Morgondagen vet aldrig

För annan användning, se Tomorrow Never Knows (disambiguation) .

"Tomorrow Never Knows"
Tomorrow Never Knows sheet music cover.jpg
Cover av Northern Songs noter (licensierad till Sonora Musikförlag)
Låt av Beatles
från albumet Revolver
Släppte 5 augusti 1966 ( 1966-08-05 )
Spelade in 6, 7 och 22 april 1966
Studio EMI , London
Genre
Längd 2:58 _ _
Märka Parlophone
Låtskrivare Lennon–McCartney
Producent(er) George Martin
Ljudexempel

" Tomorrow Never Knows " är en låt av det engelska rockbandet Beatles , skriven främst av John Lennon och krediterad till Lennon–McCartney . Den släpptes i augusti 1966 som det sista spåret på deras album Revolver , även om det var den första låten som spelades in för LP:n. Låten markerade ett radikalt avsteg för Beatles, eftersom bandet till fullo omfamnade inspelningsstudions potential utan hänsyn till att reproducera resultaten på konsert.

När han skrev låten hämtade Lennon inspiration från sina erfarenheter av den hallucinogena drogen LSD och från 1964 års bok The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead av Timothy Leary , Richard Alpert och Ralph Metzner . Beatles inspelning använde musikaliska element främmande för popmusik, inklusive musique concrète , avantgardistisk komposition och elektroakustisk ljudmanipulation. Den har en indisk -inspirerad modal uppbackning av tambura och sitar drönare och basgitarr, med minimal harmonisk avvikelse från ett enda ackord, underbyggd av ett konstant men icke-standardiserat trummönster; utöver detta bandslingor förberedda av bandet "live" till rytmspåret. En del av Lennons sång matades genom ett Leslie- högtalarskåp, som normalt används för en Hammond-orgel . Låtens bakåtriktade gitarrpartier och effekter markerade den första användningen av omvända ljud i en popinspelning, även om Beatles 1966 B-side " Rain ", som de spelade in kort efteråt med samma teknik, gavs ut över tre månader före Revolver .

"Tomorrow Never Knows" var en tidig och mycket inflytelserik inspelning inom den psykedeliska och elektroniska musikgenren , särskilt för dess banbrytande användning av sampling , bandmanipulation och andra produktionstekniker. Den introducerade också lyriska teman som hyllade sinnesexpansion, antimaterialism och österländsk andlighet i populärmusik. När låten släpptes var låten källan till förvirring och förlöjligande av många fans och journalister; den har sedan dess fått beröm som en effektiv representation av en psykedelisk upplevelse . Pitchfork placerade spåret som nummer 19 på sin lista över "The 200 Greatest Songs of the 1960s", och Rolling Stone rankade det som nummer 18 på tidningens lista över de 100 största Beatles-låtarna.

Bakgrund och inspiration

Timothy Leary inför en skara universitetsstudenter under en föreläsningsturné 1969. I sina texter till "Tomorrow Never Knows" hämtade Lennon Learys förespråkande av LSD som ett sätt att överskrida materiella problem.

John Lennon skrev "Tomorrow Never Knows" i januari 1966, med texter anpassade från 1964 års bok The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead av Timothy Leary , Richard Alpert och Ralph Metzner , som i sin tur var anpassad från Tibetanska dödboken . Även om Beatles-assistenten Peter Brown trodde att Lennons källa till texten var själva Tibetan Book of the Dead , som, han sa, Lennon hade läst medan han var påverkad av LSD , sade George Harrison senare att idén till texten kom från Leary, Alpert och Metzners bok. Paul McCartney kom ihåg att när han och Lennon besökte den nyöppnade Indica- bokhandeln, hade Lennon letat efter ett exemplar av The Portable Nietzsche och hittat ett exemplar av The Psychedelic Experience som innehöll raderna: "När du är osäker, stäng av ditt sinne, slappna av , flyta nedströms."

Lennon sa att han köpte boken, gick hem, tog LSD och följde instruktionerna exakt som det stod i texten. Boken menade att " ego-döden " som upplevs under påverkan av LSD och andra psykedeliska droger i huvudsak liknar döendeprocessen och kräver liknande vägledning. Detta är ett tillstånd av att vara känt av österländska mystiker och mästare som samādhi (ett tillstånd av att vara fullständigt medveten om det nuvarande ögonblicket; ett ensriktigt sinne). [ citat behövs ] Harrison ifrågasatte om Lennon helt förstod innebörden av låtens text:

I grund och botten säger [låten] vad meditation handlar om. Målet med meditation är att gå bortom (det vill säga överskrida) att vakna, sova och drömma... Jag är inte så säker på om John faktiskt helt förstod vad han sa. Han visste att han var inne på något när han såg de orden och gjorde dem till en sång. Men att ha upplevt vad texten i den låten egentligen handlar om? Jag vet inte om han förstod det helt.

Titeln förekommer aldrig i låtens text. Lennon avslöjade senare att den, som " A Hard Day's Night ", togs från en av Ringo Starrs malapropisms . I en tv-intervju i början av 1964 hade Starr uttalat frasen "Tomorrow never knows" när han skrattade åt en incident som ägde rum på den brittiska ambassaden i Washington, DC, under vilken en av gästerna hade klippt av en del av hans hår. Verket hette ursprungligen "Mark I" och hänvisades till som sådant i EMI-studiodokumentationen tills Beatles remixade spår till Revolver -albumet i juni. "The Void" citeras som en annan arbetstitel, men enligt Beatles-historikern Mark Lewisohn var detta ett resultat av att Neil Aspinall , bandets road manager och assistent, hänvisade till det som sådant i ett samtida nummer av The Beatles Book . Lennon sa att han nöjde sig med Starrs fras "för att liksom ta kanten på de tunga filosofiska texterna". Han sa också att "The Void" skulle ha varit en mer passande titel, men han var oroad över dess uppenbara drogkonnotationer. Enligt Aspinalls redogörelse i The Beatles Monthly var den musikaliska delen av låten resultatet av att alla fyra Beatles arbetade för att säkerställa att musiken matchade kraften i Lennons texter: "Grundlåten skrevs under de första timmarna av inspelningssessionen."

Musikalisk struktur

ihåg att även om låtens harmoni huvudsakligen var begränsad till ackordet C , accepterade George Martin , Beatles producent, den som den var och sa att den var "ganska intressant". Den harmoniska strukturen härrör från indisk musik , en genre som Harrison introducerade till Beatles sound sent 1965 med sin sitardel på " Norwegian Wood ", och är baserad på en högvolym C- drönare spelad på en tambura . Låtens musikaliska nyckel är C Mixolydian . Ackordet över drönaren är i allmänhet C-dur, men vissa ändringar i B ♭ -dur beror på sångmodulationer, såväl som orkester- och gitarrbandslingor.

Enligt författaren Peter Lavezzoli är kompositionen den första poplåten som helt undviker formella ackordbyten. Trots denna begränsning ser musikforskaren Dominic Pedler att Beatles harmoniska uppfinningsrikedom visas i de övre harmonierna – "Turn off your mind", till exempel, är en serie oföränderliga E-melodinoter, innan "slappna av" involverar en E–G-meloditon. skifta och "flyta nedströms" en E–C–G-nedstigning. "Det är inte att dö" innebär en serie av tre G-melodinoter som stiger vid "döende" till ett B ♭ , i början av versens femte takt, vilket skapar ett ♭ VII/I (B ♭ /C) "slash" polychord . På grund av Lennons anslutning till Learys text var "Tomorrow Never Knows" också den första låten av Beatles som avvek från någon form av rimschema.

Inspelning

Ett tvärsnitt som visar insidan av ett Leslie-högtalarskåp

"Tomorrow Never Knows" var den första låten som försöktes under sessionerna för Revolver , som började klockan 20.00 den 6 april 1966, i Studio 3 i EMI Studios (sedan Abbey Road Studios ). Geoff Emerick , som befordrades till rollen som Beatles inspelningsingenjör för Revolver , påminde om att bandet "uppmuntrade oss att bryta mot reglerna" och se till att varje instrument "ska låta olik sig själv". Lennon försökte fånga atmosfären av en tibetansk buddhistisk ceremoni; han sa till Martin att sången skulle låta som att den skandes av tusen tibetanska munkar, med hans sång som frammanar Dalai Lama som sjunger från en bergstopp. Den senare effekten uppnåddes genom att använda en Leslie-högtalare. När konceptet förklarades för Lennon frågade han om samma effekt kunde uppnås genom att hänga honom upp och ner och snurra honom runt en mikrofon medan han sjöng in i den. Emerick gjorde en kontakt för att bryta in i den elektroniska kretsen i Leslie-kabinettet och spelade sedan in sången igen när den kom ut ur den roterande högtalaren.

En liten gompa (buddhistiskt kloster) i Ladakh . Lennon försökte fånga stämningen hos tibetanska munkar som skanderar från en bergstopp.

Utöver deras inställning när de spelade in Rubber Soul sent föregående år, anammade Beatles och Martin idén om inspelningsstudion som ett instrument på Revolver , särskilt "Tomorrow Never Knows". Eftersom Lennon hatade att göra en andra tagning för att dubbla sin sång, Ken Townsend , studions tekniska chef, en alternativ form av dubbelspårning som kallas artificiell dubbelspårning (ADT), som tog signalen från synkhuvudet på en bandmaskin och fördröjde det något genom en andra bandmaskin. De två bandmaskinerna som användes drevs inte av nätström, utan från en separat generator som satte ut en viss frekvens, samma för båda, och därigenom höll dem sammanlåsta. Genom att ändra hastigheten och frekvenserna kunde han skapa olika effekter, som Beatles använde under hela inspelningen av Revolver . Lennons sång är dubbelspårig på de tre första verserna av låten: effekten av Leslie-kabinettet kan höras efter (bakåt) gitarrsolot.

Låten innehåller de mycket komprimerade trummor som Beatles gynnade vid den tiden, med omvända cymbaler, omvänd gitarr, bearbetad sång, loopade bandeffekter och sitar- och tamburadrönare. I beskrivningen av musikforskaren Russell Reising förmedlas det "meditativa tillståndet" av en psykedelisk upplevelse genom den musikaliska drönaren, vilket förstärker det lyriska bildspråket, medan "surret" från en droginducerad "hög" återges ljudligt i Harrisons tamburarytm och Starrs hårt behandlade trumljud. Trots de underförstådda ackordbytena i verserna och upprepade gånger i slutet av låten, bibehåller McCartneys bas en konstant ostinato i C. Reising skriver om trumpartiet:

Starrs ackompanjemang genom hela stycket består av ett slags snubblande marsch, vilket ger lite tidsmässig störning ... [Den] första accenten av varje takt faller på taktens första slag och den andra stressen inträffar under andra halvan av taktens tredje kvartal , dubbla sextondelsnoter i stammande företräde av den normala rytmiska betoningen på andra backbeaten – knappast en klassisk rock and roll-gest.

Användningen av ¼-tums bandslingor berodde främst på McCartneys beundran för Stockhausens Gesang der Jünglinge . Genom att inaktivera raderingshuvudet på en bandspelare och sedan spola en kontinuerlig bandslinga genom maskinen under inspelning, skulle bandet ständigt överdubba sig självt, vilket skapade en mättnadseffekt, en teknik som också används i musique concrète . Tejpen kan också fås att gå snabbare och långsammare. McCartney uppmuntrade de andra Beatles att använda samma effekter och skapa sina egna loopar. Efter att ha experimenterat på egen hand, levererade de olika Beatles totalt "30 eller så" bandslingor till Martin, som valde ut 16 för användning på låten. Varje slinga var ungefär sex sekunder lång.

Överdubbningen av tejpslingorna skedde den 7 april. Slingorna spelades på BTR3-bandmaskiner placerade i olika studior i Abbey Road-byggnaden och kontrollerades av EMI- tekniker i Studio Three. Varje maskin övervakades av en tekniker, som var tvungen att hålla en penna i varje slinga för att upprätthålla spänningen. De fyra Beatlesna styrde mixerbordets faders medan Martin varierade stereopanoreringen och Emerick tittade på mätarna. Åtta av banden användes på en gång, bytte halvvägs genom låten. Banden gjordes (som de flesta andra slingor) genom överlagring och acceleration. Enligt Martin kunde den färdiga mixen av bandslingorna inte upprepas på grund av det komplexa och slumpmässiga sätt som de lades över musiken. Harrison beskrev på liknande sätt blandningen av loopar som "spontan", med tanke på att varje genomgång kan gynna olika ljud framför andra.

En 7-tumsrulle med 1 ⁄ 4 -tums brett (6,4 mm) ljudinspelningsband, som var den typ som användes för att skapa låtens bandloopar

Fem bandslingor är framträdande i den färdiga versionen av låten. Enligt författaren Ian MacDonald , som skrev på 1990-talet, innehåller dessa loopar följande:

  1. En inspelning av McCartneys skratt, påskyndad för att likna ljudet av en mås (kommer in kl. 0:07)
  2. Ett orkesterackord av B ♭ -dur (0:19)
  3. En Mellotron på sin flöjtinställning (0:22)
  4. Ett Mellotron-strängljud, alternerande mellan B ♭ och C på 6/8-tid (0:38)
  5. En sitar som spelar en stigande skalisk fras, inspelad med kraftig mättnad och påskyndat (0:56).

Författaren Robert Rodriguez skriver att innehållet i de fem slingorna har fortsatt att inbjuda till debatt bland kommentatorer, och att den manipulation som tillämpats på var och en av inspelningarna har gjort dem omöjliga att tyda med auktoritet. Baserat på de mest utbredda åsikterna säger han att, bortsett från McCartneys skratt och B ♭ -durackordet, var ljuden två slingor av sitarpassager, både omvända och påskyndade, och en slinga av Mellotrons stråk- och mässingsröst. I sin bok Recording the Beatles från 2006 listar Kevin Ryan och Brian Kehew två slingor av sitarinspelningar, men snarare än Mellotron listar de en mandolin eller akustisk gitarr, behandlad med bandeko . Istället för att återgå till vanlig praxis genom att ha ett gitarrsolo i mitten av låten, innehåller spåret vad McCartney beskrev som ett "bandsolo". Det här avsnittet innehåller ändå en gitarrstämma spelad av Harrison och inspelad med bandet löpande baklänges, för att komplettera ljuden.

De sista överdubbarna spelades in den 22 april. Enligt Lewisohn, som hade tillgång till EMI:s studiologgar och anteckningar, bestod dessa overdubs av Harrisons sitar och Lennons Leslie-behandlade sångparti.

Lennon sa senare till Beatles-biografen Hunter Davies : "Jag borde ha försökt komma nära min ursprungliga idé, munkarna sjunger. Jag inser nu att det var vad jag ville." Den kasserade take 1 gavs ut på Anthology 2 -samlingen 1996.

Förhandstittar och inflytande på Revolver -projektet

Samtidigt som musikhistorikern Simon Philo lyfter fram " Love You To " som ett exempel på att Beatles till fullo utforskar indisk musikform under Revolver- sessionerna, identifierar musikhistorikern Simon Philo "Tomorrow Never Knows" som spåret som "gjorde få om några eftergifter till formeln, och så bekräftade att Beatles hade otvetydigt gått vidare. "Tomorrow Never Knows" var knappt en låt, än mindre en poplåt." Musikforskaren William Echard beskriver den som ett exempel på en ragarocklåt som "gnuggar axlar med det klassiska avantgardet". Efter att ha avslutat inspelningen var McCartney ivrig att bedöma reaktionen från bandets samtida. Den 2 maj spelade han låten för Bob Dylan på den senares hotellsvit i London; när spåret startade sa Dylan avvisande: "Åh, jag förstår. Du vill inte vara söt längre." Enligt Marianne Faithfull , som också var på plats, gick Dylan sedan ut ur rummet. McCartney påminde om att när Beatles spelade låten för medlemmar i Rolling Stones och The Who , så satt de "synligt upp och var intresserade", medan Cilla Black "bara skrattade".

Efter att ha experimenterat med teknikerna på "Tomorrow Never Knows", använde Beatles omvända ljud och bandhastighetsvariationer i stor utsträckning under Revolver -sessionerna. På " Rain ", som gavs ut som B-sidan av deras " Paperback Writer "-singel i maj 1966, spelades en del av Lennons sångspår baklänges över codan, medan Harrison planerade och spelade in sina gitarrstämmor för " I'm Endast sovande " med bandriktningen omvänd, för att uppnå en förskjuten effekt.

Tony Hall , en musikbranschfigur och journalist med rykte om att förutsäga trender, fick också en förhandstitt på låten, tillsammans med andra låtar från tidigt i sessionerna. När han skrev i sin kolumn för Record Mirror i numret daterat den 14 maj, lyfte Hall särskilt fram "The Void" när han beskrev de nya låtarna som "de mest revolutionerande som någonsin gjorts av en popgrupp". Med fokus på de utomjordiska elektroniska effekterna skrev han: "Ljudmässigt är det som en hypnotiskt fasansfull resa genom den mörka oändliga djungeln i någons sinne ... Och effekten är av former och ljud och färger som hägrar över och ovanför en och zooma in och ut från en monoton drönare." Hall tillade att spåret var "lika revolutionerande som Ornette Coleman dök upp på jazzscenen för ett decennium sedan", innan han avslutade: "[The Beatles] är så långt framme. Och jag längtar efter att höra din reaktion när albumet så småningom ges ut. ."

Släpp

"Tomorrow Never Knows" var det mest experimentella och psykedeliska spåret på Revolver , både i sin struktur och produktion ... [T]hans texter var filosofiska, existentiella, ibland outgrundliga reflektioner över tillståndet i tillvaron: ett tungt ämne för populärmusik, vare sig 1966 eller något annat år.

– Musikkritikern Richie Unterberger

"Tomorrow Never Knows" sekvenserades som det sista spåret på Revolver , som EMI:s Parlophone -etikett gav ut den 5 augusti 1966. Enligt författaren Mark Hertsgaard , som den första låten som spelades in under Revolver -sessionerna, säkerställer dess sekvensering att spåret fungerar som "the toppmöte dit hela albumet stiger". I sin design för LP-omslaget Klaus Voormann inspiration från låten, och insåg behovet av konstverk som skulle fånga Beatles nya riktning och den avantgardistiska aspekten av inspelningen. Voormann sa senare att han tyckte att "Tomorrow Never Knows" var "skrämmande", och tillade att det var "så långt borta från de tidiga Beatles-grejerna att till och med jag själv trodde, ja, den normala typen av Beatles-fan kommer inte att vilja köpa den här skivan . Men det gjorde de." I en intervju i oktober 1966 beskrev Harrison låten som "lätt den mest fantastiska nya saken vi någonsin kommit på", men erkände att den kan representera "en fruktansvärd röra av ett ljud" för lyssnare som närmade sig spåret utan " öppna öron". Han tillade: "Det är som de indiska sakerna. Du får inte lyssna på österländsk musik med ett västerländskt öra."

Inför releasen hade EMI gett ut låtarna till radiostationer under hela juli, i steg, för att förbereda Beatles publik för den nya musiken. "Tomorrow Never Knows" var det sista spåret som fick en offentlig sändning, några dagar innan albumet gavs ut kommersiellt. Reaktionen på Revolver var "generellt extatisk", enligt MacDonald, med lyssnare som förundrades över albumets "audiella uppfinning". För Beatles mindre progressiva fans var dock de radikala förändringarna i bandets sound källan till förvirring. Redaktören för den australiska tonårstidningen Mirabelle skrev: "Alla, från Brisbane till Bootle, hatar den där galna låten Lennon sjöng i slutet av Revolver ." Nicholas Schaffner påminde om utgivningen i sin bok The Beatles Forever från 1977 , och kommenterade att medan gruppens mer traditionella fans värmde sig till McCartneys nya låtar, "så trodde en del att Lennon spirade totalt skrot och drog slutsatsen att den stackars pojken hade glidit från djupet. "

När han var 16 år 1966, säger författaren och akademikern Nick Bromell att psykedeliska droger var ett år ifrån att "brista ut" i den amerikanska ungdomskulturen, och de flesta samtida lyssnare hörde "konstigheter, outspädd och upprörande konstigheter" i låten. Han tillägger: "'Tomorrow Never Knows' var en gåta som de bara skulle förstå gradvis, genom många lyssningar och under många månader. De hörde det först och främst som en plats att bo på, inte som ett svar eller som en befrielse."

kritisk mottagning

I sin albumrecension för NME uttryckte Allen Evans förvirring över "Tomorrow Never Knows". Som svar på textens uppmaning att "slappna av och flyta nedströms" skrev han: "Men hur kan du koppla av med de elektroniska ljuden från yttre rymden, som ofta låter som måsar? ... Bara Ringos stenfasta trumspel är naturligt." Peter Jones från Record Mirror kommenterade: "Du behöver något slags hörselmikroskop för att få budskapet från det här. Men det är förbannat övertygande att lyssna." Disc and Music Echos recension av Revolver tog formen av en sammanfattning av spår för spår av Ray Davies från Kinks, som, enligt författaren Steve Turners åsikt, passade på att lufta sin långvariga bitterhet mot Beatles. Davies var inte imponerad av spåret och drog slutsatsen att bandet måste ha haft "George Martin knuten till en totempåle när de gjorde detta".

Skriver i den nyligen lanserade Crawdaddy! , Paul Williams hånade "Tomorrow Never Knows" och albumets singel, " Yellow Submarine ", och sa om Lennons låt: "En bra artist publicerar inte första utkast." Edward Greenfield från The Guardian beskrev spåret som "det mest anmärkningsvärda föremålet på en tvångsmässig ny skiva". Han sa att texterna var en "nyfiken sorts poesi" som förmedlade konceptet "popmusik som ett substitut, både för djungelkänslor och för religionens tröst", som tonåringar följde i den långa samhälleliga traditionen att koppla ur sinnet och överlämnande "till stamledaren, prästen eller nu popsångaren". Greenfield avslutade med att säga: "Tack och lov att Lennon är satirisk: åtminstone man hoppas det."

Richard Goldstein , som rapporterade från London för The Village Voice , sa att Revolver hade öppnat upp elektronisk musik som ett kommersiellt förslag och tillade: " John Cage flyttar över – Beatles når nu en supermottaglig publik med elektronisk soul." Han erkände "Tomorrow Never Knows" som nyckelspåret i detta avseende och drog slutsatsen att "Gränserna [för popmusik] kommer nu att behöva omförhandlas." Maureen Cleave från The Evening Standard beskrev låten som ett "långt och monstruöst stycke nonsens om att kärlek är allt och att älska att vara alla, präglat av vad som verkar vara säckpipa och Zulu-ljud", och tillägger: "Även detta är gripande. Aldrig har jag gjort det. kunnat rekommendera en LP med mer övertygelse."

2006 rankade Pitchfork "Tomorrow Never Knows" som nummer 19 på sin lista över "The 200 Greatest Songs of the 1960s" och tidningen Q placerade spåret på 75:e plats på listan över "The 100 Greatest Songs of All Time". "Tomorrow Never Knows" dyker upp som nummer 18 på Rolling Stones lista över de bästa Beatles-låtarna och som nummer 4 på liknande listor sammanställda av Uncut 2001 och Mojo 2006. 2018 rankade musikpersonalen på Time Out London den till nummer 2 på deras lista över de bästa Beatles-låtarna. Enligt Acclaimed Music är det den 157:e mest hyllade låten i populärmusikhistorien.

Älskar remix

Kärleksprojektet , som kombinerade "Tomorrow Never Knows" och "Within You Without You "

2006 remixade Martin och hans son, Giles Martin , 80 minuters Beatles-musik för scenföreställningen Love i Las Vegas , ett joint venture mellan Cirque du Soleil och Beatles Apple Corps . På Love -albumet blandades rytmen till "Tomorrow Never Knows" med sången och melodin från " Within You Without You ", vilket skapade en annan version av de två låtarna.

Zeth Lundy recenserade albumet för PopMatters och skrev: "The 'Within You Without You'/'Tomorrow Never Knows' mash-up, kanske det mest spännande och effektiva spåret på hela skivan, smälter samman två särskilt transcendentala låtar till en : .. . en förening av två tvetydiga, öppna förklaringar om andlig strävan." I deras kapitel om Beatles psykedeliska period i The Cambridge Companion to the Beatles beskriver författarna Russell Reising och Jim LeBlanc "Within You Without You/Tomorrow Never Knows" som "det mest musikaliskt och visuellt fantastiska segmentet" av Cirque du Soleil-showen . The Love- remix är en av huvudlåtarna i The Beatles: Rock Band .

Inflytande och arv

I populärkulturen

Nicholas Schaffner sa att lyssnare som hade blivit förvirrade av låtens texter troligen inte var bekanta med hallucinogena droger och Timothy Learys budskap, men att den transcendentala kvaliteten blev tydlig under uppbyggnaden av 1967 års Summer of Love . Enligt Colin Larkin , som skriver i Encyclopedia of Popular Music , har "Tomorrow Never Knows" erkänts som "den mest effektiva frammaningen av en LSD-upplevelse som någonsin spelats in".

Ian MacDonald säger att låtens budskap representerade ett revolutionerande koncept i det vanliga samhället 1966, och genom att introducera LSD och Learys "psykedeliska revolution" för västerländska ungdomar är det "en av de mest socialt inflytelserika skivorna som The Beatles någonsin gjort". Han tillägger: "'Tomorrow Never Knows' lanserade det hittills bevarade elitkonceptet med tankeexpansion till pop, samtidigt som det uppmärksammades medvetandehöjande droger och orientens antika religiösa filosofier, helt främmande för västerländskt tänkande i deras anti -materialism, hänförd passivitet och världsskeptiskt fokus på visionärt medvetande."

Enligt Simon Philo var "Tomorrow Never Knows" det mest banbrytande spåret på ett album som tillkännagav ankomsten av "underground London"-soundet. Barry Miles ser det också som den experimentella höjdpunkten i Revolver , som han minns som en "reklam för underground" och ett verk som ekade på nivån av experimentell jazz bland medlemmar av rörelsen, inklusive de som snart grundade UFO-klubben .

I musik

Hernan Campbell från Sputnikmusic erkänner "Tomorrow Never Knows" som "den viktigaste psykedeliska kompositionen i genrens historia" och "symbolen för allt som psykedelia står för". Enligt den tidigare Mojo -redaktören Paul Trynka gynnades spåret mest av Beatles förmåga att kanalisera sina idéer till en igenkännbar låtform, en disciplin som säkerställde att deras psykedeliska inspelningar var överlägsna de av Grateful Dead och andra samtida San Francisco - akter . I Mojo -artikeln "Psychedelia: The 100 Greatest Classics" från 1997 listade Jon Savage inspelningen från april 1966 som det första objektet i sin kronologiska historia av brittisk psykedelia, och tillade att låten "omedelbart påverkade popkulturen". Enligt Bromell, som skriver i sin bok Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics på 1960-talet, är spåret "av många kritiker betraktat som decenniets viktigaste rocklåt".

I sin bok Electronic and Experimental Music inkluderar Thom Holmes "Tomorrow Never Knows" i sin lista över de "banbrytande verken" inom elektronisk musik. Han krediterar låten med att "inleda en ny era i användningen av elektronisk musik i rock- och popmusik". Musikhistorikerna David Luhrssen och Michael Larson säger att Beatles med Revolver "raderade gränserna för tid och kultur" och tillägger: "Ancient mötte modern på "Tomorrow Never Knows" när sitarer stötte på bandslingor. "Tomorrow Never Knows" återinförde den ihållande upprepningen av drönaren, frånvarande i västerländsk musik sedan medeltiden och först nyligen upptäckt av avantgardekompositören La Monte Young ." Enligt Peter Lavezzoli, i sin bok The Dawn of Indian Music in the West , "var 'Tomorrow Never Knows' den mest banbrytande produktionen hittills inom populärmusik" och han säger att den "fortfarande har en skrämmande visceral kraft".

Musikforskaren Walter Everett beskriver Revolver som "ett innovativt exempel på elektronisk musik" och säger att "Tomorrow Never Knows" också var "mycket inflytelserik" på psykedelisk rock . Han identifierar dess studioeffekter och musikaliska form som centrala för Pink Floyds " Pow R. Toc H. " och känner igen samma användning av extrema bandhastighetsmanipulationer i efterföljande inspelningar av Jimi Hendrix och Frank Zappa , och baklängesband i verket av Hendrix, Pink Floyd, the Byrds , the Who, the Electric Prunes , Spirit , Tomorrow , Soft Machine och den första upplagan . Han identifierar också den Leslie-behandlade sången som ett prejudikat för liknande experiment av Hendrix, Grateful Dead, Moody Blues , Cream , Yes , Led Zeppelin och Black Sabbath .

Jon Pareles , chefskritiker för popmusik på The New York Times , har beskrivit "Tomorrow Never Knows" som "en portal till decennier av musik som kommer". Steve Turner framhåller att ljudsamplingen och bandmanipulationen har haft "en djupgående effekt på alla från Jimi Hendrix till Jay Z ". Efter att ha introducerat dessa tekniker till mainstreampop, skriver Turner, "Tomorrow Never Knows" inspirerade samplingen som blev vardag mer än tio år senare - som i Sugarhill Gangs " Rapper's Delight " och andra exempel på en artist som tog ett välkänt riff eller musikaliskt motiv från en befintlig sång; i David Byrne och Brian Enos My Life in the Bush of Ghosts , med dess användning av diverse spoken-word och vokalsamplingar; i inspelningar av Big Audio Dynamite , som inkluderade prover från filmljudspår; och i Moby 's Play , med dess inkorporering av föga kända och olikartade sångspår. 2011 DJ Spooky att Beatles låt förblev "i DNA:t av så mycket som händer nu för tiden" och att användningen av " tape collage enbart gör det till ett av de första spåren att använda sampling riktigt framgångsrikt. Jag tror också att det Brian Enos idé om studio-som-instrument kommer från den här typen av inspelning.

Tony Visconti påminner om sin introduktion till "Tomorrow Never Knows" 1966 : "Det var otroligt hur musiken matchade texterna och innan det här albumet skrev ingen så." Han sa också att Revolver "visade hur studion kunde användas som ett instrument" och bidrog till hans beslut att flytta till London, eftersom "jag var tvungen att lära mig hur folk gjorde sådana här skivor." I sin bok Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings från 2004 , parar David Howard Martins arbete på "Tomorrow Never Knows" med Phil Spectors produktion från 1966 av " River Deep – Mountain High " som de två "visionära prestationerna inom ljud" som säkerställde att "inspelningsstudion nu var sitt eget instrument: skivproduktionen hade upphöjts till konst."

Låten refereras i texten till Oasis låt från 1995 " Morning Glory ": "Tomorrow never knows what it knows too soon". The Chemical Brothers har hänvisat till "Tomorrow Never Knows" som mallen för deras musik; deras låt från 1996 " Setting Sun " är en direkt hyllning till den, liksom " Let Forever Be ". John Foxx från Ultravox citerade också "Tomorrow Never Knows" som ett inflytande och sa att "Så fort jag hörde det visste jag att det innehöll nästan allt som jag skulle vilja undersöka för resten av mitt liv." 2012 ingick låten som titelspåret på Beatles iTunes samlingsalbum Tomorrow Never Knows , som bandets hemsida beskrev som en samling av "Beatles mest inflytelserika rocklåtar".

Omslagsversioner

  • 801 , en experimentell rockgrupp som inkluderade Brian Eno och hans tidigare Roxy Music- bandkamrat Phil Manzanera , framförde låten live på sina tre konserter 1976, under namnet "TNK (Tomorrow Never Knows)". Det sista framträdandet i Londons Queen Elizabeth Hall släpptes på deras album 801 Live . Författaren och musikern Alan Clayson citerar 801:s antagande av spåret som bevis på att Beatles musikaliska inflytande förblev starkt bland 1970-talets glamrockartister , och att den senare scenen saknade den generationsmässiga splittring som snart skulle känneteckna punkrock . Dave Swanson från Ultimate Classic Rock rankar 801:s version som nummer 6 i sin lista över de "10 mest unika Beatles coverversionerna", och säger att bandet förvandlar låten i ett arrangemang som innehåller "Funky baslinjer, käbblande syntar och gitarrdynamiken i Manzanera".
  • 2007 satte Oasis "Within You Without You" till musiken "Tomorrow Never Knows" som deras bidrag till BBC:s 40-årsjubileumshyllning till Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band album.

I tv och film

Låten parodierades som "LS Bumblebee", som en del av en satirisk sketch om fenomenet Swinging London i TV-specialen Not Only ... But Also 1966, som inkluderade ett framträdande av Lennon. Sjungen av komikerna Peter Cook och Dudley Moore , som båda är klädda i indiska kläder, framkallar låten måsljuden från "Tomorrow Never Knows" genom närvaron av en fågel som skriker i studion, och innehåller texter som spelar på sensoriska motsägelser från rader som "Listen to the color of your dreams" från Beatles-spåret.

1967 använde Bruce Conner "Tomorrow Never Knows" som soundtracket till sin LSD-inspirerade experimentella film Looking for Mushrooms . När han omarbetade filmen för en presentation från 1996 ersatte Conner låten med ett instrumentalt stycke av avantgardekompositören Terry Riley .

Titeln på låten inspirerade titeln på James Bonds äventyr Tomorrow Never Dies från 1997 , när manusförfattaren Bruce Feirstein , som fortfarande letade efter en titel, hörde låten på radion. Den ursprungliga titeln på filmen då var Tomorrow Never Lies , men ett stavfel ändrade den till den slutliga titeln.

"Tomorrow Never Knows" visades under slutscenen av 2012 års Mad Men -avsnitt " Lady Lazarus ". Don Drapers fru Megan ger honom ett exemplar av Revolver , påkallar hans uppmärksamhet på ett specifikt spår och föreslår, "Börja med den här". Draper, en reklamchef, kämpar för att förstå ungdomskulturen, men efter att ha funderat på låten i några förbryllade ögonblick stänger han av den. Spåret spelades också över de avslutande krediterna. Rättigheterna till låten kostade producenterna runt 250 000 dollar, "ungefär fem gånger så mycket som den typiska kostnaden för att licensiera en låt för TV".

Det faktum att Tomorrow Never Knows har använts två gånger i ett icke-Apple-producerat amerikanskt tv-program med den ursprungliga masterinspelningen (dvs. masterrättigheterna) är unikt för en Beatles-låt. Oavsett om det är sant eller inte, rapporterade Wall Street Journal att Lionsgate hävdade att den här låten 2012 användes som "första gången en masterinspelning av Beatles har licensierats för ett tv-program."

Personal

Enligt Ian MacDonald:

Skalbaggarna

Ytterligare musiker

Anteckningar

Källor

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Tomorrow_Never_Knows&oldid=1143577270 "