommer med en summering: kärlek är avgörande, speciellt om den är neurotisk. Annie sjunger " Sems Like Old Times ", och krediterna rullar.

Kasta

Truman Capote , avbildad här 1959, hade en cameo-roll i filmen.

Truman Capote har en cameo. Alvy gör skämt om folk som går förbi. Han säger "Det finns vinnaren av Truman Capote look-alike-tävlingen" när Truman Capote går genom ramen. Flera skådespelare som senare fick en högre profil hade små roller i filmen: John Glover som Annies skådespelare pojkvän, Jerry; Jeff Goldblum som en man som "glömde [sitt] mantra " på Tony Laceys julfest; Beverly D'Angelo som skådespelerska i Robs TV-program; och Sigourney Weaver , i sin filmdebut, i den avslutande sekvensen som Alvys dejt på bio. Laurie Bird dyker också upp, två år innan hennes självmord.

Stil och teknik

Tekniskt sett markerade filmen ett framsteg för regissören. Han valde Gordon Willis som sin filmfotograf - för Allen "en mycket viktig lärare" och en "teknisk trollkarl", och sa: "Jag räknar verkligen Annie Hall som det första steget mot mognad på något sätt i att göra filmer." På den tiden ansågs det vara en "udda parning" av många, Keaton bland dem. Regissören var känd för sina komedier och farser, medan Willis var känd som "mörkrets prins" för sitt arbete med dramatiska filmer som Gudfadern . Trots detta blev de två vänner under inspelningen och fortsatte samarbetet på flera senare filmer, inklusive Zelig , som gav Willis hans första Oscarsnominering för bästa film .

Willis beskrev produktionen av filmen som "relativt lätt". Han sköt i olika stilar; "hett gyllene ljus för Kalifornien , grått mulet för Manhattan och ett fyrtiotals Hollywood glansigt för ... drömsekvenser", varav de flesta klipptes. Det var hans förslag som fick Allen att filma de dubbla terapiscenerna i en uppsättning delad av en vägg istället för den vanliga metoden med delad skärm . Han försökte långa tag, med några bilder, oförkortade, som varade en hel scen, vilket för Ebert bidrar till filmens dramatiska kraft: "Få tittare märker förmodligen hur mycket av Annie Hall som består av människor som pratar, bara pratar. De går och prata, sitta och prata, gå till shrinks, gå på lunch, älska och prata, prata med kameran, eller börja med inspirerade monologer som Annies fria umgänge när hon beskriver sin familj för Alvy. Detta tal av Diane Keaton är som nära till perfekt som ett sådant tal sannolikt kan vara ... allt gjort i en takt av briljant brinksmanship." Han citerar en studie som beräknade den genomsnittliga inspelningslängden för Annie Hall till 14,5 sekunder, medan andra filmer gjorda 1977 hade en genomsnittlig inspelningslängd på 4–7 sekunder. Peter Cowie föreslår att "Allen bryter upp sina utökade bilder med mer ortodox skärning fram och tillbaka i konversationsstycken så att filmens framåtgående fart upprätthålls." Bernd Herzogenrath noterar innovationen i användningen av delad skärm under middagsscenen för att kraftfullt överdriva kontrasten mellan den judiska och den icke-judiska familjen.

Även om filmen inte i grunden är experimentell, undergräver den på flera punkter den narrativa verkligheten. James Bernardoni noterar Allens sätt att öppna filmen genom att vända sig mot kameran, som omedelbart inkräktar på publikens engagemang i filmen. I en scen lyssnar Allens karaktär, i kö för att se en film med Annie, på en man bakom honom leverera felinformerade pontifikationer om betydelsen av Fellinis och Marshall McLuhans arbete. Allen drar själv McLuhan från precis utanför kameran för att personligen rätta till mannens fel. Senare i filmen, när vi ser Annie och Alvy i deras första utökade föredrag, förmedlar "mentala undertexter" till publiken karaktärernas nervösa inre tvivel. En animerad scen – med konstverk baserade på serieserien Inside Woody Allen – skildrar Alvy och Annie i skepnad av den onda drottningen från Snow White . Även om Allen bara använder var och en av dessa tekniker en gång, är den " fjärde väggen " bruten flera andra gånger när karaktärer adresserar kameran direkt. I en stoppar Alvy flera förbipasserande för att ställa frågor om kärlek, och i en annan rycker han på axlarna för att skriva ett lyckligt slut på sin relation med Annie i sin självbiografiska första pjäs som förlåtlig "önskeuppfyllelse". Allen valde att låta Alvy bryta den fjärde väggen , förklarade han, "eftersom jag kände att många av människorna i publiken hade samma känslor och samma problem. Jag ville prata med dem direkt och konfrontera dem."

Produktion

Skrift

Idén till vad som skulle bli Annie Hall utvecklades när Allen gick runt i New York City med medförfattaren Marshall Brickman . Paret diskuterade projektet ofta, ibland blev de frustrerade och avvisade idén. Allen skrev ett första utkast till ett manus inom en fyradagarsperiod och skickade det till Brickman för att göra ändringar. Enligt Brickman fokuserade detta utkast på en man i fyrtioårsåldern, någon vars liv bestod "av flera strängar". En var en relation med en ung kvinna, en annan var en oro för det banala i livet som vi alla lever, och en tredje en besatthet av att bevisa sig själv och testa sig själv för att ta reda på vilken typ av karaktär han hade. Allen själv fyllde fyrtio år 1975, och Brickman menar att "ökning i ålder" och "oro för döden" hade påverkat Allens filosofiska, personliga inställning för att komplettera hans "kommersiella sida". Allen tog det medvetna beslutet att "offra några av skratten för en berättelse om människor". Han insåg att han för första gången hade modet att överge säkerheten med en fullständig bred komedi och hade viljan att producera en film med djupare mening som skulle vara en närande upplevelse för publiken. Han var också influerad av Federico Fellinis komedidrama 8½ (1963), skapat vid en liknande personlig vändpunkt, och på samma sätt färgad av varje regissörs psykoanalys .

Brickman och Allen skickade manuset fram och tillbaka tills de var redo att be United Artists om 4 miljoner dollar. Många element från de tidiga utkasten överlevde inte. Det var ursprungligen ett drama centrerat på ett mordmysterium med en komisk och romantisk underintrig. Enligt Allen skedde mordet efter en scen som finns kvar i filmen, sekvensen där Annie och Alvy missar Ingmar Bergman-filmen Face to Face (1976). Även om de bestämde sig för att släppa mordkomplotten, skapade Allen och Brickman ett mordmysterium många år senare: Manhattan Murder Mystery (1993), även med Diane Keaton i huvudrollen. Utkastet som Allen presenterade för filmens redaktör, Ralph Rosenblum , avslutades med orden "slutar på att bli skjuten".

Allen föreslog Anhedonia , en term för oförmågan att uppleva njutning, som en arbetstitel, och Brickman föreslog alternativ inklusive It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire och Me and My Goy . En reklambyrå, anlitad av United Artists, omfamnade Allens val av ett dunkelt ord genom att föreslå studion ta ut tidningsannonser som såg ut som falska tabloidrubriker som "Anhedonia Strikes Cleveland!". Allen experimenterade dock med flera titlar under fem testvisningar, inklusive Anxiety och Annie and Alvy , innan han bestämde sig för Annie Hall .

Gjutning

Flera referenser i filmen till Allens eget liv har väckt spekulationer om att den är självbiografisk. Både Alvy och Allen var komiker. Hans födelsedag visas på tavlan i en skolscen, och "Alvy" var ett av Allens smeknamn i barndomen; vissa drag av hans barndom finns i Alvy Singers; Allen gick till New York University och det gjorde Alvy också. Diane Keatons riktiga efternamn är "Hall" och "Annie" var hennes smeknamn, och hon och Allen var en gång romantiskt inblandade. Allen är dock snabb med att skingra dessa förslag. "De saker som folk insisterar på är självbiografiska är nästan undantagslöst inte," sa Allen. "Det är så överdrivet att det är praktiskt taget meningslöst för människorna på vilka dessa små nyanser är baserade. Folk fick in i sina huvuden att Annie Hall var självbiografisk, och jag kunde inte övertyga dem om att det inte var det." I motsats till olika intervjuare och kommentatorer, säger han, är Alvy inte den karaktär som står sig själv närmast; han identifierade sig mer med modern (Eve, spelad av Geraldine Page ) i sin nästa film, Interiors . Trots detta har Keaton uppgett att förhållandet mellan Alvy och Annie delvis baserades på hennes förhållande till regissören.

Rollen som Annie Hall skrevs specifikt för Keaton, som hade arbetat med Allen på Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) och Love and Death (1975). Hon ansåg att karaktären var en "vänlig version" av sig själv - båda var "halvartikulerade, drömde om att bli sångerska och led av osäkerhet" - och blev förvånad över att vinna en Oscar för sin prestation. Filmen markerar också det andra filmsamarbetet mellan Allen och Tony Roberts, deras tidigare projekt var Play It Again, Sam .

Federico Fellini var Allens första val att dyka upp i biolobbyscenen eftersom hans filmer var under diskussion, men Allen valde kulturakademikern Marshall McLuhan efter att både Fellini och Luis Buñuel tackat nej till kameon. Vissa skådespelare, hävdar biografen John Baxter, var förolämpade över Allens behandling av dem. Regissören "agerade kallt" mot McLuhan, som var tvungen att återvända från Kanada för ominspelning, och Mordecai Lawner , som spelade Alvys pappa, hävdade att Allen aldrig pratade med honom. Men under produktionen inledde Allen ett tvåårigt förhållande med Stacey Nelkin , som dyker upp i en enda scen.

Filmning, redigering och musik

Woody Allen såg Coney Island Thunderbolt när han spanade efter platser och skrev in den i manuset som Alvys barndomshem.

Huvudfotograferingen började den 19 maj 1976 på South Fork på Long Island med scenen där Alvy och Annie kokar levande hummer; inspelningen fortsatte med jämna mellanrum under de följande tio månaderna och avvek ofta från manuset. Det fanns inget skrivet om Alvys barndomshem som låg under en berg-och dalbana, men när Allen spanade efter platser i Brooklyn med Willis och art director Mel Bourne, "såg han den här berg-och dalbanan och ... såg huset under den. Och jag tänkte, vi måste använda det här." På samma sätt finns det en incident där Alvy sprider en massa kokain med en oavsiktlig nysning: även om det inte fanns med i manuset, kom skämtet från en repetition och stannade kvar i filmen. I publiktestning var detta skratt så ihållande att en mycket längre paus måste läggas till så att följande dialog inte gick förlorad.

Redaktören Ralph Rosenblums första sammansättning av filmen 1976 gjorde Brickman besviken. "Jag kände att filmen sprang iväg åt nio olika riktningar," mindes Brickman. "Det var som ett första utkast till en roman... från vilken två eller tre filmer möjligen kunde sammanställas." Rosenblum karakteriserade det första klippet, på två timmar och tjugo minuter, som "de surrealistiska och abstrakta äventyren av en neurotisk judisk komiker som återupplevde sitt mycket bristfälliga liv och i processen satiriserade mycket av vår kultur... en visuell monolog, en mer sofistikerad och mer filosofisk version av Take the Money and Run ". Brickman fann det "icke-dramatiskt och i slutändan ointressant, en sorts cerebral träning." Han föreslog en mer linjär berättelse.

Nutidsförhållandet mellan Alvy och Annie var inte det narrativa fokuset i detta första klipp, men Allen och Rosenblum kände igen det som den dramatiska ryggraden och började omarbeta filmen "i riktning mot det förhållandet." Rosenblum påminde om att Allen "inte tvekade att trimma bort mycket av de första tjugo minuterna för att etablera Keaton snabbare." Enligt Allen, "Jag satte mig inte ner med Marshall Brickman och sa," Vi ska skriva en bild om ett förhållande. Jag menar att hela konceptet för bilden förändrades när vi klippte den."

Eftersom filmen var budgeterad för två veckors efterproduktionsfotografering, sågs i slutet av 1976 tre separata inspelningar för det sista segmentet, men bara en del av detta material användes. Berättelsen som avslutar filmen, med skämtet om "vi behöver alla äggen", skapades och spelades in bara två timmar före en testvisning.

Krediterna kallar filmen "A Jack Rollins and Charles H. Joffe Production"; de två männen var Allens chefer och fick samma kredit på hans filmer från 1969 till 1993. Men för denna film tog Joffe producentkredit och fick därför Oscar för bästa film . Titelsekvensen har en svart bakgrund med vit text i Windsor Light Condensed , en design som Allen skulle använda på sina efterföljande filmer. Stig Björkman ser en viss likhet med Ingmar Bergmans enkla och konsekventa titeldesign, även om Allen säger att hans eget val är en kostnadsbesparing.

Mycket lite bakgrundsmusik hörs i filmen, en avgång för Allen influerad av Ingmar Bergman. Diane Keaton uppträder två gånger i jazzklubben: "It Had to be You" och "Seems Like Old Times" (den senare repriserar i voiceover på den avslutande scenen). pojkkör "Christmas Medley" som spelas medan karaktärerna kör genom Los Angeles, Molto-allegro från Mozarts Jupiter Symphony (hördes som Annie och Alvy kör genom landsbygden), Tommy Dorseys framförande av "Sleepy Lagoon ", och den anodiska covern till Savoy Brown -låten "A Hard Way to Go" som spelas på en fest i Paul Simons karaktärs herrgård.

Ljudspår

Släpp

Box office och release

Annie Hall visades på filmfestivalen i Los Angeles den 27 mars 1977, innan den officiellt släpptes i USA den 20 april 1977. Filmen tjänade slutligen 38 251 425 dollar (171 miljoner dollar i 2021 dollar) i USA och Kanada mot en Budget på 4 miljoner dollar, vilket gör den till den 11:e mest inkomstbringande bilden 1977. På råa siffror rankas den för närvarande som Allens fjärde mest inkomstbringande film i USA, efter Manhattan, Hannah and Her Sisters och Midnight in Paris ; när det justeras för inflation, gör bruttosiffran det till Allens största biljettkass. Den spelade i över 100 veckor i rad i London och tjänade in över 5,6 miljoner dollar i Storbritannien. Den släpptes först på Blu-ray den 24 januari 2012, tillsammans med Allens film Manhattan (1979). Båda släppen inkluderar filmernas originaltrailrar.

Reception

Kritisk respons

Diane Keaton fick kritikerros och många utmärkelser för sin prestation.

Annie Hall fick ett brett kritikerros när den släpptes, med stort beröm riktat mot filmens manus och Allen och Keatons prestationer.

Tim Radford från The Guardian kallade filmen "Allens mest fokuserade och vågade film hittills". New York Times ' Vincent Canby föredrog Annie Hall framför Allens andra regissörssatsning, Take the Money and Run , eftersom den förra är mer "human" medan den senare är mer en "tecknad film". Flera kritiker har jämfört filmen positivt med Bergmans Scener från ett äktenskap (1973), däribland Joseph McBride i Variety , som fann den Allens "mest tredimensionella film hittills" med en ambition lika med Bergmans bästa även när medskådespelarna blivit den "samtida motsvarigheten till ... Tracy - Hepburn ."

Mer kritiskt kommenterade Peter Cowie att filmen "lider av dess överflöd av kulturella referenser och åsikter ". John Simon skrev för tidningen New York och kallade filmen "olustig komedi, dålig filmskapande och pinsamt självuppenbarelse" och skrev att Keatons prestation var "i dålig smak att titta på och oanständighet att visa", och sa att delen borde ha varit spelad av Robin Mary Paris, skådespelerskan som dyker upp kort i scenen där Alvy Singer har skrivit en tvåkaraktärspjäs naken baserad på honom själv och Annie Hall. Simons recension av Annie Hall "Det är en film så formlös, spretig, repetitiv och planlös att den verkar tigga om glömska. På det här sättet är den framgångsrik."

Filmen har fortsatt att få positiva recensioner. I sin tillbakablick från 2002 Roger Ebert till den på sin lista över stora filmer och kommenterade med förvåning att filmen hade "en omedelbar bekantskap" trots sin ålder, och Slant -författaren Jaime N. Christley fann att one-linersna "fortfarande var i magen efter 35" år". En senare Guardian- kritiker, Peter Bradshaw , utnämnde den till den bästa komedifilmen genom tiderna och kommenterade att "denna underbart roliga, outhärdligt sorgliga film är ett mirakel av komiskt skrivande och inspirerat filmskapande". John Marriott från Radio Times trodde att Annie Hall var filmen där Allen "hittade sin egen unika röst, en röst som ekar över händelser med en blandning av överflöd och introspektion", med hänvisning till den "komiska förtjusningen" som härrörde från det "andliga spelet". av Diane Keaton som den galna oskyldiga från Mellanvästern, och Woody själv som den fumlande New York-neurotikern”. Empire magazine gav filmen fem av fem stjärnor och kallade den en "klassiker". 2017 skrev Claire Dederer, " Annie Hall är den största komiska filmen på 1900-talet [...] eftersom den erkänner den irrepressible nihilism som lurar i centrum för all komedi."

Den japanska filmskaparen Akira Kurosawa citerade Annie Hall som en av sina favoritfilmer.

På recensionsaggregator Rotten Tomatoes har filmen ett betyg på 97 % baserat på 108 recensioner, med ett genomsnittligt betyg på 9,1/10. Sajtens kritiska konsensus lyder: "Fyld med gripande prestationer och förödande humor, Annie Hall representerar ett kvantsprång för Woody Allen och förblir en amerikansk klassiker." Metacritic gav filmen en poäng på 92 av 100 baserat på 20 kritiska recensioner, vilket indikerar "universellt bifall".

Kritisk analys

Kärlek och sexualitet

Woody Allen i New York City 2006

Sociologerna Virginia Rutter och Pepper Schwartz anser att Alvy och Annies förhållande är en stereotyp av könsskillnader i sexualitet. Kärlekens natur är ett återkommande ämne för Allen och motspelaren Tony Roberts beskrev denna film som "berättelsen om alla som blir kära och sedan blir ur kärlek och fortsätter." Alvy letar efter kärlekens syfte genom sin ansträngning att komma över sin depression när hans relation med Annie upphörde. Ibland sållar han igenom sina minnen av förhållandet, vid ett annat tillfälle stoppar han folk på trottoaren, med en kvinna som säger att "det är aldrig något man gör. Det är så människor är. Kärleken bleknar", ett förslag om att det inte var någons fel, de bara växte isär och slutet var oundvikligt. I slutet av filmen accepterar Alvy detta och bestämmer sig för att kärlek i slutändan är "irrationell och galen och absurd", men en livsnödvändighet. Christopher Knight tror att Alvys strävan efter att träffa Annie är köttslig, medan hennes är på en känslomässig ton.

Richard Brody från The New Yorker noterar filmens "Eurocentric art-house self-awareness" och Alvy Singers "psykoanalytiska besatthet av att blotta sina sexuella begär och frustrationer, romantiska katastrofer och neurotiska hämningar".

judisk identitet

Singer identifieras med den stereotypa neurotiske judiska mannen, och skillnaderna mellan Alvy och Annie är ofta relaterade till uppfattningarna och verkligheten av judisk identitet. Vincent Brook noterar att "Alvy äter middag med WASP -y Hall och föreställer sig att de måste se honom som en hasidisk jude , komplett med payot (öronlås) och en stor svart hatt." Robert M. Seltzer och Norman J. Cohen lyfter fram scenen där Annie påpekar att Annies mormor "hatar judar. Hon tror att de bara tjänar pengar, men det är hon. Är hon någonsin, säger jag dig", avslöjar hyckleriet. i hennes mormors stereotypa amerikanska syn på judar genom att argumentera att "ingen stigma är knuten till kärleken till pengar i Amerika". Bernd Herzogenrath anser också att Allens skämt, "Jag skulle vilja men vi behöver äggen", till läkaren i slutet när han föreslår att lägga honom på en mentalanstalt, är en paradox för inte bara den urbana neurotiske judens persona utan även av själva filmen.

Woody Allens persona

Christopher Knight påpekar att Annie Hall är inramad genom Alvys upplevelser. "Allmänt sett kommer det vi vet om Annie och om förhållandet att filtreras genom Alvy, en påträngande berättare som kan stoppa berättelsen och kliva ut ur den för att vädja om publikens tolkande favör." Han menar att eftersom Allens filmer suddar ut huvudpersonen med "tidigare och framtida huvudpersoner såväl som med regissören själv", "gör det skillnad på om vi är mest lyhörda för regissörens eller karaktärens inramning av händelser". Trots berättelsens inramning är "skämtet på Alvy." Emanuel Levy tror att Alvy Singer blev synonymt med allmänhetens uppfattning om Woody Allen i USA. Annie Hall ses som den definitiva Woody Allens film som visar neurotisk humor.

Plats

Upper East Side i New York City

Annie Hall "är lika mycket en kärlekssång för New York City som den är för karaktären", vilket återspeglar Allens tillbedjan av ön Manhattan . Det var ett förhållande han utforskade upprepade gånger, särskilt i filmer som Manhattan (1979) och Hannah and Her Sisters (1986). Annie Halls lägenhet, som fortfarande finns på East 70th Street mellan Lexington Avenue och Park Avenue, är enligt Allens egen bekännelse hans favoritkvarter i staden. Peter Cowie hävdar att filmen visar "en romantiserad vy" av stadsdelen, med kameran "dröjande kvar på Upper East Side [ ... och där] rädslan för brott inte stör dess karaktärer." Däremot presenteras Kalifornien mindre positivt, och David Halle noterar den uppenbara "olyckliga intellektuella jämförelsen" mellan New York City och Los Angeles. Medan Manhattans biografer visar klassiska och utländska filmer, i Los Angeles mindre prestigefyllda priser som Exorcismens hus och Ondskans Messias . Robs demonstration av att lägga till burkskratt till tv visar "mediets cyniska konstgjordhet". New York City fungerar som en symbol för Alvys personlighet ("dyster, klaustrofobisk och socialt kall, men också en intellektuell fristad full av nervös energi") medan Los Angeles är en symbol för frihet för Annie.

Psykoanalys och modernism

Annie Hall har citerats som en film som använder både terapi och analys för komisk effekt. Sam B. Girgus anser Annie Hall vara en berättelse om minne och retrospektion, som "dramatiserar en återvändande via narrativ önskan till det förträngda och omedvetna på ett sätt som liknar psykoanalys". Han hävdar att filmen utgör ett självmedvetet påstående om hur narrativ lust och humor samverkar i filmen för att reformera idéer och uppfattningar och att Allens spridning av freudianska koncept och humor bildar ett "mönster av skepticism mot ytans mening som tvingar fram ytterligare tolkning". Girgus menar att bevis på Sigmund Freuds genomgripande karaktär i filmen demonstreras i början genom en hänvisning till ett skämt i Jokes and Their Relation to the Unconscious, och drar ett annat skämt om en psykiater och patient, som Girgus menar också är symboliskt för dynamiken mellan humor och det omedvetna i filmen. Ytterligare freudianska begrepp tas senare upp i filmen med Annies återkallande av en dröm för sin psykoanalytiker där Frank Sinatra kväver henne med en kudde, vilket anspelar på Freuds tro på drömmar som "visuella representationer av ord eller idéer".

Peter Bailey hävdar i sin bok The Reluctant Film Art of Woody Allen att Alvy uppvisar en "genial förnedring av konst" som innehåller en "betydande tvetydighet", i och med att han i sitt självförakt uppmanar publiken att tro att han är i nivå med dem. Bailey hävdar att Allens anordningar i filmen, inklusive undertexterna som avslöjar Annies och Alvys tankar "förlänger och förstärker Annie Halls häftiga etos av enkelhet och uppfinningsrikedom". Han funderar på att filmen är full av antimimetiska emblem som McLuhans magiska utseende som ger udda humor och att "skillnaden mellan mentala projektioner av verklighet och verklighet" driver filmen. Hans uppfattning är att självreflekterande filmiska anordningar intelligent dramatiserar skillnaden mellan yta och substans, med visuella emblem "oupphörligen destillerar distinktionen mellan den mentalt konstruerade världen och verkligheten".

I sin diskussion om filmens relation till modernismen finner Thomas Schatz att filmen är en olöst "undersökning av processen för mänsklig interaktion och interpersonell kommunikation" och "etablerar omedelbart [en] självreferensiell hållning" som uppmanar åskådaren "att läsa berättelsen" som något annat än en sekventiell utveckling mot någon transcendent sanning”. För honom är Alvy "offer för en tendens till överbestämmande av mening – eller i modernistiska termer "det betecknades tyranni" – och hans engagemang med Annie kan ses som ett försök att etablera en spontan, intellektuellt obehindrad relation, ett försök som är dömt att misslyckas."

Utmärkelser och utmärkelser

Oscarsgalan
1. Bästa film , Charles H. Joffe
2. Bästa regissör , Woody Allen
3. Bästa kvinnliga huvudroll , Diane Keaton
4. Bästa originalmanus , Woody Allen och Marshall Brickman
Golden Globe Awards
1. Bästa kvinnliga film Musikal eller komedi , Diane Keaton
BAFTA Awards
1. Bästa film
2. Bästa regi , Woody Allen
3. Bästa skådespelerska , Diane Keaton
4. Bästa klippning , Ralph Rosenblum och Wendy Greene Bricmont
5. Bästa manus , Woody Allen och Marshall Brickman

Annie Hall vann fyra Oscars vid den 50:e Oscarsgalan den 3 april 1978 och nominerades till fem (the Big Five ) totalt. Producenten Charles H. Joffe fick statyn för bästa film, Allen för bästa regi och, tillsammans med Brickman, för bästa originalmanus och Keaton för bästa kvinnliga huvudroll . Allen nominerades också för bästa manliga huvudroll. Många hade förväntat sig att Star Wars skulle vinna de stora utmärkelserna, inklusive Brickman och exekutiv producent Robert Greenhut .

Filmen hedrades också fem gånger vid BAFTA-utmärkelsen. Tillsammans med topppriset för bästa film och priset för filmredigering vann Keaton för bästa skådespelerska , Allen vann för bästa regi och bästa originalmanus tillsammans med Brickman. Filmen fick bara ett Golden Globe- pris, för bästa kvinnliga skådespelerska i en musikal eller komedi (Diane Keaton), trots nomineringar för tre andra priser: bästa film (musikal eller komedi), bästa regissör och bästa skådespelare i en musikal eller Komedi (Woody Allen).

1992 valde USA:s Library of Congress filmen för bevarande i dess National Film Registry som inkluderar "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefulla" filmer. Filmen nämns ofta bland de största komedierna genom tiderna. American Film Institute listar den som nummer 31 i amerikansk filmhistoria. År 2000 utsåg de den till den näst största romantiska komedin i amerikansk film. Keatons framträdande av "Seems Like Old Times" rankades på 90:e plats på deras lista över de bästa låtarna som ingår i en film, och hennes linje "La-dee-da, la-dee-da." utsågs till det 55:e bästa filmcitatet. Manuset utsågs till det sjätte största manuset av Writers Guild of America, West medan IGN utsåg det till den sjunde största komedifilmen genom tiderna. År 2000 röstade läsarna av Total Film fram den som den fyrtioandra största komedifilmen genom tiderna, och den sjunde största romantiska komedifilmen genom tiderna. Flera listor som rankar Allens bästa filmer har placerat Annie Hall bland hans största verk.

I juni 2008 avslöjade AFI sina 10 topp 10 – de tio bästa filmerna i tio klassiska amerikanska filmgenrer – efter att ha röstat över 1 500 personer från det kreativa samhället och Annie Hall placerades tvåa i genren för romantisk komedi. AFI rankade också Annie Hall på flera andra listor. I november 2008 röstades Annie Hall in som nummer 68 på Empire magazines lista över The 500 Greatest Movies of All Time . Den är också rankad som nummer 2 på Rotten Tomatoes 25 bästa romantiska komedier, näst efter The Philadelphia Story . 2012 listades filmen som den 127:e bästa filmen genom tiderna av Sight & Sounds kritikerundersökning. Filmen utsågs också till den 132:a bästa filmen av Sight & Sound- regissörernas omröstning. I oktober 2013 röstades filmen fram av Guardians läsare som den näst bästa filmen regisserad av Woody Allen. I november 2015 utsågs filmen till det roligaste manuset av Writers Guild of America i sin lista över 101 roligaste manus .

American Film Institute erkännande

Filmen är erkänd av American Film Institute i dessa listor:

1992 – National Film Registry .

År 2006 rankade tidningen Premiere Keaton i Annie Hall som 60:e på sin lista över de "100 största föreställningarna genom tiderna", och noterade:

Det är svårt att spela ditzy. ... Det geniala med Annie är att hon trots sin slingriga backhand, hemska körning och nervösa tics också är en komplicerad, intelligent kvinna. Keaton visar på ett briljant sätt denna dikotomi av sin karaktär, speciellt när hon drar iväg på en första dejt med Alvy (Woody Allen), medan undertexten lyder: "Han tror förmodligen att jag är en jojo." Jojo? Knappast.

Arv och inflytande

Diane Keatons klädstil som Annie Hall; ett inflytande på modevärlden under slutet av 1970-talet

Även om filmen fick kritik och flera utmärkelser, var Allen själv besviken på den och sa i en intervju, "När Annie Hall började, var det inte meningen att den filmen skulle vara vad jag slutade med. Filmen var tänkt att vara det som händer i en killes sinne ... Ingen förstod vad som hände. Relationen mellan mig själv och Diane Keaton var allt någon brydde sig om. Det var inte det jag brydde mig om ... Till slut var jag tvungen att reducera filmen till bara jag och Diane Keaton, och det förhållandet, så jag blev ganska besviken på den filmen”. Allen har upprepade gånger avböjt att göra en uppföljare, och i en intervju 1992 uttalade han att " Sequelism har blivit en irriterande sak. Jag tycker inte att Francis Coppola borde ha gjort Godfather III eftersom Godfather II var ganska bra. När de gör en uppföljare är det bara en törst efter mer pengar, så jag gillar inte den idén så mycket”.

Diane Keaton har uttalat att Annie Hall var hennes favoritroll och att filmen betydde allt för henne. På frågan om att vara mest förknippad med rollen berörde henne som skådespelerska, svarade hon: "Jag är inte hemsökt av Annie Hall. Jag är glad över att vara Annie Hall. Om någon vill se mig på det sättet, är det bra för mig. ". Kostymdesignern Ruth Morley , i samarbete med Keaton, skapade en look som hade ett inflytande på modevärlden under slutet av 70-talet, där kvinnor anammade stilen: överdimensionerade lager, manliga kavajer över västar, böljande byxor eller långa kjolar, en mans slips, och stövlar. Utseendet kallades ofta " Annie Hall- looken". Vissa källor tyder på att Keaton själv var huvudansvarig för utseendet, och Ralph Lauren har ofta gjort anspråk på kredit, men bara en jacka och en slips köptes från Ralph Lauren för användning i filmen. Allen kom ihåg att Lauren och Keatons klädstil nästan inte hamnade i filmen. "Hon kom in", mindes han 1992, "och kostymdamen på Annie Hall sa: "Säg till henne att inte ha det på sig. Hon kan inte bära det. Det är så galet." Och jag sa, "Lämna henne. Hon är ett geni. Låt oss bara lämna henne ifred, låt henne ha på sig vad hon vill . "

Filmens manus toppade Writers Guild of Americas lista över 101 roligaste manus någonsin och överträffade Some Like it Hot (1959), Groundhog Day (1993), Airplane! (1980) och Tootsie (1982). James Bernardoni konstaterar att filmen är "en av de mycket få romantiska komedidramerna från New Hollywood-eran och en som med rätta har tagit sin plats bland klassikerna i den omvända genren", och liknar den seriokomiska meditationen om parrelationen med George Cukor . s Adam's Rib (1949), med Katharine Hepburn och Spencer Tracy i huvudrollerna . Sedan lanseringen har andra romantiska komedier inspirerat till jämförelser. When Harry Met Sally... (1989), Chasing Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) och Allens film från 2003, Anything Else , är bland dem, medan filmregissören Rian Johnson sa i en intervju för boken, The Film That Changed My Life , att Annie Hall inspirerade honom att bli filmregissör. Karen Gillan uppgav att hon såg Annie Hall som en del av sin forskning för sin huvudroll i Not Another Happy Ending . 2018 Matt Starr och Ellie Sachs en kortfilmsremake med seniorer i huvudrollen.

Notera

Bibliografi

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Annie_Hall&oldid=1134831260 "