Art déco

Den här artikeln handlar om konststilen. För annan användning, se Art Deco (disambiguation) .

Art déco
Chrysler Building 1 (4684845155).jpg
Chicago world's fair, a century of progress, expo poster, 1933, 2.jpg
Victoire 2 by Rene Lalique Toyota Automobile Museum.jpg
Uppifrån och ned: Chrysler Building i New York City (1930); affisch för Chicago World's Fair av Weimer Pursell (1933); och huvprydnad Victoire av René Lalique (1928)
Antal aktiva år c. 1910–1949
Land Global

Art Deco , förkortning för French Arts Décoratifs , och ibland bara kallad Deco , är en stil inom bildkonst, arkitektur och produktdesign , som först dök upp i Frankrike på 1910-talet (strax före första världskriget ), och blomstrade i USA stater och Europa under 1920- och 1930-talen. Genom styling och design av exteriören och interiören av allt från stora strukturer till små föremål, inklusive hur människor ser ut (kläder, mode och smycken), har Art Deco påverkat broar, byggnader (från skyskrapor till biografer), fartyg, oceanångare , tåg , bilar, lastbilar, bussar, möbler och vardagsföremål som radioapparater och dammsugare.

Den fick sitt namn efter 1925 års Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Internationell utställning för modern dekorativ och industriell konst) som hölls i Paris .

Art Deco kombinerade moderna stilar med fint hantverk och rika material. Under sin storhetstid representerade den lyx, glamour, överflöd och tro på sociala och tekniska framsteg.

Från början var art déco influerad av de djärva geometriska formerna av kubismen och Wiens utbrytning ; fauvismens och Ballets Russes ljusa färger ; det uppdaterade hantverket av möbler från Louis XVI och Louis Philippe I:s epoker ; och de exotiserade stilarna i Kina , Japan , Indien , Persien , det antika Egypten och Mayakonsten . Den innehöll sällsynta och dyra material, som ebenholts och elfenben, och utsökt hantverk. Empire State Building , Chrysler Building och andra skyskrapor i New York City byggda under 1920- och 1930-talen är monument över stilen.

På 1930-talet, under den stora depressionen , blev art déco mer dämpad. Nya material anlände, inklusive kromplätering , rostfritt stål och plast. En elegantare form av stilen, kallad Streamline Moderne , dök upp på 1930-talet, med böjda former och släta, polerade ytor. Art Deco är en av de första riktigt internationella stilarna, men dess dominans slutade med början av andra världskriget och uppkomsten av de strikt funktionella och osmyckade stilarna inom modern arkitektur och den internationella arkitekturstilen som följde.

Etymologi

Art Déco tog sitt namn, en förkortning för arts décoratifs , från Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes som hölls i Paris 1925, även om de olika stilar som kännetecknade den redan hade dykt upp i Paris och Bryssel före första världskriget .

Arts décoratifs användes första gången i Frankrike 1858 i Bulletin de la Société française de photographie . 1868 Le Figaro termen objets d'art décoratifs för föremål för scenscener skapade för Théâtre de l'Opéra . År 1875 fick möbeldesigners, textil, juvelerare, glasarbetare och andra hantverkare officiellt status som konstnärer av den franska regeringen. Som svar döptes École royale gratuite de dessin (Royal Free School of Design), som grundades 1766 under kung Ludvig XVI för att utbilda konstnärer och hantverkare i hantverk relaterade till de sköna konsterna, till École nationale des arts décoratifs ( National School of Decorative konst). Den fick sitt nuvarande namn, ENSAD ( École nationale supérieure des arts décoratifs ), 1927.

På 1925 års utställning skrev arkitekten Le Corbusier en serie artiklar om utställningen för sin tidskrift L'Esprit Nouveau , under titeln "1925 EXPO. ARTS. DÉCO.", som kombinerades till en bok, L'art décoratif d' aujourd'hui (dekorativ konst idag). Boken var en livlig attack mot överdrifterna av de färgstarka, påkostade föremålen på utställningen, och på tanken att praktiska föremål som möbler inte skulle ha någon dekoration alls; hans slutsats var att "Modern dekoration har ingen dekoration".

Den egentliga termen art déco förekom inte i tryck förrän 1966, i titeln på den första moderna utställningen i ämnet, som hölls av Museum of Decorative Arts i Paris, Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , som täckte mångfalden av stora stilar på 1920- och 1930-talen. Termen användes sedan i en tidningsartikel 1966 av Hillary Gelson i The Times (London, 12 november), som beskrev de olika stilarna på utställningen.

Art Deco fick valuta som en brett tillämpad stiletikett 1968 när historikern Bevis Hillier publicerade den första stora akademiska boken om den, Art Deco från 20- och 30-talen . Han noterade att termen redan användes av konsthandlare, och citerar The Times (2 november 1966) och en essä som heter Les Arts Déco i tidskriften Elle (november 1967) som exempel. 1971 organiserade han en utställning på Minneapolis Institute of Arts , som han beskriver i sin bok The World of Art Deco .

Ursprung

Föreningen för dekorativa konstnärer (1901–1945)

Framväxten av art déco var nära förknippad med ökningen av statusen för dekorativa konstnärer, som fram till slutet av 1800-talet ansågs helt enkelt som hantverkare. Termen konstdekoratifs hade uppfunnits 1875, vilket gav formgivarna av möbler, textilier och annan dekoration officiell status. Société des artistes décorateurs (Society of Decorative Artists), eller SAD, grundades 1901, och dekorativa konstnärer fick samma författarrätt som målare och skulptörer. En liknande rörelse utvecklades i Italien. Den första internationella utställningen som helt ägnas åt dekorativ konst, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , hölls i Turin 1902. Flera nya tidskrifter ägnade dekorativ konst grundades i Paris, inklusive Arts et décoration och L'Art décoratif moderne . Sektioner för dekorativ konst introducerades i de årliga salongerna i Sociéte des artistes français, och senare i Salon d'Automne . Fransk nationalism spelade också en roll i återuppkomsten av dekorativ konst, eftersom franska designers kände sig utmanade av den ökande exporten av billigare tyska möbler. 1911 föreslog SAD en stor ny internationell utställning av dekorativ konst 1912. Inga kopior av gamla stilar skulle tillåtas, bara moderna verk. Utställningen sköts upp till 1914; och sedan, på grund av kriget, fram till 1925, då den gav sitt namn till hela familjen av stilar som kallas "Déco".

Parisiska varuhus och modedesigners spelade också en viktig roll i uppkomsten av art déco. Framstående företag som silverföremålsfirman Christofle , glasdesignern René Lalique och juvelerarna Louis Cartier och Boucheron började designa produkter i modernare stilar. Från och med 1900 rekryterade varuhus dekorativa konstnärer för att arbeta i sina designstudior. Utsmyckningen av Salon d'Automne från 1912 anförtroddes varuhuset Printemps och det året skapade det sin egen verkstad, Primavera . År 1920 Primavera mer än 300 konstnärer, vars stilar sträckte sig från uppdaterade versioner av Louis XIV , Louis XVI , och särskilt Louis Philippe -möbler tillverkade av Louis Süe och Primavera -verkstaden, till mer moderna former från verkstaden i varuhuset Au Louvre . Andra designers, inklusive Émile-Jacques Ruhlmann och Paul Follot, vägrade att använda massproduktion och insisterade på att varje del skulle göras individuellt. Den tidiga art déco-stilen innehöll lyxiga och exotiska material som ebenholts , elfenben och siden, mycket ljusa färger och stiliserade motiv , särskilt korgar och buketter med blommor i alla färger, vilket ger ett modernistiskt utseende.

Vienna Secession och Wiener Werkstätte (1897–1912)

Arkitekterna från Wien-secessionen (bildad 1897), särskilt Josef Hoffmann , hade ett anmärkningsvärt inflytande på art déco. Hans Stoclet-palats , i Bryssel (1905–1911), var en prototyp av art déco-stilen, med geometriska volymer, symmetri, raka linjer, betong täckt med marmorplattor, fint skulpterad prydnad och påkostade interiörer, inklusive mosaikfriser av Gustav Klimt . Hoffmann var också grundare av Wiener Werkstätte (1903–1932), en sammanslutning av hantverkare och inredningsarkitekter som arbetade i den nya stilen. Detta blev modellen för Compagnie des arts français , skapad 1919, som samlade André Mare och Louis Süe , de första ledande franska art déco-designerna och dekoratörerna.

Nya material och tekniker

Nya material och teknologier, särskilt armerad betong , var nyckeln till utvecklingen och utseendet av art déco. Det första betonghuset byggdes 1853 i Paris förorter av François Coignet . 1877 Joseph Monier idén att förstärka betongen med ett nät av järnstänger i ett grillmönster. År 1893 Auguste Perret det första betonggaraget i Paris, sedan ett hyreshus, hus, sedan, 1913, Théâtre des Champs-Élysées . Teatern fördömdes av en kritiker som "Zeppelin of Avenue Montaigne", ett påstått germanskt inflytande, kopierat från Vienna Secession . Därefter gjordes flertalet art déco-byggnader av armerad betong, vilket gav större formfrihet och mindre behov av förstärkning av pelare och pelare. Perret var också en pionjär när det gällde att täcka betongen med keramiska plattor, både för skydd och dekoration. Arkitekten Le Corbusier lärde sig först användningen av armerad betong som tecknare i Perrets ateljé.

Andra nya tekniker som var viktiga för Art Deco var nya metoder för att tillverka plattglas, som var billigare och tillät mycket större och starkare fönster, och för masstillverkning av aluminium, som användes för byggnader och fönsterkarmar och senare av Corbusier, Warren McArthur och andra för lätta möbler.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Huvudartikel: Théâtre des Champs-Élysées
Antoine Bourdelle , 1910–12, Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (Apollon och hans meditation omgiven av de 9 muserna), basrelief, på Théâtre des Champs-Élysées. Detta verk representerar ett av de tidigaste exemplen på vad som blev känt som art déco-skulptur

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913), av Auguste Perret , var den första landmärke Art Deco-byggnaden som färdigställdes i Paris. Tidigare armerad betong endast använts för industri- och flerfamiljshus, Perret hade byggt det första moderna hyreshuset i armerad betong i Paris på rue Benjamin Franklin 1903–04. Henri Sauvage , en annan viktig framtida art déco-arkitekt, byggde en annan 1904 på 7, rue Trétaigne (1904). Från 1908 till 1910 arbetade den 21-årige Le Corbusier som tecknare på Perrets kontor och lärde sig teknikerna för betongkonstruktion. Perrets byggnad hade ren rektangulär form, geometrisk utsmyckning och raka linjer, art décos framtida varumärken. Teaterns inredning var också revolutionerande; Fasaden dekorerades med höga reliefer av Antoine Bourdelle , en kupol av Maurice Denis , målningar av Édouard Vuillard och en art déco-gardin av Ker-Xavier Roussel . Teatern blev känd som platsen för många av de första föreställningarna av Ballets Russes . Perret och Sauvage blev de ledande art déco-arkitekterna i Paris på 1920-talet.

Salon d'Automne (1903–1914)

Huvudartikel: Salon d'Automne

Vid dess födelse mellan 1910 och 1914 var Art Deco en explosion av färger, med ljusa och ofta krockande nyanser, ofta i blommönster, presenterade i möbelklädsel, mattor , skärmar, tapeter och tyger. Många färgglada verk, inklusive stolar och ett bord av Maurice Dufrêne och en ljus Gobelin-matta av Paul Follot, presenterades på Salon des artistes décorateurs 1912 . 1912–1913 tillverkade designern Adrien Karbowsky en blommig stol med papegojdesign för konstsamlaren Jacques Doucets jaktstuga . Möbeldesignerna Louis Süe och André Mare gjorde sitt första framträdande på utställningen 1912, under namnet Atelier français , och kombinerade polykromatiska tyger med exotiska och dyra material, inklusive ebenholts och elfenben. Efter första världskriget blev de ett av de mest framstående franska inredningsföretagen, och producerade möblerna för de förstklassiga salongerna och hytterna för de franska transatlantiska oceanfartygen .

De livliga nyanserna av art déco kom från många källor, inklusive de exotiska scenografierna av Léon Bakst för Ballets Russes , som väckte sensation i Paris strax före första världskriget. Några av färgerna inspirerades av den tidigare fauvismrörelsen ledd av Henri Matisse ; andra av orphism av målare som Sonia Delaunay ; andra av rörelsen känd som Les Nabis , och i verk av symbolistmålaren Odilon Redon, som designade spisskärmar och andra dekorativa föremål. Ljusa nyanser var ett inslag i modedesignern Paul Poirets arbete , vars arbete påverkade både art déco-mode och inredning.

Kubism

Joseph Csaky , 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche) , originalgips, utställd på 1912 Salon d'Automne och 1914 Salon des Indépendants , en Proto-Art Deco-skulptur

Konströrelsen känd som kubismen dök upp i Frankrike mellan 1907 och 1912 , vilket påverkade utvecklingen av art déco. I Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s Alastair Duncan skriver "Kubism, i någon bastardiserad form eller annan, blev lingua franca för erans dekorativa konstnärer." Kubisterna, själva under inflytande av Paul Cézanne , var intresserade av förenklingen av former till deras geometriska väsentligheter: cylindern, sfären, konen.

År 1912 ställde konstnärerna i Section d'Or ut verk som var betydligt mer tillgängliga för allmänheten än Picassos och Braques analytiska kubism. Den kubistiska vokabulären var redo att locka mode, möbler och inredningsdesigners.

André Veras skrifter från 1912 , i Le Nouveau-stil , publicerade i tidskriften L'Art décoratif , uttryckte förkastandet av art nouveau- former (asymmetriska, polykroma och pittoreska) och efterlyste simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie , teman som så småningom skulle bli vanliga inom art déco; även om Deco-stilen ofta var extremt färgstark och ofta komplex.

I Art Décoratif- delen av Salon d'Automne 1912 visades en arkitektonisk installation känd som La Maison Cubiste . Fasaden ritades av Raymond Duchamp-Villon . Inredningen i huset var av André Mare . La Maison Cubiste var en möblerad installation med en fasad, en trappa, räcken i smidesjärn, ett sovrum, ett vardagsrum – Salon Bourgeois , där målningar av Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger och Roger de La Fresnaye hängdes. Tusentals åskådare på salongen passerade genom fullskalig modell.

Husets fasad, ritad av Duchamp-Villon, var inte särskilt radikal med moderna mått mätt; överliggarna och frontonerna hade prismatiska former, men i övrigt liknade fasaden ett vanligt hus från perioden. Till de två rummen designade Mare tapeten, som innehöll stiliserade rosor och blommönster, tillsammans med klädsel, möbler och mattor, allt med flamboyanta och färgglada motiv. Det var en distinkt paus från traditionell inredning. Kritikern Emile Sedeyn beskrev Mares arbete i tidningen Art et Décoration : "Han skämmer inte ut sig själv med enkelhet, för han förökar blommor varhelst de kan placeras. Den effekt han söker är uppenbarligen en av pittoreska och munterhet. Han uppnår det." Det kubistiska inslaget gavs av målningarna. Installationen attackerades av vissa kritiker som extremt radikal, vilket bidrog till dess framgång. Denna arkitektoniska installation ställdes senare ut på Armory Show 1913 , New York City, Chicago och Boston. Till stor del tack vare utställningen började termen "kubistisk" appliceras på allt modernt, från damklippning till kläder till teaterföreställningar."

Det kubistiska inflytandet fortsatte inom Art Deco, även när Deco förgrenade sig i många andra riktningar. År 1927 samarbetade kubisterna Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , skulptören Gustave Miklos och andra i utsmyckningen av ett studiohus, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , ritat av arkitekten Paul Ruaud och ägs av den franske modedesignern Jacques Doucet, också en samlare av postimpressionistisk konst av Henri Matisse och kubistiska målningar (inklusive Les Demoiselles d'Avignon, som han köpte direkt från Picassos ateljé). Laurens designade fontänen, Csaky designade Doucets trappa, Lipchitz gjorde spismanteln och Marcoussis gjorde en kubistisk matta.

Förutom de kubistiska konstnärerna tog Doucet in andra Deco-inredningsarkitekter för att hjälpa till med att dekorera huset, inklusive Pierre Legrain, som var ansvarig för att organisera dekorationen, och Paul Iribe , Marcel Coard, André Groult , Eileen Gray och Rose Adler för att tillhandahålla möbler . Inredningen inkluderade massiva delar gjorda av ebenholts macassar, inspirerade av afrikansk konst, och möbler täckta med marockanskt läder, krokodilskinn och ormskinn, och mönster hämtade från afrikansk design.

Kubismens fördomsfulla geometri blev rikets mynt på 1920-talet. Art Decos utveckling av kubismens selektiva geometri till ett bredare utbud av former förde kubismen som en bildlig taxonomi till en mycket bredare publik och bredare tilltal. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art)

Influenser

Art Deco var inte en enda stil, utan en samling av olika och ibland motsägelsefulla stilar. Inom arkitekturen var art déco efterföljaren till och reaktionen mot jugendstilen, en stil som blomstrade i Europa mellan 1895 och 1900, och som också gradvis ersatte Beaux- Arts och nyklassicismen som var dominerande i europeisk och amerikansk arkitektur. År 1905 skrev och publicerade Eugène Grasset Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, där han systematiskt utforskade de dekorativa (prydnadsmässiga) aspekterna av geometriska element, former, motiv och deras variationer, i kontrast till (och som ett avsteg från) den böljande konsten Nouveau-stil av Hector Guimard , så populär i Paris några år tidigare. Grasset betonade principen att olika enkla geometriska former som trianglar och kvadrater är grunden för alla kompositionsarrangemang. Auguste Perrets och Henri Sauvages armerade betongbyggnader, och särskilt Théâtre des Champs-Élysées , erbjöd en ny form av konstruktion och dekoration som kopierades över hela världen.

Inom dekoration lånades och användes många olika stilar av Art Deco. De inkluderade förmodern konst från hela världen och kan observeras på Musée du Louvren , Musée de l'Homme och Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie . Det fanns också ett populärt intresse för arkeologi på grund av utgrävningar i Pompeji , Troja , och graven av den 18:e dynastin farao Tutankhamun . Konstnärer och designers integrerade motiv från det antika Egypten , Afrika , Mesopotamien , Grekland , Rom , Asien, Mesoamerika och Oceanien med inslag av maskinåldern .

Andra lånade stilar inkluderar rysk konstruktivism och italiensk futurism , såväl som orfism, funktionalism och modernism i allmänhet. Art Deco använde också fauvismens motstridiga färger och design, särskilt i Henri Matisses och André Derains arbete, inspirerade designen av art déco-textilier, tapeter och målad keramik. Det hämtade idéer från periodens high fashion vokabulär, som innehöll geometriska mönster, chevrons, sicksack och stiliserade buketter av blommor. Det influerades av upptäckter inom egyptologin och ett växande intresse för Orienten och för afrikansk konst. Från 1925 och framåt inspirerades den ofta av en passion för nya maskiner, såsom luftskepp, bilar och oceanångare, och 1930 resulterade detta inflytande i stilen som kallas Streamline Moderne .

Stil av lyx och modernitet

  • The boudoir of fashion designer Jeanne Lanvin (1922–25) now in the Museum of Decorative Arts, Paris, France

    Modedesignern Jeanne Lanvins (1922–25) boudoir (1922–25) nu i Museum of Decorative Arts, Paris, Frankrike

  • Bath of Jeanne Lanvin, of Sienna marble, with decoration of carved stucco and bronze (1922–25)

    Bad av Jeanne Lanvin, av Sienna-marmor, med dekor av snidade stuckatur och brons (1922–25)

  • An Art Deco study by the Paris design firm of Alavoine, now in the Brooklyn Museum, New York City, N.Y. (1928–30)

    En art déco-studie av designfirman Alavoine i Paris, nu i Brooklyn Museum , New York City, NY (1928–30)

  • Glass Salon (Le salon de verre) designed by Paul Ruaud with furniture by Eileen Gray, for Madame Mathieu-Levy (milliner of the boutique J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (published in L'Illustration, 27 May 1933)

    Glassalong (Le salon de verre) designad av Paul Ruaud med möbler av Eileen Gray , för Madame Mathieu-Levy (milliner i boutiquen J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (publicerad i L'Illustration , 27 maj 1933)

Art Deco förknippades med både lyx och modernitet; den kombinerade mycket dyra material och utsökt hantverk i modernistiska former. Ingenting var billigt med art déco: möbler inkluderade inlägg av elfenben och silver, och art déco-smycken kombinerade diamanter med platina, jade, koraller och andra värdefulla material. Stilen användes för att dekorera förstklassiga salonger av oceanliners, lyxtåg och skyskrapor. Den användes runt om i världen för att dekorera de stora filmpalatsen i slutet av 1920- och 1930-talen. Senare, efter den stora depressionen , ändrades stilen och blev mer nykter.

Ett bra exempel på den lyxiga art déco-stilen är modedesignern Jeanne Lanvins boudoir , designad av Armand-Albert Rateau (1882–1938) gjord mellan 1922 och 1925. Den låg i hennes hus på 16 rue Barbet de Jouy, i Paris, som revs 1965. Lokalen rekonstruerades i Museet för dekorativ konst i Paris. Väggarna är täckta med gjuten lambris under skulpterade basreliefer i stuckatur. Alkoven är inramad med pelare av marmor på baser och en sockel av skulpterat trä. Golvet är av vit och svart marmor och i skåpen visas dekorativa föremål mot en bakgrund av blått siden. Hennes badrum hade ett badkar och tvättställ gjorda av siennamarmor, med en vägg av snidad stuckatur och bronsbeslag.

År 1928 hade stilen blivit mer bekväm, med klubbstolar i djupt läder. Studien designad av Parisfirman Alavoine för en amerikansk affärsman 1928–30, finns nu i Brooklyn Museum .

På 1930-talet hade stilen förenklats något, men den var fortfarande extravagant. 1932 gjorde dekoratören Paul Ruaud Glassalongen åt Suzanne Talbot. Den innehöll en serpentinfåtölj och två rörformade fåtöljer av Eileen Gray, ett golv av matta försilvrade glasskivor, en panel av abstrakta mönster i silver och svart lack och ett sortiment av djurskinn.

Internationell utställning för modern dekorativ och industriell konst (1925)

Huvudartikel: Internationell utställning för modern dekorativ och industriell konst

Evenemanget som markerade stilens zenit och gav den dess namn var den internationella utställningen för modern dekorativ och industriell konst som ägde rum i Paris från april till oktober 1925. Denna sponsrades officiellt av den franska regeringen och täckte en plats i Paris på 55 tunnland, som löper från Grand Palais på högra stranden till Les Invalides på vänstra stranden och längs Seines strand. Grand Palais, den största salen i staden, var fylld med utställningar av dekorativ konst från de deltagande länderna. Det fanns 15 000 utställare från tjugo olika länder, inklusive Österrike, Belgien, Tjeckoslovakien, Danmark, Storbritannien, Italien, Japan, Nederländerna, Polen, Spanien, Sverige och det nya Sovjetunionen . Tyskland bjöds inte in på grund av spänningar efter kriget; USA, som missförstod syftet med utställningen, avböjde att delta. Evenemanget besöktes av sexton miljoner människor under den sju månader långa tiden. Reglerna för utställningen krävde att allt verk skulle vara modernt; inga historiska stilar var tillåtna. Huvudsyftet med utställningen var att marknadsföra de franska tillverkarna av lyxmöbler, porslin, glas, metallarbeten, textilier och andra dekorativa produkter. För att ytterligare marknadsföra produkterna hade alla stora varuhus i Paris och stora designers sina egna paviljonger. Utställningen hade ett sekundärt syfte att marknadsföra produkter från franska kolonier i Afrika och Asien, inklusive elfenben och exotiska träslag.

Hôtel du Collectionneur var en populär attraktion på utställningen; den visade de nya möbeldesignerna av Emile-Jacques Ruhlmann, såväl som art déco-tyger, mattor och en målning av Jean Dupas . Inredningen följde samma principer om symmetri och geometriska former som skiljer den från jugend, och ljusa färger, fint hantverk sällsynta och dyra material som skiljer den från den strikta funktionaliteten i den modernistiska stilen. Medan de flesta av paviljongerna var överdådigt dekorerade och fyllda med handgjorda lyxmöbler, byggdes två paviljonger, de från Sovjetunionen och Pavilion de L'Esprit Nouveau , byggda av tidningen med det namnet som drivs av Le Corbusier, i en stram stil med enkla vita väggar och ingen dekoration; de var bland de tidigaste exemplen på modernistisk arkitektur .

Skyskrapor

Amerikanska skyskrapor markerade toppen av art déco-stilen; de blev de högsta och mest kända moderna byggnaderna i världen. De designades för att visa prestige hos sina byggare genom sin höjd, sin form, sin färg och sin dramatiska belysning på natten. American Radiator Building av Raymond Hood (1924) kombinerade gotiska och moderna element i designen av byggnaden. Svart tegel på byggnadens fasad (som symboliserar kol) valdes för att ge en uppfattning om soliditet och för att ge byggnaden en solid massa. Andra delar av fasaden var täckta av guldtegel (som symboliserar eld), och ingången var dekorerad med marmor och svarta speglar. En annan tidig art déco-skyskrapa var Detroits Guardian Building , som öppnade 1929. Byggnaden, designad av modernisten Wirt C. Rowland , var den första som använde rostfritt stål som ett dekorativt element, och den omfattande användningen av färgade mönster i stället för traditionella ornament.

New York Citys skyline förändrades radikalt av Chrysler Building på Manhattan (färdig 1930), designad av William Van Alen . Det var en gigantisk reklam på sjuttiosju våningar för Chryslers bilar. Toppen kröntes av en spira i rostfritt stål och pryddes av dekorerade "gargoyler" i form av kylarlocksdekorationer i rostfritt stål. Basen på tornet, trettiotre våningar ovanför gatan, var dekorerad med färgglada art déco-friser, och lobbyn var dekorerad med art déco-symboler och bilder som uttrycker modernitet.

Chrysler Building överträffades snart på höjden av Empire State Building av William F. Lamb (1931), i en något mindre påkostad deco-stil och RCA Building (numera 30 Rockefeller Plaza) av Raymond Hood (1933) som tillsammans totalt förändrade Nytt York Citys skyline. Byggnadernas toppar var dekorerade med art déco-kronor och spiror täckta med rostfritt stål, och, i fallet med Chrysler-byggnaden, med art déco-gargoyler modellerade efter radiatorornament, medan entréerna och lobbyerna var överdådigt dekorerade med art déco-skulptur, keramik och design. Liknande byggnader, även om de inte var lika höga, dök snart upp i Chicago och andra stora amerikanska städer. Rockefeller Center lade till ett nytt designelement: flera höga byggnader grupperade runt ett öppet torg, med en fontän i mitten.

Sen art déco

År 1925 samexisterade två olika konkurrerande skolor inom art déco: traditionalisterna, som hade grundat Society of Decorative Artists; inkluderade möbeldesignern Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand , skulptören Antoine Bourdelle och designern Paul Poiret; de kombinerade moderna former med traditionellt hantverk och dyra material. På andra sidan fanns modernisterna, som i allt högre grad förkastade det förflutna och ville ha en stil baserad på framsteg inom ny teknik, enkelhet, brist på dekoration, billiga material och massproduktion. Modernisterna grundade sin egen organisation, The French Union of Modern Artists , 1929. Dess medlemmar inkluderade arkitekterna Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Corbusier och, i Sovjetunionen, Konstantin Melnikov ; den irländska designern Eileen Gray; den franska designern Sonia Delaunay; och juvelerarna Georges Fouquet och Jean Puiforcat . De attackerade häftigt den traditionella art déco-stilen, som de sa var skapad endast för de rika, och insisterade på att välbyggda byggnader skulle vara tillgängliga för alla, och att formen skulle följa funktion. Skönheten med ett föremål eller en byggnad låg i om det var perfekt lämpat att fylla sin funktion. Moderna industriella metoder gjorde att möbler och byggnader kunde masstillverkas, inte tillverkas för hand. [ sida behövs ]

Art Deco-inredningsarkitekten Paul Follot försvarade art déco på detta sätt: "Vi vet att människan aldrig nöjer sig med det oumbärliga och att det överflödiga alltid behövs...Om inte, skulle vi behöva göra oss av med musik, blommor och parfymer..!" Le Corbusier var dock en lysande publicist för modernistisk arkitektur; han påstod att ett hus helt enkelt var "en maskin att leva i", och främjade outtröttligt idén att art déco var det förflutna och modernismen var framtiden. Le Corbusiers idéer anammades gradvis av arkitektskolor, och estetiken i art déco övergavs. Samma egenskaper som gjorde Art Deco populär i början, dess hantverk, rika material och prydnad, ledde till dess nedgång. Den stora depressionen som började i USA 1929 och nådde Europa kort därefter minskade kraftigt antalet rika kunder som kunde betala för inredningen och konstföremålen. I depressionens ekonomiska klimat var få företag redo att bygga nya skyskrapor. Till och med Ruhlmann-företaget använde sig av att tillverka möbler i serier, snarare än individuella handgjorda föremål. De sista byggnaderna som byggdes i Paris i den nya stilen var museet för offentliga arbeten av Auguste Perret (numera det franska ekonomiska, sociala och miljörådet ), Palais de Chaillot av Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu och Léon Azéma , och Palais de Tokyo från 1937 års Paris internationella utställning ; de tittade ut på Nazitysklands storslagna paviljong, designad av Albert Speer , som stod inför den lika storslagna socialistisk-realistiska paviljongen i Stalins Sovjetunionen.

Efter andra världskriget blev den dominerande arkitektoniska stilen den internationella stilen pionjär av Le Corbusier och Mies van der Rohe . En handfull art déco-hotell byggdes i Miami Beach efter andra världskriget, men på andra ställen försvann stilen i stort sett, förutom i industriell design, där den fortsatte att användas i bilstyling och produkter som jukeboxar. På 1960-talet upplevde den en blygsam akademisk väckelse, delvis tack vare skrifter från arkitekturhistoriker som Bevis Hillier. På 1970-talet gjordes ansträngningar i USA och Europa för att bevara de bästa exemplen på art déco-arkitektur, och många byggnader restaurerades och gjordes om. Postmodern arkitektur , som först dök upp på 1980-talet, liksom art déco, innehåller ofta rent dekorativa inslag. Deco fortsätter att inspirera designers och används ofta inom modernt mode, smycken och toalettartiklar.

Målning

Det fanns ingen avdelning avsatt för målning vid 1925 års utställning. Art déco-målning var per definition dekorativ, designad för att dekorera ett rum eller ett arkitekturverk, så få målare arbetade uteslutande i stilen, men två målare är nära förknippade med art déco. Jean Dupas målade väggmålningar i art déco-stil för Bordeaux-paviljongen vid 1925 års utställning för dekorativ konst i Paris, och målade även bilden över den öppna spisen i Maison du Collectionneur-utställningen vid 1925 års utställning, som innehöll möbler av Ruhlmann och andra framstående art déco-designers. Hans väggmålningar var också framträdande i inredningen av den franska oceanångaren SS Normandie . Hans arbete var rent dekorativt, designat som bakgrund eller ackompanjemang till andra delar av inredningen.

Den andra målaren som är nära förknippad med stilen är Tamara de Lempicka . Hon föddes i Polen och emigrerade till Paris efter den ryska revolutionen . Hon studerade under Maurice Denis och André Lhote och lånade många element från deras stilar. Hon målade porträtt i en realistisk, dynamisk och färgstark art déco-stil.

På 1930-talet dök en dramatisk ny form av art déco-målning upp i USA. Under den stora depressionen skapades det federala konstprojektet av Works Progress Administration för att ge arbete till arbetslösa konstnärer. Många fick i uppdrag att inreda statliga byggnader, sjukhus och skolor. Det fanns ingen specifik art déco-stil som användes i väggmålningarna; konstnärer som var engagerade i att måla väggmålningar i regeringsbyggnader kom från många olika skolor, från amerikansk regionalism till socialrealism ; de inkluderade Reginald Marsh , Rockwell Kent och den mexikanska målaren Diego Rivera . Väggmålningarna var art déco eftersom de alla var dekorativa och relaterade till aktiviteterna i byggnaden eller staden där de målades: Reginald Marsh och Rockwell Kent dekorerade båda amerikanska postbyggnader och visade postanställda på jobbet medan Diego Rivera avbildade bilfabriksarbetare för Detroit Institute of Arts . Diego Riveras väggmålning Man at the Crossroads (1933) för 30 Rockefeller Plaza innehöll ett obehörigt porträtt av Lenin . När Rivera vägrade att ta bort Lenin förstördes målningen och en ny väggmålning målades av den spanske konstnären Josep Maria Sert .

Skulptur

Monumental och offentlig skulptur

Skulptur var ett mycket vanligt och integrerat inslag i art déco-arkitekturen. I Frankrike dekorerade allegoriska basreliefer som representerade dans och musik av Antoine Bourdelle det tidigaste art déco-landmärket i Paris, Théâtre des Champs-Élysées , 1912. Utställningen 1925 hade stora skulpturala verk placerade runt platsen, paviljonger dekorerades med skulpturala friser och flera paviljonger ägnade åt mindre ateljéskulptur. På 1930-talet gjorde en stor grupp framstående skulptörer verk för 1937 års Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne i Chaillot. Alfred Janniot gjorde reliefskulpturerna på fasaden av Palais de Tokyo. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris och esplanaden framför Palais de Chaillot, som vetter mot Eiffeltornet, var full av nya statyer av Charles Malfray , Henry Arnold och många andra.

Offentlig art deco-skulptur var nästan alltid representativ, vanligtvis av heroiska eller allegoriska figurer relaterade till syftet med byggnaden eller rummet. Teman valdes vanligtvis ut av kunderna, inte konstnären. Abstrakt skulptur för dekoration var extremt sällsynt.

I USA var den mest framstående art déco-skulptören för offentlig konst Paul Manship , som uppdaterade klassiska och mytologiska ämnen och teman i art déco-stil. Hans mest kända verk var statyn av Prometheus vid Rockefeller Center i New York City, en 1900-talsanpassning av ett klassiskt ämne. Andra viktiga verk för Rockefeller Center gjordes av Lee Lawrie , inklusive den skulpturala fasaden och Atlasstatyn .

Under den stora depressionen i USA fick många skulptörer i uppdrag att göra verk för utsmyckning av federala regeringsbyggnader, med medel från WPA, eller Works Progress Administration . De inkluderade skulptören Sidney Biehler Waugh, som skapade stiliserade och idealiserade bilder av arbetare och deras uppgifter för federala regeringskontorsbyggnader. I San Francisco Ralph Stackpole skulptur för fasaden på den nya San Francisco Stock Exchange- byggnaden. I Washington DC Michael Lantz arbeten för Federal Trade Commission -byggnaden.

I Storbritannien gjordes Deco offentliga statyer av Eric Gill för BBC Broadcasting House , medan Ronald Atkinson dekorerade lobbyn i den tidigare Daily Express Building i London (1932).

En av de mest kända och definitivt den största offentliga art déco-skulpturen är Kristus återlösaren av den franske skulptören Paul Landowski , färdig mellan 1922 och 1931, belägen på en bergstopp med utsikt över Rio de Janeiro, Brasilien.

Studio skulptur

Många tidiga art déco-skulpturer var små, designade för att dekorera salonger. En genre av denna skulptur kallades Chryselephantine statyetten, uppkallad efter en stil av antika grekiska tempelstatyer gjorda av guld och elfenben. De var ibland gjorda av brons, eller ibland med mycket mer påkostade material, såsom elfenben, onyx , alabaster och bladguld.

En av de mest kända art déco-salongsskulptörerna var den rumänskfödde Demétre Chiparus , som producerade färgglada små skulpturer av dansare. Andra anmärkningsvärda salongsskulptörer var Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol och Gustav Schmidtcassel. En annan viktig amerikansk skulptör i studioformatet var Harriet Whitney Frishmuth , som hade studerat hos Auguste Rodin i Paris.

Pierre Le Paguays var en framstående studioskulptör i art déco-stil, vars verk visades på 1925 års utställning. Han arbetade med brons, marmor, elfenben, onyx, guld, alabaster och andra dyrbara material.

François Pompon var en pionjär inom modern stiliserad animalier skulptur. Han blev inte fullt erkänd för sina konstnärliga prestationer förrän vid 67 års ålder på Salon d'Automne 1922 med verket Ours blanc , även känd som The White Bear , nu i Musée d'Orsay i Paris.

Parallellt med dessa art déco-skulptörer arbetade mer avantgardistiska och abstrakta modernistiska skulptörer i Paris och New York City. De mest framträdande var Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff och Pablo Gargallo .

Grafisk konst

Art déco-stilen dök upp tidigt inom den grafiska konsten, åren strax före första världskriget. Den dök upp i Paris i affischer och kostymdesigner av Léon Bakst för Ballets Russes, och i modeskaparna Paul Poirets kataloger. Illustrationerna av Georges Barbier och Georges Lepape och bilderna i modetidningen La Gazette du bon ton fångade perfekt stilens elegans och sensualitet. På 1920-talet förändrades utseendet; det betonade modet var mer avslappnat, sportigt och vågat, med kvinnliga modeller som vanligtvis rökte cigaretter. Amerikanska modetidningar som Vogue , Vanity Fair och Harper's Bazaar tog snabbt upp den nya stilen och populariserade den i USA. Det påverkade också arbetet hos amerikanska bokillustratörer som Rockwell Kent. I Tyskland var periodens mest kända affischkonstnär Ludwig Hohlwein , som skapade färgglada och dramatiska affischer för musikfestivaler, öl och, sent i sin karriär, för nazistpartiet.

Under jugendperioden annonserade affischer vanligtvis teaterprodukter eller kabaréer. På 1920-talet blev reseaffischer, gjorda för ångfartygslinjer och flygbolag, extremt populära. Stilen förändrades märkbart på 1920-talet för att fokusera uppmärksamheten på produkten som annonserades. Bilderna blev enklare, exakta, mer linjära, mer dynamiska och placerades ofta mot en enda färgbakgrund. I Frankrike inkluderade populära art déco-designers, Charles Loupot och Paul Colin , som blev känd för sina affischer av den amerikanska sångerskan och dansaren Josephine Baker . Jean Carlu designade affischer för Charlie Chaplin-filmer, tvålar och teatrar; i slutet av 1930-talet emigrerade han till USA, där han under världskriget designade affischer för att uppmuntra krigsproduktion. Designern Charles Gesmar blev känd och gjorde affischer för sångaren Mistinguett och för Air France . Bland de mest kända franska art déco-affischdesignerna var Cassandre , som gjorde den berömda affischen för oceanlinjen SS Normandie 1935.

På 1930-talet dök en ny genre av affischer upp i USA under den stora depressionen. Federal Art Project anlitade amerikanska konstnärer för att skapa affischer för att främja turism och kulturevenemang.

Arkitektur

"Art Deco Architecture" omdirigerar hit. För boken av Patricia Bayer, se Art Deco Architecture: Design, Decoration and Detail from the Twenties and Thirties .
Ytterligare information: Art Deco-arkitektur i New York City , Lista över Art Deco-arkitektur och Lista över Art Deco-byggnader i Sydney

Den arkitektoniska art déco-stilen gjorde sin debut i Paris 1903–04, med byggandet av två hyreshus i Paris, ett av Auguste Perret på rue Benjamin Franklin och det andra på rue Trétaigne av Henri Sauvage. De två unga arkitekterna använde för första gången armerad betong i bostadshus i Paris; de nya byggnaderna hade rena linjer, rektangulära former och ingen dekoration på fasaderna; de markerade ett rent brott med art nouveau -stilen. Mellan 1910 och 1913 använde Perret sin erfarenhet av flerbostadshus i betong för att bygga Théâtre des Champs-Élysées, avenue Montaigne 15 . Mellan 1925 och 1928 byggde Sauvage den nya art déco-fasaden på varuhuset La Samaritaine i Paris.

Efter första världskriget började art déco-byggnader av stål och armerad betong dyka upp i stora städer över hela Europa och USA. I USA användes stilen mest för kontorsbyggnader, regeringsbyggnader, biografer och järnvägsstationer. Det kombinerades ibland med andra stilar; Los Angeles stadshus kombinerade art déco med ett tak baserat på det antika grekiska mausoleet vid Halikarnassus , medan Los Angeles järnvägsstation kombinerade deco med spansk missionsarkitektur. Art déco-element dök också upp i ingenjörsprojekt, inklusive tornen på Golden Gate-bron och inloppstornen i Hoover Dam . På 1920- och 1930-talen blev det en verkligt internationell stil, med exempel som Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Artes) i Mexico City av Federico Mariscal [ es ] , tunnelbanestationen Mayakovskaya i Moskva och National Diet Building i Tokyo av Watanabe Fukuzo. [ citat behövs ]

Art déco-stilen var inte begränsad till byggnader på land; oceanlinern SS Normandie , vars första resa var 1935, presenterade art déco-design, inklusive en matsal vars tak och dekoration gjordes av glas av Lalique .

"Handelskatedraler"

De storslagna skyltarna för amerikansk art déco-inredning var lobbyerna i regeringsbyggnader, teatrar och särskilt kontorsbyggnader. Interiörerna var extremt färgstarka och dynamiska och kombinerade skulptur, väggmålningar och utsmyckad geometrisk design i marmor, glas, keramik och rostfritt stål. Ett tidigt exempel var Fisher Building i Detroit, av Joseph Nathaniel French ; lobbyn var mycket dekorerad med skulptur och keramik. Guardian Building (ursprungligen Union Trust Building) i Detroit, av Wirt Rowland (1929), dekorerad med röd och svart marmor och färgglad keramik, framhävd av hissdörrar och diskar i högpolerat stål. Den skulpturala dekorationen som installerats i väggarna illustrerade dygderna med industri och sparande; byggnaden kallades omedelbart "handelskatedralen". Den medicinska och dentala byggnaden kallad 450 Sutter Street i San Francisco av Timothy Pflueger var inspirerad av Maya- arkitekturen, i en mycket stiliserad form; den använde pyramidformer, och innerväggarna var täckta med mycket stiliserade rader av hieroglyfer.

I Frankrike var det bästa exemplet på en art déco-interiör under denna period Palais de la Porte Dorée (1931) av Albert Laprade , Léon Jaussely och Léon Bazin . Byggnaden (numera National Museum of Immigration, med ett akvarium i källaren) byggdes för Paris Colonial Exposition 1931, för att fira människorna och produkterna från franska kolonier. Den yttre fasaden var helt täckt med skulptur, och lobbyn skapade en art déco-harmoni med ett träparkettgolv i ett geometriskt mönster, en väggmålning som föreställer folket i franska kolonier; och en harmonisk sammansättning av vertikala dörrar och horisontella balkonger.

Filmpalats

Många av de bästa bevarade exemplen på art déco är biografer byggda på 1920- och 1930-talen. Art Deco-perioden sammanföll med omvandlingen av stumfilmer till ljud, och filmbolag byggde stora visningsdestinationer i större städer för att fånga den enorma publik som kom för att se film. Filmpalats på 1920-talet kombinerade ofta exotiska teman med art déco-stil; Graumans egyptiska teater i Hollywood (1922) inspirerades av forntida egyptiska gravar och pyramider , medan Fox Theatre i Bakersfield, Kalifornien fäste ett torn i California Mission-stil till en art déco-hall. Den största av alla är Radio City Music Hall i New York City, som öppnade 1932. Ursprungligen designad som teaterföreställningslokal, förvandlades den snabbt till en biograf med plats för 6 015 kunder. Inredningen av Donald Deskey använde glas, aluminium, krom och läder för att skapa en visuell flykt från verkligheten. Paramount Theatre i Oakland, Kalifornien, av Timothy Pflueger, hade en färgglad keramikfasad, en fyra våningar hög lobby och separata art déco-rökrum för herrar och damer. Liknande storslagna palats dök upp i Europa. Grand Rex i Paris (1932), med sitt imponerande torn, var den största biografen i Europa efter de 6 000 platserna i Gaumont-palatset (1931-1973). Gaumont State Cinema i London (1937) hade ett torn efter förebild från Empire State Building, täckt med grädde keramiska plattor och en interiör i art déco-italiensk renässansstil. Paramount ) byggdes ursprungligen som en danssal kallad Porten till 100 nöjen ; det gjordes om till en biograf efter den kommunistiska revolutionen 1949, och är nu en balsal och disco. På 1930-talet byggde italienska arkitekter ett litet filmpalats, Cinema Impero, i Asmara i det som nu är Eritrea. Idag har många av biograferna delats upp i multiplexer, men andra har restaurerats och används som kulturcentrum i deras samhällen.

Effektivisera Moderne

Huvudartikel: Streamline Moderne

I slutet av 1930-talet blev en ny variant av art déco-arkitektur vanlig; det kallades Streamline Moderne eller helt enkelt Streamline, eller, i Frankrike, Style Paquebot eller Ocean Liner-stilen. Byggnader i stilen hade rundade hörn och långa horisontella linjer; de var byggda av armerad betong och var nästan alltid vita; och de hade ibland nautiska egenskaper, som räcken och hyttventiler som liknade dem på ett fartyg. Det rundade hörnet var inte helt nytt; det hade dykt upp i Berlin 1923 i Mossehaus av Erich Mendelsohn , och senare i Hoover Building , ett industrikomplex i Londonförorten Perivale . I USA blev det närmast förknippat med transport; Streamline moderne var sällsynt i kontorsbyggnader, men användes ofta för busstationer och flygplatsterminaler, såsom terminalen på La Guardia flygplats i New York City som hanterade de första transatlantiska flygningarna, via PanAm Clippers flygbåtar; och i vägkantsarkitektur, såsom bensinstationer och restauranger. I slutet av 1930-talet producerades och installerades en serie matställen, modellerade efter strömlinjeformade järnvägsvagnar, i städer i New England; åtminstone två exempel finns fortfarande kvar och är nu registrerade historiska byggnader.

Dekoration och motiv

Dekoration under art déco-perioden gick igenom flera olika faser. Mellan 1910 och 1920, när jugendstilen var uttömd, såg designstilarna en återgång till traditionen, särskilt i Paul Iribes verk. År 1912 publicerade André Vera en uppsats i tidningen L'Art Décoratif som uppmanade till en återgång till hantverk och material från tidigare århundraden, och med hjälp av en ny repertoar av former hämtade från naturen, särskilt korgar och girlanger med frukt och blommor. En andra tendens inom art déco, också från 1910 till 1920, inspirerades av de ljusa färgerna i den konstnärliga rörelsen som kallas Fauves och av de färgglada kostymerna och uppsättningarna av Ballets Russes. Denna stil uttrycktes ofta med exotiska material som hajskinn, pärlemor, elfenben, tonat läder, lackat och målat trä och dekorativa inlägg på möbler som framhävde dess geometri. Denna period av stilen nådde sin höjdpunkt i Paris 1925 års utställning för dekorativ konst. I slutet av 1920-talet och 1930-talet förändrades den dekorativa stilen, inspirerad av nya material och teknologier. Den blev snyggare och mindre prydnadsfull. Möbler, precis som arkitektur, började få rundade kanter och få en polerad, strömlinjeformad look, hämtad från den strömlinjeformade moderna stilen. Nya material, som nickel eller förkromat stål, aluminium och bakelit , en tidig form av plast, började dyka upp i möbler och inredning.

Under hela art déco-perioden, och särskilt på 1930-talet, uttryckte motiven i inredningen byggnadens funktion. Teatrar var dekorerade med skulpturer som illustrerade musik, dans och spänning; kraftbolag visade soluppgångar, Chrysler-byggnaden visade stiliserade huvprydnader; Friserna i Palais de la Porte Dorée vid kolonialutställningen i Paris 1931 visade ansiktena på de olika nationaliteterna i de franska kolonierna. Streamline-stilen fick det att se ut som att själva byggnaden var i rörelse. WPA-väggmålningarna på 1930-talet visade vanliga människor; fabriksarbetare, postarbetare, familjer och bönder, i stället för klassiska hjältar.

möbel

Franska möbler från 1910 till början av 1920-talet var till stor del en uppdatering av franska traditionella möbelstilar och art nouveau-designerna av Louis Majorelle, Charles Plumet och andra tillverkare. Franska möbeltillverkare kände sig hotade av den växande populariteten hos tyska tillverkare och stilar, särskilt Biedermeier -stilen, som var enkel och ren. Den franske designern Frantz Jourdain, ordföranden för Paris Salon d'Automne, bjöd in designers från München att delta i 1910 års salong. Franska designers såg den nya tyska stilen och bestämde sig för att möta den tyska utmaningen. De franska formgivarna bestämde sig för att presentera nya franska stilar i Salongen 1912. Salongens regler visade att endast moderna stilar skulle vara tillåtna. Alla de stora franska möbeldesignerna deltog i Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare och Louis Suë deltog, och presenterade nya verk som uppdaterade de traditionella franska stilarna hos Louis XVI och Louis Philippe med mer kantig hörn inspirerade av kubism och ljusare färger inspirerade av fauvism och nabis.

Målaren André Mare och möbeldesignern Louis Süe deltog båda i 1912 års salong. Efter kriget gick de två männen samman för att bilda sitt eget företag, formellt kallat Compagnie des Arts Française , men vanligtvis känt som Suë och Mare. Till skillnad från framstående art nouveau-designers som Louis Majorelle, som personligen designade varje smycke, samlade de ett team av skickliga hantverkare och producerade kompletta inredningsdesigner, inklusive möbler, glas, mattor, keramik, tapeter och belysning. Deras verk innehöll ljusa färger och möbler och fina träslag, som ebenholts täckt med pärlemor, abalone och silverfärgad metall för att skapa buketter av blommor. Jean Patou etikett. Firman blomstrade i början av 1920-talet, men de två männen var bättre hantverkare än affärsmän. Firman såldes 1928 och båda männen lämnade.

Den mest framstående möbeldesignern vid utställningen för dekorativ konst 1925 var Émile-Jacques Ruhlmann, från Alsace. Han ställde först ut sina verk på 1913 års höstsalong, sedan hade han sin egen paviljong, "The House of the Rich Collector", på 1925 års utställning. Han använde bara de flesta sällsynta och dyra material, inklusive ebenholts , mahogny , rosenträ , ambon och andra exotiska träslag, dekorerade med inlägg av elfenben, sköldpaddsskal, pärlemor, små pompoms av siden dekorerade handtagen på lådorna på skåpen. Hans möbler var baserade på 1700-talsmodeller, men förenklade och omformade. I allt hans arbete var möblernas inre struktur helt dold. Ramverket, vanligtvis av ek, var helt täckt med ett överdrag av tunna träremsor, sedan täckt av ett andra lager av band av sällsynta och dyra träslag. Denna täcktes sedan med faner och polerades, så att biten såg ut som om den hade skurits ut ur ett enda träblock. Kontrasten till det mörka träet gavs av inlägg av elfenben och nyckelplattor och handtag i elfenben. Enligt Ruhlmann måste fåtöljer utformas annorlunda beroende på funktionerna i rummen där de förekom; vardagsrumsfåtöljer designades för att vara välkomnande, kontorsstolar bekväma och salongsstolar vällustiga. Endast ett litet antal bitar av varje design av möbel gjordes, och det genomsnittliga priset för en av hans sängar eller skåp var högre än priset för ett genomsnittligt hus.

Jules Leleu var en traditionell möbeldesigner som smidigt flyttade in i art déco på 1920-talet; han designade möblerna för matsalen i Élysée-palatset och för de förstklassiga hytterna på ångfartyget Normandie . hans stil kännetecknades av användningen av ebenholts, Macassar-trä, valnöt, med dekoration av plack av elfenben och pärlemor. Han introducerade stilen med lackade art deco-möbler i slutet av 1920-talet och i slutet av 1930-talet introducerade han möbler av metall med paneler av rökt glas. I Italien var designern Gio Ponti känd för sin strömlinjeformade design.

Ruhlmanns och andra traditionalisters kostsamma och exotiska möbler gjorde modernisterna, inklusive arkitekten Le Corbusier, upprörda, vilket fick honom att skriva en berömd serie artiklar som fördömde den konstdekorativa stilen. Han attackerade möbler gjorda endast för de rika och uppmanade designers att skapa möbler gjorda med billiga material och modern stil, som vanliga människor hade råd med. Han designade sina egna stolar, skapade för att vara billiga och massproducerade.

På 1930-talet möbeldesigner anpassade till formen, med slätare ytor och böjda former. Den sena stilens mästare inkluderade Donald Deskey, som var en av de mest inflytelserika formgivarna; han skapade interiören av Radio City Music Hall. Han använde en blandning av traditionella och mycket moderna material, inklusive aluminium, krom och bakelit, en tidig form av plast. Andra mästare i art deco-möbler på 1930-talet i USA var Gilbert Rohde , Warren McArthur , Kem Weber och Wolfgang Hoffman.

Vattenfallsstilen var populär på 1930- och 1940-talen, den mest utbredda art déco-formen av möbler på den tiden . Delarna var typiskt av plywood som avslutades med blond faner och med rundade kanter, som liknade ett vattenfall.

Design

Huvudartikel: Streamline Moderne

Streamline var en variation av art déco som dök upp under mitten av 1930-talet. Den var influerad av moderna aerodynamiska principer utvecklade för flyg och ballistik för att minska aerodynamisk motstånd vid höga hastigheter. Kulformerna applicerades av designers på bilar, tåg, fartyg och till och med föremål som inte var avsedda att flytta, såsom kylskåp , bensinpumpar och byggnader. En av de första produktionsfordonen i denna stil var Chrysler Airflow från 1933. Den var kommersiellt misslyckad, men dess skönhet och funktionalitet satte ett prejudikat; betydde modernitet. Den fortsatte att användas i bildesign långt efter andra världskriget.

Nya industriella material började påverka utformningen av bilar och hushållsföremål. Dessa inkluderade aluminium, krom och bakelit , en tidig form av plast. Bakelit kunde lätt formas till olika former och användes snart i telefoner, radioapparater och andra apparater.

Stora matsalen av oceanlinern SS Normandie av Pierre Patout (1935); basreliefer av Raymond Delamarre

Ocean liners adopterade också en stil av art déco, känd på franska som Style Paquebot , eller "Ocean Liner Style". Det mest kända exemplet var SS Normandie , som gjorde sin första transatlantiska resa 1935. Den designades speciellt för att föra rika amerikaner till Paris för att shoppa. Stugorna och salongerna hade den senaste art déco-inredningen och dekorationen. Fartygets Grand Salon, som var restaurangen för förstklassiga passagerare, var större än Spegelsalen i Versaillespalatset . Den var upplyst av elektriska lampor inom tolv pelare av Lalique-kristall; trettiosex matchande pelare kantade väggarna. Detta var ett av de tidigaste exemplen på att belysning är direkt integrerad i arkitekturen. Skeppsstilen anpassades snart till byggnader. Ett anmärkningsvärt exempel finns vid vattnet i San Francisco, där Maritime Museum-byggnaden, byggd som ett offentligt bad 1937, liknar en färja, med fartygsräcken och rundade hörn. Star Ferry Terminal i Hong Kong använde också en variant av stilen.

Textilier och mode

  • Textile design Abundance by André Mare, (1911) (Metropolitan Museum of Art, New York City, USA)

    Textildesign Abundance av André Mare , (1911) ( Metropolitan Museum of Art , New York City, USA)

  • Rose Pattern Textiles designed by Mare (c. 1919) (Metropolitan Museum of Art)

    Rose Pattern Textiles designade av Mare ( ca 1919 ) (Metropolitan Museum of Art)

  • Rose Mousse pattern for upholstery, cotton and silk (1920) (Metropolitan Museum of Art)

    Rose Mousse mönster för klädsel, bomull och siden (1920) (Metropolitan Museum of Art)

  • Design of birds from Les Ateliers de Martine by Paul Iribe (1918)

    Design av fåglar från Les Ateliers de Martine av Paul Iribe (1918)

Textilier var en viktig del av art déco-stilen, i form av färgglada tapeter, klädsel och mattor. På 1920-talet inspirerades designers av scenscenerna i Ballets Russes, tygdesigner och kostymer från Léon Bakst och kreationer av Wiener Werkstätte . André Mares tidiga inredningsdesign innehöll färgglada och mycket stiliserade girlanger av rosor och blommor, som dekorerade väggar, golv och möbler. Stiliserade blommotiv dominerade också Raoul Dufys och Paul Poirets arbete, och i möbeldesignerna av JE Ruhlmann. Den blommiga mattan återuppfanns i deco-stil av Paul Poiret .

Användningen av stilen förbättrades avsevärt genom introduktionen av det pochoir -stencilbaserade trycksystemet, vilket gjorde det möjligt för designers att uppnå skarpa linjer och mycket levande färger. Art Deco-former dök upp i kläderna av Paul Poiret , Charles Worth och Jean Patou . Efter första världskriget blev exporten av kläder och tyger en av Frankrikes viktigaste valutaintjänare.

Sen art déco tapeter och textilier innehöll ibland stiliserade industriscener, stadsbilder, lokomotiv och andra moderna teman, samt stiliserade kvinnofigurer, metalliska ytor och geometriska mönster.

Modet förändrades dramatiskt under art déco-perioden, särskilt tack vare formgivarna Paul Poiret och senare Coco Chanel . Poiret introducerade en viktig innovation till modedesign, konceptet med drapering , ett avsteg från det förflutnas skrädderi och mönstertillverkning. Han designade kläder skurna längs raka linjer och konstruerade av rektangulära motiv. Hans stilar erbjöd strukturell enkelhet. Den korsetterade looken och formella stilarna från föregående period övergavs, och modet blev mer praktiskt och strömlinjeformat. med användning av nya material, ljusare färger och tryckta mönster. Designern Coco Chanel fortsatte övergången och populariserade stilen med sportig, avslappnad chic.

Smycken

På 1920- och 1930-talen försökte designers inklusive René Lalique och Cartier minska den traditionella dominansen av diamanter genom att introducera mer färgglada ädelstenar, som små smaragder, rubiner och safirer. De lade också större vikt vid mycket utarbetade och eleganta miljöer, med mindre dyra material som emalj, glas, horn och elfenben. Diamanter själva skars i mindre traditionella former; 1925 års utställning såg många diamanter slipade i form av små stavar eller tändstickor. Inställningarna för diamanter ändrades också; Allt oftare använde juvelerare platina istället för guld, eftersom det var starkt och flexibelt och kunde sätta stenkluster. Juvelerare började också använda mörkare material, som emaljer och svart onyx , vilket gav en högre kontrast med diamanter.

Smycken blev mycket mer färgglada och varierade i stil. Cartier och företaget Boucheron kombinerade diamanter med färgglada andra ädelstenar skurna i form av löv, frukt eller blommor för att göra broscher, ringar, örhängen, klämmor och hängen. Fjärran Östern-teman blev också populära; plack av jade och korall kombinerades med platina och diamanter, och sminkfodral, cigarettfodral och puderlådor dekorerades med japanska och kinesiska landskap gjorda med pärlemor, emalj och lack.

Snabbt växlande mode inom kläder förde med sig nya stilar av smycken. Ärmlösa klänningar från 1920-talet innebar att armar behövde dekoration, och designers skapade snabbt armband av guld, silver och platina täckta med lapis-lazuli, onyx, koraller och andra färgglada stenar; Andra armband var avsedda för överarmarna och flera armband bars ofta samtidigt. De korta hårklippningarna av kvinnor på tjugotalet krävde en utarbetad design av örhängen. När kvinnor började röka offentligt skapade designers mycket utsmyckade cigarettfodral och cigaretthållare i elfenben. Uppfinningen av armbandsuret före första världskriget inspirerade juvelerare att skapa extraordinärt dekorerade klockor, täckta med diamanter och pläterade med emalj, guld och silver. Hängande klockor, hängande från ett band, blev också på modet.

De etablerade smyckeshusen i Paris under perioden, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin och Van Cleef & Arpels skapade alla smycken och föremål på det nya sättet. Firman Chaumet tillverkade mycket geometriska cigarettlådor, cigarettändare, pilleraskar och anteckningsböcker, gjorda av hårda stenar dekorerade med jade , lapis lazuli , diamanter och safirer. De fick sällskap av många unga nya designers, var och en med sin egen idé om deco. Raymond Templier designade pjäser med mycket intrikata geometriska mönster, inklusive silverörhängen som såg ut som skyskrapor. Gerard Sandoz var bara 18 år när han började designa smycken 1921; han designade många berömda verk baserat på det släta och polerade utseendet hos moderna maskiner. Glasdesignern René Lalique gick också in på fältet och skapade hängen av frukt, blommor, grodor, älvor eller sjöjungfrur gjorda av skulpterat glas i ljusa färger, hängande på silkesnören med tofsar. Juveleraren Paul Brandt kontrasterade rektangulära och triangulära mönster och bäddade in pärlor i linjer på onyxplack. Jean Despres gjorde halsband i kontrasterande färger genom att sammanföra silver och svart lack, eller guld med lapis lazuli. Många av hans mönster såg ut som välpolerade maskiner. Jean Dunand inspirerades också av modernt maskineri, kombinerat med klarröda och svarta färger i kontrast till polerad metall.

Glaskonst

Liksom jugendperioden före den var art déco en exceptionell period för fint glas och andra dekorativa föremål, designade för att passa deras arkitektoniska omgivning. Den mest kända tillverkaren av glasföremål var René Lalique, vars verk, från vaser till huvprydnader för bilar, blev symboler för perioden. Han hade gjort satsningar på glas före första världskriget och designat flaskor för parfymerna av François Coty , men han började inte seriös produktion av konstglas förrän efter första världskriget. 1918, vid 58 års ålder, köpte han ett stort glas arbetar i Combs-la-Ville och började tillverka både konstnärliga och praktiska glasföremål. Han behandlade glas som en form av skulptur och skapade statyetter, vaser, skålar, lampor och ornament. Han använde halvkristall snarare än blykristall, som var mjukare och lättare att forma, men inte lika glänsande. Han använde ibland färgat glas, men använde oftare opaliserande glas, där en del av eller hela den yttre ytan färgades med en tvätt. Lalique tillhandahöll de dekorativa glaspanelerna, lamporna och upplysta glastaken för oceanlinjerna SS Île de France 1927 och SS Normandie 1935, och för några av de första klassens sovvagnar på de franska järnvägarna. På utställningen för dekorativ konst 1925 hade han en egen paviljong, designade en matsal med dukning och matchande glastak för Sèvres-paviljongen och designade en glasfontän för gården till Cours des Métiers, en smal glaspelare som sprutade vatten från sidorna och var upplyst på natten.

Andra anmärkningsvärda art déco-glastillverkare var Marius-Ernest Sabino, som specialiserade sig på figurer, vaser, skålar och glasskulpturer av fiskar, nakenbilder och djur. Till dessa använde han ofta ett opaliserande glas som kunde ändras från vitt till blått till bärnsten, beroende på ljuset. Hans vaser och skålar innehöll formade friser av djur, nakenbilder eller byster av kvinnor med frukt eller blommor. Hans verk var mindre subtilt men mer färgstarkt än Laliques.

Andra anmärkningsvärda Deco-glasdesigners inkluderade Edmond Etling , som också använde ljusa opaliserande färger, ofta med geometriska mönster och skulpterade nakenbilder; Albert Simonet, och Aristide Colotte och Maurice Marinot , som var känd för sina djupt etsade skulpturala flaskor och vaser. Firman Daum från staden Nancy , som hade varit känd för sitt jugendglas, producerade en rad deco-vaser och glasskulpturer, solida, geometriska och tjocka i formen. Mer känsliga flerfärgade verk gjordes av Gabriel Argy-Rousseau, som producerade delikat skuggade vaser med skulpterade fjärilar och nymfer, och Francois Decorchemont, vars vaser var strimmiga och marmorerade.

Den stora depressionen förstörde en stor del av den dekorativa glasindustrin, som var beroende av rika kunder. Vissa konstnärer övergick till att designa glasmålningar för kyrkor. 1937 Steubens glasföretag praxis att ge kända konstnärer i uppdrag att tillverka glasvaror. Louis Majorelle , känd för sina jugendmöbler, designade ett anmärkningsvärt art déco-målat glasfönster som porträtterar stålarbetare för kontoren på Aciéries de Longwy , ett stålverk i Longwy , Frankrike.

Amiens-katedralen har ett sällsynt exempel på glasmålningar i art déco-stil i kapellet av det heliga hjärtat, gjorda 1932-34 av Paris glaskonstnären Jean Gaudin baserat på teckningar av Jacques Le Breton.

Metallkonst

  • A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts

    En grill med två vingar kallad The Pheasants , gjord av Paul Kiss och visades på 1925 års utställning för dekorativ och industriell konst

  • Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition

    Järn- och koppargrill kallad Oasis av Edgar Brandt, visades på Parisutställningen 1925

  • Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)

    Bordsspegel av Franz Hagenauer från Werkstätte Hagenauer Wien ( ca 1930 )

  • Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)

    Cocktailset av förkromat stål av Norman Bel Geddes (1937)

Art Deco-konstnärer producerade en mängd olika praktiska föremål i art déco-stil, gjorda av industriella material från traditionellt smide till förkromat stål. Den amerikanske konstnären Norman Bel Geddes designade ett cocktailset som liknar en skyskrapa gjord av förkromat stål. Raymond Subes designade ett elegant metallgaller för ingången till Palais de la Porte Dorée, mittpunkten i Paris Colonial Exposition 1931. Den franske skulptören Jean Dunand producerade magnifika dörrar på temat "Jakten", täckta med bladguld och måla på gips (1935).

Animation

Art Deco-bilder och bilder användes i flera animerade filmer , inklusive Batman , Night Hood , All's Fair at the Fair , Merry Mannequins , Page Miss Glory , Fantasia och Sleeping Beauty . Arkitekturen finns med i den fiktiva undervattensstaden Rapture i Bioshock-spelserien.

Art Deco-arkitektur runt om i världen

Art Deco-arkitektur började i Europa, men 1939 fanns det exempel i stora städer på alla kontinenter och i nästan alla länder. Detta är ett urval av framstående byggnader på varje kontinent.

För en omfattande lista över befintliga byggnader per land, se: Lista över art déco-arkitektur .

Afrika

Se även: Lista över art déco-arkitektur § Afrika

De flesta art déco-byggnader i Afrika byggdes under europeiskt kolonialstyre och designades ofta av italienska, franska och portugisiska arkitekter.

Asien

Se även: Lista över art déco-arkitektur § Asien

Många art déco-byggnader i Asien ritades av europeiska arkitekter. Men i Filippinerna var lokala arkitekter som Juan Nakpil , Juan Arellano och andra framstående. Många art déco-landmärken i Asien revs under den stora ekonomiska expansionen av Asien i slutet av 1900-talet, men några anmärkningsvärda enklaver av arkitekturen finns fortfarande kvar, särskilt i Shanghai och Mumbai .

Australien och Nya Zeeland

Se även: Lista över art déco-byggnader i Sydney , Lista över art déco-byggnader i Melbourne , Lista över art déco-byggnader i Tasmanien , Lista över art déco-byggnader i Perth och Lista över art déco-arkitektur § Oceanien

Melbourne och Sydney, Australien, har flera anmärkningsvärda art déco-byggnader, inklusive Manchester Unity Building och det tidigare Russell Street Police Headquarters i Melbourne, Castlemaine Art Museum i Castlemaine , centrala Victoria och Grace Building , AWA Tower och Anzac Memorial i Sydney.

Flera städer i Nya Zeeland, inklusive Napier och Hastings, byggdes om i art déco-stil efter jordbävningen i Hawke's Bay 1931 , och många av byggnaderna har skyddats och restaurerats. Napier har nominerats till UNESCOs världsarvsstatus , den första kulturplatsen i Nya Zeeland som nominerats. Wellington har behållit ett stort antal art déco-byggnader.

Nordamerika

Se även: Lista över art déco-arkitektur § Nordamerika , Lista över art déco-arkitektur § USA och art déco i USA

I Kanada finns överlevande art déco-strukturer främst i de större städerna; Montreal , Toronto, Hamilton, Ontario och Vancouver . De sträcker sig från offentliga byggnader som Vancouver City Hall till kommersiella byggnader ( College Park ) till offentliga arbeten ( RC Harris Water Treatment Plant) .

I Mexiko är det mest imponerande art déco-exemplet interiören av Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), färdig 1934 med sin utarbetade inredning och väggmålningar. Exempel på bostadsarkitektur i art déco-stil finns i Condesa- distriktet, många designade av Francisco J. Serrano .

I USA finns art déco-byggnader från kust till kust, i alla större städer. Det användes mest för kontorsbyggnader, tågstationer, flygplatsterminaler och biografer; bostadshus är sällsynta. Under 1920- och 1930-talen kombinerade arkitekter i sydvästra USA , särskilt i den amerikanska delstaten New Mexico , Pueblo Revival med Territorial Style och Art Deco för att skapa Pueblo Deco , som man såg i KiMo Theatre i Albuquerque . På 1930-talet blev den mer strama strömlinjeformen populär. Många byggnader revs mellan 1945 och slutet av 1960-talet, men sedan började ansträngningarna att skydda de bästa exemplen. Staden Miami Beach etablerade Miami Beach Architectural District för att bevara den fina samlingen av art déco-byggnader som finns där.

Centralamerika och Karibien

Se även: Lista över art déco-arkitektur § Centralamerika / Karibien

Art Deco-byggnader finns i hela Centralamerika, inklusive på Kuba.

Europa

Se även: Art Deco i Paris , Art Deco i Bryssel och Lista över Art Deco-arkitektur § Europa

Den arkitektoniska stilen dök upp först i Paris med Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) av Auguste Perret men spreds sedan snabbt runt Europa, tills exempel kunde hittas i nästan varje stor stad, från London till Moskva. I Tyskland blomstrade två varianter av art déco på 1920- och 30-talen: Neue Sachlichkeit- stilen och expressionistisk arkitektur . Anmärkningsvärda exempel är Erich Mendelsohns Mossehaus och Schaubühne -teater i Berlin , Fritz Högers Chilehaus i Hamburg och hans Kirche am Hohenzollernplatz i Berlin, Anzeiger Tower i Hannover och Borsig Tower i Berlin.

En av de största art déco-byggnaderna i Västeuropa är National Basilica of the Sacred Heart i Koekelberg , Bryssel. År 1925 vann arkitekten Albert van Huffel det stora priset för arkitektur med sin skalenliga modell av basilikan vid Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i Paris.

Spanien och Portugal har några slående exempel på art déco-byggnader, särskilt biografer. Exempel i Portugal är Capitólio Theatre (1931) och Éden Cine-Theatre (1937) i Lissabon , Rivoli Theatre (1937) och Coliseu (1941) i Porto och Rosa Damasceno Theatre (1937) i Santarém . Ett exempel i Spanien är Cine Rialto i Valencia (1939).

Under 1930-talet hade Art Deco en märkbar effekt på husdesignen i Storbritannien, liksom utformningen av olika offentliga byggnader. Raka, vitputsade husfasader som stiger till platta tak, skarpt geometriska dörrar och höga fönster samt konvexböjda hörnfönster i metall var alla karaktäristiska för den perioden.

Londons tunnelbana är känd för många exempel på art déco-arkitektur, och det finns ett antal byggnader i stilen som ligger längs Golden Mile i Brentford. I västra London finns också Hoover Building, som ursprungligen byggdes för The Hoover Company och omvandlades till en storbutik i början av 1990-talet.

Bukarest, Rumänien

Bukarest , en gång känd som "Lilla Paris" på 1800-talet, engagerade sig i en ny design efter första världskriget, omdirigerade sin inspiration mot New York City. 1930-talet kom med ett nytt mode som ekade inom bio, teater, dansstilar, konst och arkitektur. Bukarest under 1930-talet präglades av mer och mer art deco-arkitektur från de större boulevarderna som Bulevardul Magheru till privata hus och mindre distrikt. Telefonpalatset , var stadens första skyskrapa. Det var den högsta byggnaden mellan 1933 och 1950-talet, med en höjd av 52,5 meter (172 fot). Arkitekterna var Louis Weeks och Edmond van Saanen Algi och ingenjör Walter Troy. Art déco-monumenten är en avgörande del av Bukarests karaktär eftersom de beskriver och markerar en viktig period från dess historia, det interbelliska livet (första världskriget – andra världskriget). De flesta av byggnaderna från dessa år är utsatta för katastrof, eftersom Bukarest ligger i en jordbävningszon.

Indien

Se även: Art Deco i Mumbai

Indian Institute of Architects, som grundades i Mumbai 1929, spelade en framträdande roll i att sprida art déco-rörelsen. I november 1937 anordnade detta institut "Ideal Home Exhibition" som hölls i rådhuset i Mumbai, som sträckte sig över 12 dagar och lockade omkring hundra tusen besökare. Som ett resultat förklarades det en framgång av "Journal of the Indian Institute of Architects". Utställningsföremålen visade de "ideala", eller bättre beskrivna som de mest "moderna" arrangemangen för olika delar av huset, med noggranna detaljer för att undvika arkitektoniska misstag och presentera de mest effektiva och genomtänkta modellerna. Utställningen fokuserade på olika delar av ett hem, allt från möbler, inredningsdetaljer samt radioapparater och kylskåp med nya och vetenskapligt relevanta material och metoder. Guidade av sin önskan att efterlikna väst, fascinerades de indiska arkitekterna av den industriella modernitet som Art Deco erbjöd. De västerländska eliterna var de första att experimentera med de tekniskt avancerade aspekterna av art déco, och arkitekter började transformationsprocessen i början av 1930-talet.

Mumbais växande hamnhandel på 1930-talet resulterade i tillväxten av utbildad medelklassbefolkning. Det såg också en ökning av människor som migrerade till Mumbai på jakt efter jobbmöjligheter. Detta ledde till det trängande behovet av ny utveckling genom landsaneringsplaner och uppförande av nya offentliga byggnader och bostadshus. Parallellt ledde det förändrade politiska klimatet i landet och den strävande kvaliteten på art déco-estetiken till en helhjärtad acceptans av byggstilen i stadens utveckling. De flesta av byggnaderna från denna period kan ses spridda över stadens stadsdelar i områden som Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra och Chembur.

Sydamerika

Se även: Lista över art déco-arkitektur § Sydamerika

Art Deco i Sydamerika är särskilt närvarande i länder som fick en stor invandringsvåg under första hälften av 1900-talet, med anmärkningsvärda verk i sina rikaste städer, som São Paulo och Rio de Janeiro i Brasilien och Buenos Aires i Argentina . Kavanagh -byggnaden i Buenos Aires (1934), av Sánchez, Lagos och de la Torre, var den högsta konstruktionen av armerad betong när den stod färdig, och är ett anmärkningsvärt exempel på sen art déco-stil.

Konservering och Neo Art Deco

I många städer har ansträngningar gjorts för att skydda de återstående art déco-byggnaderna. I många amerikanska städer har historiska art deco-biografer bevarats och förvandlats till kulturcentra. Ännu mer blygsamma art déco-byggnader har bevarats som en del av Amerikas arkitektoniska arv; ett art déco-kafé och bensinstation längs Route 66 i Shamrock, Texas är ett historiskt monument. Miami Beach Architectural District skyddar flera hundra gamla byggnader och kräver att nya byggnader följer stilen. I Havanna , Kuba, har många art déco-byggnader försämrats hårt. Arbete pågår för att få byggnaderna tillbaka till sitt ursprungliga utseende.

Under 2000-talet har moderna varianter av Art Deco, kallad Neo Art Deco (eller Neo-Art Deco), dykt upp i några amerikanska städer, inspirerade av de klassiska Art Deco-byggnaderna på 1920- och 1930-talen. Exempel inkluderar NBC Tower i Chicago, inspirerat av 30 Rockefeller Plaza i New York City; och Smith Center for the Performing Arts i Las Vegas, Nevada, som inkluderar art déco-detaljer från Hoover Dam , 80 km (50 miles) bort.

Galleri

Se även

Se även kategorierna Art Deco-arkitektur , Art Deco-fartyg , Art Deco-skulpturer och minnesmärken , Art Deco-arkitekter , Art Deco-konstnärer , Art Deco-designers och Art Deco-skulptörer

Bibliografi

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art_Deco&oldid=1141024992 "