Yukinori Yanagi

Yukinori Yanagi
柳幸典
Född	( 1959-05-02 ) 2 maj 1959 Fukuoka , Japan
Utbildning	Yale universitet
Anmärkningsvärt arbete	The World Flag Myr Farm , Inujima Seirensho Art Museum
Utmärkelser	Aperto-priset vid den 45:e Venedigbiennalen
Hemsida	http://www.yanagistudio.net/

Yukinori Yanagi ( 柳幸典 , Yanagi Yukinori , född 1959) är en samtida japansk konstnär.

Yukinori Yanagi är en samtida japansk konstnär som har tagit upp teman som nationell och transnationell suveränitet , globalisering och gränser , såväl som Japans imperialistiska historia och nationalism . Han anses vara en av de första efterkrigstidens japanska konstnärer som är öppet kritisk till det japanska samhället och regeringens politik. Många av Yanagis konstverk består av storskaliga, platsspecifika installationer som engagerar sig i rörelse och symboler för nationalism .

Yanagi har ställt ut sina konstverk brett i Japan och USA , och blev bland de första utländska konstnärer bosatta i New York som blev inbjuden att ställa ut på Whitney Biennalen, tillsammans med Cai Guo-Qiang, år 2000. Hans konstverk finns i museisamlingar som t.ex. som Museum of Modern Art (USA), Tate Modern (UK), Virginia Museum of Fine Art (USA) och Fabric Workshop and Museum (USA). Hans vision för revitaliseringen av ön Inujima aktualiserades som Inujima Seirensho Art Museum 2008, en permanent, sexdelad konstinstallation som har blivit en integrerad plats för Setouchi International Art Triennale .

Tidigt liv och utbildning i Japan

Tidigt liv

Yanagi är född och uppvuxen på landsbygden i Fukuoka, Japan. Att växa upp i prefekturen närmast den koreanska halvön tillät Yanagi att växa upp med en tydlig medvetenhet om existensen av andra nationer och kulturer. Han har talat om sina barndomsupplevelser av att plocka upp "vardagsföremål" märkta med koreansk hangul som hade sköljt upp på stranden från Japanska havet som början på hans långsiktiga intresse för transpacific och transnationella gränser och rörelse.

Liksom många japaner i hans generation var Yanagis familj en del av Empire of Japans krigsinsats i Stillahavsområdet . En medvetenhet om denna familjehistoria har informerat konstnärens verk: hans far var stridspilot, och hans farfar arbetade med gränskontroll i Japans tidigare koloni Manchukuo och fängslades i mer än ett decennium i Sibirien och Kina efter Japans kapitulation . I sitt konstverk tar Yanagi hänsyn till kontinuitet och mångfald med hänsyn till sin egen position och den japanska nationens plats i denna tumultartade historia.

växte upp på 1960-talet innan de utbredda videospelen utvecklades , innebar Yanagis barndomsaktiviteter att leka med insekter på landsbygden, särskilt myror och påsmaskfjärilar , och skapa saker av olika material som betong och vax från en järnaffär som ägdes av en av hans släktingar. Dessutom var Yanagis farbror avantgardekonstnären Miyazaki Junnosuke, en medlem av Kyushu-ha , vilket innebar att Yanagi var van vid att se konstnärliga föremål och skulpturer från en tidig ålder.

Utbildning och tidig karriär i Tokyo

Yanagi tog både en BA och MFA i målning från Musashino Art University i västra Tokyo (1985).

Han var intresserad av konstnärer från Mono-ha- generationen, särskilt av Noriyuki Haraguchis industriella skulpturer, och blev allt mer rastlös inom konventionerna för universitetets målaravdelning. Trots att han fick veta att examensarbete måste begränsas till platta verk och oljefärg, skapade Yanagi en skulptur av trästöd och uteslöts därefter från examensarbetets utställning på Metropolitan Museum of Tokyo. Till sin första separatutställning året därpå brände han alla konstverk han gjorde på konstskolan och ställde ut askan i stora trälådor som installationen Ground Transport Project (1985). Det var i denna installation som Yanagi först inkluderade elementet av levande myror, en egenskap som han blev känd för under hela 1990-talet.

Från 1986 började Yanagi ställa ut konstverk som behandlade frågor om "rörelse" från en utomståendes perspektiv av konstvärldens system. Detta inkluderade hans installation Ground Transposition (1987) som inkluderade stora, sfäriska skulpturer som var skalade till den mänskliga formen i förhållande till proportionerna till storleken på dyngbaggar och dyngbollen som de rullar som en del av sin ekologi. Den proportionella skalningen var en referens till den forntida egyptiska symboliken med dyngbaggen som en "solens förvaltare" med uppgift att fysiskt trycka solens tyngd över himlen varje dag, vilket för Yanagi var en direkt referens till den uppgående solen på den japanska flaggan och tyngden av japansk nationalism som konstnären kände. I slutet av 1980-talet ställde Yanagi ut sina verk på olika gallerier i Tokyo , Kanagawa och Fukuoka , inklusive en framstående separatutställning som hölls på Hillside Gallery i Daikanyama , där han utförde ett rökigt performanceverk med titeln I Feel Yellow (1987). Han tilldelades Excellence Award in Art Document från Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts 1987.

Flytta till USA

Trots den lovande banan för sin konstkarriär i Tokyo efter sin examen, blev Yanagi alltmer desillusionerad av den japanska konstvärlden, och beskrev sin känsla av att "vara instängd i en gigantisk japansk flagga, i en bur, uppslukad av nationell identitet." Konstnären flyttade till USA 1988 för att få en MFA från Sculpture Department vid Graduate School of Yale School of Art (1990), där han studerade under Vito Acconci och Frank Gehry , bland andra.

På Yale började Yanagi utöka sitt engagemang med japansk nationalism och historia efter att ha haft möjlighet att läsa verk av framstående japanska intellektuella före kriget som Nishida Kitarō och Kuki Shūzō , såväl som texter och dokument från eller om Stillahavskriget som var svårtillgänglig i Japan men tillgänglig i USA. Dessa studier gjorde det möjligt för den unga konstnären att få en mer fullständig bild av andra världskriget och ifrågasätta utelämnandet och identitära berättelser om både japanska och amerikanska perspektiv på deras nationella krigstidshistoria. Han började engagera sig på allvar med idén om att " vandra som en permanent position ", skapa konstverk för att lösa upp fixiteten hos symboler förknippade med nationer och regioner, och försökte redogöra för de förändringar som sker genom tid och omständigheter.

Myror och nationsgränser – sent 1980-1990-tal

Konstverk från Yale University, 1988–1989

Under det första året av sin MFA vid Yale University började Yanagi tänka på figuren av den vandrande myran som en mångfacetterad allegori för transnationell rörelse. Han började regelbundet införliva insekterna i sina konstverk, ett levande element som blev symboliskt för Yanagis verk från 1990-talet. Han tänkte på myrkolonin som ett perfekt organiserat kommunalt samhälle - exemplariskt å ena sidan av en blind lydnad, men också reflekterande av ett ostoppbart ekosystem av fungerande delar som kunde överträffa och avveckla alla begrepp om nationella gränser eller gränser .

Yanagi kom med Ant Following Plan (1988) i slutet av sin första termin, där han spårade en enstaka myras vandrande rörelser på det mörka golvet i hans mestadels tomma studioutrymme på 5 gånger 9 meter med tjockt rött krita. Kort efter debuterade han American Flag Ant Farm (1989), som han skapade från en farbror Miltons leksaksmyrfarm genom att lägga till en extra panel med färgad sand för att framstå som den amerikanska flaggan . De "vandrande" myrorna skapade tunnlar som sönderdelade flaggans stjärnor och ränder, överlagrade makro- och mikroelement (nation vs myra) för att demontera och kritisera varaktigheten av symbolen för amerikansk nationell enhet.

Dessa tidigare verk skulle visa sig vara mycket effektfulla och informera mycket om Yanagis verk för de kommande tio åren. Han fortsatte att arbeta på och utöka sin "Ant Farm Series" från 1990-2002. Han tog också upp "myraföljande"-tekniken igen 1994 för sin pågående serie " Wandering Position" (1994–Present) där han utför platsspecifika live-spårningar av en vandrande myra ( San Diego, Kalifornien 1994; Alcatraz, Kalifornien , 1996; Anomaly Gallery, Tokyo , 2021). Han använder också denna teknik för att skapa mer konventionella verk för traditionella galleriutrymmen på storformat papper och kopparplåtar .

Efter sin examen från Yale flyttade Yanagi till New York där han började arbeta internationellt.

World Flag Ant Farm (1990)

1991 ställde Yanagi ut World Flag Ant Farm (1990) på Los Angeles LACE ( Los Angeles Contemporary Exhibitions ) i en av de framstående separatutställningarna som startade hans internationella karriär. World Flag Ant Farm var en storskalig installation som bestod av 180 nationella "flaggor" som representerade medlemmarna i Förenta Nationerna vid den tiden. Varje "flagga" var gjord av en plastlåda fylld med färgad sand i flaggans mönster. De är sammankopplade med plaströr när de hängde på väggen. Som titeln antyder fungerade hela konstverket som en mängd sammankopplade myrkolonier som kunde ses genom plasten av publiken. När de små insekterna tunnlade genom varje flagga och förde färgade sandkorn till andra områden, blandades färgerna och tecknen på nationell enhet och började lösa upp de individuella flaggorna, vilket skapade en suddig bild av en enda, mer tvetydig flagga.

World Flag Ant Farm togs emot väl och Yanagis tillvägagångssätt ansågs vara "ikoniskt" särskilt i samband med slutet av det kalla kriget och den stigande globaliseringen och postkoloniala studier , även med på omslaget till den internationella konsttidningen Art in America , trots att också möter hård kritik från djurrättsaktivister. Myrornas ständiga "vandrande" genom varje nationell symbol var ett exempel på Yanagis pågående engagemang i globaliseringens ofta förvirrade processer, korsningen av transnationella gränser, folkens diasporiska rörelser och den yttersta prekariteten av nation, ras och identitet . Yanagi har sagt att han personligen identifierar sig med stycket, att det är relaterat till "gränserna jag har behövt passera eller barriärer som jag har konfronterats med när jag försökte definiera mig själv som en japan." World Flag Ant Farm ställdes ut på den 45:e Venedigbiennalen 1993, där Yanagi blev den första japanska konstnären som tilldelades Aperto-priset som en framväxande konstnär. 1992, med hjälp av Asian Cultural Council , blev Yanagi inbjuden till International Studio Program på PS1 Contemporary Art Center i New York .

Detta konstverk markerade mognaden av Yanagis idé om myrfarm och början på en lång serie Ant Farm-projekt där kolonier av myror långsamt skulle lösa upp symboler för nationalism , inklusive flaggor , valuta och amerikansk konst. World Flag Ant Farm (1990) finns i samlingen av Benesse House, Naoshima Contemporary Art Museum, Naoshima .

Ant Farm Project- serien (1990–2002)

Yanagi producerade många fler flaggbaserade myrfarmsprojekt med en mängd olika geopolitiska kombinationer under åren efter sin debut av World Flag Ant Farm (1990), medan han bodde i New York men reste till Japan regelbundet. Några av de största installationerna av myrfarm han gjorde efter World Flag Ant Farm inkluderar: The World Flag Ant Farm 1991 -Asien- (1991); Amerika (1994), som förbinder alla nationer i Nord- och Sydamerika; Asien-Stillahavsområdet Ant Farm (1995); och Eurasia (2001). Några av de mer politiska verk som han producerade inkluderade: The 38th Parallel (1991) som förbinder Nord- och Sydkorea ; Pacific - the Ant Farm Project (1996), som förbinder Japan och USA; Union Jack Ant Farm (1994), som omfattar det tidigare brittiska imperiet ; DMZ (1995) som förbinder Nord- och Sydkorea och en tvetydig zon mellan dem som anspelade på DMZ ; och 2 Kina (1997), som förbinder Kina och Taiwan .

Pacific - the Ant Farm Project (1996) fick särskilt genomslag i konst och akademiska kretsar och finns nu i Tate Museums samling. För att skapa den inkluderade Yanagi inte bara länderna som gränsar till Stilla havet , utan också de nationer som en gång hade kolonier i Stilla havet, såväl som inhemska grupper som maorierna på Nya Zeeland som fortfarande inte har återfått suveräniteten över sina territorier. Som sådan utmanade arbetet "neutrala" regionala historier och symboler för suveränitet, istället för att engagera sig i historien om våldsamma strider i Asien och Stillahavsområdet .

Pengarserien (1999–2002)

Under det senare 1990-talet började Yanagi också skapa myrfarmprojekt som engagerade sig i en mängd olika nationella valutor och skapade installationer med storskaliga motiv av amerikanska, japanska, europeiska och andra sedlar . Några verk inkluderar In God We Trust (1999), Dollar Pyramid (2000), Yukichi KV644955H (2002) och Euro Circuit (2002). Euro Circuit bestod av 12 myrkolonienheter , en för att representera det högsta värdet av kontantvalutan för varje land som ursprungligen gick med i Europeiska unionen . När myrorna tunnlar genom installationen löses de särskiljande valutorna gradvis upp till en "universell" sedel, vilket visar Yanagis reflektioner över möjligheterna för en värld som blir mer och mer transnationell.

Imperialistisk symbolism och artikel 9 – 1990-talet

Hinomaru -serien (1990–1992)

Från början av 1990-talet producerade Yanagi också en serie skulpturer och platsspecifika installationer som syftade till att dekonstruera den nationalistiska ideologin i det moderna Japan genom motivet Hinomaru , eller den japanska flaggan . Det första av dessa verk, Hi-no-maru 1/36, producerades för hans första separatutställning i New York på det alternativa utrymmet STOREFRONT for Art and Architecture 1990. Hi-no-maru 1/36 (1990) designades med hänsyn till STOREFRONTs unika, triangulära utställningslokal. Yanagi, placerad i ett 10-delat radiellt hörn, skapade en oändlighetsspegel med reflektioner på motsatta väggar av vinklade speglar för att skapa illusionen av en röd cirkel med strålar, en direkt referens till flaggan som antogs av den japanska kejserliga armén under Stillahavskriget . Detta verk visades tillsammans med American Flag Ant Farm (1989), och blev en debut i New York som visade Yanagis pågående engagemang med de nationella gränsernas instabilitet och hans egen "fångning inom rörlighet."

Ett särskilt hyllat stycke från denna serie är Banzai Corner (1991). För detta arbete arrangerade Yanagi rader av röda Ultraman och Ultra Seven leksaksfigurer i en båge med deras kroppar vända mot ett spegelvänt hörn för att skapa bilden av en röd cirkel. Leksakernas uniformer skapar en illusion som återigen anspelar på de strålande strålarna från det japanska imperiets militärflagga. Varje karaktär har noggrant arrangerats så att dess högra arm höjs i luften för att antyda en segerrik "Banzai" till beröm av hinomaru, men tittarna kan se att figurerna i verkligheten bara firar sin egen reflektion. Yanagis användning av Ultraman- och Ultra Seven-figurer för detta konstverk har tillskrivits Okinawa -identiteten hos karaktärens skapare, Tetsuo Kinjō, som växte upp under den amerikanska ockupationen av Okinawa . För Yanagi hänvisar idén om alienation och annanhet i Japan inte bara till främmande nationer, utan också "till människor som bor i Japan - koreanska , kineser , infödda Ainu och Okinawaner ."

Yanagi producerade också ett neonverk i skyltstorlek, Hinomaru Illumination (1992) som ställdes ut på hans separatutställning på Benesse House, Naoshima Contemporary Art Museum, Kagawa 1993; Art Market Fuji Television Gallery 2001; som det centrala fönsterkonstverket för den avgörande utställningen "Japanese Art After 1945: Scream Against the Sky" på Guggenheim Museum SoHo 1994; såväl som igen på hans separatutställning "Akitsushima" på Hiroshima City Museum of Contemporary Art 2001. Detta neonverk är visuellt relaterat till andra japanska neo-popkonstnärer från början av 1990-talet, men det avslöjar också "den svaga grunden för nationella illusion” av nationella symboler som utnyttjas när det passar – en symbol som kan slås på och av efter behag. Till exempel, för Amaterasu och Haniwa (1993) ställdes neonflaggan ut i samband med Shinto-solgudinnan Amaterasu , tillsammans med haniwa-lerfigurer som hänvisar till Kofun- eller Yamato-perioden som har förknippats med japanskt kulturellt ursprung. Dessutom skapade Yanagi för Hinomaru Container (1992) ytterligare ett utrymme av speglad illusion i en fraktcontainer formad som en uråldrig tumulus ( kofun ) men kumulerad med en bruten neon Yen-symbol (¥), som kritiserade sammanblandningen av konsumentism och identitet.

Chrysanthemum Carpet (1994)

Yanagi problematiserade uttryckligen Greater East Asian Co-Prosperity Sphere och dess arv i sitt verk The Chrysanthemum Carpet (1994), som först ställdes ut på Yanagis separatutställning på Peter Blum Gallery i New York 1995. Konstverket består av en stor, röd matta designad för att se ut som ett japanskt pass . Den inkluderade en kontur av varumärket krysantemumblomman som är Japans kejserliga sigill , men med endast ett av dess gyllene kronblad fäst och de återstående 15 utspridda runt mattans vidd. Svart text som vävts in i mattan framträder skarpt mot den röda bakgrunden och läser "han älskar mig, han älskar mig inte" på språken i de asiatiska länder som en gång dominerades av Japan under den utropade Greater East Asian Co-Prosperity Sphere . På undersidan av mattan, dold från synen, skrev Yanagi in texter från tre distinkta delar av den japanska konstitutionen : Artikel 19 (Tankefrihet), Artikel 20 (Religionsfrihet) och Artikel 21 (Yttrandefrihet, pressfrihet och uttryck). Förutom att direkt konfrontera debatten om nationell minnesförlust och historisk revisionism angående krigsperioden, genom att ställa den synliga imperialistiska symbolen tillsammans med de obstruerade demokratiska konstitutionella garantierna som göms nedan, pekade Yanagis installation på de strukturella motsättningarna i Japans modernisering. Meiji -konstitutionen som markerade Japans framväxt som en modern nationalstat både återställde det japanska kejsarsystemets absolutism såväl som etablerade en demokrati , och dessutom etablerades Japans efterkrigskonstitution av de amerikanska ockupationsstyrkorna . Konstnärens val att hindra de demokratiska principerna från insyn på undersidan av mattan anspelar på den subtila kontinuiteten i det japanska kejsarsystemets överlevnad, även under efterkrigstiden.

I utställningsutrymmet ledde Yanagis röda matta till ett fotografi från ockupationstiden av SCAP - generalen Douglas MacArthur stående tillsammans med kejsar Hirohito , med rubriken Krysantemum och svärd med ett citat av poeten och romanförfattaren Mishima Yukio överlagrat i rött, med texten " Varför skulle hans kejserliga majestät" bli människa? Denna inkludering framkallar kritik av kontinuiteterna och diskontinuiteterna i japansk suveränitet "före" och "efter" Stillahavskriget, vilket implicerar den japanska nationalismens motståndskraft såväl som den amerikanska ockupationen av Japan decennier senare. Om detta verk sa konstnären, ""Alla dessa människor dog för kejsaren för att de trodde att han var en gud, och det visade sig att han bara var en liten man med en mänsklig röst." Yanagis matta och det historiska fotografiet har varit installerade tillsammans för flera utställningar tillsammans på 1990-talet, bland annat på Art Tower Mito Contemporary Art Center i Ibaraki och National Gallery of Australia i Canberra , som båda även inkluderade krigsmålningar från Stillahavskriget som en del av installationen.

1997 skapade Yanagi en mindre version av Chrysanthemum Carpet som begränsad upplaga med titeln Loves Me/Loves Me Not ( 1997) under sin vistelse på Fabric Workshop and Museum i Philadelphia, Pennsylvania .

Utställningen "Projekt Artikel 9", 1995

1995, 50 år efter slutet av andra världskriget, blev Yanagi den första konstnären som specifikt tog upp artikel 9 i den japanska konstitutionen, som avsade Japans förmåga att föra krig efter andra världskrigets slut . För att markera årets betydelse Queens Museum i New York värd för Yanagis separatutställning med titeln "Project Article 9." För denna utställning producerade Yanagi en serie textinstallationer som uttryckligen fokuserade på artikel 9-klausulen i efterkrigstidens japanska konstitution . Han modifierade ett fotografi av SCAP -generalen Douglas MacArthur som stod tillsammans med kejsar Hirohito (samma foto som användes i hans Chrysanthemum Carpet -installation ) och förberedde två nya storskaliga installationskonstverk, Forbidden Box (1995) och Artikel 9 (1995).

Yanagi överlagrade ett historiskt foto av SCAP -generalen Douglas MacArthur och kejsar Hirohito tillsammans med den fullständiga texten av artikel 9 i Japans konstitution i tre olika former: utkastet till versionen som ursprungligen skrevs av MacArthur , den färdiga japanska versionen och dess engelska översättning. Enligt Queens Museums verkställande direktör Carma C. Fauntleroy ledde Yanagis koncentration på textelement och översättning "betraktare till att reflektera över nycklarna i kommunikation genom språk och dess implikationer på nationella och internationella arenor."

Yanagi använde sin vistelse på Fabric Workshop and Museum i Philadelphia, Pennsylvania för att skapa The Forbidden Box (1995) för utställningen. Installationen gjordes av två storskaliga ark av skirt nylon voile-tyg, med screentryck av det gigantiska svampmoln som uppstod när USA släppte atombomben över staden Hiroshima 1945. Förutom bilden, 17- fotlånga tygark föreställer också texten från artikel 9, med den version som ursprungligen skrevs av MacArthur tryckt på det bakre arket, och den engelska översättningen av den japanska versionen i fronten, avsedd som ett sätt för tittarna att se skillnaderna i retoriken mellan USA och Japan. Som ett rökmoln verkar tygarken bölja ut från en blylåda som hade orden " Little Boy ", namnet på atombomben, inskrivet på locket. Yanagi har uppgett att han inkluderade lådan som ett sätt att sammanföra två folksagor, den japanska barnfolksagan om Urashima Tarō och den grekiska myten om Pandoras låda . Om detta, sade Yanagi, "universaliteten av barnsagor gör det möjligt för oss att veta att vi, som art, delar gemensamma kärnvärden och förhoppningar över hela världen." Mytologierna i lådan är parallella med Yanagis allegori för Japan som på en gång erkänner Japans offer i efterdyningarna av atombomberna men också nationens egen roll som kolonial angripare i Asien och Stillahavsområdet – Pandoras låda avslöjade ett hopp om en framtida värld utan fler offer för kärnvapenkrigföring .

Yanagi producerade också en storskalig neonljusinstallation med titeln helt enkelt "Artikel 9" för utställningen, bestående av en uppsättning neonskyltar inkapslade i plastboxramar som stavade ut den japanska versionen av artikel 9. Neonskyltarna togs dock isär, till synes avstängda i en hög av osammanhängande, glödande röda delar obegripliga som helhet. De kastar rött ljus runt utställningsutrymmet på Yanagis andra verk.

Yanagis konstverk från utställningen "Project Article 9" fortsatte att ställas ut i Japan på Kirin Plaza Osaka 1995. Forbidden Box och Article 9 inkluderades också mer än 10 år senare i den japanske curatorn Watanabe Shinyas utställning "Into the Atomic Sunshine" bland verk av andra konstnärer som engagerade sig i Japans krigshistoria på Hillside Gallery i Daikanyama 2008, Puffin Room i New York 2008 och Okinawa Prefectural Museum & Art Museum 2009.

Inujima-projektet – 2000-talet – nutid

Inujima Seirensho konstmuseum

1992 blev Yanagi inbjuden att hålla en separatutställning på det helt nya Naoshima Contemporary Art Museum (nu Benesse House på Benesse Art Site Naoshima). Han blev förälskad i Naoshima och Seto Inland Sea, och återvände många gånger från sin studio i Japan under åren efter, på jakt efter en möjlighet att starta ett långsiktigt projekt i området som behandlade de skadliga ärr som den snabba industrialiseringen av Japan hade. kvar på den vackra regionen under Meiji-perioden . Efter tre år av att leta efter en lämplig plats, stötte Yanagi på Okayama Prefectures Inujima 1995, en avfolkad ö spridd med ruinerna av ett kopparraffinaderi med anor från den industriella Meiji-perioden, och inspirationen till Yanagis Inujima-projekt bildades.

1995 kom Yanagi med sin vision för revitaliseringen av hela ön Inujima ; han siktade på att förnya det sedan länge nedlagda koppar-"seirensho" (raffinaderiet) som ett permanent, platsspecifikt konstverk som använder förnybar energi, ett projekt som realiserades med stöd från Benesse Corporations dåvarande vd , Soichiro Fukutake . Yanagi och Fukutake kunde förvärva Mishima Yukios " Shōtō House", den tidigare bostaden för romanförfattaren och poeten vars verk Yanagi hade sysslat med i sina konstverk under det föregående decenniet. Med hjälp av demonterade och rekonstruerade delar av Mishimas bostad, ägnade Yanagi flera år åt att bygga en serie installationer med titeln Hero Dry Cell (2008) inom kopparraffinaderiet, vilket skapade ett permanent konstverk som också smälte samman med industriområdets arkitektoniska arv.

Efter 13 års samarbete öppnades Yanagis Inujima Art Project 2008 som Inujima Seirensho Art Museum. Inujima Seirensho Art Museum har blivit en föregångare till Setouchi International Art Triennale , en samtidskonstfestival som äger rum över öarna i Seto Inland Sea . 2010 innehöll den första Setouchi International Art Triennale tre installationer skapade av Yanagi i samarbete med arkitekten Kazuyo Sejima , förutom Injuma Seirensho Art Museum

På grund av sitt långvariga projekt i Japan började Yanagi ofta resa mellan sina studior i New York och Inujima, och så småningom stängde konstnären sina studior i USA för att flytta tillbaka till Japan på heltid. Han satte upp i en egendesignad studio belägen på norra sidan av bergen som vetter mot Genkaisjön, i Itoshima City , Fukuoka prefektur . 2005 började han arbeta som docent vid fakulteten för konst vid Hiroshima City University . Han startade en samtida konst och teori som huvudämne i fakulteten för konst och startade Hiroshima Art Project, och använde faciliteter som var oanvända på grund av exponeringen för strålning som platser för att ställa ut konstverk.

Hero Dry Cell (2008)

Inne i det nedlagda kopparraffinaderiet som utgör Inujima Seirensho Art Museum, tillbringade Yanagi mer än ett decennium med att bygga en sexdelad permanent konstinstallation med titeln Hero Dry Cell (2008) som använde speglar, naturligt ljus, lokala stenar, vattenelement och arkitektur. collage för att skapa en sammankopplad, flerskiktad installation om moderniseringen av Japan och arvet efter efterkrigstiden.

Hero Dry Cell består av sex delar som utspelar sig inuti museet "som en handrulle" i följande ordning: Icarus Cell, Solar Rock, Slag Note, Mirror Note, Icarus Tower och Solar Note . Den andra delen, Solar Rock (2008) är av särskilt intresse, genom att använda en naturlig ljusläcka för att skapa en illusion av en total förmörkelse - en svart hinomaru . En svart halvskuggcirkel skapas med ljus och reflekteras sedan i en mörk vattenpöl samlad nedanför på en stor platta av lokal Inujima -granit, vilket skapar illusionen av en hel cirkel av en svart sol som stiger upp, kanske ytterligare ett tillägg till Yanagis Hinomaru -serie som kritiserade den kejserliga eran nationalism förknippad med den japanska flaggan. Granitmegaliten som är inbäddad i Solar Rocks mark kan kopplas till Yanagis stora intresse för Mono-ha- rörelsen. Framför den svarta hinomaru verkade Yanagis "arkitektoniska collage" sväva i luften när dekonstruerade paneler av ett rum med tatamimattor från Mishima Yukios tidigare bostad ställde sig perfekt i linje för att leda tittarnas öga in i den skuggiga avgrunden av Svart sol, även när fönstren fångar ljus och blända näthinnan samtidigt. Denna sensation beskrivs på liknande sätt av konstnären själv när han berättade om sin första morgon på Inujima 1995: den uppgående solen gjorde ett "avtryck på hans näthinna" som utvecklades till denna sexdelade installation som fungerar som en "efterbild av solen han såg" den första morgonen."

Senaste åren, 2010–nuvarande

Efter att Inujima-projektet slutförts har Yanagi tagit sig an fler revitaliseringsprojekt, som utmaningen att förvandla en gammal högstadieskola på den avlägsna ön Momoshima Island i Hiroshima Prefecture, och etablera ART BASE MOMOSHIMA i området Onomichi Channel 2012.

2016 utforskade Yanagis storskaliga separatutställning på Yokohamas BankART1929 de senaste tre decennierna av konstnärens verk och fyllde hela museet. Han avslöjade ett nytt installationsarbete, Project God-zilla (2016), ett anti-kärnkraftsverk om kärnkraftskatastrofen i Fukushima Daiichi 2011 .

Anmärkningsvärda konstverk och offentliga samlingar

World Flag Ant Farm (1990) - Benesse House, Naoshima Contemporary Art Museum, Naoshima

Banzai Corner (1991) - Fukutake Foundation, Japan

Hinomaru Illumination (1992) - The Museum of Art, Kochi , Japan

Hinomaru Container - Yamato Tumulus Type (1992) - Museum of Contemporary Art Tokyo

Chrysanthemum Carpet (1994) - National Gallery of Australia

Artikel 9 (1994)

The Forbidden Box (1995) - The Fabric Workshop and Museum , Philadelphia , USA

Pacific - The Ant Farm Project - (1996) - Tate Modern , Storbritannien

Dollar Pyramid (2000) - Virginia Museum of Fine Arts

Inujima Seirensho Art Museum (2008) - Fukutake Foundation, Japan

Se även

Shimada Yoshiko

Mono-ha

Yukio Mishima

Vito Acconci

Frank Gehry

Soichiro Fukutake

Jasper Jones

Venedigbiennalen

externa länkar

• Inujima Seirensho konstmuseum
• KONSTBAS MOMOSHIMA