Kopior av Vincent van Gogh

*Middag - Vila från jobbet* (efter Millet)
Middag - Vila från jobbet (efter Millet)
Konstnär	Vincent van Gogh
År	1890
Medium	Olja på duk
Plats	Musée d'Orsay , Paris

Vincent van Gogh gjorde många kopior av andras verk mellan 1887 och tidig sort 1890, vilket kan betraktas som approprieringskonst . Medan han var på Saint-Paul asyl i Saint-Rémy-de-Provence, Frankrike, där Van Gogh erkände sig själv, strävade han efter att ha ämnen under de kalla vintermånaderna. Van Gogh försökte återupplivas konstnärligt och gjorde mer än 30 exemplar av verk av några av sina favoritkonstnärer. Ungefär tjugoett av verken var kopior efter, eller inspirerade av, Jean-François Millet . Istället för att replikera försökte Van Gogh översätta ämnena och kompositionen genom sitt perspektiv, färg och teknik. Andlig mening och känslomässig tröst uttrycktes genom symbolik och färg. Hans bror Theo van Gogh skulle kalla styckena i serien för några av hans bästa verk.

Bakgrund

Under vintermånaderna på Saint-Remy hade Van Gogh en brist på ämnen för sitt arbete. Han bodde på Saint-Paul asyl och hade inte den frihet han åtnjöt tidigare, vädret var för kallt för att arbeta utomhus och han hade inte tillgång till modeller för målningar. Van Gogh började kopiera några av andras favoritverk, vilket blev den primära källan till hans arbete under vintermånaderna. Pietà (efter Delacroix ) markerar starten på en serie målningar som Van Gogh gjorde efter konstnärer som Jean-François Millet , Honoré Daumier och Rembrandt . Millets arbete, som i hög grad påverkade Van Gogh, figurerar framträdande i denna serie. Han skrev till Theo om dessa kopior: "Jag började göra dem oavsiktligt och märker nu att jag kan lära av dem och att de ger mig en slags tröst. Min pensel rör sig sedan genom mina fingrar som en båge över strängarna på en violin – helt för mitt nöje."

Flera religiösa verk, som The Pietà, ingick i serien, anmärkningsvärda undantag i hans oeuvre . Saint-Paul asyl, inrymt i ett gammalt kloster, kan ha gett en del av inspirationen för det specifika ämnet. Nunnornas andaktighet irriterade honom ibland, men han fann tröst i religionen. Han skrev: "Jag är inte likgiltig, och fromma tankar tröstar mig ofta i mitt lidande."

Van Gogh-museet hävdar att Van Gogh kan ha identifierat sig med Kristus "som också hade lidit och blivit missförstådd." De ger också vissa forskares gissningar om en likhet mellan Van Gogh och den rödskäggige Kristus i Pietà och Lazarus i kopian efter Rembrandt. Det är dock okänt om detta var Van Goghs avsikt eller inte.

Kopia efter Émile Bernard

Émile Bernard , en konstnär och katolsk mystiker , var en nära personlig vän till Van Gogh. Bernard påverkade Van Gogh konstnärligt på flera sätt. Bernard skisserade figurer i svart, som replikerade utseendet på religiösa träsnittsbilder från medeltiden . Detta resulterade i ett tillplattat, mer primitivt arbete. Van Goghs Crows over the Wheatfield är ett exempel på hur Bernards förenklade form påverkade hans arbete. Bernard lärde också Van Gogh om hur man manipulerar perspektiv i sitt arbete. Precis som Van Gogh använde färg för att uttrycka känslor, använde han förvrängning av perspektivet som ett medel för konstnärliga uttryck och ett medel för att "modernisera" sitt verk.

Som en demonstration av delning av konstnärliga synpunkter, målade Van Gogh en kopia i akvarell av en skiss gjord av Bernard av Bretonsk kvinna . Van Gogh skrev till Bernard om ett utopiskt ideal där konstnärer samarbetade, fokuserade på en gemensam idé, för att nå höjder konstnärligt "bortom den isolerade individens makt". Som ett förtydligande konstaterade han att det inte innebar att flera målare skulle arbeta på samma bild, utan de kommer att skapa varsitt verk som "likväl hör ihop och kompletterar varandra". Bretonskvinnorna av hans kompisar förde sina unika temperament och färdigheter till en enda idé.

Van Gogh skrev till Bernard sin handel med de bretonska kvinnorna till Paul Gauguin : "Låt mig göra det helt klart att jag såg fram emot att se den sortens saker som finns i din målning som Gauguin har, de där bretonska kvinnorna som går i en ängen så vackert komponerad, färgen med sådan naiv distinktion." Gauguin gjorde ett verk, Breton Women at a Pardon, som kan ha inspirerats av Bernards verk av bretonska kvinnor.

Bretonska kvinnor på ängen av Émile Bernard , augusti 1888
Vincent van Gogh , bretonska kvinnor och barn , november 1888, Civica Galleria d'Arte Moderna , Milano , Italien (F1422)

Kopia efter Virginie Demont Breton

Van Gogh målade ett verk av gravyren Man at Sea gjord av Virginie Demont-Breton , dotter till Jules Breton . Hennes gravyr ställdes ut på salongen 1889 . Bilden föreställer, nästan helt i nyanser av violett, en fridfull scen av en mamma som sitter vid en brasa med sin baby i knät.

Her Man is at Sea av Virginie Demont-Breton
The Man is at Sea (efter Demont-Breton), 1889, Privat samling (F644)

Kopia efter Honoré Daumier

1882 hade Van Gogh anmärkt att han fann Honoré Daumiers The Four Ages of a Drinker både vacker och själfull.

Van Gogh skrev till sin bror Theo av Daumiers konstnärliga perspektiv och mänsklighet: "Det som imponerade så mycket på mig vid den tiden var något så starkt och manligt i Daumiers uppfattning, något som fick mig att tänka att det måste vara bra att tänka och känna så och att förbise eller ignorera en mängd saker och att koncentrera oss på det som får oss att sitta upp och tänka och det som berör oss som människor mer direkt och personligt än ängar eller moln." Daumiers konstnärliga talanger omfattade att måla, skulptera och skapa litografier. Han var välkänd för sina sociala och politiska kommentarer.

Van Gogh gjorde Men Drinking efter Daumiers arbete i Saint-Remy omkring februari 1890.

Honoré Daumier , Drickarna , 1862; från Monde Illustré , 25 oktober 1862, under titeln "Physiologie du buveur, les quatre ages" ("Drickarnas psykologi, de fyra åldrarna")
Vincent van Gogh, Men Drinking (efter Daumier), 1890, The Art Institute of Chicago , Illinois (F667)

Kopior efter Eugène Delacroix

Bakgrund

Van Gogh, motiverad av boken The Imitation of Christ som inkluderade skildring av Kristus som en lidande tjänare, arbetade på repriser av Eugène Delacroixs Pieta and Good Samaritan. Istället för att representera "en triumferande Kristus i härlighet", skildrade han Kristus i sin farligaste och mest smärtsamma period, hans korsfästelse och död. När det gäller att fånga scenerna i hans religiösa verk från länge sedan beskrev Van Gogh Delacroix perspektiv på hur man målar de historiska religiösa figurerna: "Eug. Delacroix, när han gjorde en Getsemane, hade varit på förhand för att se hur en olivlund var på plats, och samma sak för havet som piskats upp av en stark mistral, och eftersom han måste ha sagt till sig själv, dessa människor vi känner från historien, doger från Venedig, korsfarare, apostlar, heliga kvinnor, var av samma typ som och levde på liknande sätt som deras nuvarande ättlingar."

Delacroix inflytande hjälpte Van Gogh att utvecklas konstnärligt och få kunskap om färglära. Till sin bror Theo skrev han: "Det jag beundrar så mycket med Delacroix... är att han får oss att känna sakers liv och uttrycket av rörelse, att han absolut dominerar sina färger."

Tabell över målningar

Van Gogh bild	Namn och detaljer	Kommentarer
	Den barmhärtige samariten (efter Delacroix) 1890 Kröller-Müller Museum , Otterlo , Nederländerna (F630)	1889 uttryckte Van Gogh en önskan att göra kopior av målningar, inklusive Den barmhärtige samariten av Delacroix som en lärorik upplevelse.
	Pietà (efter Delacroix), första versionen 1889 Vatikanens samling av modern religiös konst , Vatikanstaten (F757)	Van Gogh gjorde Pietà-målningarna från en litografi av Delacroix målning. Ämnet och kompositionen från originalet finns kvar, men Van Gogh tar med sin egen stil till konstverket. Om Pietà skriver Van Gogh: "Delacroix är en "Pietà", det vill säga den döde Kristus med Mater Dolorosa. Det utmattade liket ligger på marken i ingången till en grotta, med händerna hållna framför sig till vänster. sida, och kvinnan är bakom den. Det är på kvällen efter ett åskväder, och den där övergivna gestalten i blå kläder - de lösa kläderna är upprörda av vinden - är skarpt tecknad mot en himmel där violetta moln med gyllene kanter svävar Också hon sträcker ut sina tomma armar framför sig i en stor gest av förtvivlan, och man ser en arbetande kvinnas goda och robusta händer. Formen på figuren med sina strömmande kläder är nästan lika bred som den är hög. Och ansiktet av den döde mannen är i skuggan - men kvinnans bleka huvud sticker tydligt ut mot ett moln - en kontrast som får dessa två huvuden att verka som en dyster färgad blomma och en blek blomma, arrangerade på ett sådant sätt att de är inbördes för att förstärka effekten."
	Pietà (efter Delacroix) 1889 Van Gogh-museet , Amsterdam , Nederländerna (F630)	Van Gogh-museet berättar hur Van Gogh hastigt började arbeta på Pietà: "Delacroix-litografin La Pietà, liksom flera andra, föll i mina oljor och färger och skadades. Detta gjorde mig fruktansvärt upprörd och jag är nu upptagen med att göra en målning av den, som du kommer att se." Trots att den var fläckad överlevde litografin.

Kopia efter Gustave Doré

Prisoners' Round (efter Gustave Doré) gjordes av Van Gogh på Saint-Paul asyl i Saint-Rémy . Detta verk, liksom repriserna av Eugène Delacroix och Rembrandts verk, framkallar Van Goghs känsla av isolering, som en fängslad eller döende man. Även om det är sorgligt, finns det en känsla av tröst. I ett brev till sin bror, Theo, nämnde Van Gogh att han tyckte att det var ganska svårt att göra det och Men Drinking (efter Daumier) .

Gustave Doré, Newgate Exercise yard , från London: A Pilgrimage av Gustave Doré och Blanchard Jerrold , 1872
Vincent van Gogh, Prisoners' Round (efter Gustave Doré) , 1890, Pushkin Museum , Moskva , Ryssland (F669)

Efter Van Goghs begravning skrev Émile Bernard om studierna runt hans kista: "På väggarna i rummet där hans kropp lades ut hängdes alla hans sista dukar och gjorde en sorts gloria åt honom och briljansen hos det geni som strålade från de gjorde den här döden ännu mer smärtsam för oss artister som var där." Om Doré-repriset sa han: "Fångar som går i en cirkel omgiven av höga fängelsemurar, en duk inspirerad av Doré av en skrämmande grymhet och som också är en symbol för hans slut. Var inte livet så för honom, ett högfängelse som det här med så höga murar - så höga...och dessa människor som går oändligt runt den här gropen, var de inte de stackars artisterna, de stackars förbannade själarna som gick förbi under ödets pisk?"

Kopia efter Keisai Eisen

Medan han bor i Antwerpen bekantar Van Gogh sig med japanska träblockstryck . I Paris Keisai Eisens tryck upp på omslaget i maj 1886 till tidningen Paris Illustré, vilket inspirerade Van Gogh att göra The Courtesan. Tidskriftsnumret ägnades helt åt Japan . Den japanska författaren Tadamasa Hayashi , som bodde i Paris, bekantade parisarna med information om Japan. Förutom att ge information om dess historia, klimat och bildkonst, förklarade Hayashi hur det var att leva i Japan, såsom dess seder, religion, utbildning, religion och dess folks natur .

Van Gogh kopierade och förstorade bilden. Han skapade en ljusgul bakgrund och färgglad kimono . Påverkad av andra japanska tryck lade han till ett "vattenlandskap" av bambu och näckrosor. Grodor och tranor, termer som användes i 1800-talets Frankrike för prostituerade, med en distansbåt pryder gränsen.

En kurtisan, Nishiki-e, av Keisai Eisen
Kurtisanen (efter Eisen) av Vincent van Gogh, 1887, Van Gogh-museet , Amsterdam (F373)

Kopior efter Utagawa Hiroshige

I mitten av 1800-talet öppnade Japan sig för handel och gjorde japansk konst tillgänglig i väster. De japanska tryckeriets verk , Hiroshige och Hokusai påverkade i hög grad Van Gogh, både för det vackra ämnet och stilen med platta färgmönster, utan skugga. Van Gogh samlade hundratals japanska tryck och liknade de stora japanska konstnärernas verk, som Hiroshige, med Rembrandts , Hals och Vermeers verk . Van Gogh utforskade de olika influenserna och formade dem till en stil som var unikt hans egen. De japanska målningarna representerar Van Goghs sökande efter lugn, som han beskriver i ett brev till sin syster under denna period, "Att ha så mycket av detta lugn som möjligt, även om man vet lite - ingenting - säkert, är kanske ett bättre botemedel mot alla sjukdomar än alla saker som säljs på apoteket."

Hiroshige , en av de sista stora mästarna i Ukiyo-e , var välkänd för serier av tryck av berömda japanska landmärken.

Japonaiserie: Blommande plommonträd (efter Hiroshige)

Det blommande plommonträdet tros vara den första av tre oljemålningar gjorda av Van Gogh från Utagawa Hiroshiges japanska träblockstryck. Han använde färg för att efterlikna effekten av skrivarens bläck, som det röda och gröna i bakgrunden och nyansen av grönt på de vita blommorna. Efter att han flyttade till Arles skrev Van Gogh till sin syster att han inte längre behövde drömma om att åka till Japan, "eftersom jag alltid säger till mig själv att här är jag i Japan."

Plommonodlingen i Kameido av Hiroshige
Japonaiserie: Flowering Plum Tree (efter Hiroshige), av Vincent van Gogh, 1887, Van Gogh Museum , Amsterdam (F371)

Japonaiserie: Bridge in the Rain (efter Hiroshige)

Utagawa Hiroshige's Evening Shower at Atake and the Great Bridge träsnitt, som han hade i sin samling, inspirerade Van Gogh för dess enkelhet. Molnbrottet, till exempel, förmedlas av parallella linjer. Sådana tekniker var vördade, men också svåra att utföra när man skapade träblockstämpeln för tryckning. Genom att göra en målning mildrade Van Goghs penseldrag "det japanska träsnittets djärvhet". Kalligrafiska figurer, lånade från andra japanska tryck, fyller ut kanten runt bilden. Istället för att följa färgmönstren i det ursprungliga träsnittet, använde han ljusa färger eller kontrasterande färger.

Kvällsdusch vid Atake och den stora bron, av Hiroshige
Japonaiserie: Bridge in the Rain (efter Hiroshige), av Vincent van Gogh, 1887, Van Gogh Museum , Amsterdam (F372)

Kopia efter Jacob Jordaens

Van Gogh använde Jordaens ämne och komposition för sin tolkning av Cows. En senare konstnär, Edward Hopper, använde också Jordaens kor som inspirationskälla för sitt arbete. Målningen finns på Musée des Beaux-Arts de Lille i Frankrike. Jan Hulsker konstaterar att målningen är en färgstudie av en etsning Dr Gachet gjord av Jordaens målning.

Kor , Jordaens
Kor (efter Jordaens) 1890 Palais des Beaux-Arts de Lille, Lille, Frankrike (F822, JH2095)

Kopior efter Jean-François Millet

Vincent van Gogh , Såningsmannen (efter hirs), 1881, teckning, (F830)

Vincent van Gogh , Såningsmannen, Arles, juni 1888, Kröller-Müller Museum , Otterlo

Bakgrund

"Bondgenren " som starkt påverkade Van Gogh började på 1840-talet med verk av Jean-François Millet, Jules Breton och andra. År 1885 beskrev Van Gogh målningen av bönder som det viktigaste bidraget till modern konst . Han beskrev Millets och Bretons verk av religiös betydelse, "något i höjden". En gemensam nämnare hos hans gynnade författare och konstnärer var sentimental behandling av utblottade och undertryckta. Han höll arbetarna upp till en hög standard för hur dedikerat han skulle närma sig målning, "Man måste ta sig an med tillförsikt, med en viss försäkran om att man gör en rimlig sak, som bonden som kör sin plog... (en som) släpar harven bakom sig. Har man ingen häst så är man sin egen häst. " Med hänvisning till målning av bönder skrev Van Gogh till sin bror Theo : "Hur ska jag någonsin lyckas måla det jag älskar så mycket?"

Van Gogh-museet säger om Millets inflytande på Van Gogh: "Millets målningar, med sina aldrig tidigare skådade skildringar av bönder och deras arbete, markerar en vändpunkt i 1800-talets konst. Före Millet var bondefigurer bara ett av många element i pittoreska eller nostalgiska scener. I Millets verk blev enskilda män och kvinnor heroiska och verkliga. Millet var den enda stora konstnären i Barbizonskolan som inte var intresserad av "ren" landskapsmålning."

Van Gogh gjorde tjugoen målningar i Saint-Rémy som var "översättningar" av Jean-François Millets verk . Van Gogh hade inte för avsikt att hans verk skulle vara bokstavliga kopior av originalen. När han pratade specifikt om verken efter Millet, förklarade han, "det är inte att kopiera rent och enkelt som man skulle göra. Det är snarare att översätta till ett annat språk, det med färger, intrycken av chiaroscuro och vitt och svart." Han gjorde en kopia av The Gleaners (Des glaneuses) av Millet.

Theo skrev Van Gogh: "Kopierna efter Millet är kanske de bästa sakerna du har gjort hittills, och förmå mig att tro att den dagen du övergår till att måla kompositioner av figurer, kan vi se fram emot stora överraskningar."

Tabell över målningar

Hirsbild	Van Gogh bild	Kommentarer
Morgon: Går till jobbet ca. 1858-60 Van Gogh-museet , Amsterdam, Nederländerna	Morgon: Bondepar på väg till jobbet 1890 Hermitage Museum , St. Petersburg , Ryssland (F684)	Millet skapade en serie träsnitt med titeln The Four Hours of the Day (1860) . Denna idé härstammar enligt uppgift från den medeltida "Tidsboken" som ansåg att livet på landsbygden var strukturerat av Guds och naturens rytmer. I detta arbete går mannen och kvinnan till fälten, silhuetterade av morgonsolen. Den enkla kompositionen skildrar hårdheten i deras liv. Van Gogh sa om Millets arbete, "de verkar ha målats med just den jord som de skulle bearbeta."
Middag: Vila 1866 Museum of Fine Arts, Boston	Siestan eller middag - Vila från arbetet 1890 Musée d'Orsay , Paris , Frankrike (F686)	Medan han förblir trogen Millets komposition, använder Van Gogh färg för att skildra den fridfulla naturen av middagsvilan. Användning av kontrasterande färger, blå-violett mot gul-orange ger en intensitet till arbetet som är unikt hans stil.
The End of the Day 1867-69 Memorial Art Gallery vid University of Rochester, Rochester	Man in a Field or Evening, the End of the Day November 1889 Menard Art Museum , Komaki , Japan (F649)	I detta verk avslutar bonden sin dag mot bakgrund av en kvällshimmel. Van Gogh målade livfulla färger av gult och violett i sin unika pointillistiska stil. Medan han märker verket med sin egen stil, förblir han trogen Millets komposition.
Natt 1867 Fine Arts Museum, Boston		Verket skildrar det lyckliga livet för en familj på landsbygden: far, mor och barn. Här verkar bilden badad i gult ljus som den av den heliga familjen . En lampa kastar långa skuggor i många färger på golvet i den ödmjuka stugan. Målningen innehåller mjuka nyanser av grönt och lila. Verket baserades på ett tryck av Millet från hans serie, de fyra tiderna på dygnet.
Första stegen ca. 1858 Lauren Rogers Museum of Art, Laurel, Mississippi	Första stegen 1890 The Metropolitan Museum of Art, New York (F668)	Van Gogh använde ett fotografi av originalmålningen för detta arbete. Istället för livfulla färger använde han här mjukare nyanser av gult, grönt och blått. Bilden föreställer fadern, efter att ha lagt ifrån sig sina verktyg, med armarna utsträckta för sitt barns första steg. Modern leder skyddande barnets rörelse.
The Sower 1850 Museum of Fine Arts, Boston	The Sower 1889 Niarchos Collection, Zürich (F690)	Efter att ha gjort över 30 verk av såmannen, utforskade Van Gogh symboliken med sådd: "Man förväntar sig inte att få från livet det man redan har lärt sig att det inte kan ge; snarare börjar man se tydligare att livet är ett slags sådd. tid, och skörden är ännu inte här." När såmannen kastar frön, ses en annan bonde på en närliggande åker som plöjer åkern. Van Gogh avbildade såmannen i "sin enklaste form" och med färgerna blått, rött, gult, lila och orange, vilket gav liv och mening åt sammansättningen av livets eviga cykler.
The Sower 1850 Museum of Fine Arts, Boston	Såmannen 1889 Kröller-Muller Museum (F689)	Van Goghs uppskattning för Millets arbete härrörde från själfullheten han tillförde verken, särskilt för att hedra böndernas jordbruksroll. Plöjning, sådd och skörd sågs av Van Gogh som symboler för människans makt över naturen och dess eviga livscykler. Kay Larson från New York Magazine skrev om Millets arbete: The Sower, som går som en elementär naturkraft över den kalla, nybrutna jorden, är en sådan ikon att Simon & Schuster använder den som logotyp."
	The Reaper 1889 privatsamling (F688)	I människans behärskning av naturens kretslopp: "såsmannen och vetekärven stod i evighet, och skördaren och hans lie för oåterkallelig död." Om skördaren uttryckte Van Gogh sin symboliska, andliga syn på dem som arbetade nära naturen i ett brev till sin syster 1889: "är inte vi, som lever på bröd, i avsevärd utsträckning som vete, åtminstone inte är det inte. vi tvingas underkasta oss att växa som en växt utan kraft att röra sig, med vilket jag menar på vilket sätt vår fantasi driver oss, och att skördas när vi är mogna, som samma vete?" Van Gogh talade om skördarens symboliska betydelse: "För jag ser i denna skördare - en vag gestalt som kämpar som en djävul mitt i värmen för att komma till slutet av sin uppgift - jag ser i honom bilden av döden, i den meningen att mänskligheten kan vara vetet han skördar. Så det är – om du så vill – motsatsen till den såningsmannen jag försökte göra tidigare. Men det finns inget sorgligt i denna död, den går sin väg mitt på ljusa dagen med sol översvämma allt med ett ljus av rent guld."
	The Reaper with a Sickle 1889 Van Gogh-museet , Amsterdam, Nederländerna (F687)	När det gäller att göra denna målning, och andra av Millets Work in the Field- serien, nämnde Van Gogh att frånvarande modeller var han nöjd med att ha sju av de tio i serien färdigställda.
	Bondekvinna med en kratta 1889 privat samling (F698)
	Bondekvinna som binder kärvar 1889 Van Gogh-museet , Amsterdam , Nederländerna (F700)	I Peasant Woman Binding Sheaves (efter Millet) visar Van Goghs verk att det är vackert för sin enkelhet och uppskattning av naturen. Kvinnans uttryck är dolt för oss och framstår som en av de väntande vetebuntarna. Scenens verkliga fokus är kvinnans böjda rygg.
	The Sheaf-Binder 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam , Nederländerna (F693)
	Bondekvinna som skär halm 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam (F697)
	The Thresher 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam , Nederländerna (F692)
Två män som vänder över jorden 1866 Museum of Fine Arts, Boston	Två bönder gräver 1889 Stedelijk Museum, Amsterdam, Nederländerna (F648)
Vedhuggaren ca. 1853 Musée du Louvren, Paris	Woodcutter 1890 Van Gogh Museum , Amsterdam (F670)
Klippning Får ca. 1852-53 Museum of Fine Art, Boston	The Sheep-Shearers 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam , Nederländerna (F634)
La grande bergère assise Träsnitt, ca. 1874 Olika samlingar	The Shepherdess 1889 Tel Aviv Museum of Art, Israel (F699)	Källan var ett träsnitt (27,3 x 21,9 cm) av Jean-Baptise Millet efter hans bror Jean-François Millet. Dess starka konturlinje var inspirationen till Vincent van Goghs Sorrow .
	Woman Spinning 1889 Collection Sara och Moshe Mayer, Tel Aviv Museum of Art, Israel (F696)
Winter: The Plain of Chailly 1862 Osterreichische Gallerie, Wien	Snötäckt fält med en harv eller plog och harven januari, 1890 Van Gogh-museet , Amsterdam , Nederländerna (F632)	Van Gogh använde Millets verk, och Alfred Delaunays etsning av Millets verk, som inspiration för denna målning. I Van Goghs version lade han till svarta kråkor och gjorde vinterscenen mer dyster, öde och kall. Hans val av färg, komposition och penseldrag gör detta verk unikt till hans eget.
	Två bondekvinnor som gräver i snön April, 1890 Foundation EG Bührle, Zürich , Schweiz (F695)	Van Gogh använde kvinnorna från Millets The Gleaners som inspiration för denna målning av kvinnor som grävde i den frusna snön. Till skillnad från de andra är detta verk inte en bokstavlig översättning av originalmålningen. Den nedgående solen kastar ett varmt sken över snöfälten. Fältets svala färger kontrasterar mot det röda i solen och himlen. Jan Hulsker placerar målningen som en av van Goghs " reminisces of the North ".

Kopior efter Rembrandt

Av Rembrandt lärde sig Van Gogh hur man målar ljus in i mörker. Rembrandts inflytande verkade närvarande en kväll 1877 när Van Gogh gick genom Amsterdam. Han skrev: "marken var mörk, himlen fortfarande upplyst av solens sken, redan gått ner, raden av hus och torn stod ovanför, ljusen i fönstren överallt, allt reflekterades i vattnet." Van Gogh fann Rembrandt särskilt skicklig på sin observation av naturen och uttrycka känslor med stor ömhet.

Det är inte klart om Van Gogh kopierade efter särskilda Rembrandt-verk för sina kopior eller andan i figurerna han porträtterade. Exempel på Rembrandts änglar och Lazarus finns här i illustrativt syfte.

Abraham med tre änglar, Rembrandt
Ängeln som visar sig för herdarna, Rembrandt
Jakob med en ängel, Rembrandt 1659
Halvfigur av en ängel (efter Rembrandt) 1889 (F624)

I Van Goghs version av The Raising of Lazarus (efter Rembrandt) avbildas Kristus symboliskt genom solen för att framkalla trons helande krafter. Kristus refereras vidare på två sätt av miljön och omständigheten. Först, mirakulöst, väckte han Lasarus till liv igen. Den förutsade också Kristi egen död och uppståndelse. Målningen inkluderar den döde Lasarus och hans två systrar. Vitt, gult och violett användes för Lasarus och grottan. En av kvinnorna är i en livlig grön klänning och orange hår. Den andra bär en randig grön och rosa klänning och har svart hår. Bakom dem finns landsbygden av blått och en klargul sol.

I The Raising of Lazarus (efter Rembrandt) trimmade van Gogh drastiskt kompositionen av Rembrandts etsning och eliminerade Kristi gestalt, och fokuserade därmed på Lazarus och hans systrar. Det spekuleras att i deras ansikten kan likheter med konstnären och hans vänner Augustine Rouline och Marie Ginoux upptäckas. Van Gogh hade precis återhämtat sig från en långvarig sjukdomsepisod, och han kan ha identifierat sig med miraklet med den bibliska uppståndelsen, vars "personligheter är karaktärerna i mina drömmar".

Lazarus uppståndelse , av Rembrandt
The Raising of Lazarus, av Rembrandt
The Raising of Lazarus, av Rembrandt
The Raising of Lazarus (efter Rembrandt) av Vincent van Gogh 1890 Van Gogh Museum, Amsterdam, Nederländerna (F677)

Bibliografi

Hulsker, Jan Den kompletta Van Gogh . Oxford: Phaidon, 1980. ISBN 0-7148-2028-8