Japans biograf

Japans biograf
Japan film clapperboard.svg
Antal skärmar _ 3 648 (2021)
• Per capita 2,8 per 100 000 (2017)
Huvuddistributörer
Toho Company (33,7 %) Toei Company (10,5 %)
Producerade långfilmer (2021)
Total 490
Antal antagningar (2021)
Total 114 818 000
Bruttobiljett (2021)
Total 161,893 miljarder ¥ ( 1,27 miljarder USD )
Nationella filmer 128,339 miljarder ¥ (79,3 %)

Japans biograf ( 日本 映画 , Nihon eiga , även känd på hemmaplan som 邦画 hōga , "inhemsk biograf") har en historia som sträcker sig över mer än 100 år. Japan har en av de äldsta och största filmindustrierna i världen; från och med 2021 var det den fjärde största i antal producerade långfilmer. Under 2011 producerade Japan 411 långfilmer som tjänade 54,9 % av en total biljett på 2,338 miljarder USD. Filmer har producerats i Japan sedan 1897, då de första utländska kameramännen anlände.

Tokyo Story (1953) rankades som nummer tre i Sight & Sound -kritikernas lista över de 100 största filmerna genom tiderna. Tokyo Story toppade också 2012 Sight & Sound -regissörernas omröstning av The Top 50 Greatest Films of All Time , och avsatte Citizen Kane , medan Akira Kurosawas Seven Samurai (1954) röstades fram som den största främmande språkfilmen genom tiderna i BBC . 2018 års undersökning av 209 kritiker i 43 länder. Japan har vunnit Oscar för bästa internationella långfilm fem gånger, mer än något annat asiatiskt land.

Japans fyra stora filmstudior är Toho , Toei , Shochiku och Kadokawa , som är de enda medlemmarna i Motion Picture Producers Association of Japan (MPPAJ). Det årliga Japan Academy Film Prize som arrangeras av Nippon Academy-shō Association anses vara den japanska motsvarigheten till Academy Awards .

Historia

Tidig tyst era

Orochi ( Buntarō Futagawa )
Roningai ( Masahiro Makino )

Kinetoskopet , som först visades kommersiellt av Thomas Edison i USA 1894, visades först i Japan i november 1896. Vitascope och bröderna Lumières Cinematograph presenterades först i Japan i början av 1897, av affärsmän som Inabata Katsutaro . Lumières kameramän var de första att spela in filmer i Japan. Rörliga bilder var dock inte en helt ny upplevelse för japanerna på grund av deras rika tradition av pre-filmiska apparater som gentō ( utsushi-e ) eller den magiska lyktan . Den första framgångsrika japanska filmen i slutet av 1897 visade sevärdheter i Tokyo.

1898 gjordes några spökfilmer, som Shirō Asano-kortfilmerna Bake Jizo (Jizo the Spook / 化け地蔵) och Shinin no sosei (Resurrection of a Corpse). Den första dokumentären, den korta Geisha no teodori (芸者の手踊り), gjordes i juni 1899. Tsunekichi Shibata gjorde ett antal tidiga filmer, inklusive Momijigari , en uppteckning från 1899 av två kända skådespelare som framförde en scen från en välkänd kabuki spela. Tidiga filmer var influerade av traditionell teater – till exempel kabuki och bunraku .

1900-talet

I början av 1900-talet anställde teatrar i Japan benshi , berättare som satt bredvid filmduken och berättade stumfilmer. De var ättlingar till kabuki jōruri, kōdan -berättare, teaterbarkare och andra former av muntligt berättande. Benshi kunde ackompanjeras av musik som stumfilmer från västerlandets bio . Med tillkomsten av ljud i början av 1930-talet minskade benshi gradvis.

1908 började Shōzō Makino , som anses vara banbrytande regissör för japansk film, sin inflytelserika karriär med Honnōji gassen (本能寺合戦), producerad för Yokota Shōkai . Shōzō rekryterade Matsunosuke Onoe , en före detta kabuki- skådespelare, för att spela i hans produktioner. Onoe blev Japans första filmstjärna och medverkade i över 1 000 filmer, mestadels kortfilmer, mellan 1909 och 1926. Paret var pionjärer inom jidaigeki -genren. Tokihiko Okada var en populär romantisk huvudroll från samma era.

Den första japanska filmproduktionsstudion byggdes 1909 av Yoshizawa Shōten -företaget i Tokyo .

Den första kvinnliga japanska artisten som medverkade i en film professionellt var dansaren/skådespelerskan Tokuko Nagai Takagi , som medverkade i fyra kortfilmer för det amerikanskbaserade Thanhouser Company mellan 1911 och 1914.

Kintaro Hayakawa , en av de största stjärnorna i Hollywood under stumfilmseran på 1910- och 1920-talen.

Bland intellektuella växte kritiken av japansk film på 1910-talet och utvecklades så småningom till en rörelse som förvandlade japansk film. Filmkritiken började med tidiga filmtidningar som Katsudō shashinkai (startad 1909) och en fullängdsbok skriven av Yasunosuke Gonda 1914, men många tidiga filmkritiker fokuserade ofta på att tukta arbetet i studior som Nikkatsu och Tenkatsu för att vara för teatraliskt (med till exempel element från kabuki och shinpa som onnagata ) och för att inte använda vad som ansågs vara mer filmisk teknik för att berätta historier, istället förlita sig på benshi. I vad som senare kallades Pure Film Movement , efterlyste författare i tidningar som Kinema Record en bredare användning av sådana filmiska tekniker. Några av dessa kritiker, som Norimasa Kaeriyama , fortsatte med att omsätta sina idéer i praktiken genom att regissera filmer som The Glow of Life (1918), som var en av de första filmerna som använde skådespelerskor (i det här fallet Harumi Hanayagi ). Det fanns parallella insatser på andra håll i filmbranschen. I sin film från 1917 The Captain's Daughter började Masao Inoue använda tekniker som var nya för stumfilmseran, som närbild och klippning . Den rena filmrörelsen var central i utvecklingen av gendaigeki och manusförfattande .

Nya studior etablerade runt 1920, som Shochiku och Taikatsu , bidrog till reformen. På Taikatsu Thomas Kurihara filmer med manus av romanförfattaren Junichiro Tanizaki , som var en stark förespråkare för filmreformer. Till och med Nikkatsu producerade reformistiska filmer under ledning av Eizō Tanaka . I mitten av 1920-talet hade skådespelerskor ersatt onnagata och filmer använde fler av de enheter som Inoue banat väg för. Några av de mest diskuterade stumfilmerna från Japan är de av Kenji Mizoguchi , vars senare verk (inklusive Ugetsu / Ugetsu Monogatari ) har ett mycket högt anseende.

Japanska filmer blev populära i mitten av 1920-talet mot utländska filmer, delvis underblåst av filmstjärnornas popularitet och en ny stil av jidaigeki . Regissörer som Daisuke Itō och Masahiro Makino gjorde samurajfilmer som A Diary of Chuji's Travels och Roningai med rebelliska antihjältar i snabbklippta kampscener som var både kritikerrosade och kommersiella framgångar. Vissa stjärnor, som Tsumasaburo Bando , Kanjūrō ​​Arashi , Chiezō Kataoka , Takako Irie och Utaemon Ichikawa , inspirerades av Makino Film Productions och bildade sina egna oberoende produktionsbolag där regissörer som Hiroshi Inagaki , Mansaku Itami och Sadao Yamanaka utövade sina kunskaper. Regissören Teinosuke Kinugasa skapade ett produktionsbolag för att producera det experimentella mästerverket A Page of Madness , med Masao Inoue i huvudrollen 1926. Många av dessa företag kunde, även om de överlevde under den tysta eran mot stora studior som Nikkatsu , Shochiku , Teikine och Toa Studios, inte överleva kostnaden för att konvertera till ljud.

Med framväxten av vänsterpolitiska rörelser och fackföreningar i slutet av 1920-talet uppstod så kallade tendensfilmer med vänsterinriktade tendenser. Regissörerna Kenji Mizoguchi , Daisuke Itō , Shigeyoshi Suzuki och Tomu Uchida var framstående exempel. I motsats till dessa kommersiellt producerade 35 mm filmer , gjorde Marxist Proletarian Film League of Japan (Prokino) verk självständigt i mindre mätare (som 9,5 mm och 16 mm ) , med mer radikala avsikter. Tendensfilmer led av allvarlig censur på väg in på 1930-talet, och Prokino-medlemmar arresterades och rörelsen krossades effektivt. Sådana åtgärder från regeringens sida hade djupgående effekter på uttrycket av politiska oliktänkande i 1930-talets film. Filmer från denna period inkluderar: Sakanaya Honda , Jitsuroku Chushingura , Horaijima, Orochi , Maboroshi, Kurutta Ippeji , Jujiro , Kurama Tengu: Kyōfu Jidai och Kurama Tengu .

En senare version av Kaptenens dotter var en av de första talkiefilmerna . Den använde Mina Talkie System. Den japanska filmindustrin splittrades senare i två grupper; en behöll Mina Talkie System, medan den andra använde Eastphone Talkie System som användes för att göra Tojo Masakis filmer.

Jordbävningen 1923 , bombningarna av Tokyo under andra världskriget och de naturliga effekterna av tiden och Japans luftfuktighet på brandfarlig och instabil nitratfilm har resulterat i en stor brist på överlevande filmer från denna period.

Bioaffisch för Sadao Yamanakas 1937 Humanity and Paper Balloons

Till skillnad från i väst producerades fortfarande stumfilmer i Japan långt in på 1930-talet; så sent som 1938 var en tredjedel av japanska filmer tysta. Till exempel var Yasujirō Ozus An Inn in Tokyo (1935), som anses vara en föregångare till genren neorealism , en stumfilm. Några japanska soundshorts gjordes på 1920- och 1930-talen, men Japans första långfilm var Fujiwara Yoshie no furusato (1930), som använde Mina Talkie System . Noterbara talkies från denna period inkluderar Mikio Naruses fru , Be Like A Rose! ( Tsuma Yo Bara No Yoni, 1935), som var en av de första japanska filmerna som fick biopremiär i USA; Kenji Mizoguchis Sisters of the Gion ( Gion no shimai , 1936); Osaka Elegy (1936); Berättelsen om de sista krysantemum (1939); och Sadao Yamanakas Humanity and Paper Balloons (1937).

Filmkritiken delade denna vitalitet, med många filmtidskrifter som Kinema Junpo och tidningar som tryckte detaljerade diskussioner om dagens biograf, både hemma och utomlands. En kultiverad "impressionistisk" kritik som drevs av kritiker som Tadashi Iijima , Fuyuhiko Kitagawa och Matsuo Kishi var dominerande, men motarbetades av vänsterkritiker som Akira Iwasaki och Genjū Sasa som sökte en ideologisk kritik av filmer.

Japanska skådespelerskan Takiko Mizunoe skriver autografer för japanska soldater i norra Kina, 1938

1930-talet såg också ett ökat statligt engagemang i film, vilket symboliserades av antagandet av filmlagen, som gav staten mer auktoritet över filmindustrin, 1939. Regeringen uppmuntrade vissa former av film, producerade propagandafilmer och främjade dokumentärfilmer (även kallad bunka eiga eller "kulturfilmer"), med viktiga dokumentärer som görs av regissörer som Fumio Kamei . Realismen var för; filmteoretiker som Taihei Imamura och Heiichi Sugiyama förespråkade dokumentär eller realistisk dramatik, medan regissörer som Hiroshi Shimizu och Tomotaka Tasaka producerade fiktionsfilmer som var starkt realistiska i stilen. Filmer förstärkte betydelsen av traditionella japanska värderingar mot uppkomsten av den västerländska moderna flickan , en karaktär som illustreras av Shizue Tatsuta i Ozus film från 1930 Young Lady .

Krigsfilmer

Yoshiko Yamaguchi
Ytterligare information: Krigsfilm

På grund av andra världskriget och den svaga ekonomin blev arbetslösheten utbredd i Japan, och filmindustrin blev lidande.

Under denna period, när Japan utvidgade sitt imperium, såg den japanska regeringen film som ett propagandaverktyg för att visa imperiet av Japans ära och oövervinnlighet . Således skildrar många filmer från denna period patriotiska och militaristiska teman. 1942 Kajiro Yamamotos film Hawai Mare oki kaisen eller "Kriget till sjöss från Hawaii till Malaya" attacken mot Pearl Harbor; filmen använde sig av specialeffekter regisserad av Eiji Tsuburaya , inklusive en miniatyrmodell av Pearl Harbor själv.

Yoshiko Yamaguchi var en mycket populär skådespelerska. Hon steg till internationell stjärnstatus med 22 krigstida filmer. Manchukuo Film Association lät henne använda det kinesiska namnet Li Xianglan så att hon kunde representera kinesiska roller i japanska propagandafilmer. Efter kriget använde hon sitt officiella japanska namn och spelade i ytterligare 29 filmer. Hon valdes in som ledamot av det japanska parlamentet på 1970-talet och tjänstgjorde i 18 år.

Akira Kurosawa gjorde sin långfilmsdebut med Sugata Sanshiro 1943.

Amerikansk ockupation och efterkrigstiden

Tadashi Imais " Aoi sanmyaku " med Yōko Sugi och Setsuko Hara (1949)

1945 besegrades Japan i andra världskriget, styret av Japan av SCAP ( Supreme Commander for the Allied Powers) började. Filmer producerade i Japan hanterades av GHQ:s underordnade organisation CIE (Civil Information Educational Section, 民間情報教育局). Detta ledningssystem varade till 1952, och det var första gången i den japanska filmvärlden som ledning och kontroll av en utländsk institution implementerades. Under planerings- och manusfasen översattes den till engelska, endast filmer som godkänts av CIE producerades. Till exempel Akira Kurosawas " Akatsuki no Dassō " (1950) ursprungligen ett verk som föreställde en koreansk militär bekvämlighetskvinna med Yoshiko Yamaguchi i huvudrollen , men med dussintals CIE-censur blev det ett originalverk. Den färdiga filmen censurerades en andra gång av en CCD ( Civil Censorship Detachment ). Censuren genomfördes också retroaktivt till tidigare filmverk. Japan utsattes för mer än ett decenniums amerikansk animation som förbjöds under krigstidens regering.

Dessutom, som en del av ockupationspolitiken, spred sig frågan om ansvar för krig till filmindustrin, och när röster om att förbjuda krigssamarbetspartners i filmproduktion under kriget började uttryckas, Nagamasa Kawakita, Kanichi Negishi, Shiro Kido 1947 , personen som var inblandad i sådana high-motion-filmer förvisades. Men liksom i andra genre-sysselsättningar har ansvaret för kriget behandlats vagt inom filmbranschen och ovanstående åtgärder hävdes 1950.

Den första filmen som släpptes efter kriget var "Soyokaze" (そよかぜ) 1945 av Yasushi Sasaki , och temalåten " Ringo no Uta " av Michiko Namiki var en stor hit.

I produktionsförbudslistan som offentliggjordes 1945 av CIE:s David Conde , blev nationalism, patriotism, självmord och slakt, brutala våldsfilmer, etc. förbjudna föremål, vilket gjorde produktionen av historiskt drama praktiskt taget omöjligt. Som ett resultat dök skådespelare som har använt historiskt drama som sin verksamhet i samtida drama. Detta inkluderar Chiezō Kataokas " Bannai Tarao " (1946), Tsumasaburō Bandōs "Torn Drum (破れ太鼓)" (1949), Hiroshi Inagakis "The Child Holding Hands (手をつなぉe)" och Dais . Itōs "Kung (王将)".

Yoshiko Kuga

Dessutom producerades många propagandafilmer som demokratiska artighetsverk som rekommenderas av SCAP. Viktiga filmer bland dem är, Setsuko Hara medverkade i Akira Kurosawas " No Regrets for Our Youth " (1946), Kōzaburō Yoshimuras " A Ball at the Anjo House" ( 1947), Tadashi Imais " Aoi sanmyaku " ( 1949), etc. Den fick nationell popularitet som en stjärna som symboliserar början på en ny era. I Yasushi Sasakis "Hatachi no Seishun (はたちの青春)" (1946) filmades den första kyssscenen i en japansk film.

De första samarbetena mellan Akira Kurosawa och skådespelaren Toshiro Mifune var Drunken Angel 1948 och Stray Dog 1949. Yasujirō Ozu regisserade den kritiskt och kommersiellt framgångsrika Late Spring 1949.

Mainichi Film Award skapades 1946.

Yasujirō Ozu

1950-talet anses allmänt vara den japanska filmens guldålder . Tre japanska filmer från detta årtionde ( Rashomon , Seven Samurai och Tokyo Story ) dök upp i topp tio av Sight & Sounds kritiker- och regissörsundersökningar för de bästa filmerna genom tiderna 2002. De dök också upp i 2012 års undersökningar, med Tokyo Story (1953) som avsatte Citizen Kane i toppen av 2012 års regissörsundersökning .

Krigsfilmer begränsade av SCAP började produceras, Hideo Sekigawas " Listen to the Voices of the Sea " (1950), Tadashi Imais "Himeyuri no Tô - Tower of the Lilies" (1953), Keisuke Kinoshitas " Twenty- Four Eyes ” (1954), ” Kon Ichikawas ” The Burmese Harp ” (1956) och andra verk som syftar till den tragiska och sentimentala tillbakablicken av krigsupplevelsen, den ena efter den andra, Det blev ett socialt inflytande. Andra Nostalgifilmer som Battleship Yamato (1953) och Eagle of the Pacific (1953) massproducerades också. Under dessa omständigheter dök också filmer som "Kejsar Meiji och det rysk-japanska kriget (明治天皇と日露大戦争)" (1957), där Kanjūrō ​​Arashi spelade kejsar Meiji , upp. Det var en situation som var otänkbar före kriget, kommersialiseringen av kejsaren som var tänkt att vara helig och okränkbar.

Kajirō Yamamoto
Akira Kurosawa
Tokyo Story ( Yasujirō Ozu , 1953)
Teizô Toshimitsu skulpterar den slutliga Godzilla- designen.

Perioden efter den amerikanska ockupationen ledde till en ökning av mångfalden i filmdistribution tack vare den ökade produktionen och populariteten hos filmstudiorna Toho , Daiei , Shochiku , Nikkatsu och Toei . Denna period gav upphov till de fyra stora konstnärerna inom japansk film: Masaki Kobayashi , Akira Kurosawa , Kenji Mizoguchi och Yasujirō Ozu . Varje regissör behandlade effekterna av kriget och den efterföljande ockupationen av Amerika på unika och innovativa sätt.

Årtiondet började med Akira Kurosawas Rashomon ( 1950), som vann Guldlejonet på filmfestivalen i Venedig 1951 och Academy Honorary Award för bästa utländska film 1952, och markerade den japanska filmens intåg på världsscenen. Det var också utbrytarrollen för legendariska stjärnan Toshiro Mifune . 1953 tävlade Entotsu no mieru basho av Heinosuke Gosho vid den tredje Berlin internationella filmfestivalen .

Rentarō Mikuni , en japansk filmskådespelare. Han medverkade i över 150 filmer sedan han gjorde sin filmdebut 1951, och vann tre japanska Oscars för bästa skådespelare och ytterligare sju nomineringar.
Fujita Yasuko, en aktiv japansk skådespelerska på 50-talet.

Den första japanska filmen i färg var Carmen Comes Home regisserad av Keisuke Kinoshita och släpptes 1951. Det fanns också en svartvit version av denna film. Tokyo File 212 (1951) var den första amerikanska långfilmen som spelades in helt i Japan. Huvudrollerna spelades av Florence Marly och Robert Peyton. Den visade geishan Ichimaru i en kort cameo. Suzuki Ikuzos Tonichi Enterprises Company samproducerade filmen. Gate of Hell , en film från 1953 av Teinosuke Kinugasa , var den första filmen som spelades in med Eastmancolor- film, Gate of Hell var både Daieis första färgfilm och den första japanska färgfilmen som släpptes utanför Japan, och fick ett hederspris i 1954 för bästa kostymdesign av Sanzo Wada och ett hederspris för bästa utländska film. Den vann också Guldpalmen vid filmfestivalen i Cannes , den första japanska filmen som uppnådde den äran.

År 1954 släpptes två av Japans mest inflytelserika filmer. Den första var Kurosawa -eposet Seven Samurai , om ett gäng inhyrda samurajer som skyddar en hjälplös by från ett våldsamt gäng tjuvar. Samma år Ishirō Honda anti-kärnkraftsmonsterdramat Godzilla , som släpptes i Amerika två år senare under titeln Godzilla, King of the Monsters! . Även om Godzilla redigerades för sin västerländska release, Godzilla en internationell ikon för Japan och skapade en hel undergenre av kaiju- filmer, såväl som den längsta filmserien i historien. Också 1954, en annan Kurosawa-film, Ikiru deltog i tävling på den 4:e Berlins internationella filmfestival .

1955 vann Hiroshi Inagaki en Oscars hederspris för bästa utländska film för del I av sin Samurai- trilogi och 1958 vann han Guldlejonet på filmfestivalen i Venedig för Rickshaw Man . Kon Ichikawa regisserade två antikrigsdramer: The Burmese Harp (1956), som nominerades till bästa utländska film vid Oscarsgalan, och Fires On The Plain (1959), tillsammans med Enjo (1958), som var anpassad från Yukio Mishimas roman Temple Of The Golden Pavilion . Masaki Kobayashi gjorde tre filmer som tillsammans skulle bli kända som The Human Condition Trilogy : No Greater Love (1959) och The Road To Eternity (1959). Trilogin avslutades 1961, med A Soldier's Prayer .

Kenji Mizoguchi, som dog 1956, avslutade sin karriär med en rad mästerverk, inklusive The Life of Oharu (1952), Ugetsu (1953) och Sansho the Bailiff (1954). Han vann Silverbjörnen på filmfestivalen i Venedig för Ugetsu . Mizoguchis filmer handlar ofta om de tragedier som det japanska samhället tillfogar kvinnor. Mikio Naruse gjorde Repast (1950), Late Chrysanthemums (1954), The Sound of the Mountain (1954) och Floating Clouds (1955). Yasujirō Ozu började regissera färgfilmer som började med Equinox Flower (1958), och senare Good Morning (1959) och Floating Weeds (1958), som var anpassad från hans tidigare tysta A Story of Floating Weeds (1934), och spelades in av Rashomon och Sansho the Bailiff filmfotograf Kazuo Miyagawa .

Blue Ribbon Awards inrättades 1950. Den första vinnaren för bästa film var Until We Meet Again av Tadashi Imai .

Toshiro Mifune stod i centrum för många av Kurosawas filmer.

Antalet producerade filmer och biopubliken nådde en topp på 1960-talet. De flesta filmer visades i dubbelsedlar, där hälften av notan var en "programbild" eller B-film. En typisk programbild togs på fyra veckor. Efterfrågan på dessa programbilder i kvantitet innebar tillväxten av filmserier som The Hoodlum Soldier eller Akumyo .

Den enorma aktivitetsnivån på 1960-talets japanska film resulterade också i många klassiker. Akira Kurosawa regisserade 1961 års klassiker Yojimbo . Yasujirō Ozu gjorde sin sista film, An Autumn Afternoon , 1962. Mikio Naruse regisserade widescreen-melodraman When a Woman Ascends the Stairs 1960; hans sista film var Scattered Clouds från 1967 .

olympiska spelen 1964 i vattendelaren i sin tre timmar långa dokumentär Tokyo Olympiad (1965). Seijun Suzuki fick sparken av Nikkatsu för att "göra filmer som inte är meningsfulla och som inte tjänar några pengar" efter hans surrealistiska yakuza-film Branded to Kill (1967).

1960-talet var toppåren för den japanska New Wave -rörelsen, som började på 1950-talet och fortsatte under början av 1970-talet. Nagisa Oshima , Kaneto Shindo , Masahiro Shinoda , Susumu Hani och Shohei Imamura framträdde som stora filmskapare under decenniet. Oshimas grymma berättelse om ungdom , Natt och dimma i Japan och Död genom att hänga blev tillsammans med Shindos Onibaba , Hanis Kanojo to kare och Imamuras Insektskvinnan några av de mer kända exemplen på japansk nyvågsfilmskapande. Dokumentären spelade en avgörande roll i den nya vågen, eftersom regissörer som Hani, Kazuo Kuroki , Toshio Matsumoto och Hiroshi Teshigahara gick från dokumentär till fiktionsfilm, medan långfilmsmakare som Oshima och Imamura också gjorde dokumentärer. Shinsuke Ogawa och Noriaki Tsuchimoto blev de viktigaste dokumentärerna: "två figurer [som] tornar upp sig över landskapet i japansk dokumentär."

Teshigahara's Woman in the Dunes (1964) vann det särskilda jurypriset vid filmfestivalen i Cannes och nominerades till Oscars för bästa regissör och bästa utländska film . Masaki Kobayashis Kwaidan (1965) fick också specialjuryns pris i Cannes och nominerades för bästa utländska film vid Oscarsgalan. Bushido, Samurai Saga av Tadashi Imai vann Guldbjörnen vid den 13:e Berlins internationella filmfestival . Immortal Love av Keisuke Kinoshita och Twin Sisters of Kyoto och Portrait of Chieko , båda av Noboru Nakamura , fick också nomineringar för bästa utländska film vid Oscarsgalan. Lost Spring , också av Nakamura, tävlade om Guldbjörnen vid Berlins 17:e internationella filmfestival .

På 1970-talet sjönk biopubliken på grund av tv:s spridning. Den totala publiken minskade från 1,2 miljarder 1960 till 0,2 miljarder 1980. Filmbolag slog tillbaka på olika sätt, såsom de större budgetfilmerna från Kadokawa Pictures , eller inkluderade allt mer sexuellt eller våldsamt innehåll och språk som inte kunde visas på tv. Den resulterande rosa filmindustrin blev språngbrädan för många unga oberoende filmskapare. På sjuttiotalet började "idol eiga", filmer med unga "idoler" i huvudrollen , som skulle locka in publik på grund av sin berömmelse och popularitet.

Tatsuya Nakadai

Toshiya Fujita gjorde hämndfilmen Lady Snowblood 1973. Samma år gjorde Yoshishige Yoshida filmen Coup d'État , ett porträtt av Ikki Kita , ledaren för den japanska kuppen i februari 1936. Dess experimentella kinematografi och mise-en- scen, såväl som dess avantgardistiska partitur av Toshi Ichiyanagi , fick stor kritik i Japan.

1976 skapades Hochi Film Award . Den första vinnaren för bästa film var The Inugamis av Kon Ichikawa . Nagisa Oshima regisserade In the Realm of the Senses (1976), en film som beskriver ett passionsbrott som involverar Sada Abe som utspelar sig på 1930-talet. Kontroversiell för sitt explicita sexuella innehåll har den aldrig setts ocensurerad i Japan.

Kinji Fukasaku avslutade den episka serien Battles Without Honor och Humanity med yakuza-filmer. Yoji Yamada introducerade den kommersiellt framgångsrika Tora-San- serien , samtidigt som han regisserade andra filmer, särskilt den populära Den gula näsduken , som vann det första Japanska akademipriset för bästa film 1978. Nyvågsfilmskaparna Susumu Hani och Shōhei Imamura drog sig tillbaka till dokumentärarbete , även om Imamura gjorde en dramatisk återgång till långfilm med Vengeance Is Mine (1979).

Dodes'ka-den av Akira Kurosawa och Sandakan nr 8 av Kei Kumai nominerades till Oscar för bästa utländska film.

På 1980-talet föll de stora japanska filmstudiorna och deras tillhörande biografkedjor, med stora studios Toho och Toei knappt kvar i verksamheten, Shochiku stöddes nästan enbart av Otoko wa tsurai yo- filmerna, och Nikkatsu minskade ännu mer.

Av den äldre generationen regissörer regisserade Akira Kurosawa Kagemusha (1980), som vann Guldpalmen vid filmfestivalen i Cannes 1980 , och Ran (1985). Seijun Suzuki gjorde comeback med början med Zigeunerweisen 1980. Shohei Imamura vann Guldpalmen på filmfestivalen i Cannes för Balladen om Narayama (1983). Yoshishige Yoshida gjorde A Promise (1986), hans första film sedan 1973 års statskupp .

Juzo Itami

Nya regissörer som dök upp på 1980-talet inkluderar skådespelaren Juzo Itami , som regisserade sin första film, The Funeral , 1984, och nådde kritiker- och biljettframgångar med Tampopo 1985. Shinji Sōmai , en konstnärligt lagd populistisk regissör som gjorde filmer som ungdomar Typhoon Club och kritikerrosade romerska porrfilmen Love Hotel bland annat. Kiyoshi Kurosawa , som skulle skapa internationell uppmärksamhet med början i mitten av 1990-talet, gjorde sin första debut med rosa filmer och genreskräck.

Under 1980-talet ökade anime i popularitet, med nya animerade filmer som släpptes varje sommar och vinter, ofta baserade på populära anime-tv-serier. Mamoru Oshii släppte sitt landmärke Angel's Egg 1985. Hayao Miyazaki anpassade sin mangaserie Nausicaä of the Valley of Wind till en långfilm med samma namn 1984. Katsuhiro Otomo följde efter genom att anpassa sin egen manga Akira till en långfilm med samma namn namn 1988.

Hemvideo gjorde det möjligt att skapa en direkt-till-video- filmindustri.

Miniteatrar , en typ av oberoende biografer som kännetecknas av en mindre storlek och sittplatser jämfört med större biografer, blev populär under 1980-talet. Miniteatrar hjälpte till att föra in oberoende filmer och arthousefilmer från andra länder, såväl som filmer producerade i Japan av okända japanska filmskapare, till japansk publik.

Heisei period

På grund av ekonomiska lågkonjunkturer hade antalet biografer i Japan stadigt minskat sedan 1960-talet. På 1990-talet vände denna trend och introduktionen av multiplexen i Japan. Samtidigt fortsatte miniteatrarnas popularitet.

Takeshi Kitano växte fram som en betydande filmskapare med verk som Sonatine (1993), Kids Return (1996) och Hana-bi (1997), som fick Guldlejonet på filmfestivalen i Venedig. Shōhei Imamura vann igen Guldpalmen (delad med den iranske regissören Abbas Kiarostami ), denna gång för The Eel (1997). Han blev den femte tvåfaldiga mottagaren, tillsammans med Alf Sjöberg , Francis Ford Coppola , Emir Kusturica och Bille August .

Kiyoshi Kurosawa fick internationellt erkännande efter släppet av Cure (1997). Takashi Miike startade en produktiv karriär med titlar som Audition (1999), Dead or Alive (1999) och The Bird People in China (1998). Den tidigare dokumentärfilmaren Hirokazu Koreeda inledde en hyllad långfilmskarriär med Maborosi (1996) och After Life (1999).

Hayao Miyazaki regisserade två gigantiska biljettkassar och kritikerframgångar, Porco Rosso (1992) – som slog ET the Extra-Terrestrial (1982) som den mest inkomstbringande filmen i Japan – och Princess Mononoke (1997), som också gjorde anspråk på bästa biljettkassan plats fram till Titanic (1997).

Flera nya anime-regissörer fick ett brett erkännande och förde med sig föreställningar om anime som inte bara underhållning, utan modern konst. Mamoru Oshii släppte den internationellt hyllade filosofiska science fiction-actionfilmen Ghost in the Shell 1996. Satoshi Kon regisserade den prisbelönta psykologiska thrillern Perfect Blue . Hideaki Anno fick också ett stort erkännande med The End of Evangelion 1997.

Hayao Miyazaki

I början av 2000-talet har Japan refererats till många gånger i populärkulturen, vilket var relativt framgångsrikt för japansk filmindustri. Landet har dykt upp som en miljö och ett ämne flera gånger i film, poesi, tv och musik. Antalet filmer som visades i Japan ökade stadigt, med cirka 821 filmer som släpptes 2006. Filmer baserade på japanska tv-serier var särskilt populära under denna period. Animefilmer stod nu för 60 procent av japansk filmproduktion. 1990- och 2000-talen anses vara "den japanska filmens andra guldålder", på grund av den enorma populariteten för anime, både inom Japan och utomlands.

Även om det inte var någon kommersiell framgång, hyllades All About Lily Chou-Chou i regi av Shunji Iwai på filmfestivalerna i Berlin, Yokohama och Shanghai 2001. Takeshi Kitano medverkade i Battle Royale och regisserade och spelade huvudrollen i Dolls and Zatoichi . Flera skräckfilmer, Kairo , Dark Water , Yogen , Grudge - serien och One Missed Call fick kommersiell framgång. 2004 släpptes Godzilla: Final Wars , regisserad av Ryuhei Kitamura , för att fira 50-årsdagen av Godzilla. 2005 gjorde regissören Seijun Suzuki sin 56:e film, Princess Raccoon . Hirokazu Koreeda tog hem filmfestivalpriser runt om i världen med två av sina filmer Distance och Nobody Knows . Den kvinnliga filmregissören Naomi Kawases film The Mourning Forest vann Grand Prix på filmfestivalen i Cannes 2007. Yoji Yamada , regissör för Otoko wa Tsurai yo- serien, gjorde en trilogi av hyllade revisionistiska samurajfilmer, 2002:s Twilight Samurai , följt av The Hidden Blade 2004 och Love and Honor 2006. 2008 vann Departures Oscar för bästa utländska film.

I anime regisserade Hayao Miyazaki Spirited Away 2001, slog japanska kassarekord och vann flera priser – inklusive Oscar för bästa animerade film 2003 – följt av Howl's Moving Castle och Ponyo 2004 respektive 2008. År 2004 släppte Mamoru Oshii animefilmen Ghost in the Shell 2: Innocence som fick kritik över hela världen. Hans film från 2008 The Sky Crawlers möttes av ett liknande positivt internationellt mottagande. Satoshi Kon släppte också tre tystare, men inte desto mindre mycket framgångsrika filmer: Millennium Actress , Tokyo Godfathers och Paprika . Katsuhiro Otomo släppte Steamboy , hans första animerade projekt sedan 1995 års kortfilmssamling Memories , 2004. I samarbete med Studio 4C släppte den amerikanske regissören Michael Arias Tekkon Kinkreet 2008, till internationellt erkännande. Efter flera år av att regissera huvudsakligen lågmälda live-action-filmer, bildade Hideaki Anno sin egen produktionsstudio och återbesökte sin fortfarande populära Evangelion -serie med Rebuild of Evangelion -tetralogin, en ny serie filmer som ger en alternativ återberättelse av den ursprungliga historien.

Vissa Hollywood-regissörer har vänt sig till Tokyo som bakgrund för filmer som utspelar sig i Japan. Efterkrigstidens exempel inkluderar Tokyo Joe , My Geisha , Tokyo Story och James Bond -filmen You Only Live Twice ; senaste exempel inkluderar Lost in Translation och The Last Samurai (båda 2003), Kill Bill: Volym 1 och 2 och The Day After Tomorrow (alla 2004), Memoirs of a Geisha (2005), The Fast and the Furious: Tokyo Drift och Babel (båda 2006), The Day the Earth Stood Still (2008), 2012 (2009), Inception (2010), Emperor (2012), Pacific Rim och The Wolverine (båda 2013), Geostorm (2017) och Avengers: Endgame (2019).

Sedan februari 2000 inrättades Japan Film Commission Promotion Council. Den 16 november 2001 presenterades den japanska stiftelsen för främjande av konstens lagar för representanthuset . Dessa lagar var avsedda att främja produktionen av mediekonst, inklusive filmlandskap, och föreskriver att regeringen – på både nationell och lokal nivå – måste ge stöd för att bevara filmmedia. Lagarna antogs den 30 november och trädde i kraft den 7 december. År 2003, vid en sammankomst för Kulturbyrån, föreslogs tolv policyer i en skriftlig rapport för att tillåta offentliggjorda filmer att marknadsföras och visas på filmen Centrum för Nationalmuseet för modern konst.

Fyra filmer har hittills fått internationellt erkännande genom att ha blivit utvalda att tävla på stora filmfestivaler: Caterpillar av Kōji Wakamatsu tävlade om Guldbjörnen vid den 60:e Berlins internationella filmfestival och vann Silverbjörnen för bästa kvinnliga huvudroll, Outrage av Takeshi Kitano var I tävlingen om Guldpalmen vid filmfestivalen i Cannes 2010 tävlade Himizu av Sion Sono om Guldlejonet vid den 68 : e internationella filmfestivalen i Venedig .

I mars 2011 drabbades japansk film- och tv-industri av Tohoku-jordbävningen och tsunamin och den efterföljande kärnkraftskatastrofen i Fukushima , som drabbades hårt på grund av pågående trippelkatastrof. [ citat behövs ] Men många japanska studior stängdes officiellt eller omorganiserades för att förhindra trippelkatastrofen. Som ett resultat började många av japanska studior att öppna igen och produktionstakten har ökat.

I oktober 2011 (efter att den japanska film- och tv-industrin hade öppnat helt igen) tävlade Takashi Miikes Hara -Kiri: Death of a Samurai om Guldpalmen vid filmfestivalen i Cannes 2012, den första 3D-filmen någonsin att visa. I tävling i Cannes. Filmen samproducerades av den brittiske oberoende producenten Jeremy Thomas , som framgångsrikt hade slagit upp japanska titlar som Nagisa Oshimas God Jul, Mr Lawrence and Taboo , Takeshi Kitanos bror och Miikes 13 Assassins på den internationella scenen som producent.

2018 vann Hirokazu Kore-eda Guldpalmen för sin film Shoplifters på den 71:a filmfestivalen i Cannes , en festival som också visade Ryūsuke Hamaguchis Asako I & II i tävling.

Reiwa period

Den japanska episka katastrofdramafilmen Fukushima 50 från 2020 , släpptes den 6 mars 2020, regisserad av Setsurō Wakamatsu och skriven av Yōichi Maekawa. Filmen är baserad på boken av Ryusho Kadota, med titeln On the Brink: The Inside Story of Fukushima Daiichi , och det är den första japanska filmen som skildrar katastrofen.

I början av 2020 drabbades den japanska film- och tv-industrin av COVID-19-pandemin , som drabbades hårt på grund av hälsokrav, med hänvisning till att det gav nationen dess värsta dag av film- och tv-industri som påverkats av hälsokrisen sedan slutet av andra världskriget, och var också tvungna att avbryta inspelningen i ett försök att hålla sina respektive skådespelare och besättningar säkra från infektionen. Från den första (av många) "hälsolåsningar" fram till slutet av september 2021 stängdes många japanska studior eller omorganiserades för att passa de lagliga kraven för spridningsförebyggande. [ citat behövs ]

I oktober 2020 (efter återöppnandet av filmindustrin) slog en japansk animefilm Demon Slayer: Mugen Train baserad på mangaserien Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba alla biljettrekord i landet och blev den mest inkomstbringande filmen genom tiderna i Japan, den mest inkomstbringande japanska filmen genom tiderna och den mest inkomstbringande filmen 2020.

I oktober 2021 (Som Japan före "Living with COVID-19 endemisk phase "), vann en japansk drama - roadfilm Drive My Car bästa utländska film vid 79:e Golden Globe Awards och fick Oscar för bästa internationella långfilm på den 94:e Oscarsgalan .

Genrer

Biljettkassan

År
Brutto
(i miljarder yen)
Inhemsk andel
Antagningar (i miljoner) 		Källor
2009 206 57 % 169
2010 221 54 % 174
2011 181 55 % 144,73
2012 195,2 65,7 % 155,16
2013 194 60,6 % 156
2014 207 58 % 161
2015 217,119 55,4 % 166,63

Filmteoretiker

Filmforskares experter inom japansk film inkluderar:

javanesiska

Se även

Anteckningar

Bibliografi

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Cinema_of_Japan&oldid=1140965521 "