Rashid Johnson

Den här artikeln handlar om konstnären. För internen och socialaktivisten, se Kevin Rashid Johnson .

Rashid Johnson
20081202 Rashid Johnson at the Rubell Family Collection.jpg
Johnson 2008
Född 1977
Illinois, USA
Utbildning
Columbia College Chicago School of the Art Institute of Chicago
Ockupation Konstnär
Antal aktiva år 1996-nutid
Make Sheree Hovsepian
Barn 1
Släktingar Chaka Patterson

Rashid Johnson (född 1977) är en amerikansk konstnär som producerar konceptuell post-black konst . Johnson fick först kritisk uppmärksamhet 2001 vid 24 års ålder, när hans verk inkluderades i Freestyle (2001) kurerad av Thelma Golden på Studio Museum i Harlem. Han studerade vid Columbia College Chicago och School of the Art Institute of Chicago och hans verk har ställts ut över hela världen.

Johnson är känd för flera verk i olika medier, inklusive fotografiska verk; airbrush-målningar på spegelplattor; hans serier "Bruise Paintings" och "Surrender Paintings", . Förutom fotografi gör Johnson ljudinstallationer, video och skulptur. Johnson är känd för både sina ovanliga konstnärliga produktioner och för sin process att kombinera olika aspekter av vetenskap med svart historia .

Tidigt liv

Johnson föddes i Illinois av en akademiker och lärd mamma, Dr Cheryl Johnson-Odim, och en veteranfar från Vietnamkriget, Jimmy Johnson, som var konstnär men arbetade inom elektronik. Hans föräldrar skilde sig när han var 2 år gammal och hans mamma gifte om sig med en man av nigeriansk härkomst. Johnson har förklarat att hans uppväxt var baserad på afrocentrism och att hans familj firade Kwanzaa .

Johnson växte upp i området Wicker Park i Chicago, Illinois och Evanston, Illinois , en förort. Han är fotograf som huvudämne och tog en 2000 Bachelor of Fine Arts från Columbia College Chicago och en Master of Fine Arts 2005 från School of the Art Institute of Chicago . Medan han var på School of the Art Institute of Chicago, var en av hans mentorer Gregg Bordowitz .

Johnson följde en generation av svarta artister som fokuserade på den "svarta upplevelsen" och växte upp i en generation som var influerad av hiphop och Black Entertainment Television . På grund av hans generations höga exponering för svart kultur inom popkulturen har hans samtida publik en större förståelse för den "svarta upplevelsen", vilket har gjort det möjligt för honom att uppnå en djupare ras- och identitetsinteraktion.

Hans verk har ställts ut på Art Institute of Chicago ; Whitney Museum of American Art , New York; Metropolitan Museum of Art , New York; Detroit Institute of Arts ; Walker Art Center , Minneapolis; Corcoran Museum of Art , Washington, DC; Institute of Contemporary Photography, New York; Brooklyn Museum of Art , New York; och Museum of Contemporary Art, Chicago .

Karriär

Tidig karriär

Jag pratar vitt , 2003.

Som college junior öppnade han sin första utställning på Schneider Gallery. År 2000 hade han förtjänat ett rykte för sin unika fotoutskriftsprocess och politiska innehåll. Freestyle - utställningen på Studiomuseet 2001 är krediterad för att lansera Johnsons karriär. Kuratorn för showen, Thelma Golden, är krediterad för att ha myntat termen "post-black art" i relation till den utställningen, även om vissa tyder på att termen kan hänföras till boken The End of Blackness från 1995 av Debra Dickerson, som är en favorit av Johnsons. Termen post-black syftar nu på konst där ras och rasism är framträdande, men där betydelsen av samspelet mellan de två minskar.

Johnsons mest kontroversiella utställning hade titeln Chickenbones and Watermelon Seeds: The African American Experience as Abstract Art . Ämnet var en serie stereotypa afroamerikanska matkulturartiklar som vattenmelonfrön , svartögda ärtor , kycklingben och bomullsfrö placerade direkt på fotografiskt papper och exponerade för ljus med en järnreaktiv process.

2002 ställde han ut på Sunrise Museum i Charleston, West Virginia . Utställningen, med titeln Manumission Papers , fick sitt namn efter de papper som befriade slavar var tvungna att behålla för att bevisa sin frihet. Utställningen beskrevs som att vara lika mycket en kulturell kommentar som en bildvisning, och den relaterade till den tidigare "Chickenbones"-utställningen. Han arrangerade geometriskt abstraktioner av fötter, händer och armbågar i former som kuber, kyrkfönster och skepp. Detta betraktades som en studie i rasidentitet eftersom kroppsdelarna inte var identifierbara. Också 2002, när han presenterade sitt fotografiska arbete med kycklingben, ställde Johnson ut på Museum of Contemporary Art, Chicago, som en del av UBS 12 x 12: New Artists, New Work- serien.

2002 ställde han ut sina hemlösa män i Diggs Gallery vid Winston-Salem State University . Utställningen hade titeln Seeing in the Dark och använde delvis upplysta motiv mot djupsvarta bakgrunder. Han ställde också ut sina hemlösa mäns arbeten, inklusive George (1999), i Atlanta, Georgia som en del av National Black Arts Festival på City Gallery East i juli och augusti 2002. George var en del av Corcoran Gallery of Art november 2004 – januari 2005 Common Ground: Discovering Community in 150 Years of Art, Urval ur Julia J. Norrells samling . George and the Common Ground -utställningen dök upp på flera andra platser, inklusive North Carolina Museum of Art 2006.

Han deltog i Chicago Department of Cultural Affairs artist Open Studio Program rotation i Chicago Landmark / National Register of Historic Places Page Brothers Building under sommaren 2003 med en tre veckor lång utställning. Han utforskade "fotografiets historiska och samtida natur". Vid den tiden representerades han av George N'Namdi, som ägde GR N'Namdi, det äldsta afroamerikanskt ägda, utställande kommersiella galleriet i landet.

I samband med Renaissance Society vid University of Chicago ställde Rashid Johnson ut The Evolution of the Negro Political Costume i december 2004. Han presenterade repliker av tre kläder som bars av afroamerikanska politiker. Han inkluderade en dashiki från sena 1960-talet som bars av Jesse Jackson , en löpardräkt från 1980 som bars av Al Sharpton på 80-talet och en affärsdräkt som bars av dåvarande USA:s senator- tillträdande Barack Obama . Presentationen, som bjöd in till inspektion, var lika sannolikt att framkalla humoristisk respons på Jackson dashiki samt kritiska kommentarer om presentationen av politisk klädsel.

Johnson utforskade temat eskapism på Indianapolis Museum of Contemporary Art i en show med titeln The Production of Escapism: A Solo Project av Rashid Johnson . Han tog upp distraktion och befrielse från verkligheten genom konst och fantasi. Johnson använde foton, video och platsspecifika installationer för att studera eskapistiska tendenser genom ofta med ett sinne för humor som gränsade till det absurda.

Karriär efter examen

Den döda lektorsutställningen
Överst: The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Emmett), okänd; Nederst: The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Thurgood), 2008

Under sommaren 2005 deltog han i ett utbytesprogram för konstnärer i Chicago Cultural Center med fem nya samtida konstnärer från Chicago och fem från Kaohsiung , Taiwan . Hälften av de tio var kvinnor (fyra från Taiwan). Som en del av Crossings -utställningen fick nästan alla konstnärer sin första chans att ställa ut i de andras land. I detta forum Chicago Tribune konstkritiker Alan G. Artner att Johnsons ljudval påtvingade hans artisteri på alla andra utställningar eftersom han valde en raplåt kombinerad med en trubbig video. Artner blev en Johnson-belackare 2005 när Johnson hade denna och en annan utställning samtidigt som visas i Chicago. Han beskrev Johnsons utforskning av raspolitiken som "sloganering eller söt självreklam" i sina tvådimensionella verk, och hans opolitiska tredimensionella installationer som "glitande och ytliga" representationer. Han klassificerade Johnsons arbete som mer lämpat för publiken som inte söker något annat än amerikansk popkultur . Artner hånade också Johnsons korta videobidrag till Art Institute of Chicagos Fool's Paradise- utställning som en "blandning av gospelsång med beatboxning ... som inte säger något som är värt att säga om ras." Andra Chicago-kritiker beskriver Johnsons efterföljande arbete som relativt hippt.

Följande år, efter att ha tagit sin magisterexamen, flyttade han till Lower East Side i New York City, där han undervisade vid Pratt Institute . Även om han i allmänhet omnämns som fotograf och ibland skulptör, har han i vissa sammanhang omtalats som konstnär-magiker.

I en ensemble 2006 med titeln Scarecrow ställde Johnson upp ett fotografiskt nakensjälvporträtt i naturlig storlek som var tänkt att vara hotfullt och slitande, men som uppfattades som intressant och underhållande. Hans arbete "Stay Black and Die" sommaren 2007 i The Color Line -utställningen på Jack Shainman Gallery fick en konstkritiker från The New York Times att undra om han såg en varning eller uppmaning. Men samtidigt deltog han i Wadsworth Atheneum Museum of Arts For Love of the Game: Race and Sport in America, som tydligt tycktes ta upp sätt på vilka frågor om ras har ställts och besvarats på amerikanska idrottsplatser.

spelar hans mixade mediaverk, såsom vårutställningen The Dead Lecturer 2008, på ras samtidigt som det minskar dess betydelse genom att leka med motsägelser, kodade referenser och anspelningar (t.ex. The New Negro Escapist Social and Athletic Club (Emmett) , höger). Utställningen beskrevs som "ett fiktivt hemligt sällskap av afroamerikanska intellektuella, en korsning mellan Mensa och frimurarna " som var en utmaning att antingen fördöma eller stödja.

Stig till framträdande plats

The Broken Five (2019) på Metropolitan Museum of Art 2022

I november 2011 utsågs Johnson till en av sex finalister för Hugo Boss-priset . 2012 tillkännagav megagalleriet Hauser & Wirth sin första separatutställning med Johnson på deras Upper East Side-plats i New York.

I april 2012 presenterade Museum of Contemporary Art, Chicago, Johnsons första stora separatutställning på museet i USA, med titeln Message to Our Folks . MCA Pamela Alper Associate Curator Julie Rodrigues Widholm kurerade utställningen i nära samarbete med konstnären. Utställningen var en översikt över de senaste tio åren av konstnärens arbete. Dessutom visades ett nytt verk beställt av MCA för första gången. Utställningen reste sedan till Mildred Lane Kemper Art Museum i St. Louis och High Museum of Art i Atlanta.

År 2021 avtäckte Metropolitan Opera i New York City The Broken Nine, Johnsons tvåpanelsmosaik, keramik och märket trä som beställts för operans inre stora landningar. Samma år lades Johnsons verk till de permanenta samlingarna av Museum of Modern Art och Metropolitan Museum of Art . Han började också sitta i styrelserna för Performa, Ballroom Marfa och Guggenheim-museet .

2022 såldes Johnsons Surrender Painting "Sunshine" (2022) för 3 miljoner dollar, ett rekord för artisten på auktion.

Under det senare 2010-talet tog Johnson upp idén om mental hälsa i flera serier av verk, nämligen Anxious Men and Anxious Audiences och Broken Men .

Filmkarriär

Johnson gjorde sin regidebut med Native Son , en filmatisering av Richard Wrights hyllade roman från 1940 med samma namn. Det tillkännagavs 2018 att Johnson hade anlitat dramatikern Suzan Lori-Parks för att anpassa romanen till ett manus och kastat Ashton Sanders i huvudrollen som Bigger Thomas. Filmen producerades av A24 och hade premiär på Sundance Film Festival i januari 2019. HBO Films förvärvade filmen timmar före premiären. Det kritiska mottagandet av filmen var blandat. Richard Roeper gav filmen betyget 3/4 stjärnor och noterade skådespelarnas "elektriska" prestationer. Troy Patterson skrev i New Yorker att filmen led av "intelligent brottning med en klassisk text" som i slutändan är "föråldrad". Jennifer Vineyard skrev i New York Times att filmen "inte är ett mästerverk" utan "har mycket att beundra", med hänvisning till dess "slående visuella kompositioner", "spänd atmosfär" och "Sanders nyanserade prestanda". Recensionssajten Rotten Tomatoes ger filmen ett betyg på 61 %, baserat på recensioner från 51 kritiker, och ett genomsnittligt betyg på 6,10/10, med den allmänna konsensus som anges enligt följande: " Native Sons kamp med dess problematiska källmaterial är ojämnt men överlag övertygande, till stor del tack vare Ashton Sanders beredda arbete i den centrala rollen." Johnson vann "Outstanding Directoring in a Motion Picture (Television)" vid 51:a NAACP Image Awards för sitt arbete med Native Son.

Tekniker och processer

"Jag var väldigt stolt när Barack fick nomineringen, ... Men jag var inte stolt över svarta människor - jag var lite stolt över vita människor."

—Rashid Johnson, kommenterar post black -konceptet i samband med att hans land valde sin första afroamerikanska president?

Johnson använder "alkemi, spådom, astronomi och andra vetenskaper som kombinerar den naturliga och andliga världen" för att förstärka den svarta historien . Enligt en Columbia College Chicago- publikation arbetar Johnson i en mängd olika medier med fysiska och visuella material som har oberoende konstnärlig betydelse och symbolik men som förstärks av deras kopplingar till svart historia. Enligt kulturpublikationen Flavorpill utmanar han sina tittare med fotografi och skulptur som presenterar skapandet och spridningen av normer och förväntningar. Chicago Tribune beskriver dock produktionerna från hans processer som att de saknar komplexitet eller djup. Seattle Post-Intelligencer- författaren Regina Hackett beskrev Johnson som en konstnär som undviker svarta människors kamp och utforskar deras styrkor, samtidigt som han sätter in sig själv som subjekt i sina "estetiska strävanden" genom en mängd olika forum.

Johnson har fått nationell uppmärksamhet för både sitt ovanliga ämne och för sin process. Förutom porträttfotografering är Johnson känd för sin användning av en 1800-talsprocess som använder Van Dyke brown , ett transparent organiskt pigment , och exponering för solljus. Han uppnår en målerisk känsla med sina tryck med applicering av pigment med breda penseldrag. Han använder en 8 x 10 tum (20 x 25 cm) Deardorff , som tvingar honom att interagera med sina motiv.

Hans användning av sheasmör och kakel i hans respektive skulpturala och mosaikverk har betydande betydelse för Johnson. Den förra är en "betecknare av afrikansk identitet", medan den senare har en mer personlig anknytning till honom. Som student blev ett ryskt och turkiskt Bathouse en tillflyktsort, där han såg de vita plattorna som en duk. Han skulle till och med ta med sig sin tilldelade läsning där.

Privatliv

Johnson är gift med artisten Sheree Hovsepian . De bor i New York City och har en son.

Utmärkelser

  • 2012: David C. Driskell-priset

Utställningar

Johnson har arrangerat ett flertal separatutställningar på museer och gallerier i USA och internationellt. Hans anmärkningsvärda soloshower inkluderar The Rise and Fall of the Proper Negro (2003), Monique Meloche Gallery, Chicago ; The Production of Escapism (2005), Indianapolis Contemporary ; Smoke and Mirrors (2009), SculptureCenter , New York ; Rashid Johnson: Message to Our Folks (2012-2013), med ursprung på Museum of Contemporary Art, Chicago ; The gathering (2013), Hauser & Wirth , Zürich ; Anxious Men (2015), Drawing Center , New York; Provokationer: Rashid Johnson (2018), Institute for Contemporary Art, Richmond , Virginia ; och The Crisis (2021), Storm King Art Center , New Windsor, New York .

Han har också deltagit i många grupputställningar, inklusive Freestyle (2001), Studio Museum i Harlem, New York; IBCA 2005 , Prag ; ILLUMInations (2011), 54:e Venedigbiennalen ; Shanghai Biennale (2012); Utsikt. 4: The Lotus in Spite of the Swamp (2017), Prospect New Orleans ; och Liverpool-biennalen (2021).

Anmärkningsvärda verk i offentliga samlingar

Hämtad från " https://sv.wikipedia.org/w/index.php?title=Rashid_Johnson&oldid=1139133533 "