Yvonne Rainer

Yvonne Rainer
Yvonne Rainer.jpg
Rainer 2014
Född ( 1934-11-24 ) 24 november 1934 (88 år)
San Francisco , Kalifornien , USA
Nationalitet amerikansk
Utbildning Ett år på San Francisco Junior College Martha Graham Center of Contemporary Dance
Känd för Performancekonst , koreografi , dans, film
Utmärkelser MacArthur Fellows Program

Yvonne Rainer (född 24 november 1934) är en amerikansk dansare, koreograf och filmskapare , vars arbete inom dessa discipliner anses vara utmanande och experimentellt. Hennes verk klassificeras ibland som minimalistisk konst . Rainer bor och arbetar för närvarande i New York.

Tidigt liv

Yvonne Rainer föddes den 24 november 1934 i San Francisco , Kalifornien . Rainers föräldrar, Joseph och Jeanette, ansåg sig vara radikala. Hennes mor, en stenograf, föddes i Brooklyn av judiska immigranter från Warszawa , och hennes far, en stenhuggare och husmålare, föddes i Vallanzengo i norra Italien, varifrån han emigrerade vid 21 års ålder. Rainer växte upp tillsammans med en äldre bror, i Sunset-distriktet i San Francisco som hon beskriver som "en stadsdel av vita protestantiska arbetarfamiljer". Från tolv års ålder var hon "exponerad för den berusande sammanblandningen av poeter, målare, författare och italienska anarkister." Under hela hennes barndom tog hennes far med henne till utländska filmer på Palace of the Legion of Honor, medan hennes mamma tog henne till balett och opera. Hon gick på Lowell High School och efter examen skrev hon in sig på San Francisco Junior College och hoppade av efter ett år.

I sena tonåren, medan hon tjänade sitt uppehälle som kontorist-maskinist på ett försäkringsbolag, fann Rainer sig själv hänga på Cellar , en jazzklubb i North Beach i San Francisco, där hon lyssnade på poeter ackompanjerad av coola jazzmusiker. . Det var här hon träffade Al Held, en målare. Han introducerade henne för olika konstnärer som var infödda i New York. I augusti 1956, vid 21 års ålder, följde hon Held till New York och bodde hos honom under de följande tre åren.

Jag minns att jag gick nerför 5th Avenue förbi Madison Square Park, överväldigad av en outsäglig känsla av oändliga möjligheter. Någon annan kanske har beskrivit det som en känsla av "erövra-världen". För mig var det helt enkelt ren och öppen spänning. Även om jag inte hade någon aning om hur framtiden skulle komma, signalerade den redan med öppna armar. [ citat behövs ]

Doris Casella, en musiker och nära vän, introducerade Rainer runt 1957 till Edith Stephens dansklasser, en modern dansare. På sin första lektion sa Stephen till henne att hon inte var särskilt "svängd". Rainer erkänner, "Det hon inte sa var något som jag gradvis skulle känna igen under de kommande åren, att min brist på uppslutning och smidighet i kombination med en lång rygg och korta ben skulle minska mina chanser att prestera med någon etablerad danskompani." Med början 1959 studerade hon ett år vid Martha Graham School , där Graham notoriskt sa till henne: "När du accepterar dig själv som kvinna, kommer du att ha valdeltagande"; senare tog hon balettklasser med Mia Slavenska följt av klasser med James Waring , i vars sällskap hon dansade kort, och i åtta år studerade hon med Merce Cunningham .

Året då Rainer studerade vid Graham School – 1959-60 – träffade Rainer Simone Forti och Nancy Meehan, som hade arbetat med Anna Halprin och Welland Lathrop i San Francisco. På försommaren 1960 hyrde de tre en studio i New York och arbetade med rörelseimprovisationer. I augusti samma år reste Rainer med Forti till Marin County, CA för att ta Halprins sommarworkshop, som var mycket viktig, förutom Fortis inflytande, för Rainers tidiga solodansarbete.

Hösten 1960 deltog både Forti och Rainer i den koreografiworkshop som musiker-kompositören Robert Dunn började leda i Cunningham-studion baserad på John Cages teorier . De andra medlemmarna i denna kurs var Steve Paxton , Ruth Emerson, Paulus Berenson och Marni Mahaffey. Det var här som Rainer skapade och utförde sina tidigaste danser.

Dans och koreografiskt arbete

Det finns många gester i mina saker – även ljud och rörelser som åtföljs av dem. Jag föreställer mig att det som uppstår är inkongruens, bisarrt – kanske udda eller excentrisk – även om jag inte gör några medvetna försök till humor. Min bild tar ibland formen av en desorienterad kropp där den ena delen inte vet vad den andra delen gör.

1962, vid 27 års ålder, kontaktade Rainer, Steve Paxton och Ruth Emerson pastor Al Carmines vid Judson Memorial Church för att fråga om de kunde börja uppträda där. Kyrkan var redan känd för Judson Poets' Theatre och Judson Art Gallery, som hade visat verk av Claes Oldenburg , Allan Kaprow , Robert Whitman , Jim Dine och Tom Wesselmann . Det blev nu en samlingspunkt för avantgardedansaktiviteter och danskonserter.

Rainer är känd för ett förhållningssätt till dans som behandlar "kroppen mer som källan till en oändlig mängd rörelser" än som leverantören av handling eller drama. Många av de element hon använde – som upprepning, uppgifter och obestämdhet – blev senare standardkännetecken för samtida dans. 1965, när hon skrev om en ny dans — Parts of Some Sextets — för Tulane Drama Review, avslutade hon uppsatsen med vad som blev hennes ökända No Manifesto , som hon "omprövat" 2008.













NEJ till skådespel. Nej till virtuositet. Nej till förvandlingar och magi och låtsasskap. Nej till stjärnbildens glamour och transcendens. Nej till det heroiska. Nej till det antiheroiska. Nej till papperskorgen. Nej till inblandning av artist eller åskådare. Nej till stil. Nej till läger. Nej till förförelse av åskådare av artistens list. Nej till excentricitet. Nej till att flytta eller bli rörd.

I sina tidiga danser fokuserade Rainer på ljud och rörelser och placerade ofta de två i godtyckliga kombinationer. Inspirerad av de slumpmässiga procedurerna som gynnades av Cage och Cunningham, var Rainers koreografi en kombination av klassiska danssteg i kontrast till fotgängares rörelse. Hon använde en hel del upprepningar och använde talat språk och muntliga ljud (inklusive gnisslande och skrik, etc.) i kroppen av sina danser.

Upprepning och ljud användes i hennes första koreograferade verk, Three Satie Spoons (1961), ett solo i tre delar framfört av Rainer till ackompanjemang av Eric Saties Trois Gymnopedies . Det sista avsnittet innehöll ett upprepat "pip pip pip i en falsett gnisslande och den talade linjen: "Gräset är grönare när solen är gulare." Med tiden ändrades hennes arbete till att omfatta mer berättande och sammanhängande talade ord. Ordinary Dance ( 1962 ) var en kombination av rörelse och berättelse, och innehöll upprepning av enkla rörelser medan Rainer reciterade en självbiografisk monolog som innehöll namnen på gatorna som hon hade bott på när hon var i San Francisco. Ett kännetecken för Rainers tidiga koreografi var hennes fascination av att använda otränade artister We Shall Run (1963) hade tolv artister, både dansare och icke-dansare, som klädda i gatukläder sprang runt på scenen i olika golvmönster i tolv minuter till "Tuba Mirum" från Berlioz's Requiem . Hennes första kväll längdkoreografi, för sex dansare, kallad Terrain , framfördes i Judson Church 1963.

Ett av Rainers mest kända verk, Trio A (1966), var från början den första delen av ett kvällslångt verk med titeln The Mind Is a Muscle . Hennes beslut i " Trio A " att utföra rörelser med en jämn fördelning av energi speglade en utmaning mot traditionella attityder till "frasering", vilket kan definieras som det sätt på vilket energi fördelas vid utförandet av en rörelse eller serie av rörelser. Innovationen i Trio A ligger i dess försök att radera skillnaderna i energiinvesteringar inom både en given fras och övergången från en till en annan, vilket resulterar i en frånvaro av det klassiska utseendet av "attack" i början av en fras, återhämtning kl. slutet, med energi stoppad någonstans i mitten, som i en grand jeté . Ett annat kännetecken för denna femminutersdans är att artisten aldrig får ögonkontakt med åskådarna, och i de fall då rörelsen kräver att dansaren möter publiken, är ögonen stängda eller huvudet är involverat i rörelse. Även om Rainer använde upprepning i tidigare verk som en anordning för att göra rörelse lättare att läsa, bestämde hon sig för att inte upprepa några rörelser i stycket. Trio A kallas ofta för en uppgiftsorienterad föreställning på grund av denna stil av energidistribution, även för dess betoning på ett neutralt, eller karaktärslöst, förhållningssätt till rörelseutförande och bristande interaktion med publiken. Första gången stycket framfördes hade det titeln The Mind is a Muscle, del 1, och framfördes samtidigt, men inte unisont, av Rainer, Steve Paxton och David Gordon. Trio A har fått bred undervisning och framförd av andra dansare.

Rainer har koreograferat mer än 40 konsertverk.

Välj koreografi

  • Three Seascapes (1961) ett solo i tre delar, där varje avsnitt utforskar en annan typ av relation mellan rörelse och ljud. I den första sektionen, iklädd en svart överrock , travar Rainer runt scenens omkrets till de sista tre minuterna av Rachmaninoffs pianokonsert nr 2 , då och då liggandes i en hopkrupen position på sidan. I det andra segmentet rör hon sig långsamt över utrymmet och rör på sin kropp i böljande spasmer. I den första föreställningen i Judson Church gym, La Monte Young och årskullar hans "Dikt för bord, stolar och bänkar" genom att skrapa dessa föremål över ett betonggolv i korridoren utanför gymnastiksalen. Finalen, som ansågs vara radikal, innehöll Rainer som skrek vilt och tjatade runt med en svart överrock och tjugo meter vit tyll.
  • Terräng (1962) var Rainers första kvällslängdsverk. Den hade ett antal avsnitt, inklusive två "Talking Solos", med berättelser av Spencer Holst reciterade till en orelaterade och samtidig serie av satser.
  • Continuous Project-Altered Daily (1970) framfördes på Whitney Museum , och förvandlades så småningom till den improvisationsmässiga Grand Union , som Rainer var medlem av i två år.
  • War (1970), en antikrigsdans framförd av trettio personer på Douglass College som protesterade mot Vietnamkriget.
  • Street Action (1970), en aktion i protest mot invasionen av Kambodja av amerikanska styrkor 1970. Den bestod av tre kolonner av människor som bar svarta armband och svajade från sida till sida med böjda huvuden medan de rörde sig genom gatorna på Lower Manhattan.
  • Detta är berättelsen om en kvinna som ... (1973), ett dansdrama med projicerade berättande texter, en dammsugare och föremål med starka betydelser som en madrass, en pistol och en resväska.

Filmiskt arbete

Jag gjorde övergången från koreografi till filmskapande mellan 1972 och 1975. Rent allmänt var mitt spirande feministiska medvetande en viktig faktor. En lika angelägen stimulans var de intrångande fysiska förändringarna i min åldrande kropp.

Rainer inkluderade ibland filmade sekvenser i sina danser, och 1972 började hon rikta sin uppmärksamhet mot att regissera långfilmer. Den feministiska tonen i hennes filmer, som kännetecknas av ett intresse för hur den kvinnliga kroppen betraktades eller objektifierades av manliga regissörer, skulle ha fått genklang med den framväxande feministiska filmteorien från tidsperioden, i framstående texter som Laura Mulveys Visual Pleasure och Narrative Cinema becoming mycket inflytelserik. Hennes tidiga filmer följer inte narrativa konventioner; i stället kombinerar Rainers filmer självbiografi och fiktion, ljud och mellantexter, för att ta upp sociala och politiska frågor. Rainer regisserade flera experimentella filmer om dans och performance, inklusive Lives of Performers (1972), Film About a Woman Who (1974) och Kristina Talking Pictures (1976). Hennes senare filmer inkluderar Journeys from Berlin/1971 (1980), The Man Who Envied Women (1985), Privilege (1990) och MURDER and murder (1996). MORD och mord , mer konventionell i sin narrativa struktur, är en lesbisk kärlekshistoria som handlar om Rainers egen erfarenhet av bröstcancer. Under 2017 inkluderades Lives of Performers i det årliga urvalet av 25 filmer som lades till National Film Registry av Library of Congress och bedömdes som "kulturellt, historiskt eller estetiskt betydelsefulla" och rekommenderades för bevarande.

Återgå till dansen

År 2000 återvände Rainer till dans och koreografi för att skapa After Many a Summer Dies the Swan, för Mikhail Baryshnikovs White Oak Dance Project . 2006 koreograferade Rainer ett verk med titeln AG Indexical, med lite hjälp från HM, vilket var en omtolkning. George Balanchines Agon Rainer fortsatte att koreografera verk baserade på klassiska verk, inklusive RoS Indexical (2007), inspirerad av Vaslav Nijinskys Vårens rite . Detta verk beställdes för Performa 07-biennalen som anordnades av performancekonstorganisationen Performa, som har drivit Rainer sedan dess.

Efterföljande verk inkluderar Spiraling Down (2010), Assisted Living: Good Sports 2 (2010) och Assisted Living: Do You Have Any Money? (2013), två stycken där Rainer utforskar det teatrala och historiska motivet av tableau vivants bland politiska, filosofiska och ekonomiska läsningar.

En utställning på Londons Raven Row Gallery var den första som visade liveframträdanden av hennes 1960-talsdanser under en utställning med foton och partitur från hela hennes karriär, förutom filmvisningar.

2015 koreograferade och presenterade hon The Concept of Dust, eller Hur ser du ut när det inte finns något kvar att röra på sig? (2015), beställd av Performa och The Getty Research Institute , en föreställning som innehåller koreograferade verk varvat med ett brett utbud av politiska, historiska och journalistiska texter som läses intermittent av dansarna och Rainer själv. Detta verk presenterades på Museum of Modern Art och turnerade senare på europeiska platser inklusive La Fondazione Antonio Ratti i Como, Italien , Marseille Objectif Danse i Frankrike och Louvren . En senare version av samma dans, kallad The Concept of Dust: Continuous Project-Altered Annually, framfördes 2016 på The Kitchen i New York och i Marseille, Porto och Barcelona 2017.

Feminism

Som en vit, omedvetet ambitiös konstnär, omedveten om konstvärldens sexism och rasism och insatt i dans (en socialt acceptabel kvinnlig sysselsättning), började jag läsa den arga experimentella skriften i Robin Morgans antologi Sisterhood Is Powerful och Valerie Solanas eldiga polemik. SCUM Manifesto och Shulamith Firestones Dialectics of Sex.

Att läsa feministiskt skrivande och teori gjorde det möjligt för Rainer att undersöka sin egen erfarenhet som kvinna, och hon kunde se sig själv som en deltagare i kultur och samhälle. Rainer insåg inte att hennes tidigare koreografi var en direkt utmaning av den "traditionella" dansen och i slutändan feministisk till sin natur. Under hela 1980-talet var Rainer i celibat och hon var fast besluten att "inte ge sig in i några fler olyckliga heterosexuella äventyr ..." Hon började delta i Gay Pride-parader och ansåg sig vara en "politisk lesbisk ". Rainer deltog i en demonstration i New York och Washington DC för att protestera mot utmaningarna mot Roe v. Wade under samma tidsperiod. Vid 56 års ålder övervann hon sin rädsla för att identifiera sig som lesbisk genom att bli intim med Martha Gever. De är fortfarande tillsammans idag.

Feministen Audre Lordes berömda uttalande poserade: "Du kan inte demontera mästarens hus med hjälp av mästarens verktyg." Rainer motbevisade hennes teori genom att säga, "Du kan, om du exponerar verktygen."

Rainer intervjuades för den feministiska filmen !Women Art Revolution .

Rainer refereras på flera ställen som exempel på konstnär, feminist och lesbisk i den andra upplagan av Feminism Art Theory redigerad av Hilary Robinson. För ytterligare läsning, se kapitel 6.2 Lesbisk och queer-praxis. sid. 398-434.

Erkännande

1990 belönades Rainer med ett MacArthur Fellows Program- pris (eller "Genius Grant") för sina bidrag till dans. 2015 mottog hon Foundation for Contemporary Arts Merce Cunningham Award; 2017 fick hon ett USA-stipendium. Hon har också fått två Guggenheim Fellowships (1969,1988).

Se även

Bibliografi

externa länkar

Media relaterade till Yvonne Rainer på Wikimedia Commons

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Yvonne_Rainer&oldid=1142640723 "