In-yer-face teater

In-yer-face teater är en term som används för att beskriva en konfronterande stil och sensibilitet av drama som uppstod i Storbritannien på 1990-talet. Denna term lånades av den brittiske teaterkritikern Aleks Sierz som titeln på hans bok, In-Yer-Face Theatre: British Drama Today, som först publicerades av Faber och Faber i mars 2001.

, som är adjungerad fakultetsmedlem i Boston Universitys London - program för journalistik , och medredaktör för TheatreVoice, använder in-yer-face-teater för att beskriva verk av unga dramatiker som presenterar vulgärt, chockerande och konfronterande material på scenen som ett sätt att involverar och påverkar sin publik.

Etymologi

Kungliga Hovteatern

Med avseende på "in-your-face", skrev Aleks Sierz:

Den sanerade frasen "in-your-face" definieras av New Oxford English Dictionary (1998) som något "uppenbart aggressivt eller provocerande, omöjligt att ignorera eller undvika". The Collins English Dictionary (1998) lägger till adjektivet "konfronterande". "In-your-face" har sitt ursprung i amerikansk sportjournalistik under mitten av 1970-talet som ett utrop av hån eller förakt, och sipprade gradvis in i mer mainstream-slang under slutet av 1980- och 1990-talet, vilket betyder "aggressiv, provocerande, fräsch". Det innebär att tvingas se något på nära håll, att få ditt personliga utrymme invaderat. Det tyder på att normala gränser passeras.

Sierz har felaktigt citerats för att ha myntat termen "In-yer-face-teater" och sagt att "Även om jag förvisso var den första som beskrev, firade och teoretiserade denna typ av ny skrift, som dök upp avgörande i mitten av 1990-talet, uppfann inte uttrycket." I sitt stycke "A short history of in-yer-face theatre" beskriver Sierz ett antal tillfällen där frasen användes direkt eller indirekt av andra innan han populariserade etiketten.

1994 beskrev Paul Taylor i sin recension av Philip Ridleys Ghost from a Perfect Place det våldsamma tjejgänget i pjäsen som "den kastrerande trion i ansiktet".

Som svar på att Trainspotting framfördes på Bush Theatre skrev kritikern Charles Spencer att "Du kanske inte gillar dessa in-your-face-produktioner, men de är helt omöjliga att ignorera." Senare samma år, när pjäsen överfördes till West End, anmärkte Jeremy Kingston från The Times att de två föregående produktionerna av pjäsen hade fört "skådespelare inom tum från publiken, och sådan in-yer-face realism".

Under en intervju i november 1995 kommenterade dramatikern Anthony Neilson att "Jag tror att in-your-face-teatern kommer tillbaka - och det är bra." Sierz har uttalat att "så vitt jag vet verkar detta vara det allra första myntet av termen "in-your-face-teater".

Ungefär en månad efter denna intervju började kritikern Ian Herbert använda frasen "in-yer-face" i olika kolumner i publikationen Theatre Record , som han var redaktör för. Sierz påpekade att Herbert "valte den mer direkta "in-your-face"-formuleringen framför den mer stabila "in-your-face"". Efter Herberts skrifter i Theatre Record började frasen användas av andra kritiker och, enligt Sierz, "När Mark Ravenhills Shopping and Fucking öppnade vid Royal Court i oktober 1996, spred sig uttrycket snabbt".

Sierz har uttalat att "idén att skriva en bok om in-yer-face teater ursprungligen var Ian Herberts" eftersom han ursprungligen talade om konceptet till Peggy Butcher, som var dramaredaktör för Faber och Faber . Herbert bestämde sig också för att döpa boken till "In-Yer-Face Theatre" och blev ombedd av Butcher att skriva en disposition för den. Men Herbert var oförmögen att ge en översikt och påstod skämtsamt att "jag insåg att [att skriva] en bok skulle innebära verkligt arbete, något som jag inte är van vid." Sierz säger dock att Herbert "var för upptagen för att börja på en bok" på grund av sina många arbetsåtaganden. Som ett resultat av detta drog Herbert sig ur skrivandet av boken och sa till Butcher att den borde skrivas av Sierz istället eftersom hans "intresse för att skriva nytt vid den tiden gjorde [honom] en självklar kandidat för jobbet". Tidigt under utvecklingen av boken övervägde Sierz att döpa om den till Cool Britannia men Sierz säger att Butcher lade in sitt veto mot detta "med motiveringen att om ett par år skulle ingen ha någon respekt för den etiketten - och hur rätt hon hade." Sierz skrev färdigt boken i januari 2000, och den publicerades av Faber och Faber i mars 2001 under titeln In-Yer-Face Theatre: British Drama Today .

Historia

Aleks Sierz 'fem mäktiga ögonblick'

I sin föreläsning med titeln Blasted and After: New Writing in British Theatre Today citerar Sierz "fem mäktiga ögonblick i 1990-talets historia" som formade teater i ansiktet. Utanför denna föreläsning har Sierz gått in mer i detalj om vikten av dessa ögonblick:

Inflytande från nordamerikanska pjäser och skotsk teater

Sierz citerar först Ian Brown , konstnärlig ledare för Edinburghs Traverse Theatre , som under slutet av 1980-talet började leta efter "provokativa pjäser från Kanada och Amerika" som skulle sättas upp på teatern, nämligen de skrivna av Brad Fraser och Tracy Letts . Brown beskrev sig själv som "en risktagare; jag hade en smak för att göra pjäser som är lite mellan ögonen: de flesta teatrar i London vågade inte sätta upp Brad Fraser[s pjäser] på grund av det explicita könet". Fraser har hyllats av regissören Dominic Dromgoole som "den tidiga profeten, Johannes Döparen från den brutalistiska skolan som blomstrade i mitten av nittiotalet. Många tricks som tröttnade i slutet av nittiotalet, rimningen, sadismen , antikroppar , den sexuella uppriktigheten, den svala ironin inför upprördheten, började med Fraser". Brown utvecklade också "skotskt arbete med skotska skådespelare" som den "provocerande" pjäsen The Life of Stuff från 1992 skriven av "den lokala skådespelaren" Simon Donald . Sierz har sagt att Brown omedvetet "öppnade den långa vägen som ledde till Anthony Neilson, till Mark Ravenhill (som var influerad av kanadensiske Brad Frasers arbete) och till den där 1990-talets ungdomssång, Trainspotting " .

Sarah Kanes arbete ) och att "skotskt dramaförfattarskap [hade] en djupgående effekt […] på känsligheten i ansiktet".

Unga brittiska artister och Philip Ridley

Det andra "mäktiga ögonblicket" som Sierz citerar är Philip Ridleys pjäs The Pitchfork Disney som spelades på Bush Theatre 1991. Sierz har förklarat att The Pitchfork Disney "inte bara är ett nyckelspel från 90-talet; det är nyckelspelet i det decennium... Dess legend växte och växte tills den blev det avgörande inflytandet på den generation av dramatiker som följde. Det är en grundtext, den skiljer då från nu." Sierz fortsätter med att skriva att pjäsen "införde en helt ny sensibilitet i brittisk teater [som] signalerade en ny riktning för samtida dramatiker: en som undvek realistisk naturalism, politisk ideologi och sociala kommentarer, och förvandlade auditorium till sensationsgrytor", tillägger att pjäsen var "ett agendasättande arbete: upplevelseteaterns era började här." Den konstnärliga ledaren för Bush Theatre, Dominic Dromgoole, skrev att The Pitchfork Disney "var en av de första pjäserna som signalerade en ny riktning för nytt skrivande. Ingen politik, ingen naturalism, ingen journalistik, inga frågor. I dess ställe, karaktär, fantasi, kvickhet, sexualitet, hud och själ."

Ridley började skriva pjäsen under 1980-talet medan han var konststudent vid St Martin's School of Art , med pjäsen som utvecklades ur en serie performancekonstmonologer som han hade skapat under sitt sista studieår. Ridley identifierar sig själv som en samtida till Young British Artists (även känd som YBAs). Dessa konstnärer anses ha börjat med Damien Hirsts utställning Freeze 1988 och har beskrivits av Sierz som "konstscenens in-yer-face-provokatörer [vars] Sensation -utställning 1997 var ett oerhört inflytelserik exempel på 1990-talets känslighet. ". Ridley har hävdat att han kände "de flesta människor som fortsatte med att vara med i den kontroversiella Sensation -showen". Även om Ridleys tidiga pjäser producerades år före denna utställning, säger han att hans pjäser delar samma "sensibilitet" som Sensation , särskilt i pjäsens användning av bildspråk. Sierz tillskriver delvis Ridleys originalitet som dramatiker från att han utbildade sig på en konstskola istället för att gå på en dramaskola eller en teaters "nya skrivprogram". Sierz anser därför att nyskrivningens historia under 1990-talet inte borde börja med The Royal Court Theatre, utan "kanske, mer exakt" borde istället titta på "St Martin's College of Art and Goldsmiths College. Kulturellt finns det helt klart ett samband mellan de YBAs, Cool Britannia och Brit Pop ."

Mordet på James Bulger

Ett annat "mäktigt ögonblick" som Sierz tillskriver utvecklingen av in-yer-face-teater är det verkliga mordet på James Bulger , som bara var två år gammal när han bortfördes, torterades och dödades av två tioåriga. old boys 1993. Sierz konstaterar att detta var "utan tvekan en nyckelhändelse" i 1990-talets kultur.

2004 höll dramatikern Mark Ravenhill en föreläsning med titeln "A Tear in the Fabric: the James Bulger Murder and New Theatre Writing in the 1990s". I denna föreläsning förklarade Ravenhill hur Bulgermordet fick honom att göra sitt "första försök att skriva en pjäs". Ravenhill tror att mordet kan ha inspirerat andra dramatiker från 1990-talet: "Jag undrar om jag var ensam? Jag tvivlar på det. Jag undrar hur många andra människor det var som började skriva med den där CCTV-bilden av pojken som leddes bort någonstans i deras huvud? […] Hur många av 1990-talets unga brittiska dramatiker – de så kallade in-yer-face-dramatiker – drevs, medvetet eller omedvetet, av det ögonblicket?

Sierz uppger också att mordet "resulterade i uppmaningar till censur av filmer, tv och konstverk" eftersom "1994 förklarade domaren i pojkrättegången mordet genom att spekulera i att de hade blivit utsatta för en våldsam video", Child's Play 3 ', skapade detta en mediestorm som, skulle jag hävda, är den kulturella kontexten för mediauppståndelsen om Blasted ".

Stephen Daldry på Royal Court Theatre

Sierz citerar programmeringen av den konstnärliga ledaren Stephen Daldry på Royal Court Theatre som ytterligare ett "mäktigt ögonblick" för in-yer-face-teater. Sierz säger att Daldry "inte bara gillade att chockera människor, utan var skicklig på att få finansiering för nya projekt", samtidigt som han var "skicklig på att spela media, han programmerade inte bara provocerande pjäser, utan försvarade dem kraftfullt offentligt". Utnämnd till teaterns konstnärliga ledare 1992, den första pjäsen som Daldry programmerade var Weldon Rising av Phyllis Nagy , som Sierz säger "sända en signal och påverka andra unga författare".

Sierz krediterar en vändpunkt för teatern när Daldry gjorde om sin programmeringspolicy 1994 från att fokusera på amerikanskt arbete och "gay fysisk teater till textbaserat drama [där] han bestämde sig för att iscensätta ett stort antal förstagångsdramatiker". Daldry sa att "från hösten 1994 fördubblade hovet sitt antal nyproduktioner i Teatern på övervåningen och fokuserade på unga författare". Daldrys första säsong av verk av nya författare 1994-95 inkluderade ett antal in-yer-face-pjäser, som Some Voices av Joe Penhall , Peaches av Nick Grosso och Ashes and Sand av Judy Upton .

Sierz noterar att "nyckelspelet" för denna säsong är Blasted av Sarah Kane. Sierz säger att "ett av 1990-talets nyckelögonblick var manusmötet [vid The Royal Court] som beslutade att iscensätta Sarah Kanes Blasted . Även om det var en medveten policy att främja nya skrivande, kan detta möte ha valt att föra vidare Blasted , och historien under resten av decenniet kan ha varit så mycket annorlunda." När Blasted hade premiär var några kritiker så kränkta av pjäsens skildring av fasor (inklusive fysiskt våld, avföring , våldtäkt och kannibalism ) att de kontaktade nyhetskanaler för att uttrycka sin upprördhet. Detta orsakade ett mediafrenzy som resulterade i att pjäsen stod i centrum för den största skandalen för teater sedan Mary Whitehouse försökte stänga Howard Brentons The Romans in Britain 1981 . Sierz säger att "Inom några dagar efter öppningen Blasted den mest omtalade pjäsen på flera år, den hetaste föreställningen i stan. Ganska snart stod det klart att det skulle bli decenniets mest beryktade pjäs". Sierz konstaterar också att "den resulterande mediala furore av pjäsens chockerande innehåll och oroande form satte brittisk ny skrift på kartan", med kontroversen som blev ett "betydande kulturellt ögonblick" och att med Blasted "anlände en ny spännande känsla " . När han var borta på en insamlingsresa till New York kallades Daldry tillbaka till England för att synas på Newsnight och The World at One för att försvara pjäsen mitt i kontroversen. Sierz säger att med detta "insåg Daldry sin nya roll. När han försvarade [Kane] försvarade han sig också och återupptäckte domstolens uppdrag. Ljudet av kontroverser berättade för honom att provokation var rätt metod: såväl som att få in nya publiker , det förnyade hans känsla av identitet. När hovet återupptäckte sina rötter som en kontroversiell teater, blev Daldry impresariot för in-yer-face drama."

Andra anmärkningsvärda in-yer-face-pjäser som The Royal Court programmerade medan Daldry var konstnärlig ledare inkluderar Penetrator (1994) av Anthony Neilson, Mojo (1995) av Jez Butterworth , The Beauty Queen of Leenane (1996) av Martin McDonagh , Shopping and Fucking (1996) av Mark Ravenhill och The Censor (1997) av Anthony Neilson.

Martin Crimps försök på hennes liv

Sierz inkluderade Martin Crimps pjäs Attempts on her Life som ett av de "mäktiga ögonblicken" i utvecklingen av in-yer-face-teater. Sierz framfördes 1997 vid Royal Court och beskrev premiärproduktionen som "en händelse som säkrade [Crimp] rykte som den mest innovativa, mest spännande och mest exporterbara dramatikern i sin generation." Presenterad av Crimp som "sjutton scenarier för teatern", har pjäsen citerats som ett pionjärverk för sin okonventionella form och struktur. Sierz har beskrivit pjäsen som "en postmodernistisk extravaganza som kunde läsas som en serie provocerande förslag för att skapa en ny typ av teater. Receptet var: undergräva idén om sammanhängande karaktär; förvandla scener till flexibla scenarier; ersätt korta meddelanden eller poetisk kluster för text; blanda smart dialog med brutala bilder; iscensätta föreställningen som en konstinstallation. Speltexten anger inte vem som säger vilka rader, men Tim Alberys produktion lyfte fram skärpan och humorn i Crimps författarskap, med dess karaktäristiska ironi , och dess spetsiga kommentarer om meningslösheten i att söka efter en punkt." Sierz har kallat Attempts on Her Life "ett av de mest inflytelserika styckena av samtida teater" och har hyllat pjäsen som "Crimps mästerverk", "den bästa pjäsen på [1990-talet]" och uppgav 2005 att pjäsen "har en goda anspråk på att anses vara en av de allra bästa brittiska pjäserna de senaste 25 åren".

Nedgången av in-yer-face-teater

Mot slutet av 1990-talet förekom ett minskande antal nya pjäser som framfördes i Storbritannien.

I januari 1997 sa Stephen Daldry att "När jag först kom [till det kungliga hovet] fanns det många homosexuella pjäser, sedan kom våldsamma pjäser som Mojo och Shopping och Fucking . Jag känner att trenden är på väg ut nu."

Sierz krediterar tre händelser, som för honom "antydde att strömmen höll på att vända och att en era av konfrontation hade kommit till ett slut", vilket signalerar nedgången för in-yer-face-teater:

Den första är "den enorma framgången med Conor McPhersons The Weir ", som hade premiär på The Theatre Upstairs at The Royal Court 1997 innan den "förflyttades till West End i nästan tre år, sedan Broadway" med "sin biljettkassan" framgång är avgörande för [Kungliga domstolen]-teaterns bräckliga ekonomi". Sierz har sagt att "[pjäsen] - trots det där obehagliga avsnittet om pedofiler i en av spökhistorierna och den känslomässigt fyllda aspekten av den sista berättelsen om att förlora sitt barn - har en mycket förlösande känsla som de flesta "in-your-face" "pjäser har inte" och att pjäsens "onorma framgång tyder på att allmänhetens smak för chock har ersatts av en önskan om en lugnare estetik."

Nästa händelse som Sierz citerar är "misslyckandet med Irvine Welshs chockfest You'll Have Had Your Hole " som "fick välförtjänt fruktansvärda recensioner när den öppnade på West Yorkshire Playhouse 1998 och när den kom till London tidigt februari 1999".

Den sista nyckelhändelsen Sierz citerar är Sarah Kanes död i februari 1999 som han har kallat "en bekväm slutpunkt".

David Eldridge skrev att "Kanske, 'in-yer-face' bara varade från 1994 till 1997", och citerade också The Weir som "signalerande om en förändring av riktning" och påstod att "vid den tid som Ben Elton hånade formen i en roman [ Oförståeligt publicerad 1999] det var över."

Sierz har sagt att "Efter 1999 får du fortfarande individuella pjäser som har den där känsligheten, men det är inte längre normen" som "År 2000 fanns det tecken på att de berusande dagarna av upprördhet var räknade". Sierz har sagt att när hans bok In-yer-face Theatre: British Drama Today publicerades i mars 2001 "förlorar det fräcka fenomenet in-yer-face teater […] inte bara mycket av sin intensitet utan blir också mindre central för den brittiska New Writing-scenen." Han upplever därför att hans bok "oundvikligen är något av en bakåtblick". Men Seirz säger att "även om den nya vågen 2001 har brutit, är en av anledningarna till detta att in-yer-face teater har gjort sitt jobb - den har sparkat ner dörren till självbelåtenhet i teatern, och där den ledde, andra har följt. In-yér-face-författare ger teater publicitetens syre och hjälper till att inspirera den mångsidiga New Writing-kultur som har vuxit fram sedan dess."

2004 var Sierz värd för en debatt om New Writing, som innehöll dramatikerna Mark Ravenhill, Simon Stephens och Richard Bean som paneldeltagare. En publik frågade panelen om de tyckte att in-yer-face-teater "nu inte längre låg i framkant" av nyskriven. Bean svarade med att säga "Jag tror att det är helt sant att saker och ting har gått vidare". Han förklarade hur det inte längre ses som chockerande eller banbrytande att ha sexscener i pjäser, och sa att "Jag antar att det kom en punkt där om du gick till det kungliga hovet och någon tog ut ratten och spottade i handen, och du tänker 'oh here we go again'”. Sierz lade till denna kommentar genom att skämtsamt påpeka hur tidigare "det fanns en tid på 1990-talet att om du inte såg en anal våldtäkt på scenen, bad du om dina pengar tillbaka". Bean påpekade hur hans pjäs Smekmånadssvit från 2004 innehöll "två knullar och en tönt" men kritikerna ansåg att det var en "mycket kommersiell pjäs" och undrade därför varför den "uppfördes på The Royal Courts huvudscener?" Bean ansåg att denna reaktion från kritiker visade hur "uppenbarligen allt sådant grovt beteende nu är helt acceptabelt" i pjäser. Stephens, som har undervisat vid The Royal Court's Young Writers' Programme, svarade på frågan genom att säga att: "Det är fascinerande att nu ge kopior av Blasted till en grupp unga författare i The Young Writers Programme, och de tycker att det är helt främmande och fullständigt tråkigt och fullständigt ointressant. […] De svarar på det med ilska, vilket jag tycker verkligen är stärkande." Han fortsatte med att säga att han trodde att denna ilska mot pjäsen berodde på att "i kölvattnet av [ Blasted och] den första rusningen av mycket starka [in-your-face] pjäser skrevs en förfärlig mängd mindre pjäser av bleka imitatorer så att bilder av anal våldtäkt blev tråkiga och blev en slags signaturer. Och jag tror att de kanske inte skiljer på de människor som är originella med dessa pjäser och deras imitatorer, och de tycker bara att det är lite omotiverat […] inte omotiverat för att det är kränkande, men meningslöst för att det är tråkigt nu."

I en essä publicerad 2008 skrev Sierz att "Även om vissa dramatiker, som Philip Ridley, debbie tucker green och Dennis Kelly , använder några av teknikerna för in-yer-face-teater, har den allmänna scenen gått vidare".

Kritisk kategorisering

Processen att tillägna sig och tillämpa en sådan redan existerande fras eller begrepp för att beskriva nya teaterverk ger ett kritiskt sätt att " kategorisera " eller "märka", och vissa kritiker har sagt, "tämja" eller "domesticera" ("tämja" ) dem. Skapandet av in-yer-face-teater liknar historien om mer allmänt accepterade litteraturkritiska mynt av kritiker som Martin Esslin ( Theatre of the Absurd ), som utvidgade det existentiella filosofiska konceptet Absurd till drama och teater i sin bok från 1961. av den titeln, och Irving Wardle ( Comedy of menace ), som lånade frasen från undertiteln till The Lunatic View: A Comedy of Menace , av David Campton , 1958 recensioner av produktioner av Camptons pjäs och av The Birthday Party , av Harold Pinter , tillämpar Camptons undertext på Pinters verk.

In-yer-face teater har ofta felaktigt kategoriserats som en "rörelse" som Sierz har ifrågasatt:

In-yer-face teater var aldrig en rörelse och jag har aldrig sagt att det var det. Du kan inte skriva under ett manifest, köpa ett medlemskort eller gå med i en marsch till förmån för in-yer-face-teater och eftersom jag aldrig tröttnar på att förklara för de som mejlar mig om det, är in-yer-face-teater inte en egentlig teaterbyggnad och inte heller ett teatersällskap. […] Istället är in-yér-face-teater både en sensibilitet och en serie av teatraliska tekniker.

2002 års konferens

"In-yer-face theatre" debatterades vid en tvådagarskonferens vid University of West of England , som hölls 2002, där Sierz var huvudtalare. Sierz egen rapport om konferensen finns arkiverad på hans hemsida.

I en sammanfattning av konferensens resultat observerar medsammankallarna Graham Saunders och Rebecca D'Monté att Sierz erkände att "in-yer-face-teater" redan 2002 hade blivit ett historiskt fenomen (en trend från det förflutna; alltså passé ) , fortsätter med att säga:

Trots sin titel blev konferensen också ett forum där det aktuella tillståndet för nyskrivning inom brittisk teater diskuterades. David Eldridge såg i öppningstalet många av pjäserna från perioden som ett direkt svar från 'Thatcher's Children' – generationen som hade vuxit upp i en period då den brittiska vänstern verkade splittrad och riktningslös, det kalla kriget eskalerade och fri marknadsekonomi omformade brutalt vårt samhälle och vår kultur. Eldridge varnade för de mytologier och självförhöjande agendor som kan växa fram när författare placeras i "rörelser", och vad han [anspelar på Donmar Warehouse] kallade den nuvarande trenden av "Donmarization" i brittisk teater, där stora Hollywoodstjärnor har rekryterats för att göra en ny pjäs mer välsmakande för publiken.

En annan konferensrapport, publicerad av Writernet , säger: "att vara fjättrad till en specifik era eller genre lägger ett ansvar på en pjäs och skapar förväntningar inför en läsning eller föreställning. I huvudsak stör det den konstnärliga integriteten genom förutfattade meningar om en pjäs eftersom av en förenklad etikett. Pjäser och dramatiker riskerar att annekteras eller "gettoiseras" när de ges ett ytligt monolitiskt fokus."

Writernet tillägger: "Detta problem återspeglades i ett antal tidningar från hela världen, som i första hand utforskade verken av Sarah Kane och Mark Ravenhill genom teoretiska linser av postmodernism , metafysisk teater , Artaud 's Theatre of Cruelty och Lacan . arrangörernas fel – detta var tydligen en korrekt återspegling av konferensbidragen."

Ändå konstaterar denna rapport också att "Till sitt eget försvar föreskrev Sierz att 'in-yer-face' inte var en rörelse, utan en 'arena' eller 'en sensibilitet'", och att "In-yer-face teater beskriver bara en del av verken under 1990-talet." Den noterar dessutom att Sierz "accepterade begränsningarna i sin bok och etiketten, och erkände den som både Londoncentrerad och begränsad i dess omfattning."

Icke desto mindre citerar det " Max Stafford-Clark (grundare av Out of Joint and Joint Stock-teaterbolagen och före detta konstnärlig ledare för Royal Court Theatre och Traverse i Edinburgh )," som "när man frågade om pjäser på 1990-talet," enligt uppgift observerade att "Alla tittar på samma vy, så målningarna måste ha likheter."

Anmärkningsvärda människor

Enligt Sierz, "De tre stora av in-yer-face teater är Sarah Kane, Mark Ravenhill och Anthony Neilson"; i lista 14 "Andra hot shots" i "Vem?" på sin hemsida lägger Sierz till följande kvalifikation: "Naturligtvis skrev en del författare en eller två pjäser i ansiktet och gick sedan vidare. Som alla kategorier kan den här inte hoppas på att helt förstå den ständigt föränderliga verkligheten av den explosiva nya skrivarscenen."

Källor: Aleks Sierz och David Eldridge.

Galleri

Pjäser

Större verk

  • (1991) Pitchfork Disney av Philip Ridley
  • (1992) Den snabbaste klockan i universum av Philip Ridley
  • (1993) The Treatment av Martin Crimp
  • (1993) Killer Joe av Tracy Letts
  • (1993) Penetrator av Anthony Neilson
  • (1994) Spöke från en perfekt plats av Philip Ridley
  • (1994) Butterfly Kiss av Phyllis Nagy
  • (1994) Trainspotting av Harry Gibson, en anpassning från den självbetitlade romanen av Irvine Welsh
  • (1995) Sprängd av Sarah Kane
  • (1995) Mojo av Jez Butterworth
  • (1996) Shopping and Fucking av Mark Ravenhill
  • (1996) The Beauty Queen of Leenane av Martin McDonagh
  • (1997) Försök på hennes liv av Martin Crimp
  • (1997) Censorn av Anthony Neilson
  • (1997) Closer av Patrick Marber
  • (1998) Yard Girl av Rebecca Prichard
  • (1998) Cleansed av Sarah Kane
  • (1998) Real Classy Affair av Nick Grosso
  • (2002) Stitching av Anthony Nielson
  • (2005) Mercury Fur av Philip Ridley

Andra pjäser

Kulturella referenser

I David Eldridges pjäs A Week With Tony från 1996 säger Nicholas karaktär att "Jag blev tagen med till en pjäs i Chelsea och jag blev ganska chockad. Allt ögat och tjafs och inte fem minuter från King's Road !" Detta är troligen en referens till pjäsen Blasted som spelades på Royal Court, som ligger nära King's Road.

I Ben Eltons roman Inconceivable från 1999 säger en karaktär att de såg en pjäs vid Royal Court som heter Fucking and Fucking och säger att "vid Royal Court insisterar de positivt på att ha oförskämda ord i sina [pjäsers] titlar och analsex av slutet av scen ett."

I Simon Grays pjäs Japes rasar Michael Cartts, en medelålders författare, mot en ny typ av författarskap som han beskriver som "in your face". Efter att ha sett en ny pjäs av en ung dramatiker, beskriver Cartts scenkaraktärerna så här:

[De] hade oförskämdheten, nej, hybrisen att uttala de mest skrämmande orden, "Jag älskar dig", [men] vad menade de med dem? De menade "jag har knullat dig och nu måste jag knulla dig igen, och möjligen några gånger till efter det och jag kommer att bli avundsjuk, galen av svartsjuka om någon annan knullar dig" .... Allt de gör är att knulla varandra och allt de pratar om är hur de gör det, och vem de egentligen hellre skulle göra det med eller till - och de döljer det inte i sitt språk .... Inga ord som ens antyder inre liv, inga vänskaper förutom som möjligheter till sexuell konkurrens och förräderi, inga intressen eller passioner eller känslor, som om mannen vore kuken, kuken mannen, kvinnan fittan, fittan kvinnan och det enda syftet med livet att ramma kuk in i fitta, sylt fitta över kuk .... Och du vet - du vet det värsta - det värsta är att de talar grammatiskt. De konstruerar meningar. Bygg dem! Och med lite elegans. Varför? Berätta varför? ( Liten paus .) Jag vet faktiskt varför. Så att verben och substantiven sticker ut — i ansiktet på dig. I ditt ansikte. Det är meningen, eller hur? Det är meningen! I ditt ansikte!

I filmen Venus från 2006 tar den äldre skådespelaren Maurice Russell med sig den unga kvinnan Jessie för att se en pjäs på The Royal Court Theatre Upstairs. Pjäsen innehåller en scen med tre flickor i sena tonåren som talar med varandra med ett tydligt språk. Även om det publicerade manuset skrivet av Hanif Kureishi innehöll svordomar i den här scenen, är dialogen som används i filmen mer explicit, med en replik från en av scenskådespelarna som ändrades från "fån ko" till "dum fitta".

In-yer-face-teater parodieras i ett avsnitt av det mockumentära BBC Radio-programmet Incredible Women . I avsnittet presenterar Jeremey Front en fiktiv radiodokumentär om den kontroversiella teatermakaren Bella Hayman. Hayman, vars utbrytningspjäs var Hysterektomi 5-9-1 , beskrivs som "Les Enfant Terribles från brittisk teater" med "rykte för att iscensätta det oscenerbara eller vad vissa skulle kalla det oöverblickbara" och är "känd för att avvisa och ibland lägga in sjukhus. publik". Jeremey deltar i en pjäs av Haymans som heter Razor F**K , som beskrivs som en "webbplatsspecifik, plattformsoberoende, multimedia, uppslukande upplevelse innehållande starkt språk och explicit våld". Pjäsen visar två manliga skådespelare som är nakna, förutom att de bär hinkar på huvudet, som blir misshandlade av en kvinna i uniform med en bullwhip. Föreställningen har också de nakna skådespelarna som kryper på ett golv översvämmat av scenblod och innehåller en scen där finansministern kastreras . Avsnittet har Maureen Lipman som spelar sig själv som skådespelerska som medverkar i en olycklig West End-revival av Noël Cowards Present Laughter , som Hayman återupptar med scener av våld. Jeremey avslutar dokumentären med att säga att "det råder ingen tvekan om att Bella Hayman är en visionär. En av våra mest innovativa regissörer med enorm stil och ett fantastiskt öga. Det är bara synd att ögat måste skäras ut med en grapefruktsked."

Se även

  • New Drama , en rysk teaterrörelse som ibland liknas vid In-yer-face-teater

Anteckningar

Bibliografi

externa länkar

  • NEW WRITING SPECIAL - Ljudinspelning av föreläsningen som hölls av Aleks Sierz med titeln "Blasted and After: New Writing in British Theatre Today" vid ett möte med Society for Theatre Research, på Art Workers Guild, London den 16 februari 2010.
Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=In-yer-face_theatre&oldid=1139476627 "