Borta med vinden (film)

Gone with the Wind
A film poster showing a man and a woman in a passionate embrace.
Teaterreleaseaffisch
Regisserad av Victor Fleming
Manus av Sidney Howard
Baserat på
Borta med vinden av Margaret Mitchell
Producerad av David O. Selznick
Medverkande
Filmkonst Ernest Haller
Redigerad av
Musik av Max Steiner

Produktionsbolag _
Levererad av Loew's Inc.
Utgivningsdatum
  • 15 december 1939 ( 1939-12-15 ) ( premiär i Atlanta )
Körtid
Land Förenta staterna
Språk engelsk
Budget 3,85 miljoner dollar
Biljettkassan >390 miljoner dollar

Gone with the Wind är en amerikansk episk historisk romansfilm från 1939 anpassad efter 1936 års roman av Margaret Mitchell . Filmen producerades av David O. Selznick från Selznick International Pictures och regisserades av Victor Fleming . Filmen utspelar sig i den amerikanska södern mot bakgrund av det amerikanska inbördeskriget och återuppbyggnadseran , och berättar historien om Scarlett O'Hara ( Vivien Leigh ), den viljestarka dottern till en plantageägare i Georgia, efter hennes romantiska jakt på Ashley Wilkes ( Leslie Howard ), som är gift med sin kusin, Melanie Hamilton ( Olivia de Havilland ), och hennes efterföljande äktenskap med Rhett Butler ( Clark Gable ).

Filmen hade en orolig produktion. Starten av inspelningen försenades i två år till januari 1939 på grund av Selznicks beslutsamhet att säkra Gable för rollen som Rhett. Rollen som Scarlett var svår att kasta, och 1 400 okända kvinnor intervjuades för rollen. Originalmanuset av Sidney Howard genomgick många revideringar av flera författare för att reducera det till en lämplig längd. Den ursprungliga regissören, George Cukor , fick sparken kort efter att inspelningen började, och ersattes av Fleming, som i sin tur kortvarigt ersattes av Sam Wood samtidigt som han tog lite ledigt på grund av utmattning. Efterproduktionen avslutades i november 1939, bara en månad innan den släpptes.

Den fick allmänt positiva recensioner när den släpptes i december 1939. Rollbesättningen fick mycket beröm, men dess långa speltid fick kritik. Vid den 12:e Oscarsgalan fick den tio Oscarsutmärkelser (åtta konkurrenskraftiga, två hedersutmärkelser) av tretton nomineringar, inklusive vinster för bästa film , bästa regi (Fleming), bästa anpassade manus (postumt tilldelad Sidney Howard), bästa skådespelerska (Leigh) , och bästa kvinnliga biroll ( Hattie McDaniel , som blev den första afroamerikanen att vinna en Oscar). Det satte rekord för det totala antalet vinster och nomineringar vid den tiden.

Gone with the Wind var omåttligt populär när den släpptes först. Den blev den mest intjänade filmen som gjorts fram till dess och hade rekordet i över ett kvarts sekel. Justerat för monetär inflation är det fortfarande den mest inkomstbringande filmen i historien . Den återutgavs med jämna mellanrum under hela 1900-talet och blev rotad i populärkulturen. Även om filmen har kritiserats som historisk negationism , förhärligande av slaveri och myten om The Lost Cause of the Confederacy , har den krediterats för att ha utlöst förändringar i sättet som afroamerikaner avbildades på filmiskt. Filmen anses vara en av de största filmerna genom tiderna , och 1989 blev den en av de tjugofem invigningsfilmerna som valts ut för bevarande i United States National Film Registry .

Komplott

Scarlett och Rhett på välgörenhetsdansen

År 1861, på tröskeln till det amerikanska inbördeskriget, bor Scarlett O'Hara i Tara , hennes familjs bomullsplantage i Georgia, med sina föräldrar, två systrar och deras många svarta slavar. Scarlett är djupt attraherad av Ashley Wilkes och får reda på att han ska vara gift med sin kusin Melanie Hamilton . På en förlovningsfest nästa dag i Ashleys hem, Twelve Oaks , en närliggande plantage, gör Scarlett ett framsteg mot Ashley men får avslag; dock fångar hon uppmärksamheten av en annan gäst, Rhett Butler . Partiet störs av nyheterna om president Lincolns uppmaning till frivilliga att bekämpa södern, och männen från söder skyndar sig att ta värvning. Scarlett gifter sig med Melanies yngre bror Charles för att väcka svartsjuka hos Ashley innan han ger sig av för att slåss. Efter Charles död medan han tjänstgjorde i den konfedererade staternas armé , skickar Scarletts mamma henne till Hamiltons hem i Atlanta. Hon skapar en scen genom att gå på en välgörenhetsbasar i sorgdräkt och valsa med Rhett, nu blockadlöpare för konfederationen .

Krigets ström vänder sig mot konfederationen efter slaget vid Gettysburg . Många av männen i Scarletts stad dödas. Åtta månader senare, när unionsarmén belägrar staden i kampanjen i Atlanta , föder Melanie barn med Scarletts hjälp, och Rhett hjälper dem att fly från staden. Rhett väljer att gå iväg för att slåss och lämnar Scarlett för att ta sig tillbaka till Tara på egen hand. Hon finner Tara övergiven, förutom hennes far, systrar och tidigare slavar, Mammy och Pork. Scarlett får reda på att hennes mamma precis har dött av tyfoidfeber och hennes pappa har tappat förståndet. Med Tara plundrad av unionens trupper och fälten ovårdade, lovar Scarlett att säkerställa hennes och hennes familjs överlevnad.

Medan O'Haras sliter på bomullsfälten försöker Scarletts far jaga bort en mattbaggare från sitt land men kastas från sin häst och dödas. Med konfederationens nederlag återvänder Ashley också men finner att han inte är till någon hjälp för Tara. När Scarlett ber honom att fly med henne, erkänner han sin önskan efter henne och kysser henne passionerat men säger att han inte kan lämna Melanie. kan inte betala de återuppbyggnadsskatter som ålagts Tara och lurar sin yngre syster Suellens fästman, den medelålders och förmögna butiksägaren Frank Kennedy, till att gifta sig med henne genom att säga att Suellen tröttnade på att vänta och gifte sig med en annan friare. Frank, Ashley, Rhett och flera andra medbrottslingar gör en natträd på en kåkstad efter att Scarlett blivit attackerad när hon kört igenom den ensam, vilket resulterar i Franks död. Kort efter Franks begravning friar Rhett till Scarlett, och hon accepterar.

Rhett och Scarlett har en dotter som Rhett döper till Bonnie Blue, men Scarlett längtar fortfarande efter Ashley och, bedrövad över den upplevda ruinen av hennes figur, vägrar hon att skaffa fler barn eller dela säng med Rhett. En dag på Franks bruk ser Ashleys syster, Indien, Scarlett och Ashley omfamnas. Indien hyser en intensiv motvilja mot Scarlett och sprider ivrigt rykten. Senare på kvällen tvingar Rhett, efter att ha hört ryktena, Scarlett att delta i en födelsedagsfest för Ashley. Melanie står dock vid Scarlett. Efter att ha återvänt hem finner Scarlett Rhett på nedervåningen full och de bråkar om Ashley. Rhett kysser Scarlett mot hennes vilja och säger att han har för avsikt att ha sex med henne den natten, och bär den kämpande Scarlett till sovrummet.

Dagen efter ber Rhett om ursäkt för sitt beteende och erbjuder Scarlett en skilsmässa, vilket hon avvisar och säger att det skulle vara en skam. När Rhett återvänder från en längre resa till London, England, informerar Scarlett honom att hon är gravid, men ett bråk uppstår, vilket resulterar i att hon ramlar nerför en trappa och drabbas av ett missfall . Under återhämtning slår tragedin till igen; Bonnie dör när hon försöker hoppa över ett staket med sin ponny. Scarlett och Rhett besöker Melanie, som har drabbats av komplikationer av en ny graviditet, på hennes dödsbädd. När Scarlett tröstar Ashley förbereder sig Rhett för att lämna Atlanta. Efter att ha insett att det var honom, och inte Ashley, hon verkligen älskade hela tiden, vädjar Scarlett till Rhett att stanna, men han avvisar henne och går bort i morgondimman. En upprörd Scarlett bestämmer sig för att återvända hem till Tara och lovar att en dag vinna tillbaka Rhett.

Kasta

Tara plantage
På Twelve Oaks
I Atlanta
Mindre biroller

Produktion

Innan romanen publicerades avböjde flera Hollywood-chefer och studior att skapa en film baserad på den, inklusive Louis B. Mayer och Irving Thalberg på Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman på RKO Pictures och David O. Selznick från Selznick International Pictures . Jack L. Warner från Warner Bros gillade historien, men hans största stjärna Bette Davis var inte intresserad, och Darryl Zanuck från 20th Century-Fox hade inte erbjudit tillräckligt med pengar. Selznick ändrade sig dock efter att hans berättelseredaktör Kay Brown och affärspartnern John Hay Whitney uppmanade honom att köpa filmrättigheterna. I juli 1936 – en månad efter att den publicerades – köpte Selznick rättigheterna för 50 000 dollar.

Gjutning

Publicitetsfoto av Clark Gable och Vivien Leigh som Rhett och Scarlett

Besättningen av de två huvudrollerna blev en komplex tvåårig strävan. För rollen som Rhett Butler ville Selznick från början ha Clark Gable , men Gable var under kontrakt till MGM, som aldrig lånade ut honom till andra studior. Gary Cooper övervägdes, men Samuel Goldwyn – som Cooper hade kontrakt med – vägrade låna ut honom. Warner erbjöd ett paket med Bette Davis, Errol Flynn och Olivia de Havilland för huvudroller i utbyte mot distributionsrättigheterna. Vid det här laget var Selznick fast besluten att skaffa Gable och i augusti 1938 slöt han så småningom ett avtal med sin svärfar, MGM-chefen Louis B. Mayer: MGM skulle ge Gable och 1 250 000 dollar för hälften av filmens budget, och i gengäld , Selznick skulle behöva betala Gables veckolön; hälften av vinsten skulle gå till MGM medan Loew's, Inc – MGM:s moderbolag – skulle släppa filmen.

Arrangemanget att släppa genom MGM innebar att produktionsstarten försenades till slutet av 1938, då Selznicks distributionsavtal med United Artists avslutades. Selznick använde förseningen för att fortsätta att revidera manuset och, ännu viktigare, skapa publicitet för filmen genom att söka efter rollen som Scarlett . Selznick började ett rikstäckande castingsamtal som intervjuade 1 400 okända. Insatsen kostade 100 000 $ och visade sig vara värdelös för huvudmålet att rollbesätta rollen, men skapade "ovärderlig" publicitet. Tidiga föregångare inkluderade Miriam Hopkins och Tallulah Bankhead , som ansågs vara möjligheter av Selznick innan köpet av filmrättigheterna; Joan Crawford , som värvades till MGM, ansågs också vara ett potentiellt par med Gable. Efter en överenskommelse med MGM höll Selznick diskussioner med Norma Shearer – som var MGM:s främsta kvinnliga stjärna på den tiden – men hon drog sig ur övervägande. Katharine Hepburn lobbad hårt för rollen med stöd av sin vän, George Cukor, som hade anställts för att regissera, men hon fick sitt veto av Selznick som ansåg att hon inte var rätt för rollen.

Många kända – eller snart-berömda – skådespelerskor övervägdes, men bara trettioen kvinnor testades faktiskt för Scarlett, inklusive Ardis Ankerson , Jean Arthur , Tallulah Bankhead , Diana Barrymore , Joan Bennett , Nancy Coleman , Frances Dee , Ellen Drew (som Terry Ray), Paulette Goddard , Susan Hayward (under hennes riktiga namn Edythe Marrenner), Vivien Leigh , Anita Louise , Haila Stoddard , Margaret Tallichet , Lana Turner och Linda Watkins . Även om Margaret Mitchell vägrade att offentligt nämna sitt val, var skådespelerskan som kom närmast att vinna sitt godkännande Miriam Hopkins, som Mitchell ansåg var precis rätt typ av skådespelerska för att spela Scarlett enligt boken. Hopkins var dock i mitten av trettiotalet vid den tiden och ansågs för gammal för rollen. Fyra skådespelerskor, inklusive Jean Arthur och Joan Bennett, var fortfarande under övervägande i december 1938; dock testades endast två finalister, Paulette Goddard och Vivien Leigh, i Technicolor , båda den 20 december. Goddard vann nästan rollen, men kontroverser över hennes äktenskap med Charlie Chaplin fick Selznick att ändra sig.

Selznick hade tyst övervägt Vivien Leigh, en ung engelsk skådespelerska som fortfarande var föga känd i Amerika, för rollen som Scarlett sedan februari 1938 när Selznick såg henne i Fire Over England och A Yank at Oxford . Leighs amerikanska agent var London-representanten för Myron Selznick (ledd av David Selznicks bror, en av ägarna till Selznick International), och hon hade i februari begärt att hennes namn skulle lämnas in för övervägande som Scarlett. Sommaren 1938 förhandlade Selznicks med Alexander Korda, som Leigh var under kontrakt, för hennes tjänster senare samma år. Selznicks bror ordnade så att de träffades för första gången natten till den 10 december 1938, när bränningen av Atlanta filmades. I ett brev till sin fru två dagar senare erkände Selznick att Leigh var "den mörka hästen från Scarlett", och efter en rad skärmtester tillkännagavs hennes rollbesättning den 13 januari 1939. Strax före inspelningen av filmen informerade Selznick om tidningskrönikören Ed Sullivan : "Scarlett O'Haras föräldrar var franska och irländska. Samma sak är Miss Leighs föräldrar franska och irländska."

En brådskande fråga för Selznick under hela rollbesättningen var Hollywoods ihållande misslyckande med att korrekt skildra sydstatliga accenter . Studion trodde att om accenten inte var korrekt avbildad kunde det visa sig vara skadligt för filmens framgång. Selznick anlitade Susan Myrick (en expert på södra tal, seder och seder som Mitchell rekommenderade honom) och Will A. Price för att coacha skådespelarna när det gäller att tala med en södra drawl . Mitchell var beröm om skådespelarnas vokala arbete, och noterade bristen på kritik när filmen kom ut.

Manus

Om den ursprungliga manusförfattaren, Sidney Howard , skriver filmhistorikern Joanne Yeck, "att reducera krångligheterna i Gone with the Winds episka dimensioner var en häftig uppgift ... och Howards första inlämning var alldeles för lång och skulle ha krävt åtminstone sex timmar film; ... [producenten] Selznick ville att Howard skulle vara kvar på inspelningsplatsen för att göra revideringar ... men Howard vägrade att lämna New England [och] som ett resultat hanterades revisioner av en mängd lokala författare". Selznick avfärdade regissören George Cukor tre veckor efter inspelningen och sökte upp Victor Fleming, som regisserade Trollkarlen från Oz vid den tiden. Fleming var missnöjd med manuset, så Selznick tog in manusförfattaren Ben Hecht för att skriva om hela manuset inom fem dagar. Hecht återvände till Howards ursprungliga utkast och hade i slutet av veckan lyckats revidera hela första halvan av manuset. Selznick åtog sig att skriva om den andra halvan själv men hamnade efter schemat, så Howard återvände till att arbeta med manuset i en vecka och omarbetade flera nyckelscener i del två.

David O. Selznick 1940

"När filmen släpptes 1939 var det en fråga om vem som skulle få filmkredit", skriver Yeck. "Men trots antalet författare och ändringar var det slutliga manuset anmärkningsvärt nära Howards version. Det faktum att enbart Howards namn förekommer på krediterna kan ha varit lika mycket en gest för hans minne som för hans författarskap, för Sidney Howard 1939 dog vid 48 års ålder i en olycka med en lantbrukstraktor och före filmens premiär." Selznick, i ett memo skrivet i oktober 1939, diskuterade filmens författarskap: "[Du kan uppriktigt säga att av den jämförelsevis lilla mängden material i bilden som inte är från boken, det mesta är mitt eget personligen, och endast originalrader av dialog som inte är mina egna är några från Sidney Howard och några från Ben Hecht och ett par till från John Van Druten . Direkt tvivlar jag på att det finns tio originalord av [Oliver] Garretts i hela manuset. När det gäller konstruktion är detta ungefär åttio procent mitt eget, och resten fördelat på Jo Swerling och Sidney Howard, där Hecht har bidragit väsentligt till konstruktionen av en sekvens."

Enligt Hechts biograf William MacAdams, "I gryningen söndagen den 20 februari 1939 skakade David Selznick ... och regissören Victor Fleming Hecht upp för att informera honom om att han var utlånad från MGM och måste följa med dem omedelbart och gå till jobbet på Gone with the Wind , som Selznick hade börjat spela in fem veckor innan. Det kostade Selznick 50 000 dollar varje dag filmen låg i väntan på en sista manusomskrivning och tiden var avgörande. Hecht var mitt uppe i arbetet med filmen Kl . Circus for the Marx Brothers . När han minns avsnittet i ett brev till manusförfattarvännen Gene Fowler sa han att han inte hade läst romanen men Selznick och regissören Fleming kunde inte vänta på att han skulle läsa den. De spelade scener baserade på Sidney Howards original manus som behövde skrivas om i en hast. Hecht skrev: "Efter att varje scen hade framförts och diskuterats satte jag mig vid skrivmaskinen och skrev ut den. Selznick och Fleming, ivriga att fortsätta med sitt skådespeleri, fortsatte att skynda på mig. Vi arbetade på det här sättet i sju dagar och lade ner arton till tjugo timmar om dagen. Selznick vägrade låta oss äta lunch, med argumentet att maten skulle sakta ner oss. Han tillhandahöll bananer och saltade jordnötter ... alltså på den sjunde dagen hade jag fullbordat, oskadd, de första nio rullarna i inbördeskrigets epos."

MacAdams skriver, "Det är omöjligt att avgöra exakt hur mycket Hecht skrev manus ... I de officiella krediterna som lämnats in till Screen Writers Guild , tilldelades Sidney Howard naturligtvis den enda screenkrediten, men fyra andra författare bifogades ... Jo Swerling för att ha bidragit till behandlingen, Oliver HP Garrett och Barbara Keon till manuskonstruktion och Hecht till dialog ..."

Filma

"Brännandet" av Atlanta från 1961 års återutgivning av filmtrailern

Huvudfotograferingen började den 26 januari 1939 och slutade den 1 juli, med postproduktionsarbetet som fortsatte till den 11 november 1939. Regissören George Cukor , som Selznick hade ett långt samarbete med och som hade tillbringat nästan två år i förproduktion på Borta med vinden , ersattes efter mindre än tre veckors fotografering. Selznick och Cukor hade redan varit oense om inspelningstakten och manuset, men andra förklaringar satte Cukors avgång till Gables obehag att arbeta med honom. Emanuel Levy , Cukors biograf, hävdade att Gable hade arbetat på Hollywoods gaykrets som en hustler och att Cukor kände till hans förflutna, så Gable använde sitt inflytande för att få honom utskriven. Vivien Leigh och Olivia de Havilland fick reda på Cukors skjutning samma dag som Atlanta basarscenen filmades, och paret gick till Selznicks kontor i full kostym och bad honom att ändra sig. Victor Fleming , som regisserade Trollkarlen från Oz , kallades in från MGM för att slutföra filmen, även om Cukor privat fortsatte att coacha Leigh och De Havilland. En annan MGM-regissör, ​​Sam Wood , arbetade i två veckor i maj när Fleming tillfälligt lämnade produktionen på grund av utmattning. Även om några av Cukors scener senare togs om, uppskattade Selznick att "tre solida rullar" av hans arbete återstod i den sista klippet. När den huvudsakliga fotograferingen var slut hade Cukor åtagit sig arton dagars filmning, Fleming 93 och Wood tjugofyra.

Filmfotografen Lee Garmes började produktionen, men den 11 mars 1939 - efter en månad av filminspelningar som Selznick och hans medarbetare ansåg som "för mörka" - ersattes med Ernest Haller , som arbetade med Technicolor-filmen Ray Rennahan . Garmes avslutade den första tredjedelen av filmen – mest allt innan Melanie fick barnet – men fick ingen kredit.

Det mesta av inspelningen gjordes på " bakre fyrtio " av Selznick International med alla platsscener som fotograferades i Kalifornien, mestadels i Los Angeles County eller angränsande Ventura County . Tara, det fiktiva södra plantagehuset, existerade bara som en fasad av plywood och papier-maché byggd på Selznick-studiotomten. För att bränna Atlanta byggdes nya falska fasader framför Selznick-backlotens många gamla övergivna set, och Selznick själv skötte kontrollerna för sprängämnena som brände ner dem. Källor vid den tiden satte de beräknade produktionskostnaderna till 3,85 miljoner dollar, vilket gör den till den näst dyraste filmen som gjorts fram till dess, med bara Ben-Hur (1925) som har kostat mer.

Även om legenden kvarstår att Hays Office bötfällde Selznick med 5 000 USD för att ha använt ordet "fan" i Butlers utgångslinje, antog Motion Picture Associations styrelse en ändring av produktionskoden den 1 november 1939, som förbjöd användningen av orden "helvete". " eller "fan" utom när deras användning "ska vara väsentlig och nödvändig för att skildra, i korrekt historisk kontext, av någon scen eller dialog baserad på historiska fakta eller folklore ... eller ett citat från ett litterärt verk, förutsatt att ingen sådan användning ska tillåtas som i sig är stötande eller kränker god smak." Med den ändringen Production Code Administration inga ytterligare invändningar mot Rhetts avslutande linje.

musik

"Tara's Theme" från filmtrailern

För att komponera partituren valde Selznick Max Steiner , som han hade arbetat med på RKO Pictures i början av 1930-talet. Warner Bros. – som hade kontrakterat Steiner 1936 – gick med på att låna ut honom till Selznick. Steiner ägnade tolv veckor åt att arbeta med noten, den längsta tid han någonsin ägnat åt att skriva ett, och med två timmar och trettiosex minuter var det också den längsta han någonsin skrivit. Fem orkestratorer anställdes: Hugo Friedhofer , Maurice de Packh, Bernhard Kaun , Adolph Deutsch och Reginald Bassett.

Partituret kännetecknas av två kärleksteman, ett för Ashleys och Melanies söta kärlek och ett annat som framkallar Scarletts passion för Ashley, även om det inte finns något kärlekstema för Scarlett och Rhett. Steiner drog mycket på folkmusik och patriotisk musik, som inkluderade Stephen Foster- låtar som "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", " Beautiful Dreamer ", " Old Folks at Home" och "Katie Belle", som låg till grund för Scarletts tema; andra låtar som är framträdande är: "Marching through Georgia" av Henry Clay Work , " Dixie ", " Garryowen " och " The Bonnie Blue Flag ". Det tema som är mest förknippat med filmen idag är melodin som ackompanjerar Tara, O'Hara-plantagen; i början av 1940-talet utgjorde "Tara's Theme" den musikaliska basen för låten "My Own True Love" av Mack David . Sammanlagt finns det nittionio separata musikstycken med i partituret.

På grund av pressen att slutföra i tid fick Steiner hjälp med att komponera av Friedhofer, Deutsch och Heinz Roemheld , och dessutom togs två korta signaler – av Franz Waxman och William Axt – från partitur i MGM-biblioteket.

Släpp

Förhandsvisning, premiär och första release

Den 9 september 1939 körde Selznick, hans fru Irene , investeraren John "Jock" Whitney och filmredaktören Hal Kern ut till Riverside, Kalifornien för att förhandsgranska filmen på Fox Theatre . Filmen var fortfarande en grov klippning i detta skede, saknade färdiga titlar och saknade speciella optiska effekter. Den pågick i fyra timmar och tjugofem minuter; den skars senare ned till under fyra timmar för att den ska släppas på rätt sätt. En dubbel räkning av Hawaiian Nights och Beau Geste spelade, men efter det första inslaget tillkännagavs att istället för den andra räkningen skulle teatern visa en förhandsvisning av en icke namngiven kommande film; publiken informerades om att de kunde lämna men inte skulle återinsläppas när filmen väl hade börjat, och inte heller skulle telefonsamtal tillåtas när teatern hade förseglats. När titeln dök upp på filmduken jublade publiken och efter att den var slut fick filmen stående ovationer. I sin biografi om Selznick David Thomson att publikens svar innan filmen ens hade börjat "var det största ögonblicket i [Selznicks] liv, den största segern och förlösningen av alla hans misslyckanden", med Selznick som beskrev förhandsgranskningskorten som "förmodligen den mest fantastiska någon bild någonsin har haft". När Selznick tillfrågades av pressen i början av september hur han kände för filmen sa han: "Vid middagstid tycker jag att den är gudomlig, vid midnatt tycker jag att den är usel. Ibland tycker jag att det är den bästa bilden som någonsin gjorts. Men om det bara är en bra bild, jag kommer fortfarande att vara nöjd".

Premiären av filmen på Loew's Grand, Atlanta

Ungefär 300 000 människor kom ut i Atlanta för filmens premiär på Loew's Grand Theatre den 15 december 1939. Det var klimaxen av tre dagars festligheter med borgmästare William B. Hartsfield som värd , som inkluderade en parad av limousiner med stjärnor från filmen , mottagningar, tusentals konfedererade flaggor och en kostymbal. Eurith D. Rivers , guvernören i Georgia, förklarade den 15 december som en statlig helgdag. Uppskattningsvis 300 000 Atlanta-invånare och besökare kantar gatorna i sju miles för att se processionen av limousiner som förde stjärnor från flygplatsen. andra världskrigets utbrott, och Fleming hade hamnat i konflikt med Selznick och tackat nej till någon av premiärerna. Hattie McDaniel var också frånvarande, eftersom hon och de andra svarta skådespelarna hindrades från att närvara vid premiären på grund av Georgias Jim Crow- lagar, som hindrade dem från att sitta med sina vita kollegor. När Clark Gable fick veta att McDaniel hade stängts av från premiären, hotade Clark Gable att bojkotta evenemanget, men McDaniel övertalade honom att delta. President Jimmy Carter erinrade sig senare om det som "den största händelsen som hänt i söder under min livstid". Premiärer i New York och Los Angeles följde, den sistnämnda deltog av några av skådespelerskorna som hade ansetts för rollen som Scarlett, bland dem Paulette Goddard, Norma Shearer och Joan Crawford.

Från december 1939 till juli 1940 spelade filmen endast roadshow- engagemang i förskott på ett begränsat antal biografer till priser uppemot 1 dollar – mer än dubbelt så mycket som ett vanligt förstaspel – med MGM som samlade in oöverträffade 70 procent av kassakvitton, till skillnad från de typiska 30–35 procenten av perioden. Efter att ha nått mättnad som en roadshow, reviderade MGM sina villkor till en 50-procentig sänkning och halverade priserna, innan den slutligen gick in i allmän release 1941 till "populära" priser. Inklusive distributions- och reklamkostnader var de totala utgifterna för filmen så höga som 7 miljoner dollar.

Senare släpp

Poster shows Rhett Butler carrying Scarlett O'Hara against a backdrop of the Burning of Atlanta
1967 återutgivningsaffisch

1942 likviderade Selznick sitt företag av skatteskäl och sålde sin andel i Gone with the Wind till sin affärspartner, John Whitney, för 500 000 dollar. I sin tur sålde Whitney den vidare till MGM för 2,8 miljoner dollar, så att studion ägde filmen direkt. MGM släppte omedelbart filmen på nytt våren 1942 och igen 1947 och 1954. 1954 års återutgivning var första gången filmen visades i widescreen, vilket kompromissade med det ursprungliga Academy-förhållandet och beskär toppen och botten till ett bildförhållande på 1,75:1. På så sätt omramades ett antal bilder optiskt och klipptes in i tre-remskameranegativen, vilket för alltid förändrade fem bilder i filmen.

En utgivning av filmen 1961 uppmärksammade hundraårsdagen av början av inbördeskriget, och den inkluderade också en galapremiär på Loew's Grand Theatre. Den besöktes av Selznick och många andra stjärnor i filmen, inklusive Vivien Leigh och Olivia de Havilland; Clark Gable hade dött föregående år. För dess återutgivning 1967 blåstes filmen upp till 70 mm och gavs ut med uppdaterade affischkonstverk med Gable – med sin vita skjorta uppriven – som håller Leigh mot en bakgrund av orange lågor. Det fanns ytterligare återutgivningar 1971, 1974 och 1989; för femtioårsjubileumsutgivningen 1989 fick den en komplett ljud- och videorestaurering. Den släpptes på teater en gång till i USA, 1998 av Time Warner- ägda New Line Cinema .

2013 släpptes en digital 4K- restaurering i Storbritannien för att sammanfalla med Vivien Leighs hundraårsjubileum. Under 2014 planerades särskilda visningar under en tvådagarsperiod på biografer över hela USA för att sammanfalla med filmens 75-årsjubileum.

TV och hemmedia

Filmen fick sin amerikanska tv-premiär på HBOs kabelnät den 11 juni 1976 och spelades på kanalen totalt fjorton gånger under resten av månaden. Även andra kabelkanaler sänder filmen under juni. Det gjorde sin nätverks-tv- debut i november samma år; NBC betalade 5 miljoner dollar för en engångssändning, och den sändes i två delar på varandra följande kvällar. Det blev vid den tiden det högst rankade tv-programmet som någonsin presenterats på ett enda nät, sett av 47,5 procent av hushållen i USA och 65 procent av tv-tittarna, fortfarande rekordet för den högst rankade filmen som någonsin sänts på tv .

1978 skrev CBS på ett avtal värt 35 miljoner dollar för att sända filmen tjugo gånger under lika många år. Turner Entertainment förvärvade MGM-filmbiblioteket 1986, men avtalet inkluderade inte tv-rättigheterna till Gone with the Wind, som fortfarande innehas av CBS. En överenskommelse slöts där rättigheterna återlämnades till Turner Entertainment och CBS:s sändningsrättigheter till The Wizard of Oz förlängdes. Filmen användes för att lansera två kabelkanaler som ägs av Turner Broadcasting System : Turner Network Television (1988) och Turner Classic Movies (1994).

Filmen debuterade på videokassett i mars 1985, där den placerade sig på andra plats i försäljningslistorna och har sedan dess släppts på DVD- och Blu-ray Disc- format.

Reception

Kritisk respons

McDaniel, de Havilland och Leigh fick beröm för sina framträdanden.

När det släpptes gav konsumenttidningar och tidningar i allmänhet Gone with the Wind utmärkta recensioner; Men medan dess produktionsvärden, tekniska prestationer och ambitionsskala var allmänt erkända, fann vissa recensenter att filmen var för lång och dramatiskt föga övertygande. Frank S. Nugent för The New York Times sammanfattade bäst den allmänna känslan genom att erkänna att även om det var den mest ambitiösa filmproduktionen fram till dess, var det förmodligen inte den bästa filmen som någonsin gjorts, men han tyckte ändå att den var en "intressant historia vackert berättad". Franz Hoellering från The Nation var av samma åsikt: "Resultatet är en film som är en stor händelse i branschens historia men bara en mindre prestation inom filmkonst. Det finns tillfällen då de två kategorierna möts på goda villkor , men de långa sträckorna mellan är fyllda med bara spektakulär effektivitet."

Även om filmen prisades för sin trohet mot romanen, pekades denna aspekt också ut som huvudfaktorn för att bidra till den långa speltiden. John C. Flinn skrev för Variety att Selznick hade "lämnat för mycket i", och att filmen som underhållning skulle ha gynnats om upprepade scener och dialog från den senare delen av historien hade trimmats. Manchester Guardian ansåg att filmens ena allvarliga nackdel var att berättelsen saknade den episka kvaliteten för att rättfärdiga tidsutgifterna och fann att den andra halvan, som fokuserar på Scarletts "irrelevanta äktenskap" och "hemska gräl", mestadels överflödig, och den enda Anledningen till att de inkluderades hade varit "helt enkelt för att Margaret Mitchell skrev det på det sättet". The Guardian ansåg att om "berättelsen hade kortats och gjorts i ordning vid den punkt som markerades av intervallet, och om det personliga dramat hade gjorts underordnat en filmisk behandling av det centrala temat - kollapsen och förödelsen av den gamla södern - då kan Gone With the Wind ha varit en riktigt bra film”. På samma sätt fann Hoellering också att den andra halvan av filmen var svagare än den första: att identifiera inbördeskriget som drivkraften i den första delen medan karaktärerna dominerar i den andra delen, drog han slutsatsen att det var här det främsta felet i filmen låg och kommenterade att "karaktärerna ensamma inte räcker till". Trots många utmärkta scener ansåg han dramatiken vara föga övertygande och att den "psykologiska utvecklingen" hade försummats.

Mycket av berömmet var reserverat för rollbesättningen, med Vivien Leigh i synnerhet som pekas ut för hennes framträdande som Scarlett. Nugent beskrev henne som "bildens pivot" och trodde att hon var "så perfekt designad för rollen av konst och natur att någon annan skådespelerska i rollen skulle vara otänkbar". På liknande sätt fann Hoellering henne "perfekt" i "utseende och rörelser"; han kände hur hon skötte sig bäst när hon fick "accentuera den splittrade personlighet hon porträtterar" och tyckte att hon var särskilt effektiv i sådana ögonblick av karaktärisering som morgonen efter våldtäktsscenen i äktenskapet. Flinn fann Leigh också fysiskt lämpad för rollen och kände att hon var bäst i scenerna där hon visar mod och beslutsamhet, som flykten från Atlanta och när Scarlett dödar en Yankee-desertör. Leigh vann i kategorin Bästa kvinnliga huvudroll för sin prestation vid 1939 års New York Film Critics Circle Awards . Av Clark Gables framträdande som Rhett Butler ansåg Flinn att karaktäriseringen var "så nära Miss Mitchells uppfattning - och publikens - som man kan föreställa sig", en uppfattning som Nugent höll med om, även om Hoellering ansåg att Gable inte riktigt övertygade i avslutande scener, när Rhett går ut på Scarlett i avsky. Av de andra huvudrollsinnehavarna fann både Hoellering och Flinn att Leslie Howard var "övertygande" som den svaga Ashley, där Flinn identifierade Olivia de Havilland som en "framstående" som Melanie; Nugent blev också särskilt tagen av de Havillands prestation, och beskrev den som en "graciös, värdig, öm pärla av karaktärisering". Hattie McDaniels prestation som Mammy pekades ut för beröm av många kritiker: Nugent trodde att hon gav den bästa prestandan i filmen efter Vivien Leigh, med Flinn som placerade den på tredje plats efter Leighs och Gables framträdanden.

Oscarsgalan

Vid den 12:e Oscarsgalan satte Gone with the Wind rekord för Oscarsvinster och nomineringar, och vann i åtta av de tävlingskategorier den nominerades i, av totalt tretton nomineringar. Den vann för Bästa film, Bästa kvinnliga kvinnliga kvinnliga biroll, Bästa regi, Bästa manus, Bästa film, Bästa Art Direction och Bästa redigering, och fick ytterligare två hederspriser för sin användning av utrustning och färg (den blev också den första färgen film för att vinna bästa film).

Filmens rekord på åtta konkurrenskraftiga vinster stod sig tills Gigi (1958) vann nio, och dess totala rekord på tio bröts av Ben-Hur (1959) som vann elva. Gone with the Wind hade också rekordet för flest nomineringar tills All About Eve (1950) säkrade fjorton. Det var den längsta amerikanska ljudfilmen fram till den punkten, och kan fortfarande ha rekordet för den längsta vinnaren av bästa film beroende på hur den tolkas. Speltiden för Gone with the Wind är knappt 221 minuter, medan Lawrence of Arabia (1962) går i drygt 222 minuter; men inklusive uvertyren , pausen , entr'acte och utgångsmusiken varar Gone with the Wind i 234 minuter (även om vissa källor säger att dess fulla längd är 238 minuter) medan Lawrence of Arabia kommer in något kortare på 232 minuter med dess extra komponenter.

Hattie McDaniel blev den första afroamerikanen att vinna en Oscar – som slog ut sin motstjärna Olivia de Havilland, som också var nominerad i samma kategori – men var rassegregerad från sina motspelare vid prisutdelningen i Coconut Grove ; hon och hennes eskort fick sitta vid ett separat bord längst bak i rummet. Samtidigt blev manusförfattaren Sidney Howard den första postuma Oscar-vinnaren och Selznick fick personligen Irving G. Thalberg Memorial Award för sina karriärprestationer.

Oscarsutmärkelser och nomineringar
Tilldela Mottagare Resultat
Enastående produktion Selznick internationella bilder Vann
Bästa regissör Victor Fleming Vann
Bästa skådespelare Clark Gable Nominerad
Bästa skådespelare Vivien Leigh Vann
Bästa kvinnliga biroll Olivia de Havilland Nominerad
Hattie McDaniel Vann
Bästa manus Sidney Howard Vann
Bästa Art Direction Lyle Wheeler Vann
Bästa kinematografi – färg Ernest Haller och Ray Rennahan Vann
Bästa filmredigering Hal C. Kern och James E. Newcom Vann
Bästa originalmusik Max Steiner Nominerad
Bästa ljudinspelningen Thomas T. Moulton (Samuel Goldwyn Studio Sound Department) Nominerad
Bästa visuella effekter Jack Cosgrove , Fred Albin och Arthur Johns Nominerad
Specialpris
William Cameron Menzies För enastående prestation i användningen av färg för att förbättra den dramatiska stämningen i produktionen av Gone with the Wind . 		Heders
Technical Achievement Award
Don Musgrave och Selznick International Pictures För banbrytande användning av koordinerad utrustning i produktionen Gone with the Wind . 		Heders

Reaktioner från afroamerikaner

Hattie McDaniel, den första afroamerikanska Oscarsvinnaren

Filmen har kritiserats av svarta kommentatorer sedan den släpptes för dess skildring av svarta människor och "vittvättning" av frågan om slaveri, men till en början rapporterade inte tidningar kontrollerade av vita amerikaner om denna kritik. Carlton Moss , en svart dramatiker, observerade i ett öppet brev att medan The Birth of a Nation var en "frontalattack på amerikansk historia och negerfolket", var Gone with the Wind en "bakre attack mot densamma". Han fortsatte med att karakterisera det som en "nostalgisk vädjan om sympati för en fortfarande levande orsak till sydstatlig reaktion". Moss nämnde vidare de stereotypa svarta karaktäriseringarna, såsom det "växlingslösa och tråkiga fläsket", den "olyckliga och grundligt oansvariga Prissy", Big Sams "strålande acceptans av slaveri" och Mammy med sitt "ständiga tjafs och kärlek till varje önskan från Scarlett". På samma sätt Melvin B. Tolson , en poet och utbildare, " Födelse av en nation var en så blottad lögn att en idiot kunde se igenom den. Borta med vinden är en så subtil lögn att den kommer att sväljas som sanning av miljontals både vita och svarta."

Efter Hattie McDaniels Oscarsvinst anklagade Walter Francis White , ledare för National Association for the Advancement of Colored People, henne för att vara en farbror Tom . McDaniel svarade att hon "hellre skulle tjäna sju hundra dollar i veckan på att spela en hembiträde än att sju dollar är en"; hon ifrågasatte vidare Whites kvalifikationer att tala för svarta människor, eftersom han var ljushyad och bara en åttondel svart.

Åsikterna i det svarta samhället var allmänt delade vid utgivningen, och filmen kallades av vissa för ett "terrorvapen mot det svarta Amerika" och en förolämpning mot den svarta publiken, och demonstrationer hölls i olika städer. Malcolm X påminde sig senare att "när Butterfly McQueen gick in i sin handling kände jag för att krypa under mattan". Trots det erkände vissa delar av det svarta samhället McDaniels prestationer som representativa för progression: vissa afroamerikaner korsade strejklinjer och berömde McDaniels varma och kvicka karaktär, och andra hoppades att branschens erkännande av hennes arbete skulle leda till ökad synlighet på skärmen för andra svarta skådespelare. I sin redaktionella gratulation till McDaniel för att ha vunnit hennes Oscar, Opportunity: A Journal of Negro Life filmen som en påminnelse om den "gräns" som gamla fördomar sätter på svart strävan.

Publikens respons

När den släpptes slog Gone with the Wind besöksrekord överallt. Bara på Capitol Theatre i New York hade den i genomsnitt elva tusen inträden per dag i slutet av december, och inom fyra år efter att den släpptes hade den sålt uppskattningsvis sextio miljoner biljetter över hela USA – en försäljning motsvarande knappt hälften av befolkningen vid den tiden . Den upprepade sina framgångar utomlands och var en sensationell hit under Blitz i London, öppnande i april 1940 och spelade i fyra år. När MGM drog tillbaka den från cirkulationen, i slutet av 1943, hade dess världsomspännande distribution returnerat en bruttohyra (studions andel av biljettkassan) på 32 miljoner dollar, vilket gjorde den till den mest lönsamma filmen som någonsin gjorts fram till den tidpunkten . Den öppnade så småningom i Japan i september 1952 och blev den mest inkomstbringande utländska filmen där.

Ställ upp för att se Gone with the Wind i Pensacola, Florida (1947)

Även om det tjänade sina investerare ungefär dubbelt så mycket som den tidigare rekordinnehavaren, The Birth of a Nation , var biljettföreställningarna för de två filmerna troligen mycket närmare. Huvuddelen av intäkterna från Gone with the Wind kom från deras roadshow och första-run-engagemang, där distributören fick 70 procent respektive 50 procent av biljettintäkternas brutto, snarare än dess allmänna release, som vid den tidpunkten vanligtvis såg distributörens andel satt till 30–35 procent av bruttot. I fallet med The Birth of a Nation sålde dess distributör, Epoch, många av sina distributionsområden på basis av "statsrättigheter" - vilket vanligtvis uppgick till 10 procent av biljettintäkterna - och Epochs räkenskaper är endast indikativa för sin egen vinst från filmen, och inte de lokala distributörerna. Carl E. Milliken , sekreterare i Motion Picture Producers and Distributors Association , uppskattade att The Birth of a Nation hade setts av femtio miljoner människor år 1930.

När den återsläpptes 1947, tjänade den en imponerande hyra på 5 miljoner dollar i USA och Kanada, och var en av årets tio bästa utgåvor. Framgångsrika återutgivningar 1954 och 1961 gjorde det möjligt för den att behålla sin position som branschens främsta inkomsttagare, trots starka utmaningar från nyare filmer som Ben-Hur, men den blev slutligen omkörd av The Sound of Music 1966.

Återutgivningen 1967 var ovanlig eftersom MGM valde att roadshow den, ett beslut som gjorde den till den mest framgångsrika återutgivningen i branschens historia. Den genererade en kassa på 68 miljoner dollar, vilket gör den till MGM:s mest lukrativa film efter Doctor Zhivago från senare hälften av årtiondet. MGM tjänade en hyra på 41 miljoner dollar från släppet, med den amerikanska och kanadensiska andelen på över 30 miljoner dollar, vilket placerade den på andra plats efter The Graduate för det året. Inklusive dess hyra på 6,7 miljoner dollar från återutgivningen 1961, var det den fjärde högst intjänade under årtiondet på den nordamerikanska marknaden, med endast The Sound of Music, The Graduate och Doctor Zhivago som tjänade mer för sina distributörer. En ytterligare återutgivning 1971 gjorde det möjligt för den att en kort stund återerövra skivan från The Sound of Music , vilket gjorde att dess totala globala bruttohyra uppgick till cirka 116 miljoner dollar i slutet av 1971 – mer än tredubblade intäkterna från den första releasen – innan skivan förlorades igen året efter till Gudfadern .

Över alla utgivningar uppskattas det att Gone with the Wind har sålt över 200 miljoner biljetter i USA och Kanada, vilket genererat fler teaterinträden i det territoriet än någon annan film. Filmen var fenomenalt framgångsrik även i Västeuropa och genererade cirka 35 miljoner biljetter i Storbritannien och över 16 miljoner i Frankrike , och blev de största respektive sjätte största biljettförsäljarna på dessa marknader. Filmens dragningskraft har bestått utomlands, och upprätthållit en popularitet som liknar dess inhemska livslängd; 1975 spelade den för kapacitet för publik varje kväll under de första tre veckorna av spelningen på Londons Plaza 2 Theatre, och i Japan genererade den över en halv miljon inträden på tjugo teatrar under ett fem veckor långt engagemang. Totalt Gone with the Wind samlat in över 390 miljoner dollar globalt vid biljettkassan; 2007 uppskattade Turner Entertainment bruttot till cirka 3,3 miljarder dollar när det justerades för inflation till nuvarande priser; Guinness World Records nådde en siffra på 3,44 miljarder dollar 2014, vilket gör den till den mest framgångsrika filmen i biografhistorien .

Filmen är fortfarande oerhört populär bland publiken in i 2000-talet, efter att ha röstats fram som den mest populära filmen i två rikstäckande undersökningar av amerikaner som genomfördes av Harris Interactive 2008 och igen 2014. Marknadsundersökningsföretaget undersökte över två tusen amerikanska vuxna, med resultat viktade efter ålder, kön, ras/etnicitet, utbildning, region och hushållsinkomst så deras proportioner matchade sammansättningen av den vuxna befolkningen.

Kritisk omvärdering

AFI 100 år... serie

American Film Institute

När han återbesökte filmen på 1970-talet, trodde Arthur Schlesinger att Hollywood-filmer i allmänhet åldras bra och avslöjar ett oväntat djup eller integritet, men i fallet med Borta med vinden har tiden inte behandlat den vänligt. Richard Schickel hävdade att ett mått på en films kvalitet är att fråga vad tittaren kan minnas av den, och filmen faller ner i detta avseende: oförglömliga bilder och dialog är helt enkelt inte närvarande. Stanley Kauffmann tyckte också att filmen var en i stort sett förglömlig upplevelse, och hävdade att han bara kunde minnas två scener levande. Både Schickel och Schlesinger förklarar detta med att det är "dåligt skrivet", och beskriver i sin tur dialogen som "blommig" och har en "vykort"-känslighet. Schickel anser också att filmen misslyckas som populär konst, eftersom den har ett begränsat återvisningsvärde - en känsla som Kauffmann också instämmer i och säger att han efter att ha sett den två gånger hoppas att "aldrig få se den igen: dubbelt är dubbelt så mycket som alla livsbehov behöver ". Både Schickel och Andrew Sarris identifierar filmens största misslyckande är att ha en producents känslighet snarare än en konstnärlig sådan: efter att ha gått igenom så många regissörer och författare har filmen inte en känsla av att vara "skapad" eller "regisserad", utan snarare att ha dök upp "ångande ur det fullsatta köket", där den främsta kreativa kraften var en producents besatthet av att göra filmen så bokstavligen trogen romanen som möjligt.

Sarris medger att filmen trots sina konstnärliga brister har ett mandat runt om i världen som "den enda mest älskade underhållningen som någonsin producerats". Judith Crist konstaterar att filmen, kitsch åsido, "otvivelaktigt fortfarande är det bästa och mest hållbara stycke populär underhållning som kommit från Hollywoods löpande band", produkten av en showman med "smak och intelligens". Schlesinger noterar att den första halvan av filmen verkligen har en "svep och kraft" som strävar efter dess episka tema, men - för att finna överensstämmelse med filmens samtida kritik - tar de personliga livet över under andra halvan, och det slutar med att den förlorar sin tema i föga övertygande sentimentalitet. Kauffmann hittar också intressanta paralleller med Gudfadern , som just hade ersatt Gone with the Wind som den mest bruttomässiga på den tiden: båda producerades från "ultraamerikanska" bästsäljande romaner, båda lever inom hederskoder som är romantiserade, och båda erbjuder i huvudsak kulturellt påhitt eller revisionism.

Den kritiska uppfattningen av filmen har förändrats under de mellanliggande åren, vilket resulterade i att den rankades 235:e i Sight & Sounds prestigefyllda decenniumkritikerundersökning 2012 , och 2015 röstade sextiotvå internationella filmkritiker tillfrågade av BBC till den 97:e. bästa amerikanska film.

Bransch erkännande

Filmen har varit med i flera högprofilerade branschundersökningar. 1977 röstades den till den mest populära filmen av American Film Institute (AFI), i en undersökning av organisationens medlemskap; AFI rankade också filmen på fjärde plats på sin " 100 största filmer "-lista 1998, och den halkade ner till sjätte plats i tioårsjubileumsupplagan 2007. Filmregissörer rankade den på 322:a plats i 2012 års upplaga av den decenniala Sight & Sound -undersökningen, och 2016 valdes den till den nionde bästa "regissörsprestationen" i en omröstning för medlemmar av Directors Guild of America . 2014 placerade den sig på femtonde plats i en omfattande undersökning gjord av The Hollywood Reporter , som valde varje studio, byrå, reklambyrå och produktionshus i Hollywood - regionen.

Gone with the Wind var en av de tjugofem invigningsfilmerna som valdes ut för bevarande i National Film Registry av United States Library of Congress 1989 för att vara "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefulla".

Analys och kontroverser

Historisk skildring

Borta med vinden har kritiserats för att ha vidmakthållit inbördeskrigets myter och svarta stereotyper . David Reynolds skrev att "De vita kvinnorna är eleganta, deras män är ädla eller åtminstone äckliga. Och i bakgrunden är de svarta slavarna mestadels plikttrogna och nöjda, uppenbart oförmögna till en självständig existens." Reynolds liknade Gone with the Wind med The Birth of a Nation och andra ombilder av södern under segregationens era, där vita sydlänningar framställs som försvarar traditionella värderingar, och frågan om slaveri ignoreras till stor del. Filmen har beskrivits som en "regression" som främjar både myten om den svarte våldtäktsmannen och Ku Klux Klans hedervärda och defensiva roll under återuppbyggnaden, och som en "social propagandafilm" som erbjuder en " vit supremacistisk " syn på dåtid.

Från 1972 till 1996 höll Atlanta Historical Society ett antal Gone with the Wind- utställningar, bland dem en utställning från 1994 som fick titeln "Disputed Territories: Gone with the Wind and Southern Myths". En av frågorna som undersöktes av utställningen var "Hur sanna var slavarna i GWTW?" Det här avsnittet visade att slavupplevelser var olika och som ett resultat drog den slutsatsen att den "happy darky" var en myt, liksom tron ​​att alla slavar upplevde våld och brutalitet.

W. Bryan Rommel Ruiz har hävdat att trots faktiska felaktigheter i sin skildring av återuppbyggnadsperioden, återspeglar Borta med vinden samtida tolkningar av den som var vanliga i början av 1900-talet. En sådan synpunkt återspeglas i en kort scen där Mammy avvärjer en lerande frigiven : en politiker kan höras erbjuda 40 tunnland och en mula till de emanciperade slavarna i utbyte mot deras röster. Slutsatsen anses betyda att frigivna är okunniga om politik och oförberedda på frihet, och omedvetet blir verktygen för korrupta återuppbyggnadstjänstemän. Samtidigt som filmen förevigar några Lost Cause -myter, gör filmen eftergifter med hänsyn till andra. Efter attacken mot Scarlett i kåkstaden plundrade en grupp män inklusive Scarletts make Frank, Rhett Butler och Ashley staden; i romanen tillhör de Ku Klux Klan, som representerar den gemensamma tropen att skydda den vita kvinnans dygd, men filmskaparna neutraliserar medvetet Klanens närvaro i filmen genom att helt enkelt hänvisa till den som ett "politiskt möte".

Thomas Cripps resonerar att filmen i vissa avseenden undergraver rasstereotyper; i synnerhet skapade filmen ett större engagemang mellan Hollywood och svart publik, med dussintals filmer som gjorde små gester som ett erkännande av den framväxande trenden. Bara några veckor efter den första körningen skrev en berättelseredaktör på Warner ett memorandum till Walter Wanger om Mississippi Belle , ett manus som innehöll de värsta överdrifterna av plantagefilmer, vilket antydde att Borta med vinden hade gjort filmen "oproducerbar". Mer än någon film sedan The Birth of a Nation släppte den lös en mängd olika sociala krafter som förebådade en allians av vita liberaler och svarta människor som uppmuntrade förväntningarna att svarta människor en dag skulle uppnå jämlikhet. Enligt Cripps blev filmen så småningom en mall för att mäta social förändring.

2000-talets omvärdering

Under 2000-talet ledde kritiken mot filmens skildringar av ras och slaveri till att dess tillgänglighet begränsades. 2017 Gone with the Wind bort från schemat på Orpheum Theatre i Memphis, Tennessee , efter en 34-årig upplaga av årliga föreställningar. Den 9 juni 2020 togs filmen bort från HBO Max mitt i George Floyd-protesterna såväl som som svar på en kommentar skriven av manusförfattaren John Ridley som publicerades i dagens upplaga av Los Angeles Times , som efterlyste streamingtjänst för att tillfälligt ta bort filmen från dess innehållsbibliotek. Han skrev att "det fortsätter att ge skydd åt dem som felaktigt hävdar att att hålla fast vid plantageepokens ikonografi är en fråga om 'arv, inte hat'." En talesperson för HBO Max sa att filmen var "en produkt av sin tid" och som ett resultat skildrade den "etniska och rasistiska fördomar" som "var fel då och är fel idag". Det tillkännagavs också att filmen skulle återvända till streamingtjänsten vid ett senare tillfälle, även om den skulle innehålla "en diskussion om dess historiska sammanhang och ett fördömande av just dessa skildringar, men kommer att presenteras som den ursprungligen skapades, eftersom att göra annars skulle det vara samma sak som att hävda att dessa fördomar aldrig existerade. Om vi ​​ska skapa en mer rättvis, rättvis och inkluderande framtid måste vi först erkänna och förstå vår historia."

Filmens borttagande väckte en debatt om politisk korrekthet som gick för långt, med filmkritiker och historiker som kritiserade HBO som engagerad i censur . Efter tillbakadragandet nådde filmen toppen av Amazons bästsäljande försäljningslista för TV och filmer, och femte plats på Apples iTunes Store- filmlista. HBO Max återvände filmen till sin tjänst senare samma månad, med en ny introduktion av Jacqueline Stewart . Stewart beskrev filmen, i en op-ed för CNN , som "en främsta text för att undersöka uttryck för vit överhöghet i populärkulturen", och sa att "det är just på grund av de pågående, smärtsamma mönstren av rasistisk orättvisa och ignorering av svart liv som Borta med vinden borde förbli i omlopp och förbli tillgängliga för visning, analys och diskussion." Hon beskrev kontroversen som "en möjlighet att tänka på vad klassiska filmer kan lära oss."

Vid ett politiskt möte i februari 2020 kritiserade president Donald Trump den 92:a Oscarsceremonin och påstod att Gone with the Wind and Sunset Boulevard (1950) var mer förtjänta av priset för bästa film än årets vinnare, den sydkoreanska filmen Parasite . Hans kommentarer framkallade kommentarer från kritiker och en motreaktion från förståsigpåare över hela det politiska spektrumet på sociala medier .

Skildring av våldtäkt i äktenskapet

En av de mest ökända och allmänt fördömda scenerna i Borta med vinden skildrar vad som nu juridiskt definieras som " våldtäkt inom äktenskapet" . Scenen börjar med Scarlett och Rhett längst ner i trappan, där han börjar kyssa henne och vägrar att bli tillsagd "nej" av den kämpande Scarlett; Rhett ignorerar hennes motstånd, skäller ut henne och bär henne uppför trappan till sovrummet, där publiken inte lämnas i några tvivel om att hon kommer att "få vad som kommer till henne". Nästa scen, följande morgon, visar Scarlett lysande med knappt undertryckt sexuell tillfredsställelse; Rhett ber om ursäkt för sitt beteende och skyller det på sitt drickande. Scenen har anklagats för att kombinera romantik och våldtäkt genom att göra dem omöjliga att skilja från varandra, och för att förstärka en föreställning om tvångssex : att kvinnor i hemlighet njuter av det, och det är ett acceptabelt sätt för en man att behandla sin fru.

Filmkritikern Molly Haskell har hävdat att det ändå för kvinnor som är okritiska mot scenen överensstämmer med vad de har i åtanke om de fantiserar om att bli våldtagna . Deras fantasier kretsar kring kärlek och romantik snarare än tvångssex; de kommer att anta att Scarlett inte var en ovillig sexpartner och ville att Rhett skulle ta initiativet och insistera på att ha sexuellt umgänge.

Arv

Första arkivarien i USA RDW Connor tar emot filmen Gone with the Wind från senator Walter F. George från Georgia (till vänster) och Loews Eastern Division Manager Carter Barron, 1941

I populärkulturen

Gone with the Wind och dess produktion har explicit refererats till, satiriserats, dramatiserats och analyserats vid ett flertal tillfällen i en rad medier, från samtida verk som Second Fiddle – en film från 1939 som förfalskar "söket efter Scarlett" – till aktuella tv-program, som Simpsons . The Scarlett O'Hara War (en tv-dramatisering från 1980 av Scarletts rollbesättning), Moonlight and Magnolias (en pjäs från 2007 av Ron Hutchinson som dramatiserar Ben Hechts fem dagar långa omskrivning av manuset) och " Went with the Wind! " (en sketch på The Carol Burnett Show som parodierade filmen i efterdyningarna av dess tv-debut 1976) är bland de mer anmärkningsvärda exemplen på dess bestående närvaro i populärkulturen. Den var också föremål för en dokumentär från 1988, The Making of a Legend: Gone with the Wind, som beskriver filmens svåra produktionshistoria. 1990 United States Postal Service ut ett frimärke som föreställer Clark Gable och Vivien Leigh som omfamnar i en scen från filmen. 2003 rankades Leigh och Gable (som Scarlett och Rhett) som nummer 95 på VH1: s lista över de "200 största popkulturikonerna genom tiderna".

Fortsättning

Efter publiceringen av sin roman översvämmades Margaret Mitchell av förfrågningar om en uppföljare men hon påstod sig inte ha en aning om vad som hände med Scarlett och Rhett, och som ett resultat hade hon "lämnat dem åt deras yttersta öde". Fram till sin död 1949 fortsatte Mitchell att motstå trycket att skriva en uppföljare från Selznick och MGM. 1975 godkände hennes bror, Stephens Mitchell (som tog kontroll över hennes egendom), en uppföljare som skulle produceras gemensamt av MGM och Universal Studios med en budget på 12 miljoner dollar. Anne Edwards fick i uppdrag att skriva uppföljaren som en roman som sedan skulle anpassas till ett manus och publiceras i samband med filmens release. Edwards skickade in ett 775-sidigt manuskript som fick titeln Tara, The Continuation of Gone with the Wind, som utspelar sig mellan 1872 och 1882 och fokuserar på Scarletts skilsmässa från Rhett; MGM var inte nöjd med historien och affären kollapsade.

Idén återupplivades på 1990-talet, när en uppföljare äntligen producerades 1994, i form av en tv- miniserie . Scarlett var baserad på romanen av Alexandra Ripley , i sig en uppföljare till Mitchells bok. De brittiska skådespelarna Joanne Whalley och Timothy Dalton fick rollen som Scarlett och Rhett, och serien följer Scarletts flytt till Irland efter att hon återigen blivit gravid med Rhett.

Se även

Förklarande anteckningar

Citat

Vidare läsning

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Gone_with_the_Wind_(film)&oldid=1141841612 "