Grahams barn
| Grahams barn | |
|---|---|
 | |
| Konstnär | William Hogarth |
| År | 1742 |
| Medium | Olja på duk |
| Mått | 160,5 cm × 181 cm (63,2 tum × 71 tum) |
| Plats | National Gallery , London |
The Graham Children är en oljemålning färdig av William Hogarth 1742. Det är ett gruppporträtt som visar de fyra barnen till Daniel Graham , apotekare till kung George II . Det yngsta barnet hade dött när målningen var klar.
Ursprung
Målningen var i Richard Robert Grahams ägo , avbildad längst till höger på målningen, åtminstone fram till hans död 1816. Den hade sedan flera ägare innan den förvärvades av Lord Duveen som presenterade den för British National Gallery 1934 .
Sammansättning
Graham Children är ett samtalsverk , ett informellt gruppporträtt av familj eller vänner, ofta engagerade i konversationer eller någon annan typ av aktivitet, även om målningen är större än ett typiskt verk av den typen. Från vänster till höger på bilden syns Thomas, född 1740 och klädd i kjolar som var typiskt för små pojkar tills de fick ridbyxor , Henrietta, Anna Maria och Richard .
Spädbarnsdödligheten i Storbritannien var hög på 1700-talet, även för de rikas barn, och Thomas hade dött innan målningen var färdig. Hogarth använde en studie, troligen avslutad efter Thomas död, som grund för sin bild. Med sina många referenser till döden och tidens gång kan det vara så att målningen är en form av minnesmärke för Thomas.
Barnen är målade i naturlig storlek, omgivna av plyschmöbler och tyger som speglar familjens rikedom. En förgylld fågelbur är upphängd i ett snöre och Thomas sitter i en utsmyckad babyvagn med en fin silverfruktskål vid fötterna. Richard spelar en låt på en fågelorgel och får uppenbarligen fågeln att sjunga.
Den franska rokokon var på sin höjdpunkt på 1730-talet och dess inflytande kan ses i målningen trots att Hogarth inte besökte Frankrike förrän 1743. William Gaunt trodde att Hogarth var mer bekant med nuvarande franska måleri än han gärna ville erkänna. Flickans förkläden bildar serpentin-S , vertikalt hos det äldsta barnet, som slutar när det faller över hennes arm, och horisontellt hos den yngre flickan. En liknande form kan ses i den fallande gardinen till höger. Barnens och kattens huvuden skapar en annan märkbar S-form. Fruktskålen, ett vanligt ämne inom rokokokonsten, har beskrivits som ett "bravurstycke av stillebensmålning" som är otypiskt för Hogarths verk.
teman
David Bindman beskrev The Graham Children som att de hade ett tema värdigt en historiemålning . Hogarth förvandlade vad som kunde ha varit en enkel familjescen, även en med en tragisk kant, till en liknelse om "tidens gång och oskuldens sårbarhet". Bilden leker med tiden med olika delar som rör sig i olika hastigheter. Pojkarna fångas i mittrörelser, som katten och fågeln, medan tjejerna verkar vara helt stilla, så att bilden är både en snapshot av ett flyktigt ögonblick och ett statiskt porträtt samtidigt. Den äldsta, Henrietta, håller i den yngsta handleden, vilket kanske indikerar hennes framtida roll som mamma, men inte hårt och inte heller byter blickar, men inte något av barnen heller. Henrietta tittar istället på åskådaren, vilket visar att hon är medveten om vuxenvärlden som hon snart kommer att ansluta sig till. De andra barnen är dock kvar i barndomens oskyldiga bubbla.
Thomas är fascinerad av de glittrande körsbären som innehas av hans syster, som i kristen ikonografi representerar paradisets frukt och motgiftet mot arvsynden , och för Henrietta symboliserar de utmaningar hon snart kommer att möta när hon går in i vuxen ålder. Anna Maria övar på de danssteg och korta steg som kommer att krävas av henne i samhället, och Richard njuter av finkans musikaliska framträdande. Hans fågelorgan bär en bild av Orfeus från den grekiska mytologin, med hänvisning till människans och naturens tillfälliga harmoni som inte kan bestå. På klockan står en liten bevingad figur med lie och timglas som representerar tidens gång, medan den leende katten tittar på fågeln i bur och hänvisar till livets bräcklighet. En träfågel pryder barnvagnen, som en burfågel som inte kan flyga. De korsade blommorna vid barnets fötter hänvisar till den kristna legenden att rosa nejlikor sprang från jorden på den plats där Marias tårar föll efter att hon såg Jesus bära korset, vilket gjorde blomman till en symbol för moderlig kärlek.
Fågeln som avbildas är en guldfink , som i århundraden hade symboliserat inlösen, lämplig här på grund av Thomas död.
Hogarth inkluderade kvickhet och patos i samma scen genom att djärvt placera rovkatten i ena hörnet och det nyligen avlidna barnet i det andra. Reaktionen från Thomas föräldrar på denna kombination, som kan ha setts som i dålig smak, är okänd. Målningen förblev i Richard Grahams ägo till åtminstone 1816.
Detaljer
Katten och dess byte
Orfeus på fågelorganet
Tid med lie och timglas
Fruktkorgen
Den flyglösa fågeln på babyvagnen
Antecedentia
Graham Children bjöd på jämförelse med Anthony van Dycks The Five Eldest Children of Charles I ( 1637). Båda inkluderade djur för komisk effekt och var noga med att ge varje barn en individuell karaktär. Men medan Van Dyck (1599–1641) fick i uppdrag av kung Charles I att måla kungligheter, var Hogarths porträtt främst av den stigande medelklassen, och han slog aldrig igenom för att bli hovmålare. Till skillnad från Charles I:s barn finns det inget aristokratiskt med The Graham Children , trots deras välstånd, och anspelningen på det tidigare verket kan ha varit ett medvetet försök av Hogarth att smickra sin medelklassklient.
Hogarths målningar av barn
Från omkring 1730-talet utvecklade Hogarth en genre av lekfulla samtalsstycken långt ifrån de storslagna historiemålningar som han verkligen ville producera men som han inte hade några uppdrag för. Han arbetade mot en bakgrund av vad som har kallats en "ny värld" av barndomen där attityden till barn blev mer liberal. Familjegrupper i målning blev mindre formella och började visa föräldrar och barn som åtnjuter fritidsaktiviteter tillsammans. Porträtt av enskilda barn blev vanligare än de hade varit på 1600-talet och idén om barndomens "oskuld" började slå rot baserat på uppfattningen att barnet var ett oförstört blankt blad som förespråkades av John Locke i sin bok Some Tankar angående utbildning (1693). Om barnet nu var oskyldigt förblev bilden produkten av en kommersiell transaktion mellan klienten och konstnären och fortsatte att fylla en social funktion att visa det lyckliga familjeliv och sociala status som kunden åtnjuter. Det stod också i en tradition av porträttmålning av vuxna och barn som hade väl etablerade konventioner.
År 1730 hade Hogarth producerat "före och efter"-paret The House of Cards och The Tea Party där olika mindre missöden inträffade med anknytning till ett korthus och en dockfest. Många ledtrådar i båda verken tyder på ett allvarligare budskap om brutna äktenskapsförhoppningar och förlust, men de fullständiga fakta är inte kända.
Familjen Cholmondeley från 1732 inkluderade också liknande beståndsdelar av en överhängande katastrof när ett lekfullt barn går för att trycka över en hög med böcker medan den äldre generationen sitter vid, frusna, för att återupplivas när böckerna faller. Men i detta arbete är det mamman som ingår trots att hon dött tidigare. Välfyllda bokhyllor kantar bakgrunden som de vuxna kan använda för att civilisera de vilda barnen.
The House of Cards , William Hogarth, 1730. Olja på duk, National Museum Cardiff .
The Tea Party , William Hogarth, 1730. Olja på duk, National Museum Cardiff.
Familjen Cholmondeley , William Hogarth, 1732. Olja på duk, National Gallery, London.
