Solokonsert

En solokonsert är en musikform som innehåller ett enda soloinstrument med melodilinjen, ackompanjerat av en orkester. Traditionellt finns det tre satser i en solokonsert, bestående av ett snabbt avsnitt, ett långsamt och lyriskt avsnitt, och sedan ytterligare ett snabbt avsnitt. Det finns dock många exempel på konserter som inte överensstämmer med denna plan.

Historia

Barock

De tidigaste kända solokonserterna är nr. 6 och 12 av Giuseppe Torellis Op. 6 från 1698. Dessa verk använder både en cykel i tre satser och tydlig (om den är diminutiv) ritornelloform , som den i ripienokonserten, förutom att sektioner för solisten och continuo separerar de orkestrala ritornellorna. Torelli, verksam i Bologna, skulle ha känt till operaariorna och de många sonater och sinfonier för trumpet och stråkar som producerats i Bologna sedan 1660-talet. Han komponerade själv mer än ett dussin sådana verk för trumpet, två daterade i början av 1690-talet. Andra tidiga violinkonserter är de fyra i Tomaso Albinonis Op. 2 (1700) och sexorna i Giuseppe Torellis viktiga Op. 8 (1709 - de andra sex verken i denna uppsättning är dubbla konserter för två violiner).

Den mest inflytelserika och produktiva kompositören av konserter under barocken var venetianen Antonio Vivaldi (1678–1741). Utöver sina nästan 60 bevarade ripienokonserter komponerade Vivaldi cirka 425 konserter för en eller flera solister, inklusive cirka 350 solokonserter (två tredjedelar för soloviolin) och 45 dubbelkonserter (över hälften för två violiner). Vivaldis konserter etablerar starkt tresatsformen som norm. Virtuositeten i solosektionerna ökar markant, särskilt i de senare verken, och samtidigt blir texturen mer homofonisk.

Konserter för andra instrument än fiol började dyka upp tidigt på 1700-talet, inklusive oboekonserterna av George Frideric Handel och de många konserterna för flöjt, oboe, fagott, cello och andra instrument av Vivaldi. De tidigaste orgelkonserterna kan troligen tillskrivas Händel (16 konserter, ca 1735–51), de tidigaste cembalokonserterna till Johann Sebastian Bach (14 konserter för ett till fyra cembalo, ca 1735–40). I det senare fallet är alla konserterna utom förmodligen en arrangemang av befintliga verk, även om Bach redan hade närmat sig idén om en cembalokonsert före 1721 i Brandenburgerkonserten nr. 5.

Klassisk

Den klassiska perioden förde solokonsertens triumf över gruppen eller multipelkonserten, assisterad av den fortsatta framväxten av den virtuosa solisten och den växande efterfrågan på aktuella verk för framförande av amatörer. Den förra trenden framträder tydligast i det stora antalet violinkonserter skrivna av violinister för eget bruk.

Den klassiska perioden bevittnade också uppkomsten av klaviaturkonserten. Fram till omkring 1770 var det föredragna strängade klaviaturinstrumentet vanligtvis cembalo, men det ersattes gradvis av pianot . De viktigaste kompositörerna av klaviaturkonserter före Wolfgang Amadeus Mozart var Bachs söner. I Wien producerades många klaviaturkonserter. De sista decennierna av 1700-talet medförde uppkomsten av resande pianovirtuoser.

Konserterna från denna period visar en bred övergång från barock till klassisk stil, även om många är mer konservativa än samtida symfonier. De flesta är i tre satser, även om en betydande minoritet antar lättare tvåstegsmönster som Allegro-Minuet och Allegro-Rondo. Dans- och rondofinaler är också frekventa i tresatsiga konserter. Dessutom ersattes ritornelloformen i de snabba satserna med sonatformen respektive rondoformen .

Joseph Haydns konserter är till största delen från hans tidiga karriär. Undantag är pianokonserten i D , cellokonserten i D och trumpetkonserten .

Av Mozarts 23 ursprungliga pianokonserter är 17 från hans wienperiod. De är kronan på verket för konserten på 1700-talet. De flesta verk han skrev för Wien är av en typ som Mozart kallade stora konserter. Dessa var avsedda att spelas på hans egna prenumerationskonserter, som hölls i stora salar. De efterlyser en orkester som är mycket större än en typisk dåtidskonsert, särskilt i den utökade roll som blåsarna tilldelas. Orkestern görs fullt kapabel att upprätthålla en dramatisk konfrontation med solistens virtuositet och individualitet. Mozarts tillvägagångssätt i dessa konserter är ofta tydligt symfonisk, både i tillämpningen av formella symfoniska principer, och i ett Haydneskt intresse för tematisk enhet i de senare konserterna. Utbudet av stilar och uttryck är större än för de flesta andra konserter under perioden, från komiska operaelementen i K.467 till den italienska lyriken i K.488, den tragiska karaktären i K.466 och 491 till den Beethovenska hjältemoden av K.503.

Ludwig van Beethovens fem pianokonserter är från ca. 1793 och 1809, och han skrev också ett tidigt konsertantverk för piano och orkester 1784. De är längre än Mozarts konserter och kräver ännu mer virtuositet från solisten. Beethovens violinkonsert (1806) uppvisar liknande prestationer - Mozarts fem violinkonserter är alla tidiga verk skrivna i Salzburg 1775.

Romantisk

Tidiga romantiska konserter inkluderar Mendelssohns två pianokonserter (1831–37) och hans viktiga violinkonsert (1844) och Schumanns konserter för piano (1845), cello (1850) och violin (1853). Formen på dessa verk är övervägande i de klassiska tresatserna. Senare verk i denna form inkluderar exempel av Johannes Brahms (två för piano - nr 1 från 1858 och nr 2 från 1878 som lägger till en fjärde sats - och en för violin från 1878), Edvard Grieg ( piano , 1868), Max Bruch (mest känd hans violinkonsert nr 1 , 1868), och Antonín Dvořák ( piano , violin , cello , 1876–95). I Frankrike representeras denna tradition främst av Camille Saint-Saëns (tio konserter för piano, violin och cello, 1858–1902), i Ryssland av Anton Rubinstein och Tjajkovskij (tre pianokonserter, en för violin, 1874–93).

En mer öppet virtuos trend dök upp i konserterna av briljanta violinister på 1800-talet, inklusive Louis Spohr och Niccolò Paganini och pianisterna Frédéric Chopin (två konserter, 1829–30) och Franz Liszt (två konserter, originalversioner 1839-49). Rörelsestrukturen i de flesta av dessa verk är i den numera konventionella ritornello-sonattypen perfektion av Mozart och Beethoven. Liszts två konserter är dock okonventionella, eftersom den första konsertens fem sektioner är sammankopplade både formellt och tematiskt, och den andra använder en ännu friare sektionsstruktur. Särskilt den första konserten visar inflytandet från sådana kontinuerliga sammansatta former som Webers Konzertstuck och Schuberts Wanderer Fantasy. Den virtuositet som krävdes av alla dessa konserter underlättades av – och bidrog till att stimulera – teknisk utveckling av själva instrumenten.

1900-talet

Många 1900-talskompositioner skrevs i samma stil som 1800-talets romantiska konserter - och ofta med hjälp av dess former och stilar - inklusive konserter av Sergei Rachmaninoff (fyra pianokonserter, 1890–1926), Jean Sibelius ( fiol , 1903), Edward Elgar ( fiol 1909–10, cello 1919), Carl Nielsen (fiol, flöjt, klarinett), Sergei Prokofiev (fem för piano, 1911–32; två för violin 1916–17 och 1935), William Walton (viola, violin, cello ), Dmitri Shostakovich (två vardera för piano, violin och cello), och Francis Poulenc (orgel). Den virtuosa tradition som speglas i dessa konserter är också uppenbar, om än i radikalt originell skepnad, i konserterna av Béla Bartók . Rachmaninov, Prokofiev och Bartók var alla pianovirtuoser.

Kompositörerna av den andra wienska skolan producerade också flera framstående konserter: Alban Bergs kammarkonsert för piano, violin och 13 blåsare (1923–25), inte helt seriell men som innehåller många delar av Arnold Schoenbergs nya system; Anton Weberns Konsert för nio instrument (1931–34), ursprungligen tänkt som en pianokonsert; Bergs viktiga violinkonsert (1935); och Schönbergs egen violinkonsert (1935–36) och pianokonsert (1942).

Den neoklassiska rörelsen under perioden efter första världskriget producerade en lång rad verk som återgick till förromantiska föreställningar om konserten. Igor Stravinskys Concerto for Piano and Winds (1923–24) är i detta formspråk, men hans efterföljande konserter är mer specifikt nybarocka. Hans violinkonsert (1931) består till exempel av en toccata, två arior och en capriccio, och solisten behandlas mer som en medlem av ensemblen än som en virtuos huvudperson. Paul Hindemiths solokonserter (8 för olika instrument, 1939–62) är mer traditionella än Stravinskys i sin behandling av förhållandet mellan solist och orkester. Även om det knappast är nyklassicistiskt i vanlig bemärkelse, Richard Strauss Hornkonsert nr. 2 (1942, skriven cirka 60 år efter hans första) och Oboe Concerto (1945) sträcker sig också tillbaka till en tidigare era och finner nostalgisk inspiration i Mozarts blåskonserter.

En tendens relaterad till det neoklassiska förkastandet av romantiska och traditionella drag är användningen av jazzelement i många 1900-talskonserter. George Gershwin var en pionjär för sådana verk, till exempel i hans Rhapsody in Blue (1924) och Concerto in F för piano (1925). Jazz var en inspirationskälla för Aaron Coplands pianokonsert ( 1926), Stravinskys Ebony Concerto för klarinett och jazzband (1945).

avslutade dragspelsvirtuosen John Serry 1966 sin konsert i C-dur för Bassetti Accordion, som visar upp det breda utbudet av moderna orkestrala tonala kvaliteter som är inneboende i solo Freebas-systemet designat av den italienska instrumenttillverkaren Julio Giulietti.

Legenden om Yushs poet är den första konserten skriven för en skådespelerska av Ehsan Saboohi. "Strukturen av denna "konsert" är en kombination av samtida Naghali (berättar berättelser), talat ord och samtida performancekonst. Skådespelerskan här skapar musikevenemang med röst, kropp och rörelse; lite som en pianokonsert som inte har någon orkester. För mig fungerar Mise-en-scène som en orkestrering av ett stycke.

• Skådespelerskakonsert för soloskådespelerska: Legenden om Yushs poet: Ehsan Saboohi

Vidare läsning

• The New Harvard Dictionary of Music ( ).