Artaud (album)

Artaud
Pescado Rabioso-Spinetta - Artaud.png
Studioalbum av

Pescado Rabioso ( Luis Alberto Spinetta )
Släppte Oktober 1973 ( 1973-10 )
Studio Phonalex (Buenos Aires)
Genre
Längd 36:56 _ _
Språk spanska
Märka Talang-Microfón
Producent
Pescado Rabioso kronologi

Pescado 2 (1973)
Artaud (1973)
Luis Alberto Spinetta solo kronologi

Spinettalandia y sus amigos (1971)
Artaud (1973)
A 18' del sol (1977)
Singlar från Artaud

  1. "Todas las hojas son del viento / Superchería" Släppt: 1973

Artaud ( franska: [aʁto] , uttalas vanligen [aɾˈto] av hispanophones ) är ett studioalbum krediterat det argentinska rockbandet Pescado Rabioso , utgivet i oktober 1973 på Talent-Microfón. Det är i princip det andra soloalbumet av singer-songwritern Luis Alberto Spinetta , som använde gruppens namn trots att de lades ner tidigare samma år.

Albumet är uppkallat efter och tillägnat den franske poeten Antonin Artaud , och tänktes som en reaktion på hans skrifter. Albumets originalförpackning är känd för sin udda form, vilket skivbolaget till en början motsatte sig. Spinetta presenterade Artaud med två morgonshower på Teatro Astral på Avenida Corrientes , endast ackompanjerad av sin akustiska gitarr. Varje publikmedlem fick ett exemplar av Spinettas manifest Rock: Música dura, la suicidada por la sociedad , där han presenterade sin vision om den kontrakulturella argentinska rockrörelsen .

Det anses vara Spinettas mästerverk och ett av de mest inflytelserika albumen inom spanskspråkig rockmusik . Det har valts ut som det största albumet i historien om argentinsk rock vid flera tillfällen, särskilt Rolling Stone Argentinas The 100 Greatest Albums of National Rock 2007.

Bakgrund och inspelning

Senaste bildandet av Pescado Rabioso, cirka 1973. Från vänster till höger: Luis Alberto Spinetta , David Lebón , Black Amaya och Carlos Cutaia.

Efter upplösningen av Almendra 1970 – ett grundande band i den spirande argentinska rockrörelsen tillsammans med Manal och Los Gatos – uppstod tre nya grupper när dess tidigare medlemmar försökte skapa nya projekt. Edelmiro Molinari bildade Color Humano , Rodolfo García och Edelmiro Molinari skapade Aquelarre , och Luis Alberto Spinetta satte ihop Pescado Rabioso tillsammans med trummisen Black Amaya och basgitarristen Osvaldo Frascino. Den kortlivade Pescado Rabioso var ett medvetet skifte från Spinettas tidigare akustiska och melodiska musik, och gynnade en mer våldsam, "elektrisk, rå och kraftfull stil" influerad av hans nya vänskap inom den "tyngre" rockscenen i Buenos Aires, som inkluderade akter som Pappo's Blues , Manal och Tanguito . Spinetta själv kallade det för sitt " punkögonblick ". Projektet upplevde olika uppsättningsförändringar (ett kännetecken för nästan alla lokala rockband under den tiden) och släppte två studioalbum – Desatormentándonos (1972) och Pescado 2 (1973) – innan det upplöstes. När Pescado 2 släpptes i mars 1973 hade bandet redan splittrats. Amaya berättade för Crítica Digital 2009 att David Lebón och Carlos Cutaia lämnade Pescado Rabioso för att fortsätta sina solokarriärer och att de meddelade sin upplösning till Spinetta i Planeta-teatern, vilket han tog som ett stort brott. Han hävdade också att han var den sista medlemmen som lämnade bandet och att han hade repeterat för Artaud . En av anledningarna var att Oscar López, deras dåvarande manager, ville att Lebón skulle bli sångare och gitarrist och att Spinetta skulle spela bas. Enligt Spinetta delade inte hans bandmedlemmar den mer "lyriska" vision som han utvecklade och ville ändra bandets stil till rock and roll och blues . Både Amaya och Cutaia har sagt att de ville spela något "mer bluesigt", där den senare förklarade att de ville att Lebón skulle delta mer som kompositör och komma bort från Spinettas mer komplexa kompositioner. Lebón och López har dock förnekat att det fanns en plan för att göra Pescado Rabioso till ett bluesband. Spinetta sa till Eduardo Berti 1988:

Jag upplevde det som en stor paradox: Pescado Rabioso var jag, och jag kunde ha haft de musikerna som andra; Jag ville spela mina låtar, uttrycka hur jag kände, och det verkade som en missbildning att börja göra rock- och blueslåtar som om det var Manals tid. På den tiden fanns det fortfarande den där manin att spela rhythm & blues , men strax efter släppte David [Lebón] sitt soloalbum och det var inte bara i den stilen. Han var trots allt lika lyrisk som jag.

Spinetta cirka 1973.

I Ezequiel Abalos bok 1995 Historias del rock de acá, påminde Amaya sig: "Han kände sig övergiven eftersom han ville fortsätta spela med bandet, eftersom han lämnades ensam och det fortfarande väntade på att spela in ytterligare ett album med Microfón, han spelade in Artaud med låtarna han hade för Pescado Rabioso. När jag hörde albumet ville jag [dö]." Som ett resultat värvade Spinetta sin bror Gustavo och tidigare Almendra-medlemmar Emilio del Guercio och Rodolfo García för att spela i albumet. Spinetta förklarade för Berti att han bestämde sig för att släppa albumet under Pescado Rabiosos namn eftersom han kände att det skulle vara "för pompöst" att använda sitt eget och "för att bevisa för de tidigare medlemmarna i gruppen att Pescado Rabioso var [han]." Användningen av bandets namn har också beskrivits som en avtalsenlig skyldighet. Artaud spelades in i studion Phonalex i barrio Belgrano , några kvarter från Spinetta-huset . Journalisten Miguel Grinberg beskrev sessionerna som "en mycket privat ceremoni". Enligt Rodolfo García var låtarna "praktiskt taget gjorda i studion" och spelades in på få tag. Han konstaterade att i "Superchería" och "Las habladurías del mundo", "konceptet med vilket spåren skapades var liknande: att spela dem med absolut frihet [och] den största swing som vi kan " . Spinetta komponerade och spelade in nästan hela albumet med en Harptone akustisk gitarr som han kallade "the Standel". Textförfattaren Roberto Mouro har hävdat att Spinetta använde en Hagström elgitarr i "Todas las hojas son del viento", medan journalisten Juan Carlos Diez kom ihåg att musikern berättade för honom att han spelade in hela albumet med en mahognyfärgad akustisk Gibson -gitarr. Artaud producerades av förläggaren Jorge Álvarez för hans skivbolag Microfón, ett dotterbolag till skivbolaget Talent. Álvarez hade grundat Microfón efter nedläggningen 1970 av hans företag Mandioca, det första oberoende skivbolaget för argentinsk rock. Under slutet av 1960-talet och början av 1970-talet intensifierades cirkulationen av Artauds bibliografi och Álvarez spelade en viktig roll i denna process genom att publicera en antologi om poeten 1968.

Spinetta och Patricia Salazar 1976. Deras parning 1973 var ett stort inflytande i Artaud .

Skapandet av albumet påverkades djupt av förändringar i musikerns personliga liv. Tjugotreåriga Spinetta ansåg att det var dags att slå sig ner och hålla sig borta från överdrifterna, så han bestämde sig för att återvända till sina föräldrars hus i Belgrano . Under den tiden började han ett förhållande med Patricia Salazar, som han skulle stanna med i över tjugofem år och få fyra barn. Hans bror Gustavo Spinetta uttalade 2009 att musiken och texterna i Artaud var resultatet av "klimatet av mycket kärlek" där Luis Alberto och Salazar levde.

Los Abuelos de la Nada 1968 praktiskt taget påtvingade porteño -versionen av psykedelisk pop med "Diana divaga" och att Luis Alberto Spinetta 1973 släppte Artaud - kanske toppen av argentinsk rockeravantgarde - är det svårt att acceptera att det var bara en tillfällig slump. Det fanns under dessa år en korrelation mellan den politiska och sociala turbulensen i landet och framväxten av en musik som uppenbarligen inte verkade vara alltför uppmärksam eller intresserad av den revolutionära utopin, åtminstone som gerillaorganisationerna föreställde sig det .

— Sergio Pujol, 2015.

Författare analyserar ofta Artaud i relation till Argentinas konvulsiva sociopolitiska kontext 1973, med militärdiktaturens fall, Héctor José Cámporas valseger och nyheten om Peróns återkomst som ger "ett hopp om frihet mitt i förtrycket ." Denna korta period under Camporas styre är känd som "Camporistvåren " (spanska: " primavera camporista ") och kännetecknades av en ny känsla av befrielse och optimism bland unga människor. När han diskuterade det sociala sammanhang där Spinetta producerade "Artaud", sa Grinberg till Rolling Stone: "På den tiden var vi alla peronister. Efter att resultaten av Héctor Camporas triumf var kända minns jag att det fanns en anda av total befrielseglöd. Plötsligt en lastbil full med människor passerade Teatro General San Martín och jag ser en hängande Luis krama ett gäng ungdomar." Sommaren 1973 underjordisk konst och press i dimension, med parker och alternativa tidningar som deras kommunikationsmedel. Spinetta deltog i söndagens ungdomssammankomster som Miguel Grinberg anordnade i Parque Centenario genom sitt radioprogram El son progresivo , där människor bildade grupper som ägnade sig åt rocknationell , poesi, teater, psykologi och plastisk konst; och redigerade en tidning som gjordes gemensamt varje söndag. Några av de andra musikerna som gick till Parque Centenario inkluderade Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta, Miguel Abuelo och, "utan att integrera så mycket", Raúl Porchetto och León Gieco . Dessa möten, som lyckades samla 500 personer, har beskrivits av Rock.com.ar som "ett sant experiment av samhällsintegration, [med] debatter som äger rum mellan folket i parken och enstaka förbipasserande." Enligt Del Guercio var de "oroade över att veta vad som skulle bli platsen för konst och kultur i det kommande samhället, hur den personliga omvandlingen av var och en och förståelsen för den andra skulle kunna förändra samhället"; enligt Schanton Artaud "avkomman till den totala friheten".

Begrepp

Antonin Artaud 1926. Spinetta var djupt påverkad av det lidande som förmedlades i hans författarskap.

Artaud har beskrivits som "den mest litterära skivan av rock nacional ", tillsammans med Vox Deis album La Biblia från 1971 . Författaren Juan Pablo Bertazza ansåg att albumet "når den närmaste och mest bördiga och viscerala punkten som det kan finnas mellan musik och poesi, eller bättre: mellan musik och litteratur." Spinetta var en ivrig läsare och litteraturen var ett grundläggande inflytande under hela hans karriär; som Julio Cortázar i Almendra, Carlos Castaneda i Spinetta Jade och Carl Jung och kinesisk filosofi i Invisible. Vid tiden för Artauds komposition hade poètes maudits och surrealistisk litteratur ett stort inflytande på honom . Förutom Antonin Artaud läste Spinetta andra franska poeter som Arthur Rimbaud , René Daumal , Charles Baudelaire , Jean Cocteau , André Breton och Comte de Lautréamont .

Spinetta upptäckte Artaud genom Jorge Pistocchi, en journalist och konstnär. I en Pescado Rabioso-intervju i november 1972 för Gente , diskuterade Spinetta sin affinitet med poesi och beskrev Rimbaud som "en rockkille för hundra år sedan", eftersom han "utvecklades på ett sätt att uttrycka sin inre sensualitet och att uttrycka sin egen energi i ett lysande sätt". Han nämnde också Artaud på samma sätt och uppgav att han: "levde livet som en rocker, som Hendrix ... Vibbarna som Artaud kastade för andra män att förstå var att tänka, du ser, tänka och tänka, verkligen tänka på vad det är det som händer. Musikaliskt är det till exempel Hendrix." Artauds inflytande har kopplats till albumets " ikonoklast och frihetliga anda".

Spinetta var särskilt influerad av hans essäer Heliogabalus; eller, den krönade anarkisten (franska: " Héliogabale ou l'anarchiste couronné ") och Van Gogh, The Man Suicided by Society (franska: " Van Gogh le suicidé de la société "). Han föreställde sig albumet som ett "motgift" mot det nihilistiska budskapet och "smittan av smärta" som förmedlas i Artauds verk. Spinetta sa till författaren Eduardo Berti 1988: "Den som har läst honom kan inte undgå en kvot av desperation. För honom är människans svar galenskap; för [John] Lennon är det kärlek. Jag tror mer på mötet av perfektion och lycka genom undertryckandet av smärta än genom galenskap och lidande. Jag tror att endast om vi oroar oss för att läka själen kommer vi att undvika sociala snedvridningar och fascistiskt beteende, orättvisa doktriner och totalitarism, absurd politik och bedrövliga krig. Det enda sättet att höja vikten är med kärlek."

Sammansättning

Albumet har beskrivits som "ett monumentalt stycke psykedelisk och pastoral folkmusik". Kiko Jones skrev för Gibsons hemsida 2011 och beskrev albumets sound: "Spinetta visar influenser från progressiv rock och inslag av psykedelia vid sidan av sin singer-songwriter-känsla och lyckas skickligt skapa i Artaud en sorts musikalisk brygga mellan rockströmmen av slutet av 60-talet och början av 70-talet." På samma sätt noterade den amerikanska musikjournalisten Richie Unterberger : "Om det är något av en progressiv/psykedelisk skiva, har det mer att göra med sammanställningen av stilar från sent 60-tal och tidigt 70-tal som visas än det har att göra med själva musiken. ." Germán Arrascaeta från La Voz del Interior beskrev albumets innehåll 2015 som "slipande psykedelia". Artaud har kopplats till en period av "reflexiv psykedelia" i argentinsk rock under 1970-talet, tydligt i texterna till Molinari, Pappo och Vox Deis Nacho Smilari. Gustavo Spinetta sa till journalisten Oscar Jalil 2013: "Vi var galna i Neil Young 's Harvest som har ett väldigt hemmagjort flyt. På något sätt kände jag att jag spelade den musiken." Musikjournalisten Claudio Kleiman ansåg att John Lennons album John Lennon/Plastic Ono Band från 1970 var ett föregångare till Artaud på grund av dess "emotionella och musikaliska nakenhet", samtidigt som de noterade likheter i deras "avskalade instrumentation" och det faktum att både Spinetta och Lennon valde att spela in med några gamla vänner.

Albumet producerades vid en tidpunkt då det fanns en rivalitet inom argentinsk rock, mellan de som spelade akustisk musik och de som föredrog en elektrisk, "tyngre" stil. I denna mening anses det att Artaud lyckades förena dessa två motsatta rörelser.

skrev för den chilenska tidningen La Tercera 2017 och kände att Spinetta använder sin röst som ett annat instrument.

Albumets "komplexa" låtar betecknade en markant harmonisk inkorporering av jazz i Spinettas musik, vilket föregick dess centrala inflytande under de följande åren. Medan han införlivade ännu mer jazzinfluenser med Invisible , ett band han bildade när Artaud släpptes, fördjupade Spinetta sig helt i jazzrocken med albumet A 18' del sol från 1977 , vilket invigde en "jazzperiod" i hans diskografi som alienerade fans och varade fram till mitten av 1980-talet.

Spinetta reflekterade 2008 att albumet "representerar en mycket intressant återgång till den kreativa källan till låtar inom [honom]" och att det etablerade möjligheten att dekonstruera hans tidigare arbete med Pescado Rabioso för att "fortsätta växa". Umberto Pérez från den spanska tidskriften Efe Eme kände att Spinetta "återvände till källan för att bryta den", eftersom han "åkallade Almendras akustiska och fria anda för att fånga ett av de mest intima ögonblicken i hans liv".

Sida ett

"Todas la hojas son del viento"

Spinetta med Cristina Bustamante, som "Todas las hojas son del viento" hänvisas till, cirka 1970.

Det kanske "mest tillgängliga ögonblicket" på Artaud , öppnaren "Todas las hojas son del viento" (engelska: "All Leaves are Owned by the Wind") är en folkrocksballad med ett övervägande akustiskt ljud, även om den innehåller ett elgitarrsolo i slutet. Spinettas akustiska gitarr rör sig genom musiknoterna G , F och D , med en oregelbunden frasering som var karakteristisk för hans musik. Det har beskrivits som "Kanske Artauds mest tillgängliga ögonblick". Pedro Ogrodnik C. från den colombianska tidningen Rockaxis noterade enkelheten och det "varma klimatet" på den korta banan och kände att den påminde mycket om Sui Generis arbete. Det är en välkänd Spinetta-klassiker.

Låtens texter handlar om föräldraskap ur ett motkulturellt perspektiv, även om Spinetta ännu inte hade blivit pappa. Istället inspirerades han av graviditeten av sin tidigare flickvän, Cristina Bustamante. Han hade "förseglat förhållandet" med Bustamante i "Blues de Cris" , ett spår som ingick i Pescado Rabiosos debutalbum från 1972, men de fortsatte att ses. Spinetta skrev låten efter att hon berättat för honom att hon tvivlade på att fortsätta med graviditeten, vilket hon så småningom fortsatte. Han sa till Berti: "Jag skrev 'Todas las hojas son del viento' för i det ögonblicket var hon som ett löv i vinden, att behöva bestämma sig för något sådant." Pablo Schanton jämförde låten med Graham Nashs " Teach Your Children " och Pink Floyd, eftersom den "ger lätta instruktioner för rockare som mognar och bildar familjer och måste möta faderskap samtidigt som de är antifaderliga."

"Cementerio Club"

Walter Gazzo från MDZ Online beskrev "Cementerio Club" som "ett spår inom bluesrock , väldigt elektriskt och skarpt, som innehåller gåtfulla och depressiva texter". Jazzinfluenser har noterats, särskilt för "det harmoniska valet, i en mollskala , såväl som förstärkningen av svaga tider".

Spinetta beskrev dess texter som en "kontrollerad ironi ", avsedd att förmedla kylan hos en kvinna som har lämnat honom; med rader som "Hur ledsen och ensam jag kommer att vara på den här kyrkogården/ Hur varmt det blir utan dig på sommaren" (spanska: " Qué sólo y triste voy a estar en este cementerio/Qué calor hará sin vos en el verano ") och "Hej, älskling säg mig, var ser du nu i mig, något du inte avskyr?" (Spanska: " Oye, dime nena, ¿adónde ves, ahora algo en mí, que no deestes? ").

"Por"

Texterna till "Por" (en spansk preposition "genom", "av", "för"), skrivna tillsammans med partnern Patricia Salazar, är en av de mest atypiska i Spinettas karriär, bestående av fyrtiosju lösa substantiv som valts ut för att passa pre- befintliga melodilinjer. Till exempel börjar dikten: "Träd, löv, hopp, ljus, approximation, möbler, ull, smak, fot, te, hav, gas, utseende" (spanska: " Árbol, hoja, salto, luz, aproximación, mueble , lana, gusto, paj, té, mar, gas, mirada "). Tekniken har jämförts med konkret poesi och det dadaistiska utsökta liket .

Förutom att välja orden för att passa låten gjorde duon det också på grund av deras betydelse. Spinetta förklarade: "['Por' var en övning om] hur jag kunde få låten att säga ett ord och samtidigt berätta en berättelse så att säga. Även om det inte var precis vad jag letade efter, att berätta något , men att låta orden gå med musiken och prata [om något]." Spåret har beskrivits som en "maximal disartikulering av den poetiska diskursen", ett "brott av syntagmat " och "kanske [Spinettas] mest radikaliserade och surrealistiska låt." På frågan om orden svarade på en dold logik, svarade Spinetta: "Det är en slags surrealistisk logik. [...] Eftersom musiken redan var skriven handlade det hela om att orden kom in i metriken." Gesticulator' (spanska: ' gesticulador ' ), till exempel, är inställd för att passa in."

Angående låtens text reflekterade Pablo Schanton från Rolling Stone Argentina : "Det finns en återupptäckt av ordens poetiska dimension som bara kan uppnås genom att befria dem från meningen." La Terceras Alejandro Jofré ansåg att "Por" "bevisar att Spinetta var en fri och modern skapare."

"Superchería"

Spinetta lämnar sin akustiska ådra i "Superchería" (engelska: "vidskepelse" "kvaksalveri" (särskilt utövat på eller av okunniga) "trickery"), en låt som enligt journalisten Walter Gazzo skulle "passa väldigt bra" i Pescado Rabiosos tidigare album. Han beskrev det som ett "typiskt" rockspår som har "rytmiska och klimatiska snitt" som för det närmare jazzen. Rockaxis ' s Pedro Ogrodnik C. ansåg att "Superchería" hade "en luft mer typisk för Almendra" på grund av Emilio Del Guercios och Rodolfo Garcías medverkan. Låten har minst tre olika avsnitt som är sammanlänkade. Det börjar med en valsliknande trippelmeters kadens, med Spinetta som sjunger lyriken "Superstition" (spanska: " Superstición " ) och en sorts scatting .

"La sed verdadera"

"La sed verdadera" (engelska: "The True Thirst") har ansetts vara "ett av de mest inspirerade, intima och personliga spåren som Luis någonsin spelat in." Spinetta öppnar låten: "Jag vet väl att du har hört talas om mig/Och idag ses vi här/Men friden/I mig hittar du den aldrig/Om den inte finns i dig/I mig kommer du aldrig att hitta den " (spanska: " Sé muy bien que has oído hablar de mí / Y hoy nos vemos aquí / Pero la paz / En mí nunca la encontrarás / Si no es en vos / En mí nunca la encontrarás ").

Spinetta uppgav att låtens texter handlar om "intimiteten" och "omfattligheten" av att vara . Den "sanna törsten" i titeln syftar på vad Spinetta beskrev som driften "att täcka, känna igen och göra universum bekant". Han förklarade:

Inte bara människan är gjord av universum eftersom molekylerna är skapade i universum, som är sittande på jorden och alla planeter, utan också att ha sin stjärnsjäl är det som får varelsen att tala om sin inre ofantlighet. Det vill säga, inte bara på grund av den biologiska, kritiska bemärkelsen, utan på grund av dess poetiska och avgrundsmässiga natur.

Låten verkar utforska eller utnyttja känslor av metafysisk ångest relaterad till att vara/skapa vs ingenting:

"Om ditt vardagsrum eller utanför det/Du är inte där/Men det är någon där/Och det är inte jag/Jag pratar bara med dig härifrån/Han måste vara/Musiken som du aldrig har skapat" ( Spanska: "Por tu living o fuera de allí no estás/Pero hay otro que está/Y yo no soy/Yo sólo te hablo desde aquí/Él debe ser/La música que nunca hiciste" )

och avslutar senare:

"Ljusen som hoppar i fjärran/väntar inte på att du ska gå och släcka dem/Någonsin" (spanska: " Las luces que saltan a lo lejos/No esperan que vayas a apagarlas/Jamás" )

Sida två

"Cantata de puentes amarillos"

"Cantata de puentes amarillos"
Artauds mittpunkt , "Cantata de puentes amarillos" är organiserad som en svit med flera distinkta sektioner . I detta sampel ändras låten från en sektion till en annan.
Problem med att spela upp den här filen? Se mediahjälp .

Den akustiska 9-minuters "Cantata de puentes amarillos" (engelska: " Cantata of yellow bridges") är albumets mittpunkt och "mest effektfulla" låt. Den innehåller återigen bara Spinetta och hans gitarr, som satte ihop låten i inspelningsstudion genom att lägga över röster och gitarrer som han spelat in själv. Det har beskrivits som en kombination av engelsk progressiv folkmusik med argentinsk folkmusik.

Organiserad som en svit går låten igenom fem distinkta avsnitt som Spinetta kallade "moduler". I denna mening anses det vara en "liknande utforskning" till hans tidigare komposition "Cristálida", inkluderad i Pescado Rabiosos Pescado 2 . Spinetta noterade att "medan modulerna i 'Cristálida' upprepas på ett roterande sätt, skiljer sig modulerna i 'Cantata' från varandra." CONICETs Jorge Monteleone beskrev låten 2010: "Spinettas röst artikuleras ensamt i oväntade harmoniska upplösningar av den akustiska gitarren och växlar rytmer där bilderna och de enunciativa registren [...] överlappar varandra i moduler, olika varandra ." Han ansåg "Cantata de puentes amarillos" vara en "pulverisering av poplåten", och länkade den till "Cristálida" och Beatles " A Day in the Life " (från Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ). Santiago Giordano från La Voz del Interior kände att i spåret "övervinner Spinetta de formella planerna i genren canción ."

"Cantata de puentes amarillos" är den sång där inflytandet från Artauds skrifter är tydligast. På grund av sin läsning av Artauds Van Gogh, The Man Suicided by Society, kom Spinetta i kontakt med van Goghs brev till sin bror Theo och inkorporerade flera bilder från dem i låtens text. Till exempel är de "gula broarna" (spanska: " puentes amarillos ") förmodligen inspirerade av Langlois Bridge i Arles , hans enda målning med en gul bro. Dessutom refereras van Goghs målning Road with Cypress and Star i texten: "Those shadows of the blue road/Where are they?/I compare them with cypresses that I saw/Only in dreams" (spanska: " Aquellas sombras del camino) azul / ¿Dónde están? / Yo las comparo con cipreses que vi / Solo en sueños "). I ett av sina brev reflekterar van Gogh över lidandet för en burfågel som har mat och hälsa, men som ändå längtar efter att vara fri som de andra fåglarna. Detta inspirerade Spinettas text: "Titta på fågeln, han dör i sin bur" (spanska: " Mira el pájaro, se muere en su jaula ").

"Bajan"

"Bajan" har ansetts vara Spinettas mest Beatlesque låt sedan Almendra-åren. Det är kanske den mest optimistiska låten på skivan, med hänvisning till tidens gång från ungdomens plats med texter som "Jag har tid att veta/om mina drömmar hamnar i något" (spanska: " Tengo tiempo para sabre / Si lo que sueño concluye en algo "). Spinetta hänvisar återigen till naturen, med bilder som "den gamla eken ", "dagen som sitter för att dö", "natten som molnar oändligt", och solen och månen som två idealiska ansikten för människan." Kleiman kände att slutraderna "Och dessutom/Du är solen/Tyst likaså/Du kan vara månen" (spanska: " Y además/Vos sos el sol/Despacio también/Podés ser la luna ") har ett "tydligt samband med hippieutopi, fortfarande närvarande både i Luis sinne och i hans generations drömmar."

"A Starosta, el idiota"

(engelska "To Starosta, the Idiot") I låtens sista verser sjunger Spinetta "Idioten/det finns ingenting jag kan göra för honom/Han kommer att brinna/stirrar på solen/Och det här är historien om den som väntar /att vakna/Låt oss gå härifrån" (spanska: "El idiota/ya nada puedo hacer por él / él se quemará/mirando al sol/y es esta la historia del que espera / para despertar/vámnos de aquí "). Daniel Mecca och Martina Nudelman från Clarín ansåg att dessa texter "som en syntes utgör roten till det poetiska konceptet Spinetta: att inte förbli fixerad på ett ställe." I det psykedeliska mellanspelet hörs mot slutet en liten del av inspelningen av "She loves you" av The Beatles .

"Las habladurías del mundo"

Richie Unterberger beskrev den som "en stram rocker med latinsk smak som vagt påminner om tidiga Santana ". Sergio Ariza Lázaro från Diariocrítico.com kände att spåret lät som Almendras andra album. Titeln betyder "The chit-chat of the world" ( habladurías : lit. "sayings" - "chit chat", "skvaller", "rykten") och en del av texten säger "Jag ser att jag ser att ord aldrig är de bästa /att undvika att gå omkring naken ( "Veo veo las palabras nunca son/lo mejor para no/andar desnudos" ) med veo-veo (lit. "Jag ser-jag ser") som också är namnet på ett traditionellt gissningsspel för barn , medan refrängen säger "Jag är inte längre bunden till någon dröm/Världens chit chat kan inte fälla mig längre" (" No estoy atado a ningún sueño ya/Las habladurías del mundo no pueden atraparme" )

Release och marknadsföring

Flyer som främjar presentationen av Artaud på "Söndag 26"—förmodligen augusti— i Teatro Astral i Buenos Aires. Den har en teckning av Spinetta.

Artaud släpptes i oktober 1973 på Talent-Microfón. "Todas las hojas son del viento" släpptes tillsammans med B-sidan "Superchería" som albumets enda reklamsingel samma år. Trots nyheten i dess omslag, gav skivbolaget inte Artaud någon speciell reklamkampanj och albumet delade sin reklam från oktober 1973 tillsammans med nio andra titlar, bland dem Lebóns debut, Color Humano 3 , Confesiones de invierno och Aquelarres Brumas . Journalisten och vännen Miguel Grinberg hjälpte till att främja konsertpresentationen av Artaud genom att intervjua Spinetta på Radio Kommunal och genom att trycka affischer och banderoller. Vid utgivningen berömde en recensent för specialtidningen Pelo albumet som "det friaste och vackraste långspelet jag hört på länge." I sitt följande nummer skrev tidningen: "Om han ville kunde Spinetta utveckla en stor del av sin rikedom av kreativt material som solist. Han visade det återigen magiskt i Artaud ."

Spinetta presenterade Artaud med två morgonshower på Teatro Astral på Avenida Corrientes , en av de få och mest emblematiska platserna där argentinska rockartister kunde uppträda under det tidiga 1970-talet. Trots den ihållande tillväxt som den nationella rockrörelsen hade upplevt, gjordes arenor tillgängliga sporadiskt och endast på morgonen eller sena natttimmarna, eftersom genren ännu inte hade "nådd den nödvändiga statusen för att förtjäna de centrala scheman." Förutom Spinetta som solist och tillsammans med Pescado Rabioso och senare Invisible, andra akter som uppträdde på Teatro Astral under dessa år inkluderar Manal, Moris , Color Humano, Sui Géneris och Crucis .

Spinetta presenterar Artaud på Teatro Astral i Buenos Aires den 28 oktober 1973.

En av Teatro Astral-presentationerna ägde rum innan albumet släpptes och den andra en tid senare, även om de exakta datumen är omtvistade. Efter Internets tillkomst bootleginspelningar av showerna dykt upp på YouTube och bloggar dedikerade till Spinetta, och blivit några av artistens mest hyllade inofficiella släpp. Av de två inspelningarna som cirkulerar på Internet är det bara den 28 oktober 1973 som är det verkliga datumet för den andra showen. Den första, förmodligen från den 23 oktober 1973, kan inte vara möjlig eftersom den dagen var en tisdag och båda konserterna hölls på söndagsmorgnar. Vissa publikationer fortsätter att missbruka detta datum. Istället kan det korrekta datumet ha varit 26 augusti eller 23 september. Berti har stött tanken att presentationen ägde rum i september, vilket även vissa samtida författare har gjort. Efter år av cirkulation på nätet fick bootlegen den 28 oktober 1973 – gjord av ett ungt fan med en monoklocka från Philips – äntligen sin officiella release som ett livealbum 2020, med titeln Presentación Artaud 1973 . Inspelningarna mastrades av ingenjören Mariano López, och skivomslaget innehåller teckningar av Spinetta som hämtats från programmets flygblad.

Teatro Astral-showen anses vara "en av de mest legendariska konserterna" i argentinsk rockhistoria. De visade Spinetta endast ackompanjerad av hans akustiska gitarr, och innan han uppträdde projicerade han filmerna The Cabinet of Dr. Caligari och An Andalusian Dog , förutom att han gav varje publikmedlem ett exemplar av hans manifest Rock: Música dura, la suicidada por la sociedad .

Trots den nära förestående debuten med Invisible , presenterade Spinetta albumet igen i december på Atenas-stadion i La Plata , huvudstaden i Buenos Aires-provinsen . Han åkte tillsammans med Grinberg, Robertone och bror Gustavo, som också hade hjälpt honom på Astral-konserterna. Evenemanget publicerades som Pescado Rabiosos avskedskonsert. Liksom Astral-teaterkonserterna är det exakta datumet för föreställningen i La Plata omtvistad.

Förpackning

Originalförpackningen utställd på Nationalbiblioteket . Som framgår av detta exemplar var omslaget vanligtvis perforerat för att spikas eller hängas på en vägg på grund av dess unika design.

Det ursprungliga skivomslaget är ökänt för sin unika "oregelbundna trapetsformade" form, med en grön och gul komposition som anspelar på en fras skriven av Antonin Artaud 1937, som kan läsas i skivans häfte: "Är inte gröna och gula var och en av de dödens motsatta färger, grönt för uppståndelse och gult för sönderfall och förfall?" Ett litet fotografi av poeten visas i dess högra övre vinkel. Artauds omslag baserades på en skiss av Spinetta och designades av Juan Gatti , en designer, fotograf och plastkonstnär (som senare har stuckit ut för att vara författare till grafisk design relaterade till Pedro Almodóvars filmer), som också gjorde konstverk av flera andra argentinska rockartister från 1970-talet, såsom Moris , Crucis , Pappo's Blues, La Pesada del Rock and Roll och Sui Generis. Gatti har sagt att syftet var att göra "ett störande och obekvämt föremål, något som irriterar", och har beskrivit det som en produkt av sin tid, då känslor av att utmana det etablerade var förhärskande bland ungdomarna. Han mindes också 2013: "Albumet tror jag var mer en avslutning av Luis som var superexalterad med Artaud och innan skivan pratade vi redan om honom och andra franska poeter. Så det var normalt att skivan kom ut. [ ...] Vi var i nuet och det som verkligen intresserade oss var att ha roligt, kanske av oss alla var det Luis som hade de mest kulturella och förgängliga pretentionerna.

Artaud innehöll ett stort häfte som också skilde den från andra rekord; den var inspirerad av medicinska broschyrer, något som har liknats vid albumets syfte att vara ett "medel" mot den franske poetens skrifter. När han skrev för den argentinska Rolling Stone 2013, ansåg Fernando García att det "ärkelegendariska stjärnformade omslaget" var ett konstverk, eftersom det "bryter med funktionen hos ett designobjekt" och "dess geometri skjuter långsamt rekordet mot marginalen för det värdelösa, det oanvändbara." Han reflekterade också: "Kanske Artaud , omslaget, en förlorad länk mellan konkret konst och popkonst ." I albumets inträde i tidningens 2007 års lista över de 100 bästa albumen i argentinsk rock, analyserade Pablo Schanton omslaget:

... objektsregistret var misspassat: det fördömde med sin deformitet kvadraturen, bristen på frihet och underkastelsen till restens industriella geometri. Vilken bättre sammanfattning av Antonin Artauds liv och verk. [...] För samlarnas neuros är det omöjligt att hitta ett original Artaud- omslag utan slitna ändar: den utmaningen till de geometriska och industriella beskyddarna (föräldrarna) betalades med förnedring. Ett annat sätt att prata om Artauds tragiska öde.

Albumet krävde en annan sorts utställning, vanligtvis uppspikad på väggen eller hängande.

Artauds originalutgåva är ett uppskattat föremål bland skivsamlare som kostar närmare 30 000 pesos från och med 2016.

Återutgivningar

Det första CD-numret av Artaud , som släpptes på Microfón 1992, innehöll av misstag fem låtar av Nito Mestre . Företaget beslöt att inte ta bort dessa CD-skivor från cirkulationen, utan att vänta på att de säljs helt innan man rättar till felet. Idag är denna utgåva ett uppskattat samlarobjekt.

I början av 2010-talet nådde vinyl- fenomenet Argentina och skivbolaget Sony Music bestämde sig för att återutge flera eftertraktade klassiker av argentinsk rock i det formatet. Artaud var "spjutspetsen" i denna serie av nyutgivningar, som inkluderade titlar av Soda Stereo , Virus , Charly García och flera av Spinettas band. Serien släpptes den 21 maj 2015 och blev en stor succé, med nyutgåvorna sålde slut inom några dagar. Återutgivningen av Artaud var den överlägset bästsäljande vinylen i gänget. Sony Music Argentinas president Damián Amanto tillskrev detta till det faktum att återutgivningen återgav skivans historiska konstverk, vilket hade gjort originalutgivningen från 1973 till ett av de mest efterfrågade albumen av samlare. Han sa till biografen Sergio Marchi 2019: "Naturligtvis Artaud fler vinylskivor än Ricardo Arjona . [Men också] mer än AC/DC och Beatles. Utöver kvaliteten på hans musik kunde jag inte berätta varför. [ ...] Artaud är helt ur funktion, eftersom Pescado 2 också är en av de mest sålda skivorna, men Artaud överträffar den rejält. Spinetta är en av de mest redigerade artisterna på vinyl genom sina olika formationer, eftersom han har många verk . Och han är en av de bästsäljande i det formatet, om inte den mest."

Arv

Artaud anses vara Spinettas mästerverk , såväl som ett av de mest revolutionerande och inflytelserika albumen inom argentinsk rock, efter att ha betraktats som det största albumet i genrens historia vid flera tillfällen. Eduardo Santos från Noisey beskrev det 2016 som "en av nyckelskivorna i historien om argentinsk och latinamerikansk rock som tack vare den resan mellan det verkliga och det oneiriska som manifesterades i dess nio låtar, ingraverades i musikhistorien. " 2014 beskrev den peruanska tidningen Trome Artaud som det mest inflytelserika albumet av rock en español . Den chilenska tidningen El Ciudadano skrev 2016 att albumet "markerade generationer av artister över hela kontinenten." Efter musikerns död 2012 ansåg författaren Juan Pablo Bertazza att Artaud är det album som "bäst förklarar varför Spinetta höjde den argentinska kulturella nivån". Journalisten Walter Medina reflekterade: "Jag föreställde mig vår kulturhistoria utan Artaud och jag behövde inte större imaginära frånvaro för att nå den totala säkerheten att även med den rikedom som kännetecknar den, skulle historien om argentinsk musik och kultur bli [en helt annan historia] ] utan arbete av [Spinetta]."

En undersökning från juli 1985 av journalisten Carlos Polimeni för Clarín rankade Artaud som det tredje största albumet i den argentinska rockens historia. Bland dess femtio svarande fanns journalisterna Pipo Lernoud, Miguel Grinberg och Víctor Pintos; och musikerna Charly García , Gustavo Cerati , Pappo, León Gieco , Oscar Moro och Litto Nebbia . Albumet omvärderades ytterligare med tiden; och i det 67:e numret av den argentinska upplagan av Rolling Stone , som gavs ut i oktober 2003, skrev Oscar Jalil: "Utanför varje revisionism är Artaud det perfekta verket inom rockkulturen, laddat med pilar riktade mot olika konstnärliga discipliner." År 2007 rankade tidningen det så småningom som nummer ett på sin lista över de "100 bästa albumen av argentinsk rock". I sitt inlägg beskriver Pablo Schanton det som "en befriande kulturell händelse" och "en aura av något som inte kan upprepas [...] Auran av att göra och vara rock på ett mer direkt, mer konstnärligt, mer handgjort och mindre massivt sätt." Den spanska nättidningen Diariocrítico.com inkluderade albumet i 2016 års inslag i "The 20 Best Records of Argentina", med journalisten Sergio Ariza Lázaro som beskrev det som "förmodligen det bästa albumet på den här listan och ett av de bästa rockalbumen gjorda på kastilianska . " Den chilenska tidningen La Tercera rankade Artaud på andra plats i sin 2017 års lista över "De 20 bästa albumen i argentinsk rock".

I boken Los 138 discos que nadie te recomendó från 2017 ansåg författarna Sergio Coscia och Ernesto Gontrán Castrillón att "Cantata de puentes amarillos" "mycket kunde vara en alternativ nationalsång".

Den amerikanska tidningen Al Borde rankade "Todas las hojas son del viento" som nummer 220 på sin 2007 års lista över "The 500 [Songs] of Ibero-American Rock".

Ramón Garibaldo Valdéz och Mario Bahena Urióstegui hävdar att dess utgivning gjorde argentinsk rock till den största dissidentmusikrörelsen på kontinenten.

Claríns Diego Huerta beskrev det 2012 som "ett revolutionärt, kontrakulturellt arbete. "

CONICETs Sergio Pujol ansåg att frisläppandet av Artaud betydde kulmen på en mognadsprocess och frigörelse från kommersiella påfrestningar.

I en intervju 1992 kallade den argentinska rockikonen Charly García Spinetta för ett av sina influenser och på frågan om vilka av hans låtar han skulle vilja ha komponerat svarade han: " Artaud , hela skivan".

I juni 2019 släppte det argentinska skivbolaget RGS ett CD- hyllningsalbum med titeln Artaud: un homenaje a un gran disco (engelska: "Artaud, an homage to a great record"), som replikerar originalkonstverket och inkluderar de nio spåren i samma ordning. , var och en version av en annan artist.

Den 23 januari 2020 firade Google vad som skulle ha varit Spinettas 70-årsdag med en Doodle som, förutom Argentina, dök upp i Österrike, Bolivia, Bulgarien, Chile, Colombia, Ecuador, Tyskland, Island, Italien, Paraguay, Peru, Spanien, Schweiz , Uruguay och Vietnam. Grönt dominerar i hyllningen, till minne av Artauds ikoniska skivomslag.

Lista för spårning

Alla spår är skrivna av Luis Alberto Spinetta.

Sida A
Nej. Titel Längd
1. "Todas las Hojas Son del Viento" 2:12
2. "Cementerio Club" 4:55
3. "Por" 1:45
4. "Superchería" 4:21
5. "La Sed Verdadera" 3:32
Sida B
Nej. Titel Längd
6. "Cantata de Puentes Amarillos" 9:12
7. "Bajan" 3:26
8. "A Starosta, el Idiota" 3:15
9. "Las Habladurías del Mundo" 4:03
Total längd: 36:56

Personal

Krediter anpassade från liner notes av Artaud , om inte annat anges.

  • Luis Alberto Spinetta – kompositör, sång, producent, akustiska och elektriska gitarrer, piano, maracas , cymbal , omslagsdesign
  • Jorge Álvarez – producent
  • Carlos Gustavo Spinetta – trummor i "Cementerio Club" och "Bajan"
  • Emilio Del Guercio – bas i "Cementerio Club", "Superchería", "Bajan" och "Las Habladurías Del Mundo"; bakgrundssång i "Superchería" och "Las Habladurías Del Mundo"
  • Rodolfo García – trummor, cowbell och bakgrundssång i "Superchería" och "Las Habladurías Del Mundo"
  • Norberto Orliac – ljudtekniker
  • Juan Orestes Gatti – omslagsdesign

Diagram

Veckodiagram prestanda för Artaud
Diagram (2022)
Toppläge _
Argentinska album ( CAPIF ) 12

Se även

Anteckningar

Bibliografi

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Artaud_(album)&oldid=1132480217 "