Konstutbildning i USA

Konstklass för vuxna på Brooklyn Museum 1935.

Art Education i USA hänvisar till praktiken att lära ut konst i amerikanska offentliga skolor. Före demokratiseringen av utbildning, särskilt som främjas av utbildningsfilosofen John Dewey , var lärlingsutbildning den traditionella vägen för att uppnå en utbildning i konst. Tillsammans med John Dewey Elliot Eisner en ledande förespråkare för införandet av konst i modern läroplan. Sedan den första introduktionen av konst i den offentliga skolan 1821 har konstutbildningen i USA mött många förändringar och många stadier av tillväxt.

Tidig konstutbildning i USA

Konstutbildning introducerades först till offentlig skolgång 1821 som ett resultat av behovet av arkitektoniska formgivare under den industriella revolutionen . När den offentliga skolan började växa över hela landet, ökade det subjektiva intresset för konstundervisning också. På 1870-talet började vissa stater ge pengar till sina offentliga skolor i jakten på att utveckla konstläroplanen. Runt den här tiden började konstmaterial, som färg och papper, att förbättras i kvalitet, vilket gjorde att konstundervisningen kunde expandera bortom klassiska metoder.

Konstlärlingsutbildningar började förlora gemensamhet på 1800-talet, och fristående konstskolor blev huvudvägen för att göra en karriär inom konsten.

Bildstudierörelse, före andra världskriget

Konstuppskattningen i Amerika accelererade med "bildstudierörelsen" i slutet av 1800-talet. Bildstudier var en viktig del av konstpedagogikens läroplan. Uppmärksamhet på estetik i klassrummet ledde till allmänhetens intresse för att försköna skolan, hemmet och samhället, som var känt som "Art in Daily Living". Tanken var att föra kultur till barnet för att i sin tur förändra föräldrarna.

Bildstudier möjliggjordes av den förbättrade tekniken för reproduktion av bilder, det växande allmänhetens intresse för konst, den progressiva rörelsen inom utbildning och ett växande antal invandrarbarn som var mer visuellt läskunniga än de var på engelska. Den typ av konst som ingick i läroplanen var från renässansen och framåt, men inget som betraktades som "modern konst" lärdes ut. Ofta valde lärare ut bilder som hade ett moraliskt budskap. Detta beror på att en viktig faktor i utvecklingen av estetik som ämne var dess förhållande till de nya medborgarnas moraliska utbildning på grund av tillströmningen av invandrare under perioden. Estetik och konstmästerverk var en del av den populära idén om självkultur, och det moralistiska svaret på ett konstverk låg inom lärarens förmåga, som ofta inte hade den konstnärliga utbildningen för att diskutera konstverkets formella kvaliteter.

En typisk bildstudielektion var följande: Lärare köpte material från Perry Picture Series, till exempel. Detta liknar den färdigförpackade läroplanen vi har idag. Dessa material inkluderade en lärares bild som var större för klassen att titta på tillsammans, och sedan mindre reproduktion cirka 2 ¾” gånger 2” för varje barn att titta på. Dessa var vanligtvis i svartvitt eller sepia. Barn skulle ofta samla dessa kort och byta dem ungefär som moderna baseballkort. Läraren skulle ge eleverna en viss mängd information om bilden och konstnären som skapade den, såsom bildens representativa innehåll, konstnärens vitala statistik och några biografiska detaljer om konstnären. Dessa ingick alla i materialet så att en outbildad lärare fortfarande kunde presentera informationen för sin klass. Sedan ställde läraren några diskussionsfrågor. Ibland ingick förslag på språkprojekt eller ateljéaktiviteter i materialet.

Bildstudierörelsen dog ut i slutet av 1920-talet som ett resultat av att nya idéer om att lära sig konstuppskattning genom ateljéarbete blev mer populärt i USA .

Sedan andra världskriget

Sedan andra världskriget har konstnärsutbildning blivit ansvarig för högskolor och universitet och samtidskonst har blivit ett alltmer akademiskt och intellektuellt område. Före andra världskriget behövde en konstnär ingen högskoleexamen. Sedan den tiden kandidatexamen i konst och sedan magisterexamen rekommenderade grader för att bli en professionell konstnär. Denna förändring underlättades av antagandet av GI Bill 1944, vilket gjorde att många veteraner från andra världskriget kunde gå i skolan, inklusive konstskola.

Med utbyggnaden av universitetets konstavdelningar började oberoende konstskolor tappa i popularitet. Studenter som förföljer en karriär inom konst började skriva in sig på universitet, snarare än oberoende konstskolor, som Art Students League , känd för konstnärer som Jackson Pollock och Mark Rothko . På 1960-talet School of Visual Arts , Pratt Institute , Cooper Union , Princeton och Yale dykt upp som ledande amerikanska konstuniversitet.

För närvarande är doktoranden i studiokonst under debatt som den nya standarden för en examen i professionell konst. Även om det från och med 2008 bara finns två program i USA som erbjuder en doktorsexamen i studiokonst, är doktorer i konst vanliga i Storbritannien, Skandinavien och Nederländerna. Som James Elkins , ordföranden för avdelningen för konsthistoria, teori och kritik vid School of the Art Institute of Chicago samt ordföranden för avdelningen för konsthistoria vid University of Cork i Irland skrev i Art in America , " På 1960-talet var MFA allestädes närvarande. Nu är MFA vardag och doktorsexamen kommer att ta dess plats som grundkravet för lärarjobb". Detta med hänvisning till lärartjänster för ateljékonst på högskolenivå. Doktoranden har varit ett standardkrav för att vara professor i konstpedagogik i många år. I sin kommande bok, Artists with PhD's , presenterar James Elkins åsikten att doktoranden kommer att bli den nya standarden, och erbjuder boken som en resurs för att bedöma dessa program och för att strukturera framtida program. Men College Art Association erkänner fortfarande MFA som den terminala graden, och säger "Fast institutioner i USA erbjuder vid denna tidpunkt en doktorsexamen i studiokonst, och det verkar inte vara en trend som kommer att fortsätta eller växa, eller att doktorsexamen ersätter MFA”.

Disciplinbaserad konstutbildning i början av 1980-talet

Discipline-based art education (DBAE) är ett utbildningsprogram formulerat av J. Paul Getty Trust i början av 1980-talet. DBAE stödjer en minskad tonvikt på studioinstruktion, och främjar istället utbildning inom fyra discipliner inom konsten: estetik, konstkritik , konsthistoria och konstproduktion. Det behåller en stark koppling till studioinstruktion med tonvikt på teknik.

Bland målen för DBAE är att göra konstutbildning mer parallell med andra akademiska discipliner och att skapa ett standardiserat ramverk för utvärdering. Det utvecklades specifikt för årskurserna K-12 men har införts på andra utbildningsnivåer. DBAE förespråkar att konst ska undervisas av certifierade lärare, och att "konstutbildning är för alla elever, inte bara de som visar talang i att göra konst".

Kritik av DBAE framförs från postmoderna teoretiker som förespråkar en mer pluralistisk syn på konsten och införande av en mångfald av synpunkter som kanske inte ingår i en standardiserad läroplan.

Konstutbildning sedan 2000-talet

Den nuvarande konstutbildningen varierar kraftigt från stat till stat. Från och med 2018 betraktar 29 av de 50 staterna konst som ett centralt akademiskt ämne. 41 stater kräver dock att konstklasser erbjuds på grund-, mellan- och gymnasienivå. Konstmagnetskolor , vanliga i större samhällen, använder konst(er) som ett kärna eller underliggande tema för att locka de elever som motiveras av personligt intresse eller med avsikt att bli en professionell eller kommersiell konstnär .

Trots statliga krav krediteras budgetnedskärningar och ökande testbaserade bedömningar av barn, som krävs av den federala regeringens No Child Left Behind (NCLB)-lag, för den rapporterade förlusten av konstundervisningstid i skolor. NCLB behåller konsten som en del av "kärnplanen" för alla skolor, men det kräver inte rapportering av någon undervisningstid eller bedömningsdata för konstutbildningsinnehåll eller prestationsstandarder, vilket är skäl som ofta nämns för nedgången av konstutbildning i amerikansk kommunal skola. Även om antalet konstpedagoger förblev detsamma, undervisades färre konstklasser eftersom konstpedagoger var tvungna att undervisa i andra ämnen som språkkonst och matematik.

Historia om konstutbildning bestämmelser

På 1970-talet var bestämmelserna om konst i utbildning begränsade, efter individuella staters gottfinnande. Lokala skolor, skolstyrelser och distrikt var huvudaktörerna när det gällde att bestämma om konstundervisning tillhandahålls. Där konstutbildning erbjöds bestod den av exponeringsbaserade erfarenheter med kulturorganisationer utanför skolan och var inte integrerad i klassrummets läroplan. Under de kommande decennierna tog budgetnedskärningar till följd av finanskriser skolans budget kraftigt avskalad till den grad att tjänster för konstlärare i stort sett eliminerades för att behålla kärnämnena. Vid den här tiden sågs konsten som oväsentlig för utvecklingen av kritiskt tänkande och det fanns ingen standardläroplan för konstundervisning i offentliga skolor. Som sådan var bestämmelserna knappa om alls fanns på 1980- och 1990-talen.

Men betydelsen av en konstutbildning framkom då data fann förbättringar av akademiska prestationer och socioemotionella och sociokulturella fördelar, bland andra positiva effekter, som härrörde från konstens stimulerande natur. Nyckelaktörer i att förespråka och tillhandahålla konstutbildning inkluderade en blandning av offentliga enheter (skolor, statliga myndigheter, etc.), privata organisationer och samhällscentra.

Detta framväxande erkännande av betydelsen av konstutbildning motsvarades av en nedgång i utbudet i början av 2000-talet. Med implementeringen av NCLB prioriterade offentliga skolor att uppfylla tillväxtmålen för Academic Performance Index (API), vilket nedgraderade betoningen på icke-kärnämnen. Till exempel, i Kaliforniens offentliga skolor, medan inskrivningen ökade med 5,8 % från 1999 till 2004, minskade musikutbildningen med 50 % under samma 5-årsperiod. På nationell nivå visade data från Surveys of Public Participation in the Arts (SPAAs) att 18-24-åringar var mindre benägna att ha haft en konstutbildning under 2008 än 1982. Låga inkomster och lågpresterande offentliga skolor kämpade oproportionerligt mycket med denna nedgång, och afroamerikanska och latinostudenter har generellt sett sämre tillgång till konsten jämfört med sina vita motsvarigheter.

Dessa upptäckter av drastiska nedgångar i konstutbildningsutbudet sporrade ansträngningar för återinvesteringar. NEA deklarerade mål inklusive att maximera investeringseffekten, samarbete med lokal utbildning på olika nivåer av myndigheter och erbjuda vägledning och ledarskapsstöd för konstutbildning.

Idag kommer finansieringen av utbildning i USA från tre nivåer; lokal nivå, statlig nivå och federal nivå. Hela utbildningssystemet hålls i händerna på den offentliga sektorn för kontroll och för att undvika misskötsel. Nyligen USA:s utbildningsdepartement att tilldela Arts in Education Model Development and Spridningsbidrag för att stödja organisationer med konstexpertis i deras utveckling av konstnärliga läroplaner som hjälper eleverna att bättre förstå och behålla akademisk information. En sådan utbildningsmodell skapades 2006 av Storytellers Inc. och ArtsTech (tidigare Pan-Educational Institute). Läroplanerna och inlärningsmetoden heter AXIS.

Nationella organisationer

National Endowment for the Arts (NEA) är en av många nationellt erkända organisationer som främjar konstutbildning i USA. Sedan det bildades 1965 har NEA lett ansträngningar för att integrera konsten som en del av grundutbildningen för alla K-12-studenter. Dessa ansträngningar inkluderar att samarbeta i statliga, federala och offentlig-privata partnerskap för att söka och tillhandahålla finansiering och anslag till program inom konstutbildning. Under räkenskapsåret 2008 tilldelade NEA över 200 anslag på totalt 6,7 miljoner USD till program som tillåter elever att engagera sig och delta i lärande med skickliga konstnärer och lärare. NEA har initierat ett antal andra partnerskap och initiativ inom konstutbildning, som inkluderar:

Arts Education Partnership (AEP) AEP sammankallar forum för att diskutera ämnen inom konstpedagogik, publicerar forskningsmaterial som stöder konstutbildningens roll i skolor och är ett clearinghus för resursmaterial för konstundervisning.
Strategic National Arts Alumni Project (SNAAP) är ett pågående online-enkätsystem som samlar in, spårar och sprider data om alumner och kommer att hjälpa institutioner att bättre förstå hur studenter använder konstutbildning i sina karriärer och andra aspekter av sina liv.
NEA Education Leaders Institute (ELI) sammankallar viktiga beslutsfattare för att förbättra kvaliteten och kvantiteten av konstutbildning på statlig nivå. Varje institut samlar team av skolledare, lagstiftare, beslutsfattare, utbildare, professionella konstnärer, konsulter och forskare från upp till fem stater för att diskutera en gemensam utmaning för konstutbildning och engagera sig i strategisk planering för att främja konstutbildning i sina respektive stater.

Det finns en mängd andra nationella organisationer som främjar konstutbildning i USA. Dessa inkluderar Americans for the Arts som innehåller stora projekt som The Arts. Fråga för mer. nationell kampanj för offentlig medvetenhet om konstutbildning, Association for the Advancement of Arts Education, College Art Association ; och National Art Education Association .

Konstnärlig integration

Konstnärlig integration är ett annat och/eller alternativt sätt att lära ut konst inom skolan. Konstintegrering är att kombinera bild- och/eller scenkonst och införliva dem i den vardagliga läroplanen i klassrummen. Att lära sig på en mängd olika sätt gör det möjligt för eleverna att använda sina åtta multipla intelligenser som beskrivs av teoretikern Howard Gardner i hans Frames of Mind: Theory of Multiple Intelligences . De åtta multipla intelligenserna inkluderar kropps-kinestetisk, intrapersonell, interpersonell, språklig, logisk-matematisk, musikalisk, naturalistisk och rumslig. Konstintegrering är särskilt viktig idag när vissa skolor inte längre har eller har små konstutbildningsprogram på grund av betydande budgetnedskärningar, inklusive det federala budgetavtalet som tog 12,5 miljoner dollar från NEA, USA:s största offentliga konstfinansiär, 2011.

Konstnärlig integration i gemensamma kärnämnen skapar positiva akademiska och sociala effekter på eleverna. Att integrera konst i klassrummet är ett bra sätt att engagera elever som annars är ointresserade av den gemensamma grundläroplanen. Dessutom är missgynnade och utsatta studenter exceptionellt starkt påverkade av konstintegration. Integreringen av konsten hjälper dessa elever i klassrummet genom att förbättra deras förmåga att öva effektiv kommunikation, ge dem en bättre attityd till skolan, minska deras frekvens av olämpligt beteende i klassen och öka deras övergripande akademiska förmågor.

Se även

Vidare läsning

SR Koehler , red. (1884). "Konstutbildning" . USA:s konstkatalog och årsbok . Cassell & Co s. 13–15.
Isaac Edwards Clarke; USA:s inrikesdepartement, Bureau of Education (1885), Education in the Industrial and Fine Arts i USA , Washington DC: Government Printing Office
James Parton Haney, red. (1908), Art Education in the Public Schools of the United States , New York: American Art Annual , hdl : 2027/wu.89054187554
Royal Bailey Farnum ; US Bureau of Education (1914), "Historisk utveckling" , nuvarande status för teckning och konst i grundskolor och gymnasieskolor i USA, Bulletin, Government Printing Office, s. 9–25
Efland, Arthur (1990). Konstutbildningens historia: intellektuella och sociala strömningar i undervisningen i bildkonst . New York: Teachers College Press . ISBN 978-0-8077-7003-0 .
Smith, Peter (1996). History of American Art Education: Lär dig om konst i amerikanska skolor . Bidrag till Utbildningsstudiet. Greenwood. ISBN 978-0-313-29870-7 .
AA Anderson, Jr.; Paul Erik Bolin, red. (1997), History of Art Education: Proceedings of the Third Penn State International Symposium
Freedman, Kerry (2003). Undervisning i visuell kultur: läroplan, estetik och konstens sociala liv . New York: Teachers College Press. ISBN 978-0-8077-4371-3 .
Elliot W. Eisner ; Michael D. Day, red. (2004). Handbok för forskning och politik i konstpedagogik . USA: National Art Education Association. ISBN 978-1-135-61231-3 .
Mary Ann Stankiewicz, red. (2016), Selected References on the 1965 Penn State Seminar (PDF) – via Penn State University (bibliografi)

externa länkar

Texas Art Education Association. "Webbresurser" . Arkiverad från originalet 2016-08-17 . Hämtad 2016-08-02 .
Getty Research Institute , Getty Education Institute for the Arts publikationer, 1980-2003 , Collection Inventories and Finding Aids, Kalifornien
Getty Research Institute, Art Education History Archives project, 1998-1999 , samlingsinventeringar och hjälpmedel, intervjuer med ledande konstpedagoger på 1980- och 1990-talen

Biblioteksguider

Boston University. "Konstpedagogisk forskning" . Biblioteksguider .
George Washington University, bibliotek. "Konstutbildning" . Forskningsguider . Washington DC. Arkiverad från originalet 2016-09-19 . Hämtad 2016-08-02 .
Rhode Island College. "LibGuide - Konstutbildning" . Arkiverad från originalet 2011-08-26.
School of the Art Institute of Chicago, Flaxman Library. "Konstutbildning" . Forskningsguider . Arkiverad från originalet 2016-08-16 . Hämtad 2016-08-02 .
Tufts University, bibliotek. "Konstutbildning" . Forskningsguider . Massachusetts.
University of Florida. "Konstutbildning" . Biblioteksguider .