Robert Altman

För andra personer som heter Robert Altman, se Robert Altman (disambiguation) .

Robert Altman
Altman 1982
Född	Robert Bernard Altman ( 1925-02-20 ) 20 februari 1925 Kansas City, Missouri , USA
dog	20 november 2006 (2006-11-20) (81 år) Los Angeles, Kalifornien , USA
Ockupation	Filmskapare
Antal aktiva år	1947–2006
Känd för	M*A*S*H (1970) McCabe & Mrs. Miller (1971) The Long Goodbye (1973) Nashville (1975) 3 Women (1977) The Player (1992) Short Cuts (1993) Gosford Park (2001)
Makar)	LaVonne Elmer . ( m. 1946⁠–⁠1951 <a i=3>). ​ Lotus Corelli . ( m. 1954⁠–⁠1957 <a i=3>). ​ Kathryn Reed . ( m. 1959 <a i=3>). ​
Barn	6, inklusive Stephen Altman
Militär karriär
Service/ filial	US Army Air Forces 1943–1947
Vidare information Rang Förste löjtnant Enhet Trettonde flygvapnets 307:e bombardemangsgrupp Slag/krig Andra världskriget Utmärkelser Army Air Force Pilot-emblem Flygvapnets presidentenhet Citation Amerikansk kampanjmedalj Asiatisk-Stillahavsområdet kampanjmedalj Andra världskriget Segermedalj Filippinsk presidentenhet Citation

Robert Bernard Altman ( / ˈɔːltmən 2006 ) mən , ​​manusförfattare . / AWLT - ; 20 februari 1925 – 20 november var en amerikansk filmregissör och producent Han nominerades fem gånger till Oscar för bästa regi och anses vara en varaktig figur från New Hollywood- eran.

Altmans stil av filmskapande täckte många genrer, men vanligtvis med en " omstörtande " twist som vanligtvis förlitade sig på satir och humor för att uttrycka hans personliga åsikter. Altman utvecklade ett rykte om att vara "anti-Hollywood" och non-conformist i både sina teman och registil. Skådespelare gillade särskilt att arbeta under hans regi eftersom han uppmuntrade dem att improvisera och därigenom inspirerade deras egen kreativitet.

Han föredrog stora ensemblebesättningar för sina filmer och utvecklade en flerspårsinspelningsteknik som producerade överlappande dialog från flera skådespelare. Detta gav en mer naturlig, mer dynamisk och mer komplex upplevelse för tittaren. Han använde också mycket mobilt kameraarbete och zoomlinser för att förbättra aktiviteten på skärmen. Kritikern Pauline Kael , som skrev om sin registil, sa att Altman kunde "göra filmfyrverkerier av nästan ingenting." Altmans mest kända regiprestationer inkluderar M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) och Gosford Park (2001).

År 2006 erkände Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altmans verk med en Academy Honorary Award . Han vann aldrig en konkurrenskraftig Oscar trots sju nomineringar. Hans filmer M*A*S*H , McCabe & Mrs. Miller , The Long Goodbye och Nashville har valts ut till United States National Film Registry . Altman är en av tre filmskapare vars filmer har vunnit Guldbjörnen i Berlin , Guldlejonet i Venedig och Guldpalmen i Cannes ( de andra två är Henri-Georges Clouzot och Michelangelo Antonioni ).

Tidigt liv

Altman föddes den 20 februari 1925 i Kansas City, Missouri , son till Helen (född Matthews), en Mayflower- ättling från Nebraska , och Bernard Clement Altman, en förmögen försäkringsförsäljare och amatörspelare, som kom från en överklass. familj. Altmans anor var tyska, engelska och irländska; hans farfar, Frank Altman Sr., anglicerade stavningen av efternamnet från "Altmann" till "Altman". Altman hade en katolsk uppväxt, men han fortsatte inte att följa eller utöva religionen som vuxen, även om han har omtalats som "en sorts katolik" och en katolsk direktör. Han utbildades vid jesuitskolor , inklusive Rockhurst High School , i Kansas City. Han tog examen från Wentworth Military Academy i Lexington, Missouri 1943.

Strax efter examen anslöt sig Altman till United States Army Air Forces vid 18 års ålder. Under andra världskriget flög Altman mer än 50 bombuppdrag som bipilot för en B-24 Liberator med 307:e bombgruppen i Borneo och Nederländska Ostindien . Efter sin utskrivning 1947 flyttade Altman till Kalifornien. Han arbetade i reklam för ett företag som hade uppfunnit en tatueringsmaskin för att identifiera hundar. Han började på filmskapande på ett infall och sålde ett manus till RKO för filmen Bodyguard från 1948 , som han skrev tillsammans med George W. George. Altmans omedelbara framgång uppmuntrade honom att flytta till New York City, där han försökte skapa en karriär som författare. Efter att ha haft liten framgång återvände han till Kansas City 1949; där han tackade ja till ett jobb som regissör och författare av industrifilmer för Calvin Company . Altman regisserade cirka 65 industrifilmer och dokumentärer för Calvin Company. Genom sitt tidiga arbete med industrifilmer experimenterade Altman med berättarteknik och utvecklade sin karakteristiska användning av överlappande dialog. hittades en tidig Calvin-film regisserad av Altman, Modern Football (1951), av filmskaparen Gary Huggins.

Karriär

1950-talet

Altmans första satsningar på TV-regi var på DuMont -dramaserien Pulse of the City (1953–1954) och ett avsnitt av 1956 års västernserie The Sheriff of Cochise . 1956 anställdes han av en lokal affärsman för att skriva och regissera en långfilm i Kansas City om ungdomsbrottslighet . Filmen, med titeln The Delinquents , gjordes för 60 000 dollar, köptes av United Artists för 150 000 dollar och släpptes 1957. Även om den var primitiv innehöll denna tonårsexploateringsfilm grunden för Altmans senare arbete i dess användning av tillfällig, naturalistisk dialog. Med sin framgång flyttade Altman från Kansas City till Kalifornien för sista gången. Han var med och regisserade The James Dean Story (1957), en dokumentär som rusade in på biograferna för att dra nytta av skådespelarens senaste död och marknadsförs till hans framväxande kultföljare. Båda verken fångade Alfred Hitchcocks uppmärksamhet som anlitade Altman som regissör för sin CBS- antologiserie Alfred Hitchcock Presents . Efter bara två avsnitt sa Altman upp sig på grund av skillnader med en producent, men denna exponering gjorde det möjligt för honom att skapa en framgångsrik TV-karriär. Under det följande decenniet arbetade Altman flitigt i tv (och nästan uteslutande i seriedramer) med att regissera flera avsnitt av Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theatre , Combat! , såväl som singelavsnitt av flera andra uppmärksammade serier inklusive Hawaiian Eye , Maverick (det fjärde säsongsavsnittet "Bolt From the Blue" också skrivet av Altman och med Roger Moore i huvudrollen ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn och Route 66 .

1960-talet

På 1960-talet etablerade sig Altman som TV-regissör på grund av sin förmåga att arbeta snabbt och effektivt med en begränsad budget. Även om han ofta fick sparken från tv-projekt för att han vägrade följa nätverksmandat, kunde Altman alltid få nya uppdrag. 1964 beslutade producenterna att utöka "Once Upon a Savage Night", ett av hans avsnitt av Kraft Suspense Theatre , för utgivning som en TV-film under titeln Nightmare in Chicago . I ett avsnitt från 1963, "The Hunt", inkluderade hans skådespelare James Caan och Bruce Dern .

Två år senare anställdes Altman för att regissera lågbudgeten för rymdresor Countdown , men fick sparken inom några dagar efter projektets slut eftersom han hade vägrat att redigera filmen till en hanterbar längd. Han jobbade med Caan igen, som ledde rollerna med Robert Duvall . Han regisserade inte en annan film förrän That Cold Day in the Park (1969), vilket var en kritisk och biljettkas katastrof.

Under decenniet började Altman uttrycka politiska undertexter i sina verk. I synnerhet uttryckte han antikrigskänsla angående Vietnamkriget . På grund av detta skulle Altmans karriär lida något när han kom att förknippas med antikrigsrörelsen .

1970-talet

1969 erbjöds Altman manuset till MASH , en anpassning av en föga känd roman från Koreakrigstiden som satirerar livet i militären; mer än ett dussin andra filmskapare hade gått vidare. Altman hade varit tveksam till att ta produktionen, och inspelningen var så tumultartad att Elliott Gould och Donald Sutherland försökte få Altman sparken för sina oortodoxa filmmetoder. Ändå hyllades MASH allmänt som en klassiker när den släpptes 1970. Den vann Guldpalmen vid filmfestivalen i Cannes 1970 och fick fem Oscarsnomineringar . Det var Altmans mest inkomstbringande film, släppt under en tid av ökande antikrigskänsla i USA. Academy Film Archive bevarade MASH år 2000.

Nu erkänd som en stor talang, Altman noterade kritiska framgångar med McCabe & Mrs. Miller (1971), en revisionistisk western där Leonard Cohens fräcka sånger understryker en grym vision av den amerikanska gränsen; The Long Goodbye (1973), en kontroversiell anpassning av Raymond Chandler- romanen (skriven av Leigh Brackett ) som nu rankas som ett avgörande inflytande på neo-noir- subgenren; Thieves Like Us (1974), en anpassning av Edward Anderson-romanen som tidigare filmats av Nicholas Ray som They Live by Night (1949); California Split (1974), ett spelkomedi-drama som delvis spelades in på plats i Reno, Nevada ; och Nashville (1975), som hade ett starkt politiskt tema mot countrymusikens värld . Stjärnorna i filmen skrev sina egna låtar; Keith Carradine vann en Oscar för låten " I'm Easy ". Även om hans filmer ofta möttes av splittrande meddelanden, förblev många av erans framstående filmkritiker (inklusive Pauline Kael , Vincent Canby och Roger Ebert ) ständigt lojala mot hans registil under hela decenniet.

Publiken tog lite tid att uppskatta hans filmer, och han ville inte behöva tillfredsställa studiotjänstemän. 1970, efter lanseringen av MASH, grundade han Lion's Gate Films för att få oberoende produktionsfrihet. Altmans företag ska inte förväxlas med nuvarande Lionsgate , ett kanadensiskt/amerikanskt underhållningsföretag. Filmerna han gjorde genom sitt företag inkluderade Brewster McCloud , A Wedding , 3 Women och Quintet .

1980-talet

Altman med Lillian Gish och Lily Tomlin vid Nashville prisutdelning 1976

1980 regisserade han musikalfilmen Popeye . Producerad av Robert Evans och skriven av Jules Feiffer , baserades filmen på serien/tecknad film med samma namn och spelade Shelley Duvall och komikern Robin Williams i sin filmdebut. Designad som ett fordon för att öka Altmans kommersiella inflytande efter en serie kritikerrosade men kommersiellt misslyckade lågbudgetfilmer i slutet av 1970-talet (inklusive 3 kvinnor , ett bröllop och kvintett ), filmades produktionen på plats i Malta . Det var snart belägrat av tungt drog- och alkoholbruk bland de flesta av skådespelarna och besättningen, inklusive regissören; Altman ska ha kolliderat med Evans, Williams (som hotade att lämna filmen) och låtskrivaren Harry Nilsson (som lämnade halvvägs genom inspelningen och lämnade Van Dyke Parks för att avsluta orkestreringarna). Även om filmen samlade in 60 miljoner dollar över hela världen på en budget på 20 miljoner dollar och var den näst mest inkomstbringande filmen som Altman hade regisserat till den punkten, uppfyllde den inte studions förväntningar och ansågs vara en besvikelse i kassan.

1981 sålde regissören Lion's Gate till producenten Jonathan Taplin efter att hans politiska satir Health (inspelad i början av 1979 för ett julsläpp) lades på hyllan av den mångårige distributören 20th Century Fox efter ljummet test och festivalvisningar under 1980. Avgången av den mångårige Altman-partisan Alan Ladd Jr. från Fox spelade också en avgörande roll för att förhindra släppet av filmen.

Oförmögen att säkra större finansiering under eran efter den nya Hollywood- filmen på grund av hans mercurial rykte och de särskilt tumultartade händelserna kring produktionen av Popeye , började Altman "regissera läskunniga dramatiska egenskaper på små budgetar för scen, hemmavideo, tv och begränsade biopremiär", inklusive den hyllade Secret Honor och Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , en kritiskt antipodisk anpassning av en pjäs som Altman hade regisserat på Broadway.

1982 satte Altman upp en produktion av Igor Stravinskys The Rake's Progress vid University of Michigan , där han samtidigt undervisade i en kurs i sina filmer. Kort därefter återvände han för att filma Secret Honor med studenter. 2008 förvärvade University of Michigan Library Altmans arkiv. Han var också med och skrev John Andersons hitsingel " Black Sheep " från 1983.

Tonårskomedin O.C. _ och Stiggs (1985), en misslyckad återgång till filmskapande i Hollywood som retrospektivt karakteriseras av British Film Institute som "förmodligen Altmans minst framgångsrika film", fick en försenad begränsad kommersiell release 1987 efter att ha lagts på hyllan av MGM .

Anpassad av Altman och Sam Shepard för The Cannon Group från Shepards Pulitzerprisnominerade pjäs, Fool for Love (1985) presenterade dramatikern-skådespelaren tillsammans med Kim Basinger , Harry Dean Stanton och Randy Quaid ; den klarade sig bättre än de flesta av hans filmer från eran, tjänade 900 000 dollar på hemmaplan på en budget på 2 miljoner dollar och positiva recensioner från Roger Ebert och Vincent Canby . Ändå fortsatte den utbredda populariteten bland publiken att gäcka honom.

Han fortsatte att återfå en del kritisk gunst för sin tv- mockumentär Tanner '88 (1988), ett samarbete med Garry Trudeau som utspelar sig i en amerikansk presidentkampanj, för vilken han fick en Primetime Emmy Award .

1990-talet

1990 regisserade Altman Vincent & Theo , en biografisk film om Vincent van Gogh som var tänkt som en tv-miniserie för sändning i Storbritannien. En teaterversion av filmen var en blygsam framgång i USA, vilket markerade en betydande vändpunkt i regissörens kritiska återupplivande.

Altman vid filmfestivalen i Cannes 1992

Han återupplivade sin karriär på allvar med The Player (1992), en satir över Hollywood. Samproducerad av den inflytelserika David Brown ( The Sting , Jaws , Cocoon ), nominerades filmen till tre Oscarspriser, inklusive bästa regissör . Även om han inte vann Oscar, belönades han med bästa regissör av filmfestivalen i Cannes , BAFTA och New York Film Critics Circle .

Altman regisserade sedan Short Cuts (1993), en ambitiös anpassning av flera noveller av Raymond Carver , som skildrade livet för olika medborgare i Los Angeles under loppet av flera dagar. Filmens stora skådespelare och sammanflätningen av många olika berättelser liknade hans stora roller på 1970-talet; han vann Guldlejonet vid Venedigs internationella filmfestival 1993 och ytterligare en Oscarsnominering för bästa regi.

Resten av 1990-talet såg begränsad framgång för Altman. Hans släpp Prêt-à-Porter från 1994 (även känd som Ready to Wear ) fick betydande publicitet innan utgivningen, men var en kommersiell och kritisk flopp, även om den fick flera nomineringar för årets slutpriser, inklusive två Golden Globe -nomineringar och vann Granskningsnämndens pris för bästa skådespeleri av en ensemble . 1996 regisserade Altman Kansas City och uttryckte sin kärlek till 1930-talets jazz genom en komplicerad kidnappningshistoria. Berättelsen fick ljumma till positiva recensioner, men gjordes nästan ingenting i biljettkassan, liksom den juridiska thrillern The Gingerbread Man från 1998 .

Han avslutade decenniet på en hög ton, med Cookie's Fortune från 1999, en udda svart komedi om självmordet av en rik änkke, hans första film på nästan 6 år som fick tillbaka sin budget, och som gav honom allmänt positiv beröm från kritiker. Han valdes till Fellow vid American Academy of Arts and Sciences 1999.

2000-talet

Gosford Park (2001), ett mordmysterium på ett brittiskt landställe med stor roller, fanns med på många kritikers listor över de tio bästa filmerna det året. Den vann Oscar för bästa originalmanus ( Julian Fellowes ) plus ytterligare sex nomineringar, inklusive två för Altman, som bästa regi och bästa film.

Arbetet med oberoende studior som den nu slutna Fine Line, Artisan (som absorberades i dagens Lionsgate ) och USA Films (numera Focus Features ), gav Altman fördelen med att göra den typ av filmer han alltid velat göra utan studioinblandning . En filmversion av Garrison Keillors offentliga radioserie A Prairie Home Companion släpptes i juni 2006. Altman utvecklade fortfarande nya projekt fram till sin död, inklusive en film baserad på Hands on a Hard Body: The Documentary ( 1997).

År 2006 tilldelade Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altman en Academy Honorary Award for Lifetime Achievement. Under sitt tacktal avslöjade han att han hade fått en hjärttransplantation cirka tio eller elva år tidigare. Regissören sa då att Akademien kanske hade agerat för tidigt när han kände igen kroppen av hans verk, eftersom han kände att han kanske hade fyra decennier till av livet framför sig.

Registil och teknik

Maverick och auteur

Altmans porträtt, taget 1983

Efter sin framgångsrika karriär inom tv började Altman sin nya karriär i filmbranschen när han var i medelåldern. Han förstod de kreativa gränserna som tv-genren införde, och nu satte han sig för att regissera och skriva filmer som skulle uttrycka hans personliga visioner om det amerikanska samhället och Hollywood. Hans filmer skulle senare beskrivas som " auteuristiska attacker" och "idiosynkratiska variationer" av traditionella filmer, vanligtvis med subtil komedi eller satir som ett sätt att uttrycka sina observationer.

Hans filmer var vanligtvis relaterade till politiska, ideologiska och personliga ämnen, och Altman var känd för att "vägra att kompromissa med sin egen konstnärliga vision." Han har beskrivits som "anti-Hollywood" och ignorerar ofta det sociala trycket som påverkade andra i branschen, vilket gjorde det svårare för honom att få många av sina filmer att se. Han sa att hans oberoende som filmskapare hjälpte honom överlag:

Jag tror inte att det finns en filmskapare vid liv, eller som någonsin har levt, som har fått en bättre shake än jag har haft. Jag har aldrig varit utan ett projekt och det har alltid varit ett projekt jag själv valt. Så jag vet inte hur mycket bättre det kan bli. Jag har inte blivit en mogul, jag bygger inga slott och jag har ingen stor personlig förmögenhet, men jag har kunnat göra det jag har velat göra och jag har gjort det mycket.

"Altman var en genuin filmmaverick", konstaterar författaren Ian Freer , eftersom han gick emot filmindustrins kommersiella överensstämmelse: "Han var ett gissel för filmetablissemanget, och hans arbete kastade i allmänhet ett skarpsinnigt, svidande öga över bredden av Amerikansk kultur, ofta exploderande genrer och karaktärsarketyper; Altman fascinerades av människor med ofullkomligheter, människor som de verkligen är, inte som filmerna skulle få dig att tro." Regissören Alan Rudolph hänvisar under en speciell hyllning till Altman till sin filmstil som "Altmanesque".

Med sin självständiga registil utvecklade han ett dåligt rykte bland manusförfattare och de på affärssidan av filmer. Han erkänner, "Jag har ett dåligt rykte med författare, som utvecklats under åren: "Åh, han gör inte som du skriver, bla bla bla." ... Ring Lardner var väldigt förbannad på mig", för att han inte följde hans manus. Inte heller kom Altman överens med studiohuvuden, när han en gång slog en chef i näsan och slog honom i en pool för att han insisterade på att han klippte sex minuter från en film han arbetade på.

Hans rykte bland skådespelare var bättre. Med dem sträckte sig hans oberoende ibland till hans val av skådespelare, ofta i strid med konsensus. Cher , till exempel, krediterar honom för att ha startat sin karriär med både scenspelet och filmen Come Back to the Five och Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean ( 1982). "Utan Bob hade jag aldrig haft en filmkarriär. Alla sa åt honom att inte casta mig. Alla... Ingen skulle ge mig en paus. Jag är övertygad om att Bob var den enda som var modig nog att göra det." Andra, som Julianne Moore , beskriver arbetet med honom:

Du vet, allt det här snacket om att Bob är en sådan här upprörd, svår sorts person? Tja, han var aldrig så med en skådespelare eller med en kreativ person som jag såg. Aldrig aldrig aldrig. Han sparade allt det för pengarna människor.

Regissören Robert Dornhelm sa att Altman "såg film som en ren, konstnärlig plats." Med Short Cuts (1993), till exempel, bad distributören honom att skära några minuter från längden, för att hålla den kommersiellt gångbar: "Bob trodde bara att antikrist försökte förstöra hans konst. De var välmenande människor som ville att han skulle få vad han förtjänade, vilket var en stor kommersiell hit. Men när det kom till konsten eller pengarna var han med i konsten."

Sally Kellerman , som noterade Altmans egensinniga attityd, såg tillbaka med beklagande när hon gav upp en chans att spela i en av hans filmer:

Jag hade precis spelat klart Last of the Red Hot Lovers när Bob ringde mig en dag hemma. "Sally, vill du vara med på min bild efter nästa?" han frågade. "Bara om det är en bra del", sa jag. Han la på mig.

Bob var lika envis och arrogant som jag var på den tiden, men det tråkiga är att jag lurade mig från att jobba med någon jag älskade så mycket, någon som gjorde skådespeleriet både roligt och enkelt och som litade på sina skådespelare. Bob älskade skådespelare. Stjärnor skulle ställa upp för att jobba för ingenting för Bob Altman.

Teman och ämnen

Till skillnad från regissörer vars verk passar inom olika filmgenrer , såsom westernfilmer, musikaler, krigsfilmer eller komedier, har Altmans verk definierats som mer "anti-genre" av olika kritiker. Detta beror delvis på den satiriska och komiska karaktären hos många av hans filmer. Geraldine Chaplin , dotter till Charlie Chaplin , jämförde humorn i hans filmer med hennes fars filmer:

De är roliga på rätt sätt. Roligt på ett kritiskt sätt — om vad världen är och världen vi lever i. De var båda genier på sitt sätt. De förändrar din upplevelse av verkligheten. De har sin värld och de har sin humor. Den humorn är så sällsynt.

Altman gjorde det klart att han inte gillade "storytelling" i sina filmer, i motsats till hur de flesta tv- och mainstreamfilmer görs. Enligt Altman-biografen Mitchell Zuckoff , "gillade han ordet 'berättelse' och trodde att en handling borde vara sekundär till en utforskning av rent (eller ännu bättre, orent) mänskligt beteende." Zuckoff beskriver syftena bakom många av Altmans filmer: "Han älskade det verkliga livets kaotiska natur, med motstridiga perspektiv, överraskande vändningar, oförklarade handlingar och tvetydiga slut. Han älskade särskilt många röster, ibland argumenterande, ibland instämmande, idealiskt överlappande, en cocktailparty eller en gatuscen fångad som han upplevde den. Julianne Moore , efter att ha sett några av hans filmer, krediterar Altmans regi för hennes beslut att bli filmskådespelerska, snarare än scenskådespelerska:

Jag kände det riktigt starkt. Och jag tänkte: "Jag vet inte vem den här killen är, men det är vad jag vill göra. Jag vill göra den typen av arbete." Från och med då skulle jag se hans filmer när jag kunde, och han var alltid min absoluta favoritregissör, ​​för vad han sa tematiskt och känslomässigt och hur han kände för människor.

Filmförfattaren Charles Derry skriver att Altmans filmer "karakteristiskt innehåller förnimmande observationer, talande utbyten och ögonblick av kristallklara avslöjanden av mänsklig dårskap." Eftersom Altman var en skarpsinnig observatör av samhället och "särskilt intresserad av människor", konstaterar Derry, hade många av hans filmkaraktärer "den där slarviga ofullkomligheten förknippad med människor som de är, med livet som det levs." Som ett resultat är hans filmer ofta en indirekt kritik av det amerikanska samhället.

För många av Altmans filmer är det satiriska innehållet uppenbart: MASH (1970) är till exempel en satirisk svart komedi som utspelar sig under Koreakriget; McCabe & Mrs. Miller (1971) är en satir på västernfilmer; författaren Matthew Kennedy påstår att Nashville (1975) är en "lysande satir över Amerika omedelbart före tvåhundraårsjubileet"; A Wedding (1978) är en satir över amerikanska äktenskapsritualer och hyckleri; Altman sa själv att The Player (1992) var "en mycket mild satir" om filmindustrin i Hollywood, och Vincent Canby höll med och påstod att "som en satir kittlar The Player . Den drar inte blod." Satiren i hans filmer ledde ibland till att de misslyckades i biljettkassan om deras satiriska karaktär inte förstods av distributören. Altman skyller kassamisslyckandet i The Long Goodbye (1973), en deckare, på den felaktiga marknadsföringen av filmen som en thriller:

När bilden öppnades var det en stor, stor flopp. ... Jag gick till David Picker och sa: "Du kan inte göra det här. Inte konstigt att bilden misslyckas. Den ger fel intryck. Du får den att se ut som en thriller och det är det inte, det är en satir.

OC & Stiggs misslyckande på att den marknadsförs som en typisk "tonårsfilm", snarare än vad han filmade den som, en "satir på en tonårsfilm", sa han.

Improvisationsdialog

Altman föredrog berättelser som uttryckte de inbördes förhållandena mellan flera karaktärer, eftersom han var mer intresserad av karaktärsmotivation än av intrikata intriger. Han tenderade därför att bara skissera en grundläggande handling för filmen, och hänvisade till manuset som en "blåkopia" för handling. Genom att uppmuntra sina skådespelare att improvisera dialog blev Altman känd som en "skådespelares regissör", ett rykte som lockade många anmärkningsvärda skådespelare att arbeta som en del av hans stora skådespelare. Artister tycker om att arbeta med Altman delvis för att "han ger dem friheten att utveckla sina karaktärer och ofta förändra manuset genom improvisation och samarbete", konstaterar Derry. Richard Baskin säger att "Bob var ganska extraordinär i sitt sätt att låta människor göra vad de gjorde. Han litade på att du gjorde det du gjorde och därför skulle du döda för honom."

Geraldine Chaplin , som agerade i Nashville , minns en av sina första repetitionssessioner:

Han sa: "Har du tagit med dina manus?" Vi sa ja. Han sa, "Tja, kasta dem. Du behöver dem inte. Du måste veta vem du är och var du är och vem du är med." ... Det var som att stå på scenen med fullt hus varje sekund. Alla cirkusakter du hade i kroppen skulle du göra bara för honom.

Altman låter regelbundet sina skådespelare utveckla en karaktär genom improvisation under repetition eller ibland under själva inspelningen. Sådan improvisation var ovanlig i film på grund av de höga kostnaderna för filmproduktion som kräver noggrann planering, exakta manus och repetition innan kostsam film exponerades. Ändå föredrog Altman att använda improvisation som ett verktyg för att hjälpa sina skådespelare att utveckla sin karaktär. Altman sa att "när vi väl börjar skjuta är det en mycket bestämd sak. Improvisation missförstås. Vi släpper inte bara människor lösa." Även om han försökte undvika att diktera en skådespelares varje rörelse, föredrar han att låta dem ha kontroll:

När jag castar en film är det mesta av mitt kreativa arbete gjort. Jag måste vara där för att slå på strömbrytaren och ge dem uppmuntran som fadersfigur, men de gör allt. ... Allt jag försöker göra är att göra det lätt för skådespelaren, för när du väl börjar filma är skådespelaren artisten. ... Jag måste ge dem förtroende och se att de har ett visst mått av skydd så att de kan vara kreativa. ... Jag lät dem göra det de blev skådespelare för i första hand: att skapa.

Carol Burnett minns att Altman erkände att många av idéerna i hans filmer kom från skådespelarna. "Du hör aldrig en regissör säga det. Det var verkligen en häpnadsväckande sak", sa hon. Andra, som Jennifer Jason Leigh , blev kreativt drivna:

Han skulle inspirera dig av ren nödvändighet att komma på saker som du inte visste att du var kapabel till, som du inte visste att du hade i dig. Han var så genuint busig och så jäkla rolig.

Han tyckte om att arbeta med många av samma artister, inklusive Shelley Duvall och Bert Remsen (7 filmer vardera); Paul Dooley (6 filmer); Michael Murphy (5 filmer); Jeff Goldblum , Lily Tomlin , Lyle Lovett , Henry Gibson , David Arkin och John Schuck (4 filmer vardera); Tim Robbins , Carol Burnett , Belita Moreno , Richard E. Grant , Geraldine Chaplin , Craig Richard Nelson , Sally Kellerman och Keith Carradine (3 filmer vardera). Krin Gabbard tillägger att Altman tyckte om att använda skådespelare "som blomstrar som improvisatörer", som Elliott Gould , som medverkade i tre av hans filmer, MASH , The Long Goodbye och California Split . Gould minns att när han filmade MASH , hans första skådespelarjobb med Altman, trodde han och medspelaren Donald Sutherland inte att Altman visste vad han gjorde. Han skrev år senare, "Jag tror att i efterhand var Donald och jag två elitistiska, arroganta skådespelare som verkligen inte fick Altmans geni." Andra i rollistan uppskattade genast Altmans registil. René Auberjonois förklarar:

Vi trodde att det var så filmer var. Att de var en så glad upplevelse. Om du hade någon form av karriär såg du snabbt att de flesta regissörer inte riktigt litar på skådespelare, inte riktigt vill se skådespelare agera. Det var skillnaden med Bob Altman. Han älskade skådespelare och ville se skådespeleri.

Till skillnad från tv och traditionella filmer undvek Altman också "konventionellt berättande" och skulle välja att visa den "upptagna förvirringen i det verkliga livet", konstaterar Albert Lindauer. Bland de olika teknikerna för att uppnå denna effekt inkluderar hans filmer ofta "ett överflöd av ljud och bilder, av enorma skådespelare eller galna karaktärer, flera intrigar eller inga intrig alls, ... och ett beroende av improvisation." Några månader innan han dog försökte Altman sammanfatta motiven bakom sin filmstil:

Jag likställer detta verk mer med måleri än med teater eller litteratur. Berättelser intresserar mig inte. I grund och botten är jag mer intresserad av beteende. Jag regisserar inte, jag tittar. Jag måste vara glad om jag förväntar mig att publiken ska bli glad. För det jag verkligen vill se från en skådespelare är något jag aldrig sett förut, så jag kan inte berätta för dem vad det är. Jag försöker uppmuntra skådespelare att inte turas om. Att hantera konversation som konversation. Jag menar, det är vad jobbet är, tror jag. Det är för att göra ett komfortområde så att en skådespelare kan gå längre än vad han trodde att han kunde göra.

Ljudtekniker

Altman var en av få filmskapare som "ägnade full uppmärksamhet åt ljudets möjligheter" när de filmade. Han försökte replikera naturliga konversationsljud, även med stora skådespelare, genom att koppla dolda mikrofoner till skådespelare och sedan spela in dem prata över varandra med flera ljudspår. Under inspelningen bar han ett headset för att säkerställa att viktig dialog kunde höras, utan att betona det. Detta skapade en "tät ljudupplevelse" för tittarna, vilket gjorde att de kunde höra flera stycken av dialog, som om de lyssnade på olika privata konversationer. Altman insåg att även om stora skådespelare skadade en film kommersiellt, "jag gillar att se en massa saker som händer."

Altman använde först överlappande ljudspår i MASH (1970), en ljudteknik som filmförfattaren Michael Barson beskriver som "en hisnande innovation på den tiden." Han utvecklade den, sa Altman, för att tvinga tittarna att uppmärksamma och bli engagerade i filmen som om de vore en aktiv deltagare. Enligt vissa kritiker är en av de mer extrema användningarna av tekniken i McCabe and Mrs. Miller (1971), som också anses vara en av hans finaste filmer.

Filmhistorikern/forskaren Robert P. Kolker påpekade att den fonetiska och visuella samtidigtheten i Altmans filmer var kritisk eftersom den representerade en betoning på mångfalden av händelser, som krävde att tittarna blev aktiva åskådare.

Ensemblebesättningar

Överlappande dialog mellan stora grupper av skådespelare gör Altmans filmer mer komplexa, och de kritiserades ofta för att de verkade slumpmässiga eller kopplade bort vid första visningen. Några av hans kritiker ändrade sig efter att ha sett dem igen. Den brittiske filmkritikern David Thomson gav Nashville (1975) en dålig recension efter att ha sett den första gången, men skrev senare, "Men att gå tillbaka till Nashville och några av de tidigare filmerna ... fick mig att reflektera: Det förblir gåtfullt hur organiserat eller målmedveten Nashville är... Mosaiken, eller blandningen, tillåter en frihet och en mänsklig egenhet som Renoir kan ha beundrat." Under tillverkningen av filmen inspirerades skådespelarna, och motspelaren Ronee Blakley var övertygad om filmens ultimata framgång:

Ja, jag trodde att det skulle bli jättebra, allt arbete var så bra, alla skådespelare var inspirerade och Altmans team var intensivt kompetent, och han var ett sällsynt geni som vet vad som fungerar och vad som inte gör det. ögonblick det händer.

Thomson insåg senare att dessa aspekter var en del av Altmans stil, med början med MASH (1970): " MASH började utveckla den avgörande Altman-stilen med överlappande, suddigt ljud och bilder så hala med zoom att det inte fanns någon känsla för komposition. Det är vad gör Nashville så absorberande." Altman förklarade att för honom var en sådan överlappande dialog i hans filmer närmare verkligheten, särskilt med stora grupper: "Om du har fjorton personer vid ett middagsbord, verkar det för mig att det är ganska osannolikt att bara två av dem kommer att vara talande." Pauline Kael skriver att Altman, "mästaren på stora ensembler, lös action och överlappande röster, visar att ... han kan göra filmfyrverkerier av nästan ingenting."

Fotografi

Altmans distinkta registil fördes över till hans preferenser för kameraarbete. Bland dem var hans användning av bredbildskompositioner, avsedda att fånga de många människor eller aktiviteter som äger rum på skärmen samtidigt. För vissa filmer, som McCabe och Mrs. Miller , skapade han en kraftfull visuell atmosfär med filmfotograf Vilmos Zsigmond , som scener med flytande kameraarbete, zoomlinser och en rökig effekt med speciella dimfilter. Regissören Stanley Kubrick sa till Altman att "kameraarbetet var underbart" och frågade: "Hur gjorde du det?"

I Nashville använde Altman set med märkbara färger av rött, vitt och blått. För The Long Goodbye insisterade han på att Zsigmond skulle hålla kameran mobil genom att montera den på rörliga föremål. Zsigmond säger att Altman "ville göra något annorlunda" i den här filmen och sa till honom att han "ville att kameran skulle röra sig - hela tiden. Upp. ner. In och ut. Sida till sida." Filmfotograf Roger Deakins , som diskuterade sin användning av zoomobjektiv, kommenterade: "Jag skulle tycka att det är ganska spännande att filma en film med ett zoomobjektiv om det var den där observerande, omvandlande typen av utseende som Robert Altman var känd för. kamera på en fockarm och sväva över scenen och plocka fram dessa bilder medan han gick – ett ganska trevligt sätt att arbeta."

Zsigmond minns också att det var roligt att arbeta med Altman:

Vi tyckte snarare om att göra saker "improv". Altman är en stor improvisatör. Under de första dagarna av fotograferingen skulle han "skapa" olika tillvägagångssätt på ett ögonblicks varsel. Han skulle visa mig hur han ville att kameran skulle röra sig - alltid röra sig. Vilket var kul. Skådespelarna älskade det, och jag blev alltid utmanad att hitta sätt att filma det Altman kom på.

Vilmos Zsigmonds film i McCabe och Mrs. Miller fick en nominering av British Academy Film Awards .

Musikpartitur

När han använde musik i sina filmer var Altman känd för att vara mycket selektiv, och han valde ofta musik som han personligen gillade. Regissören Paul Thomas Anderson , som arbetade med honom, noterar att "Altmans användning av musik är alltid viktig", och tillägger, "Bob älskade sin musik, eller hur? Herregud, han älskade sin musik". Eftersom han var ett "stort fan" av Leonard Cohens musik, till exempel, och sa att han "bara skulle bli stenad och spela sånt" hela tiden använde han tre av sina låtar i McCabe and Mrs. Miller (1971), och en annan för slutscenen i A Wedding (1978).

Till Nashville (1975) hade Altman många nya countrymusiklåtar skrivna av sin skådespelare för att skapa en realistisk atmosfär. Han inkorporerade en "spöklikt upprepad melodi" i The Long Goodbye (1973), och anställde Harry Nilsson och Van Dyke Parks för att spela Popeye (1980).

Ett antal musikexperter har skrivit om Altmans användning av musik, inklusive Richard R. Ness, som skrev om partituren för många av Altmans filmer i en artikel, som anses vara en värdefull resurs för att förstå Altmans filmteknik. På liknande sätt skrev filmvetenskapsprofessorn Krin Gabbard en analys av Altmans användning av jazzmusik i Short Cuts (1993), och noterade att få kritiker har övervägt "vikten av musiken" i filmen.

Jazz var också betydande i Kansas City (1996). I den filmen anses musiken ligga till grund för berättelsen. Altman säger att "hela idén var inte att vara för specifik om historien", utan att låta filmen i sig vara "snarare en sorts jazz." Altmans teknik att göra temat för en film till en form av musik ansågs vara "ett experiment som ingen har provat tidigare", med Altman som medgav att det var riskabelt. "Jag visste inte om det skulle fungera... Om folk "fattar det", så brukar de verkligen gilla det."

Inflytande

Regissörer som är influerade av Altman inkluderar Paul Thomas Anderson , Wes Anderson , Judd Apatow , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green , bröderna Safdie , Harmony Korine och Michael Winterbottom .

Filmografi

Huvudartikel: Robert Altman filmografi

Regisserade inslag

År	Titel	Distribution
1957	Delinquenten	United Artists
1967	Nedräkning	Warner Bros.
1969	Den där kalla dagen i parken	Commonwealth United Entertainment
1970	MOSA	20th Century Fox
	Brewster McCloud	Metro-Goldwyn-Mayer
1971	McCabe & Mrs. Miller	Warner Bros.
1972	Bilder	Columbia bilder
1973	Det långa hejdået	United Artists
1974	Tjuvar gillar oss
	Kalifornien Split	Columbia bilder
1975	Nashville	Paramount bilder
1976	Buffalo Bill och indianerna, eller Sitting Bulls historielektion	United Artists
1977	3 kvinnor	20th Century Fox
1978	Ett bröllop
1979	Kvintett
	Ett perfekt par
1980	Hälsa
	Karl-Alfred	Paramount bilder
1982	Kom tillbaka till Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean	Cinecom bilder
1983	Streamers	United Artists
1984	Hemlig ära	Cinecom bilder
1985	Dum för kärlek	Cannon Group
1987	OC och Stiggs	Metro-Goldwyn-Mayer
	Bortom terapi	Nya världsbilder
1990	Vincent & Theo	Metro-Goldwyn-Mayer
1992	Spelaren	Fine Line-funktioner
1993	Genvägar
1994	Prêt-à-Porter	Miramax filmer
1996	Kansas City	Fine Line-funktioner
1998	Pepparkaksmannen	PolyGram underhållning
1999	Cookie's Fortune	Oktober filmer
2000	Dr T & kvinnorna	Hantverksunderhållning
2001	Gosford Park	Fokusfunktioner
2003	Företaget	Sony Pictures Classics
2006	En präriehemskamrat	New Line Cinema

Pris och ära

Huvudartikel: Lista över utmärkelser och nomineringar som tagits emot av Robert Altman

Altman fick olika utmärkelser och nomineringar, inklusive sju Oscarsnomineringar som vann heders-Oscaren 2006. Han fick sju British Academy Film Award- nomineringar som vann två gånger för The Player (1992) och Gosford Park (2001). Han fick Primetime Emmy Award för enastående regi för en dramaserie för Tanner '88 (1988). Han fick också fem Golden Globe Award- nomineringar och vann Golden Globe Award för bästa regissör för Gosford Park . Han mottog också olika utmärkelser från filmfestivaler, inklusive Cannes Film Festivals prestigefyllda Guldpalmen för M*A*S*H och Cannes Film Festival Award för bästa regissör för The Player . Han har också mottagit Berlins internationella filmfestivals guldbjörn och filmfestivalen i Venedigs guldlejon . 1994 mottog han Directors Guild of America Lifetime Achievement Award .

Priser och nomineringar från Altmans filmer

År	Titel	Oscarsgalan		BAFTA Awards		Golden Globe Awards
		Nomineringar	Vinner	Nomineringar	Vinner	Nomineringar	Vinner
1970	MOSA	5	1	6	1	6	1
1971	McCabe & Mrs. Miller	1		1
1972	Bilder	1		1		1
1975	Nashville	5	1	5	1	11	1
1977	3 kvinnor			1
1978	Ett bröllop			2		1
1982	Kom tillbaka till Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean					1
1992	Spelaren	3		5	2	4	2
1993	Genvägar	1				2	1
1994	Prêt-à-Porter					2
2001	Gosford Park	7	1	9	2	5	1
Total		21	3	30	6	33	6

Privatliv

Familj

Altman var gift tre gånger: Hans första fru var LaVonne Elmer. De var gifta från 1947 till 1949 och hade dottern Christine. Hans andra fru var Lotus Corelli. De var gifta från 1950 till 1955 och hade två söner, Michael och Stephen . Vid fjorton år skrev Michael texten till " Suicide Is Painless ", temasången till Altmans film, MASH . Stephen är en produktionsdesigner som ofta arbetade med sin far. Altmans tredje fru var Kathryn Reed. De var gifta från 1957 till hans död 2006. De hade två söner, Robert och Matthew. Altman blev styvfar till Konni Reed när han gifte sig med Kathryn.

Kathryn Altman, som dog 2016, var medförfattare till en bok om Altman som publicerades 2014. Hon hade fungerat som konsult och berättare för dokumentären Altman 2014 , och hade talat vid många retrospektiva visningar av sin mans filmer.

Hem

På 1960-talet bodde Altman i flera år i Mandeville Canyon i Brentwood, Kalifornien . Han bodde i Malibu under hela 1970-talet, men sålde huset och produktionsbolaget Lion's Gate 1981. "Jag hade inget val", sa han till The New York Times . "Ingen svarade i telefon" efter floppen av Popeye . Han flyttade sin familj och sitt huvudkontor till New York City, men flyttade så småningom tillbaka till Malibu, där han bodde till sin död.

Politiska åsikter

I november 2000 hävdade Altman att han skulle flytta till Paris om George W. Bush blev vald, men skämtade om att han hade menat Paris, Texas, när det blev så. Han noterade att "staten skulle ha det bättre om han (Bush) är utanför det." Altman var en frispråkig marijuanaanvändare och fungerade som medlem av NORMLs rådgivande styrelse. Han var också ateist och antikrigsaktivist. Han var en av många offentliga personer, inklusive lingvisten Noam Chomsky och skådespelerskan Susan Sarandon , som undertecknade " Not in Our Name "-deklarationen som motsatte sig invasionen av Irak 2003 . Julian Fellowes tror att Altmans antikrigs- och anti-Bush-hållning kostade honom Oscar för bästa regissör för Gosford Park .

Altman föraktade tv-serien M*A*S*H som följde efter hans film från 1970, och citerade den som motsatsen till vad hans film handlade om, och citerade dess antikrigsbudskap som "rasistisk". I DVD-kommentaren 2001 till MASH , förklarade han tydligt varför han ogillade serien.

Död och arv

Altman dog av leukemi vid Cedars-Sinai Medical Center i Los Angeles den 20 november 2006, 81 år gammal.

Filmregissören Paul Thomas Anderson dedikerade sin film från 2007 There Will Be Blood till Altman. Anderson hade arbetat som beredskapschef på A Prairie Home Companion i försäkringssyfte i händelse av att den sjuka 80-årige Altman inte skulle kunna avsluta skjutningen.

Under en hyllning till Altman några månader efter hans död beskrevs han som en "passionerad filmskapare" och auteur som förkastade konventionen och skapade vad regissören Alan Rudolph kallade en "altmansk" filmstil. Han föredrog stora skådespelargrupper och naturliga överlappande konversationer och uppmuntrade sina skådespelare att improvisera och uttrycka sin medfödda kreativitet utan rädsla för att misslyckas. Lily Tomlin jämförde honom med "en stor godartad patriark som alltid såg ut efter dig som skådespelare", och tillade att "du inte är rädd för att ta chanser med honom."

Altmans handavtryck utanför Palais des Festivals et des Congrès i Cannes , Frankrike

Många av hans filmer beskrivs som "syra satirer och motkultur karaktärsstudier som omdefinierade och återupplivade modern film." Även om hans filmer sträckte sig över de flesta filmgenrer, som västernfilmer, musikaler, krigsfilmer eller komedier, ansågs han vara "antigenre" och hans filmer var "uppriktigt subversiva". Han var känd för att hata "fusket" han såg i de flesta mainstream-filmer, och "han ville explodera dem" genom satir.

Skådespelaren Tim Robbins , som medverkade i ett antal av Altmans filmer, beskriver några av de unika aspekterna av hans regimetod:

Han skapade en unik och underbar värld på sina uppsättningar, ... där den busiga pappan släppte lös "barnskådespelarna" för att spela. Där din fantasi uppmuntrades, vårdes, skrattades åt, omfamnades och Altman-ifierades. En ljuv anarki som många av oss inte känt sedan skolgården, utlöst av Bobs vilda hjärta.

Altmans personliga arkiv finns vid University of Michigan , som inkluderar cirka 900 lådor med personliga papper, manus, juridiska, affärs- och ekonomiska dokument, fotografier, rekvisita och relaterat material. Altman hade filmat Secret Honor på universitetet, samt regisserat flera operor där.

Sedan 2009 delas Robert Altman-priset ut till regissören, casting-regissören och ensemblen av filmer vid de årliga Independent Spirit Awards .

släpptes en lång dokumentärfilm, Altman , som tittar på hans liv och arbete med filmklipp och intervjuer.

Se även

• Hyperlänk bio

Bibliografi

• "Robert Altman Bibliografi" . UC Berkeley.
•   Syska, Rafal (2008). Håll avståndet. Robert Altmans filmvärld . Krakow: Rabid. ISBN 978-83-60236-36-9 .

Vidare läsning

•   Caso, Frank (2015). Robert Altman i American Grain . London: Reaktion Books. ISBN 978-1-78023-522-6 .
• Regissörens kommentar till DVD:n McCabe & Mrs. Miller , samtidigt som den fokuserar på den filmen, täcker också till viss del Altmans allmänna metodik som regissör.
• Judith M. Kass. Robert Altman: American Innovator tidigt (1978) bedömning av regissörens arbete och hans intresse för spel. Del av Leonard Maltins filmskaparserie Popular Library .
• Det engelska bandet Maxïmo Park har en låt som heter "Robert Altman", en b-sida till sin singel " Our Velocity "
• The Criterion Collection har släppt flera av Altmans filmer på DVD (Short Cuts, 3 Women, Tanner '88, Secret Honor) som inkluderar ljudkommentarer och videointervjuer med honom som belyser hans registil.
• Warren, Charles (2006). Crouse, Jeffey (red.). "Cavell, Altman och Cassavetes". Film International . Stanley Cavell specialnummer. Vol. 4, nr. 22. s. 14–20.
• Rick Armstrong, "Robert Altman: Critical Essays" Skådespelare, historiker, filmforskare och kulturteoretiker reflekterar över Altman och hans fem decennium långa karriär ... (McFarland, 18 februari 2011)
•   Mitchell Zuckoff, Robert Altman: The Oral Biography. New York: Alfred A. Knopf, 2009. ISBN 978-0-307-26768-9
• Beskrivning och detaljer om Short Cuts Soundtrack för mer djupgående information om den här titeln.
• Helene Keyssar, Robert Altmans Amerika. Oxford, 1991

externa länkar

• Hitta hjälpmedel för Robert Altman Papers (1945-2007), Special Collections Library, University of Michigan
• Robert Altman på IMDb
• Robert Altman på Internet Broadway Database
• Robert Altman på Internet Off-Broadway Database
• Robert Altman på Kriteriesamlingen
• Lyssna på Robert Altman som diskuterar sin karriär – en inspelning från British Library.
• Robert Altman bibliografi via UC Berkeley Media Resources Center
• Fortfarande upp till bus – The Guardian , 1 maj 2004
• Intervju med omvänd skott
• Eberts Altman Home Companion Arkiverad 8 februari 2013 på Wayback Machine
• Gerald Peary intervju
• Litteratur om Robert Altman
• "Altman: Skulle du gå på en film som hyllades som ett mästerverk?" av Roger Ebert Arkiverad 22 juli 2012 på Wayback Machine
• Bomb magazine-intervju Arkiverad 13 november 2011 på Wayback Machine
• Månadens artist: Robert Altman på Hyena Productions Arkiverad 6 november 2011, på Wayback Machine
• Filmerna av Robert Altman , Hell Is For Hyphenates , 30 juni 2014
• Robert Altman Obituary, av Stephen Rea, 'Field Day Review 3' (Dublin, 2007)

videoklipp

• på YouTube , 11 min.
• på YouTube , 7 min.
• på YouTube , 90 min.
• på YouTube , 60 min.