Birdman (film)

Birdman eller (The Unexpected Virtue of Ignorance)
Birdman poster.png
Biopremiäraffisch
Regisserad av Alejandro González Iñárritu
Skriven av
Producerad av
Medverkande
Filmkonst Emmanuel Lubezki
Redigerad av
Musik av Antonio Sánchez

Produktionsbolag _
Levererad av Fox Searchlight bilder
Lanseringsdatum
  • 27 augusti 2014 ( 2014-08-27 ) ( Venedig )
  • 17 oktober 2014 ( 2014-10-17 ) (USA)
Körtid
 119 minuter
Land Förenta staterna
Språk engelsk
Budget 16,5–18 miljoner dollar
Biljettkassan 103,2 miljoner dollar

Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance), eller helt enkelt Birdman , är en amerikansk svart komedi -dramafilm från 2014 i regi av Alejandro González Iñárritu . Den skrevs av Iñárritu, Nicolás Giacobone , Alexander Dinelaris Jr. och Armando Bó . Filmen spelar Michael Keaton som Riggan Thomson, en bleka Hollywood-skådespelare mest känd för att ha spelat superhjälten "Birdman", när han kämpar för att montera en Broadway - anpassning av Raymond Carvers novell, " What We Talk About When We Talk About Love " . Filmen har också en biroll av Zach Galifianakis , Edward Norton , Andrea Riseborough , Amy Ryan , Emma Stone och Naomi Watts .

Filmen täcker perioden av förhandsvisningar som ledde fram till pjäsens öppning, och med ett kort undantag framstår som om den filmats i en enda tagning , en idé som Iñárritu hade från filmens uppfattning. Filmfotografen Emmanuel Lubezki trodde att den inspelningstiden som krävs för den långa taktiken i Birdman inte kunde ha gjorts med äldre teknik. Filmen spelades in i New York City under våren 2013 med en budget på 16,5 miljoner dollar gemensamt finansierad av Fox Searchlight Pictures, Regency Enterprises och Worldview Entertainment . Den hade premiär året därpå i augusti där den öppnade den 71:a Venedigs internationella filmfestival .

Birdman hade en begränsad biopremiär i USA den 17 oktober 2014, följt av en bred premiär den 14 november. Filmen tjänade mer än 103 miljoner dollar över hela världen och fick brett kritikerros, med beröm för manus, regi, film och film. skådespelarnas prestationer (särskilt Keaton, Norton och Stone). Birdman vann Oscar för bästa film , tillsammans med bästa regi , bästa originalmanus och bästa film från totalt nio nomineringar, vilket knyter ihop det med The Grand Budapest Hotel för den mest nominerade och prisbelönta filmen vid den 87:e Oscarsgalan . Den vann också enastående skådespelare i en film vid 21:a Screen Actors Guild Awards, samt bästa skådespelare i en musikal eller komedi för Keaton och bästa manus vid 72:a Golden Globe Awards .

Komplott

Riggan Thomson är en bleka skådespelare känd för att ha spelat en superhjälte vid namn Birdman i en filmtrilogi från 1989 till 1992. Han plågas av Birdmans hånfulla och kritiska inre röst och visualiserar sig ofta när han utför prestationer av levitation och telekinesis . Riggan försöker återvinna erkännande genom att skriva, regissera och spela huvudrollen i en Broadway-anpassning av Raymond Carvers novell, " What We Talk About When We Talk About Love ." Men Birdman-rösten vill att Riggan ska återvända till storfilmen och insisterar på att han är avgörande för Riggans identitet.

Jake, Riggans bästa vän och advokat, producerar pjäsen, som medverkar i Riggans flickvän, Laura, och Broadway-debutanten Lesley. Riggans dotter Sam, en tillfrisknande drogmissbrukare som han försöker återknyta kontakten med, arbetar som hans assistent. Dagen före den första förhandsvisningen faller en lampa ner på Riggans olyckliga motspelare, Ralph. På Lesleys förslag ersätter Riggan Ralph med sin pojkvän, den briljante men flyktiga och självupptagna metodskådespelaren Mike Shiner. De första förhandsvisningarna är katastrofala: Mike bryter karaktären över att ersätta sin gin med vatten, försöker våldta Lesley under en sexscen och klagar över att rekvisitapistolen inte ser naturlig ut. Riggan bråkar ständigt med Mike, som kulminerade i ett bråk efter att Riggan läst en New York Times- intervju med Mike där han stjäl Riggans personliga anledning till att spela en Raymond Carver-pjäs. Jake övertalar Riggan att fortsätta med pjäsen. När Riggan förtalar Sam efter att ha hittat henne använda marijuana, tillrättavisar och tuktar hon honom förolämpande och säger till honom att han är irrelevant, och pjäsen är för hans egen fåfänga.

Under den sista förhandsvisningen, efter att ha sett Mike och Sam kyssas bakom scenen, låser Riggan sig av misstag utanför med sin mantel fast i brandutrymningsdörren. Han tvingas gå genom Times Square i sina trosor och gå in genom publiken för att göra slutscenen. En bekymrad Sam väntar i sitt omklädningsrum efter föreställningen, och hon tycker att framträdandet var väldigt ovanligt men intressant. Hon visar honom att Times Square-filmerna håller på att bli virala och förklarar hur detta faktiskt hjälper honom.

Riggan går till en bar för en drink och närmar sig Tabitha Dickinson, en cynisk och mycket inflytelserik teaterkritiker. Hon lovar att "döda" hans pjäs med en nedslående recension utan att se den. På vägen tillbaka köper Riggan en pint whisky, dricker den och svimmar på en stoop. Nästa dag, när han går till teatern med en allvarlig baksmälla, visualiserar han Birdman som försöker övertyga honom om att överge pjäsen och göra en fjärde Birdman-film. Riggan föreställer sig sedan att han flyger genom Manhattans gator innan han anländer till teatern.

På premiärkvällen går pjäsen väldigt bra. I sitt omklädningsrum erkänner en märkligt lugn Riggan för sin ex-fru, Sylvia, att han för flera år sedan försökte dränka sig i havet efter att hon fångade honom i en affär. Han berättar också för henne om Birdman-rösten, som hon ignorerar. Efter att Sylvia lämnat, plockar Riggan upp en riktig pistol för den sista scenen där hans karaktär begår självmord. Vid klimax skjuter Riggan sig själv i huvudet på scenen. Pjäsen får stående ovationer .

Riggan vaknar upp på ett sjukhus – självmordsförsöket blåste bara av hans näsa, som har kirurgiskt rekonstruerats. Tabitha har publicerat en lysande recension av pjäsen och kallar självmordsförsöket precis vad amerikansk teater behövde. Sam hälsar på med blommor och tar en bild på honom för att dela med det skyhöga antalet följare på Twitter- kontot som hon har skapat åt honom. Medan hon går ut för att hitta en vas, går Riggan in i badrummet, tar bort bandaget som avslöjar hans svullna nya näsa och säger hejdå till Birdman, sedd sittande på toaletten. Fascinerad av fåglarna som flyger utanför hans rum öppnar han fönstret, kikar upp på dem och klättrar sedan ut på kanten. Sam återvänder till ett tomt rum och springer frenetiskt till det öppna fönstret, skannade marken innan han sakta tittar upp i himlen och ler mot det hon ser.

Kasta

Produktion

Utveckling

Birdman -regissören Alejandro G. Iñárritu tänkte ursprungligen på filmen som en komedi filmad i en enda inspelning på en teater. Det ursprungliga valet bakom filmens genre, som sedan återanpassades för att koncentrera sig på Riggans slutliga känslomässiga slutsteg, kom från att regissören ville se en förändring i sitt förhållningssätt. Alla hans tidigare filmer var dramer, och efter att ha regisserat Biutiful ville han inte närma sig sin nya film på samma tragiska sätt igen. Beslutet att få filmen att se ut som en enda tagning kom från hans insikt om att "vi lever våra liv utan redigering". Genom att presentera filmen som en kontinuerlig inspelning kunde han "sänka ned huvudpersonen i en 'oundviklig verklighet' och ta publiken med sig". Iñárritu delade sin idé med de argentinska manusförfattarna/kusinerna Nicolás Giacobone och Armando Bo , samt dramatikern Alexander Dinelaris, Jr. , som alla hade arbetat med honom på hans tidigare film. Deras första reaktion var att berätta för honom att idén med kontinuerligt skott inte kunde fungera. Enligt Dinelaris och Giacobone sa "stora" och "viktiga" människor till honom att inte ens prova projektet av samma anledning. Iñárritu själv beskrev tekniken som "nästan självmordsbenägen", oroande att den skulle vara distraherande, istället för uppslukande. Dinelaris sa senare att om de verkligen hade pausat och övervägt idén, så kanske de hade pratat bort Iñárritu.

De fyra medförfattarnas personliga och yrkesmässiga erfarenheter var centrala för att skriva manus. Dinelaris exponering för Broadway formade skildringarna av repetitioner och händelser backstage, även om han medgav att han överdrev dessa. Han kände också att hans bakgrund med att skriva långa scener av dialog hjälpte eftersom scener i filmen "var egentligen mer som lekscener". Iñárritus egna erfarenheter påverkade många av Birdmans teman . "Det som den här filmen handlar om har jag varit med om", mindes Iñárritu. "Jag har sett och upplevt allt, det är vad jag har upplevt de senaste åren av mitt liv." Dinelaris beskrev denna aspekt som "en skrattande blick på sig själv", men sa att det måste göras på ett komiskt sätt; annars "hade det varit den mest otroligt självupptagna titten på ämnet". Teman från Raymond Carvers novell " What We Talk About When We Talk About Love ", som Riggan anpassar för scenen i berättelsen, påverkade också manuset. Iñárritu ville hitta kopplingen mellan teman i Riggans berättelse och Carvers. På grund av detta var det viktigt för regissören att Carvers berättelse var föremål för pjäsen som skildras i filmen. Därför uppgav Iñárritu att hans önskan att använda Carvers arbete var "skrämmande" eftersom rättigheterna till att använda Carver-materialet fortfarande var föremål för möjligheten att avvisas under utvecklingen av filmen, men inga problem uppstod. Carvers änka, författaren Tess Gallagher , älskade manuset och tillät anpassningen och sa att Carver skulle skratta åt filmen.

Medan vissa aspekter av filmen – den första bildrutan med Riggan, till exempel – förblev oförändrade från Birdmans uppfattning till release, gick andra igenom flera iterationer. En av dessa var sekvensen där alter ego Birdman tar fullständig kontroll över Riggans tankar. Författarna visste att det skulle inträffa vid Riggans lägsta punkt, så vid ett skede planerade det att det skulle ske efter att Riggan hört den första negativa pressbevakningen och förstört hans omklädningsrum. I en annan kasserad version försöker Riggan dränka sig själv i Central Park och flyger ut för att rädda sig själv.

Filmens slut förändrades också, den slutliga versionen skrevs halvvägs genom inspelningen. Originalet var tänkt att föreställa Johnny Depp i Riggans omklädningsrum med en Pirates of the Caribbean -affisch i ryggen. Iñárritu växte till att starkt ogilla detta slut, kallade det "så pinsamt", och skrev om det med Dinelaris och Giacobone efter att ett nytt slut kom till honom i en dröm. Iñárritu var ovillig att beskriva det ursprungliga slutet, men det läckte ut av Dinelaris. Han sa att det ursprungliga slutet utspelades på teatern, istället för på sjukhuset, och innebar att Depp tog på sig Riggan Thomsons peruk, och i Jack Sparrows röst, "... affischen frågar Depp, 'Vad fan gör vi här, kompis ?', och det skulle bli satiren över den ändlösa loopen av det." Regissören och medförfattarna uteslöt det satiriska slutet och gynnade det nya, mer tvetydiga slutet.

Samskrivningsprojektet påskyndades av samarbetet mellan de fyra medförfattarna på internet som arbetade från olika geografiska platser. Med Iñárritu i Los Angeles , Giacobone och Bo i Buenos Aires och Dinelaris i New York skrevs manuset huvudsakligen via Skype-samtal och mejl. Även om detta komplicerade skrivprocessen sa Dinelaris att han trodde att de bästa idéerna i Birdman kom från Skype-sessioner klockan två på morgonen där han och Giacobone "knäckte varandra". Att införliva engångsfunktionen påverkade också skrivandet. Bo sa: "Vi skrev allt med tanke på den här bilden, och många beslut som oftast skulle fattas i redigeringsrummet togs före fotograferingen". One-shot-metoden innebar att scenerna inte kunde tas bort eller beställas om i efterproduktionen, så författarna behövde vara "mycket, mycket säkra på vad som stod på sidan". Som ett resultat tog det ungefär ett och ett halvt år att färdigställa det slutliga utkastet. Som Dinelaris sammanfattade: "Du måste vara en idiot för att göra allt i ett slag. Du måste vara en idiot för att försöka det. Det krävs en stor, mycket okunskap för att inte uppmärksamma svårigheterna och tro att du" kommer att göra det här. Birdman ser ut som en bra idé nu, men [vid produktionstillfället] visste vi inte hur vi skulle landa."

Gjutning

Michael Keaton var Iñárritus första val att spela Riggan Thomson.

Iñárritu gjorde flera av huvudrollerna innan filmen finansierades. Bland dessa fanns huvudrollen. Tidigt i manusutvecklingen hade Iñárritu inte Keaton i åtanke, men han hade ändrat sig mot slutet: "När jag var klar med manuset visste jag att Michael inte var valet eller alternativet, han var killen". Iñárritu cast Keaton för hans djup i en mängd olika skådespelarstilar: Han kunde hantera kraven från scenen, nära arbete och komedi och empati "med ett djupt djup för båda".

Keaton kände till Birdman innan Iñárritu kontaktade honom. Han var mitt uppe i produktionen av ett annat projekt när han fick reda på att Iñárritu gjorde en annan film. Keaton, ett fan av sitt arbete, flög hem för att ta reda på mer. Iñárritu skickade manuset till honom och de diskuterade det under middagen. Det första Keaton frågade regissören var om han gjorde narr av honom (angående hans roll i Tim Burtons Batman - filmer ), men efter att Iñárritu förklarat rollen, dess tekniska egenskaper och filmens produktion gick Keaton med på att spela Riggan; trots detta innehåller den slutliga filmen många referenser till Burtons Batman- filmer, inklusive det år Riggan nämns att ha spelat Birdman senast 1992 .

Iñárritu kallade sitt beslut bakom att casta Galifianakis som Jake "en satsning". Galifianakis uppfyllde regissörens kriterier att vara älskvärd och rolig, men Iñárritu ansåg honom också vara känslig, vilket gav honom rollen. Emma Stone visste redan att hon ville jobba med Iñárritu innan hon erbjöds rollen som Sam. Manuset som Iñárritu gav henne och resten av skådespelarna kom med bilden Man on Wire , som visade Philippe Petit som korsade tvillingtornen på lina. Iñárritu sa till rollistan, "Vi gör det".

När dessa aktörer väl var engagerade sökte Iñárritu finansiering. Han bjöd först in Fox Searchlight Pictures för att finansiera projektet, men de tackade nej till hans erbjudande eftersom de tyckte att hans begärda budget var för hög. Vid ett skede Megan Ellison från Annapurna Pictures vara involverad i projektet, men beslutade sig för det eftersom hon, till skillnad från hennes andra filmer, inte hade varit involverad sedan början. Iñárritu kontaktade Brad Weston, president för New Regency , som accepterade erbjudandet. När verkställande direktören Claudia Lewis från Searchlight hörde om affären omprövade hon och bad om att få ingå i affären. Searchlight och New Regency hade tidigare arbetat tillsammans för att finansiera 12 Years a Slave, och de bestämde sig för att gå ihop för Birdman och finansierade en budget på 16,5 miljoner dollar.

Weston och Lewis utvecklade en nära relation med Iñárritu, redigerade manuset med honom och bytte några av skådespelarna. När de gick med i produktionen Josh Brolin inställd på att spela rollen som Mike Shiner, men finansiärerna bestämde sig för att byta ut honom till Norton på grund av schemaläggningskonflikter.

Han sa att Nortons erfarenhet som teaterskådespelare, i kombination med hans självförtroende, innebar att "på sätt och vis fanns det någon form av mental verklighet för Edward", men Norton tror att han var den som övertygade Iñárritu att ta honom. Norton var ett fan av regissörens arbete och imponerade av sin förmåga att tänja utanför filmskapande gränser. Norton hörde talas om Iñárritus projekt från en vän. När han väl fick manuset läste han det rakt igenom till 03:00. Norton sa: "Jag skrattade så mycket att jag väckte folk." Norton ville träffa Iñárritu nästa dag, och när de träffades sa Norton till honom att han inte kunde casta någon som var "förkroppsligandet" av det manuset syftade på. Istället behövde regissören casta någon "som har åtminstone lite autentisk djup erfarenhet, i den här världen". Iñárritu höll med.

Amy Ryan, en av de sista skådespelarna som fick roll, var inbjuden eftersom Iñárritu hade sett henne i pjäsen Detroit . Lindsay Duncan hade också stor erfarenhet av teatervärlden och bestämde sig för att acceptera erbjudandet att spela kritikern på grund av manusets kvalitet. "Det är läckert på grund av skrivandet." Men precis som Shiners karaktär tyckte Iñárritu att det var svårt att casta Laura. Riseborough mötte honom i ett gathörn för en kopp te, och när han minns händelsen sa han: "Jag sa till honom att jag skulle krypa över glödande kol för att arbeta med honom". Iñárritu beskrev Laura som "en väldigt knäpp, udda roll", men sa, "när [Andrea Riseborough] gjorde det visste jag att det var hon, för hon gjorde det rätt i tonen, och hon förstod vem hon var - hon var inte döma".

Repetition och filmning

Michael Keaton repeterar en actionsekvens av filmen.

När skrivandet var klart kontaktade Iñárritu vännen och filmfotografen Emmanuel Lubezki för att diskutera hans idé till filmen. Efter att ha läst manuset var Lubezki orolig för att Iñárritu skulle erbjuda honom jobbet eftersom Birdman "hade alla delar av en film som jag inte alls ville göra" – komedi, studioarbete och långfilmer – men ändrade sig efter vidare diskussion med direktören. Paret hade arbetat tillsammans på reklamfilmer och en kortfilm i antologin To Every His Own Cinema, men inte på någon långfilm. Lubezki ville vara säker på att detta var ett beslut som Rodrigo Prieto , filmfotograf för alla fyra av Iñárritus långfilmer, var bekväm med, men efter att ha fått hans välsignelse gick de två in i förproduktion.

Lubezki var orolig över att ingen film hade spelats in på det sätt som Iñárritu tänkt sig, vilket betyder att det inte skulle finnas något referensmaterial att slå upp. De två bestämde sig för att det enda sättet att lära sig att filma skulle vara att filma det själva, så de byggde en proxyscen i Sony Studios i Los Angeles. Inställningen var minimal. Duk och C-ställ användes för väggar, medan tejp och några möbler markerade områden. Med hjälp av en kamera och några stand-ins arbetade duon igenom filmen för att se om det var möjligt. De insåg att ingen teater kunde ta emot det intrikata kameraarbete de behövde, och anlitade Kaufman Astoria Studios i New York. Ändå ville Iñárritu spela in på en Broadway-teater, men skulle behöva vänta tills flera veckor in i repetitionerna innan han säkrade St. James Theatre . De tillbringade sedan några månader med att designa och göra "ritningar" av bilderna och blockera scenerna, med hjälp av stand-ins för att läsa och gå igenom manuset. Planeringen var exakt. Iñárritu sa: "Det fanns inget utrymme att improvisera alls. Varje rörelse, varje rad, varje dörröppning, absolut allt repeterades." Skådespelarna började repetera när detta förarbete var klart: Enligt Lubezki gjorde de scenerna med skådespelarna "när vi väl visste vad scenernas rytm var". Han beskrev det atypiska tillvägagångssättet "som en upp och nervänd film där man gör efterproduktion innan produktionen".

Jag vet att Alejandro är väldigt stenhård när det gäller att hålla kaninen i hatten och inte vara superspecifik om hur den sköts, men jag kommer att säga att det krävdes mycket repetition och det var väldigt specifikt... Det var ingen lyx att klippa den. bort eller redigera runt vad som helst. Du visste att varje scen stannade kvar i filmen, och precis som teater var det här, det här var din chans att leva den här scenen.

— Emma Stone

Redaktörerna Douglas Crise och Stephen Mirrione var involverade i projektet vid detta skede. När Iñárritu berättade för Mirrione att han planerade att Lubezki skulle spela in bordsläsningar och repetitionerna, föreslog han att de skulle redigera dem omedelbart för att tidigt upptäcka vad som fungerade och inte fungerade. Redigeringen gjorde det också möjligt för redaktörerna att diskutera tempofrågor med regissören, som läget för natt-dag-övergångarna och andra stunder av vila i filmen. Produktionsdesignern Kevin Thompson var också på plats och kartlade scenerna. Kameraarbetet krävde att många delar av uppsättningen byggdes på ett visst sätt. Till exempel var Riggans sminkspegel och skrivbord konstruerade så att kameran skulle se hans reflektion. Thompson tog också hänsyn till besättningens behov, till exempel designade trappan lite bredare för Steadicam-operatören Chris Haarhoffs fotstorlek. Han konstruerade sedan en mall av uppsättningen de skulle bygga när de var i New York. Författarna var också involverade i repetitionerna och finjusterade manuset för att "se till att filmen var flytande och aldrig slutade".

St. James Theatre och Kaufman Astoria Studios i New York användes för att filma scenerna och backstagescenerna i Birdman , respektive.

När logistiken för scenerna var utarbetad och de hade tidpunkten nere, begav sig teamet till Kaufman Studios för fler repetitioner, följt av huvudfotografering baserad uteslutande i New York under våren 2013. Studiorna användes för att filma backstageområdena av filmen, inklusive Riggans omklädningsrum och teaterkorridorerna. St. James Theatre användes i två veckor; det var platsen för scenscenerna. Barsegmenten spelades in i The Rum House på 47th Street, och 43rd Street användes för actionsekvensen. Filmen kunde inte spelas in kronologiskt på grund av schemaläggning med teatern. Överallt på platserna, inklusive studion, var scenerna upplysta med naturligt ljus, eftersom Lubezki ville att filmen "skulle se så naturalistisk ut som möjligt". De nattliga scenerna var möjliga att filma på detta sätt på grund av ljusstyrkan i New York. Lubezki tyckte att ljussättningen av scenerna var den svåraste delen av hans arbete med filmen. Belysningen behövde inte bara se realistisk ut, utan den måste också utformas så att kamerans kontinuerliga rörelser inte projicerade besättningens skuggor på skådespelarna.

Under hela fotograferingen användes Arri Alexa- kameror; en Alexa M användes för handhållna sekvenser och en Alexa XT kopplades till Steadicam . Inga använda matta lådor dock. Steadicam-operatören Chris Haarhoff förklarade detta beslut: "Vi ville inte att den här stora svarta saken skulle glida in i deras ögonlinje. På så sätt kunde vi komma väldigt nära och få ljuset förbi linsen och in i skådespelarens ansikte." Lubezki – som gjorde allt det handhållna kameraarbetet – hade valt Alexa M eftersom kameran var väldigt liten och tillät honom att komma in i små utrymmen och nära skådespelarna, ibland filmade två tum (5 cm) från Keatons ansikte. Kameran tillät också inspelning under en så lång period – nödvändig för långa tagningar av filmen – att Lubezki gick så långt som att säga att filmen skulle ha varit omöjlig att göra flera år tidigare. Kamerorna objektiverades med Leica Summilux-C eller Zeiss Master Primes. Lubezki uppgav att dessa gav rena bilder och sa "Du kan ha alla dessa lampor i ramen och de orsakar inte riktigt dåliga överstrålningar eller sådana saker". När det gäller storlekar testade de först en 21mm, men detta gav inte Iñárritu den "intimitet" han ville ha. Besättningen gick istället till en 18 mm Leica, som användes under större delen av filmen. Först när betoning behövdes bytte de objektivet till 14 mm, men detta var sällsynt.

Trots alla förberedelser skulle en typisk skjutdag börja med repetitioner. Dessa pågick vanligtvis större delen av förmiddagen, varefter fotografering följde. Den noggranna timingen för scenerna gjorde att upptagningar ställdes in på grund av minsta missöden. Emma Stone, i en intervju med Jimmy Fallon , påminde om hur en sex minuters tagning av scenen där Riggan först möter Mike förstördes efter att hon gick runt ett hörn för snabbt. Tagningar upprepades också om en scens rytm inte kändes rätt för Iñárritu, eller om han och Lubezki inte var nöjda med en bilds inramning. Allt eftersom inspelningen fortskred, skulle rader av dialog också försvinna, vilket gav Iñárritu fler alternativ under efterproduktion. På grund av detta var antalet tagningar för en given scen högt, vanligtvis 20 för de kortare scenerna, och bilderna gick smidigt runt den femtonde. Chris Haarhoff beskrev det som "en typ av dans där alla förhoppningsvis skulle försöka toppa allt i samma ögonblick". Platserna satte ibland också restriktioner för tagningen; den livesända Times Square-sekvensen spelades bara in två gånger eftersom de inte ville locka turisternas uppmärksamhet.

Närhelst inspelningen ägde rum var det press på alla inblandade, men skådespelarna hade en positiv upplevelse. Norton sa att normalt sett i filmproduktion kan hälften av folket "checka ut" på grund av repetitiva aspekter, men under inspelningen av Birdman , "alla är på, hela grejen, och ni är alla på nålar eftersom ni alla litar på på fyrtio andra personer för att inte tappa bollen”. På grund av detta sa Stone att regissören kunde få ut det bästa ur rollistan och sa att Iñárritus process "skapar den här sortens raseri i dig, och sedan slutar du med att du inser att han bara fick ut så mycket av dig att du gjorde det" vet inte ens att du hade". Naomi Watts kommenterade att atmosfären "kändes emblematisk för hur det känns på scenen - åtminstone mina långa minnen från länge sedan". Andrea Riseborough beskrev samtidigt processen som "underbar", och nämnde hur det var möjligt att höra filmningen av en sekvens på långt håll innan kameran kom, och sedan "magin händer med dig, och sedan lämnar allt dig, och allt är tyst". När de väl genomfört en tagning var det uppenbart för alla inblandade. Norton sa: "Jag har aldrig någonsin varit på ett set där varje dag slutade med ett enormt, autentiskt slags jubel över att ha klarat det. Du väntar på skriket från [Iñárritu], och alla var verkligen upphetsade."

Musik och soundtrack

Huvudartikel: Birdman (soundtrack)

Filmens originalmusiksegment är ett trumpartitur som helt består av solo-jazzslagverk av Antonio Sánchez . Partituret kompenseras av ett antal välkända klassiska musikstycken, inklusive Mahler och Tjajkovskij . Iñárritu ansåg inte det speciella valet av klassiska stycken som viktigt. Icke desto mindre var valet av klassisk musik starkt inriktat på mycket melodiska partitur hämtade övervägande från 1800-talets klassiska repertoar (Mahler, Tchaikovsky, Rachmaninov, Ravel). Iñárritu uppgav att de klassiska komponenterna kommer från pjäsens värld och citerade radion i Riggans rum och själva showen som två källor till musiken. De klassiska musiksegmenten inkluderade också två kompositioner av den amerikanske kompositören John Adams . Flera jazzkompositioner av Victor Hernández Stumpfhauser och Joan Valent uppväger den ursprungliga musikkompositionen av Sánchez. Trumsektionerna utgör dock majoriteten av partituret och komponerades av Sánchez. Iñárritu förklarade valet genom att säga att de hjälpte till att strukturera scener, och att "Trummor, för mig, var ett bra sätt att hitta rytmen i filmen... I komedi är rytmen kung, och att inte ha verktygen att redigera för att bestämma tid och rum, jag visste att jag behövde något för att hjälpa mig hitta filmens inre rytm."

Jazztrummisen Antonio Sánchez komponerade och spelade in partituren till filmen.

Iñárritu kontaktade vännen och jazztrummisen Antonio Sánchez i januari 2013 och bjöd in honom att komponera partituren till filmen. Hans reaktion på att skriva ett soundtrack med enbart trummor liknade Lubezkis tankar på att spela in filmen som en enda tagning: "Det var ett skrämmande förslag eftersom jag inte hade någon referenspunkt för hur man skulle uppnå detta. Det finns ingen annan film jag känner som har en sådan här poäng." Sánchez hade inte heller arbetat på en film tidigare, men efter att ha fått manuset komponerade han "rytmiska teman" för var och en av karaktärerna. Iñárritu letade efter det motsatta tillvägagångssättet, men föredrog spontanitet och improvisation. Sánchez väntade sedan tills produktionen flyttade till New York innan han komponerade mer, där han besökte uppsättningen i ett par dagar för att få en bättre uppfattning om filmen. Efter detta, en vecka före huvudfotograferingen, gick han och Iñárritu till en studio för att spela in några demos. Under dessa sessioner pratade regissören honom först genom scenen och sedan medan Sánchez improviserade vägleda honom genom att räcka upp handen för att indikera en händelse – till exempel en karaktär som öppnar en dörr – eller genom att beskriva rytmen med verbala ljud. De spelade in ett sjuttiotal demos, som Iñárritu använde för att informera om takten i scenerna på uppsättningen, och när inspelningen var klar, skarvade de in dem i det grova snittet. Sánchez sammanfattade processen genom att säga, "Filmen matade på trummorna, och trummorna matade på bildspråket". Det officiella soundtracket släpptes som en CD (77 min) i oktober 2014, och som en LP (69 min) i april 2015. När Academy of Motion Picture Arts and Sciences släppte sin långlista för Oscar för bästa originalmusik i december 2014, Birdman eller (The Unexpected Virtue of Ignorance) var frånvarande på listan. Dagen innan fick Sánchez ett meddelande från priskommittén som förklarade beslutet, med hänvisning till regel femton i 87:e Oscarsprisreglerna, och noterade "det faktum att filmen också innehåller över en halvtimme av icke-originella (mestadels klassiska) musiksignaler som är mycket framträdande i många avgörande ögonblick i filmen gjorde det svårt för kommittén att acceptera ditt bidrag." Sánchez vädjade, och tillsammans med Iñárritu och vicepresidenten för Fox Music skickade de brev till Charles Fox, ordföranden för akademins musikavdelnings verkställande kommitté, och bad att kommittén skulle ompröva deras beslut. En av punkterna de tog upp var att kommittén felaktigt beräknade förhållandet mellan klassisk musik och originalmusik, som efter att ha blivit förtydligad tyckte Sánchez att han var "på riktigt fast mark". Ett svar från Fox den 19 december förklarade dock att ett särskilt möte i musikkommittén hölls, och även om dess medlemmar hade "stor respekt" för partituret och ansåg att det var "superbt", tyckte de att den klassiska musiken "också var används som poängsättning", "bidrar likaså till filmens effektivitet", och att filmens musikaliska identitet skapades av både trummorna och den klassiska musiken. Till slut upphävde de inte sitt beslut. Sánchez sa att han och Iñárritu inte var nöjda med förklaringen.

Postproduktion och visuella effekter

Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) redigerades av Douglas Crise och Stephen Mirrione , som båda hade arbetat med regissören tidigare på 21 Grams and Babel . Att sy ihop bilder var naturligtvis en avgörande komponent i redigeringen, men Crise och Mirrione hade redan erfarenhet av detta. Regissören hade inkluderat bilder som sattes ihop i tidigare filmer, men i dessa om redaktörerna inte tyckte att sömmen fungerade hade de förmågan att införa klipp. Mirrione sa att Iñárritu i Birdman hade "släppt det skyddsnätet". På grund av detta behövde redaktörerna vara involverade i projektet tidigt, och under den huvudsakliga fotograferingen var Crise på inspelningsplatsen varje dag. (Mirrione var upptagen och kunde inte vara i New York.) Crise var inte van vid att vara på inspelningsplatsen och ge feedback, men sa att han var glad att Iñárritu "drade ut det" ur honom, i vetskapen om att de inte skulle ha mycket utrymme att fixa scener senare så de behövde få dem rätt. När det gäller sömmar, förutom regissören, diskuterade Crise också strategier med Lubezki och Thompson, och tekniker för limning inkluderar panorering på väggar och skådespelares kroppar. Redaktörerna var vana vid att kunna justera rytmen i en scen genom placeringen av klipp, så utan detta verktyg använde Sánchez musik istället. Regissören gav New York-inspelningarna till Crise tidigt för att hjälpa till med tempot och bad honom att klippa musiken till filmen. Ändå, när det gäller redigeringsarbetsflödet, beskrev Crise det som "ganska traditionellt". Redaktörerna klippte ihop filmen tillbaka i Los Angeles. Några veckor efter fotograferingen var de ganska långt längs själva skärningen och övergick till visuellt effektläge, där de finjusterade bilderna.

De pratar alltid om att när du klipper en dansscen, skulle en koreograf inte vilja ha några klipp eftersom hon designar något för att se hela rörelsen, och det är vad Alejandro gjorde här.

– Stephen Mirrione

De visuella effekterna för filmen skapades av den Montreal-baserade studion Rodeo FX . De tillbringade fyra månader med att arbeta på filmen, och enligt övervakaren för visuella effekter Ara Khanikian "berörde visuella effekter 90 % av bildrutorna i filmen". Mycket av arbetet var subtilt. Till exempel att sy ihop bilder eller skapa bakgrunden för fönstren i sjukhusscenen. Många bilder i filmen har speglar, och mycket arbete lades ner på att ta bort besättningens reflektioner från dessa. För att åstadkomma detta skapade studion en 2.5D digital matt målning av den reflekterade miljön. De rotoskoperade sedan de delar av spegeln som inte innehöll förgrundsaktörerna och deras reflektioner och ersatte dessa med den digitala miljön. Några av originalbilderna fångade fläckar och smuts på speglarna, så studion utvecklade ett sätt att extrahera dem så att de kunde klistra in dem i filmen igen. En matt målning konstruerades även för nattens tidsförluster i filmen, skapad genom att matcha och reprojicera bilder av byggnaderna som den innehåller, fångade vid olika tidpunkter på dagen, tillsammans. Rodeo FX justerade också farten i scenerna. Iñárritu krävde en "mycket exakt rytm och flöde" till filmen, så studion var tvungen att snabba om mycket av den med timewarp -kurvor för att passa den takt regissören önskade.

Till skillnad från vissa av de mindre justeringarna krävde flygsekvensen omfattande förberedelser. Iñárritu tillbringade tre veckor med Halon Entertainment för att previsualisera sekvensen. I New York använde Lubezki sedan koreografin från previsualiseringen för att fotografera bakgrundsplattor för sekvensen, med hjälp av en kamerakran på en lastbil. När dessa togs hade Lubezki monterat fyra GoPro- kameror på filmkamerans lins för att fånga ljusmiljön runt honom. Senare, på en greenstage i Montreal, med hjälp av en teknik som han hade utvecklat på Gravity , tände Lubezki Keaton med LED-paneler med bilder med högt dynamiskt omfång av de omgivande New York-filmerna. Panelerna tände sedan realistiskt på Keaton. Khanikian beskrev effekten av processen och sa: "Istället för att använda standardbelysning på greenscreen, [fick vi] den rätta röda studsen från de röda tegelstenarna, och samma färg på himlen reflekterades på Michaels huvud. Det fungerade så bra. " Rodeo FX avslutade sedan de sista skotten. Sekvensen var det sista stycket som redaktörerna infogade i filmen. Mirrione kommenterade att innan sekvensen var klar, hade de "bara föreställt sig hur det skulle kännas", men när det väl var färdigt, "tog det filmen till denna extatiska nivå som absolut blåste bort mig".

Ljuddesignen för filmen sköttes av Martín Hernández, som har arbetat med alla regissörens långfilmer. Produktionsljudet som hans team fick var "förvånansvärt perfekt och rent", så de behövde inte lägga mycket tid på att städa det. Bristen på visuella klipp i filmen innebar dock ett avsteg från det vanliga sättet som Hernández redigerade ljud. "Vanligtvis gillar Alejandro, som han kallar det, "krockandet av ljuden". Kameran ändrar vinkel inom scenen och det sker en förändring av allt – bakgrunder, textur, dialog. Uppenbarligen skulle det inte fungera på Birdman eftersom här , allt flyter på." Dessutom behövde ljudet av objekt i filmen koordineras med deras position på skärmen, en icke-trivial uppgift, eftersom kameran nästan alltid rörde sig. Hernández hjälpte också till att klippa Sánchez spår, välja ut och redigera ögonblick från New York-inspelningarna mot filmen. När spåren spelades in igen i Los Angeles, för att "få distans, närhet och resonans" använde teamet trettiotvå mikrofoner för varje tagning. Hernández beskrev jobbet som "galet". En stor utmaning med efterproduktionens ljudverk var att designa teaterpublikens ljud, särskilt i scenen när Mike är full och kommer ur karaktär. Iñárritu visste hur han ville att publiken skulle svara, men att ta reda på ljudet av deras reaktion tog fyra månaders arbete från fem ljuddesigners. Hernández sa att han trodde, för en film i allmänhet, att berättelsen som skapas av ljud "provocerar fram fler 'explosioner'" än den som skapas av bilder, och att i Birdman, "Alejandro har ljud som exploderar genom hela filmen " .

Den digitala intermediären slutfördes av ett team på Technicolor ledd av Steven Scott. De hade tidigare samarbetat med Lubezki om Gravity , men behövde närma sig Birdman annorlunda på grund av den kontinuerliga skottmetoden. Enligt Scott, "har vi aldrig gjort något liknande förut". Färgtimingen måste göras på ett sådant sätt att övergångarna mellan färgkorrigerade miljöer var osynliga, till skillnad från en vanlig film där övergångarna sammanfaller med synliga skärningar . För att göra detta satte teamet in sina egna snitt när kameran stod stilla, och mitt i panorering och andra kamerarörelser. De utarbetade sedan ett sätt att färgkorrigera de stationära snitten och förvandla de rörliga snitten till en form av upplösning, så att de kunde "göra alla dessa oberoende, galna, komplicerade färgkorrigeringar som skulle flyta organiskt från en till en annan". Att sätta in dissolves krävde rotoskoperingsmetoder som programvaran Scott och hans team använde inte hade, men ett företagsavtal mellan Technicolor och mjukvarans utvecklare ledde till skapandet av ett verktyg som Scott krävde. För själva färgtimingen var en av teamets prioriteringar att göra ansiktena så dimensionella och läsbara som möjligt. Detta krävde bland annat att ansikten framhävdes, men det rörliga kameraarbetet gjorde att mattorna som användes i denna process måste animeras för hand. Lubezki skulle ge anteckningar om de områden han ville spåra, sedan skulle teamet utföra animationerna. Av hela processen påpekade Iñárritu att "alla var utanför sin komfortzon", medan Scott sa att det var det mest utmanande DI-projektet i hans karriär.

Analys och teman

magical realism Regissören har betonat och försvarat de olika oklarheter som avsiktligt ingår i filmen: "I slutet av filmen kan [den] tolkas på lika många sätt som det finns platser på teatern." Många aspekter av filmteorin diskuterades angående filmen av kritiska recensioner som inkluderade, bland andra ämnen, (a) filmgenre ; (b) avsedda och olösta tvetydigheter i handlingen ; och (c) det komplexa samspelet mellan Riggans personliga liv och hans yrkesliv som skådespelare . En kort lista över de olika former av filmgenre som är förknippade med filmen har inkluderat att den alternativt hänvisas till som en film med svart humor, en film om mental hälsa, en film om realism/surrealism/magisk realism, en parodifilm med mörk <a i=11>humor . , en film om psykologisk realism, ett misslyckat inhemskt försoningsdrama eller en film om teatralisk realism och naturalism. Iñárritu har behållit sin förkärlek, välkänd för anhängare av hans tidigare filmer, för att medvetet inkludera flera handlingslinjer i denna film som avsiktligt lämnas olösta i slutet. Separata recensioner i pressen har också sammanfattat filmen som nära förknippad med temat för den slutliga slutspindeln av en sen midlivskris i livet för en skådespelare som söker avslutning och upplösning i sitt offentliga och privata liv.

Far-dotter-teman i filmen, porträtterade genom förhållandet mellan Riggan och Samantha, var de "svårast" och viktigaste delarna av filmen att skildra för medförfattarna Dinelaris och Giacobone, eftersom de båda hade liknande upplevelser inom sina familjer som involverade sina egna relationer med sina döttrar. När författarna tillfrågades om innebörden av det tvetydiga slutet som regissören vägrade kommentera, uppgav de att varje komiskt slut var helt uteslutet. Författarna uppgav också att reflektioner kring filmens slutsats inte var direkt koncentrerade på Riggan eller Birdmans karaktär så mycket som på livet för de överlevande karaktärerna som porträtterades i filmen, i synnerhet porträtteringen av Riggans dotter Samantha.

First Things noterar den tematiska dragningen mellan Riggans galenskap eller faktiska superkrafter, och skriver att "vikten av dessa krafter – verkliga eller inbillade – är uppenbar: de är för Riggan saken bortom etiketterna, kärnan i hans geni och, eftersom han ser att dra på dem som slutförsäljning, källan till hans stora ångest." LaCouter drar slutsatsen att "den här filmens egendomliga djuphet ligger i hur den vågar tittaren att tänka på den vardagliga magin som vi tenderar att ignorera, förtränga eller ogillas".

Kritikerna Barbara Schweizerhof och Matthew Pejkovici ser filmens centrala tema som en satirisk kritik av samtida teatralisk realism, där Pejkovici jämför med Fellinis film 8½ (1963). Som Pejkovici säger: "Mycket som Fellinis klassiker 8½ från 1960[sic] är Iñárritu's Birdman en mycket intim film om en konstnärs sjukdomskänsla, men ändå episk, nyskapande och ambitiös till sin inställning. Iñárritu fångar konstnärens kamp mellan ambition, beundran och kändisskap. med enastående omfattning och skicklighet i form av ett en-tag-format, när hans kamera sveper genom korridorerna bakom scenen, över scenen, ut på de livliga gatorna i NYC och tillbaka igen på ett hisnande sätt."

Tematiskt jämförde Richard Brody den också med Opening Night (1977) av John Cassavetes . Brody sa att skådespelarna spelade i "den sorts moderna naturalism, utan excentricitet av gester, överdrivet uttryck eller ökad och formalistisk precision, det är den moderna filmens affärs-casual". The Wall Street Journals Caryn James jämförde historien med Don Quijote (som tror sig vara en riddare), eftersom huvudpersonen tror att han är en superhjälte (motsvarande en riddare på 2000-talet). Detta förhållande lyftes också fram av den vetenskapliga litteraturen.

Släpp

Birdman valdes ut som öppningsfilm för den 71:a Venedigs internationella filmfestival tillsammans med Mohsen Makhmalbafs nya film. En begränsad premiär började på fyra nordamerikanska biografer den 17 oktober 2014, följt av en rikstäckande premiär på 857 biografer den 14 november 2014.

Biljettkassan

Birdman tjänade 42,3 miljoner dollar i Nordamerika och 60,9 miljoner dollar i andra territorier, för totalt 103,2 miljoner dollar över hela världen, mot en budget på cirka 17 miljoner dollar.

Filmen tjänade 424 397 $ under den begränsade premiären i Nordamerika på fyra biografer i New York och Los Angeles helgen den 17 oktober 2014, ett genomsnitt per teater på 106 099 $, vilket gör den till den 18:e vinnaren genom tiderna (åttonde bland live-action) filmer) och ranking nr 20. Den andra helgen den 24 oktober 2014 utökade Birdman till 50 biografer och tjänade 1,38 miljoner USD, vilket motsvarar ett genomsnitt på 27 593 USD per teater. Filmen utökades rikstäckande till 857 biografer helgen den 14 november 2014 och samlade in 2 471 471 $, med ett genomsnitt per biograf på 2 884 $ och rankades som nr 10. Samma helg tjänade Birdman 11,6 miljoner dollar.

Filmen hade premiär i Mexiko den 13 november 2014 och tjänade 628 915 USD under öppningshelgen och premiär i Storbritannien den 2 januari 2015 och tjänade 2 337 407 USD under helgen. I Storbritannien, Australien och Italien samlade filmen in $7,6 miljoner, $3,97 miljoner respektive $1,97 miljoner.

Kritisk respons

På webbplatsen Rotten Tomatoes för recensionssamling har filmen ett godkännandebetyg på 91 %, baserat på 351 recensioner, och ett genomsnittligt betyg på 8,50/10. Webbplatsens kritiska konsensus lyder: "Ett spännande steg framåt för regissören Alejandro González Iñárritu, Birdman är en ambitiös teknisk showcase som drivs av en skiktad berättelse och enastående prestationer från Michael Keaton och Edward Norton." På Metacritic fick filmen ett viktat medelpoäng på 87 av 100, baserat på 58 kritiker, vilket tyder på "universell hyllning". Publiken som undersöktes av CinemaScore gav filmen ett medelbetyg på "A−" på en A+ till F-skala. 2015 utsågs filmen till en av de 50 bästa filmerna under årtiondet hittills av The Guardian .

Framträdandena av (vänster till höger) Michael Keaton , Edward Norton och Emma Stone hyllades alla av kritiker och nominerades till Oscarsgalan .

Margaret Pomeranz och David Stratton från At the Movies berömde filmens författarskap, regi, framträdanden och film. Stratton beskrev också genomförandet av slagverksmusiken som "riktigt spännande", medan Pomeranz sammanfattade: "Det är bara riktigt vackert skrivet och fantastiskt framfört och vackert gjort." Paret gav båda filmen fem stjärnor, vilket gjorde Birdman till den enda filmen som fick ett sådant betyg från programledarna 2014. I The New York Times jämförde Manohla Dargis huvudpersonen med Icarus , den grekiska mytologiska figuren som kraschade till sin död efter flyger för nära solen. Hon noterade också en hänvisning till Susan Sontag 's Against Interpretation i omklädningsrummets spegel.

Richard Kolker jämförde filmen med både Alfred Hitchcocks rep ( 1948) och Alexander Sokurovs ryska ark (2002). Kolker drar slutsatsen att Birdman är "en film om skådespeleri, identitet, transformation och de mystiska effekterna av superhjältar, (och) är filmad för att skapa illusionen av att göras i en kontinuerlig tagning. Liksom med Rope är redigeringarna dolda , och Resultatet är en rytmisk bild genom livet för en skådespelare på jakt efter sig själv, ett sökande som är dömt från början." Ollie Cochran kallade filmen "en amalgam av teknisk skicklighet, hypnotiserande bilder och pragmatiskt insiktsfull dialog", och trodde att den var "ett tankeväckande, energiskt perspektiv på en blekande skådespelare som vill återuppliva sin karriär."

Det internationella mottagandet av filmen var också på en hög nivå av beröm. I Tyskland gav ett filmbetyg på EPD Film filmen 3,4 av 5, baserat på sju kritiker. Den tyska kritikern Barbara Schweizerhof gav filmen 4 av 5 möjliga stjärnor, vilket komplimenterade regissörens satiriska virtuositet när han gjorde filmen. I sin recension talade Schweizerhof om filmen som en inbjudan till tittaren att se den igen "en andra och tredje gång", och berömde den tekniska prestationen att representera en handling som skildrar "den febriga strömmen av medvetande" av dess huvudperson under hela filmen .

Kameraarbetet, som skildrar det mesta av filmen som en kontinuerlig tagning, möttes av omfattande hyllningar för dess utförande och användning. Skådespeleriet fick mycket beröm, särskilt Keatons, och Peter Debruge från Variety kallade föreställningen "århundradets comeback". Debruge beskrev filmen som "en självmedveten showbiz-satir", och kallade den "en triumf på alla kreativa nivåer". Robbie Collin från The Daily Telegraph betygsatte filmen 5/5 och gav särskilt beröm åt användningen av långfilmer av Emmanuel Lubezki, fotografichef. Richard Roeper gav filmen ett "A" och skrev att Keaton gjorde ett allvarligt argument för en Oscar för bästa skådespelare- nominering (vilket Keaton senare uppnådde).

Richard Brody skrev för The New Yorker och kallade filmen "Godardian" och jämförde den med Pierrot le Fou (1965), Every Man for Himself (1980), Alphaville (1965) och Germany Year 90 Nine Zero (1991), fyra klassiska filmer av den franske regissören Jean-Luc Godard . Han föreslog dock att filmen inte nådde samma filmiska mästerskap och tillade, "det är inte en bra idé för en filmskapare att komma i ringen med Mr. Godard". I sina kritiska kommentarer om filmen drog han slutsatsen att filmen "handlade[d] på lättsamma, tillfälliga dikotomier av teater kontra film och konst kontra handel" och "levererade ett verk av fullständigt välbekant och original drama". I en annan recension i The New Yorker, som kompletterade recensionen av Brody separat, avvisade Anthony Lane filmens förslag att filmkritiker är ute efter att förstöra filmer och förklarade: "Någon kunde ha sagt till Iñárritu att kritiker, även om de ofta menar, inte är det i förebyggande syfte, och att vem som helst som skulle säga, som Tabitha gör, "jag kommer att förstöra din pjäs", innan han faktiskt såg den, inte skulle stanna länge i jobbet."

Vissa recensioner var negativa. Richard Lawson från Vanity Fair kallade filmen "hoary" och "bedrägligt enkel". Scott Tobias, som skrev för The Dissolve , gav filmen 1,5 stjärnor. Han lovordar Lubezkis film för att ha lyckats "fånga tittarna i en tryckkokaratmosfär när Riggan och hans spelare kämpar för att hålla ihop det", men antyder att Iñárritu är "okapabel till modulering" och att det finns "en surhet för Birdman att Iñárritu kan inte förvandlas till kvickhet".

Utmärkelser

Huvudartikel: Lista över utmärkelser mottagna av Birdman (film)

Vid den 87:e Oscarsgalan vann Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) fyra Oscars : Bästa film , Bästa regissör , ​​Bästa originalmanus och Bästa film . Michael Keaton nominerades för bästa manliga huvudroll , Edward Norton och Emma Stone nominerades i kategorierna för bästa biroll, och den fick även nomineringar för ljudredigering och ljudmixning.

Keaton fick sin första Golden Globe Award och vann för bästa skådespelare i en film – musikal eller komedi vid 72:a Golden Globe Awards . Filmen vann även Golden Globe Award för bästa manus .

Topp tio listor

Birdman eller (The Unexpected Virtue of Ignorance) fanns med på många kritikers topp tio-listor.

Anteckningar

externa länkar

Hämtad från " https://sv.wikipedia.org/w/index.php?title=Birdman_(film)&oldid=1142007045 "