Ivan Albright

Ivan Albright
“Self-Portrait” by Ivan Albright (1897–1983), 1934, oil on canvas, 291⁄4 by 191⁄4 inches. Collection of New Trier High School District 203.png
Självporträtt , 1934, olja på duk. Samling av New Trier High School District 203
Född
Ivan Le Lorraine Albright

( 1897-02-20 ) 20 februari 1897
North Harvey, Illinois , USA
dog 18 november 1983 (1983-11-18) (86 år)
Woodstock, Vermont , USA
Utbildning

Art Institute of Chicago National Academy of Design Pennsylvania Academy of the Fine Arts
Känd för Målning , teckning , poesi
Stil Magisk realism
Make Josephine Medill Patterson

Ivan Le Lorraine Albright (20 februari 1897 – 18 november 1983) var en amerikansk målare, skulptör och tryckare mest känd för sina självporträtt, karaktärsstudier och stilleben . På grund av hans teknik och mörka ämne, kategoriseras han ofta bland de magiska realisterna och kallas ibland för "det makabras mästare ".

Från en familj av konstnärer och hantverkare växte Albright fram på den amerikanska konstscenen på 1930-talet och etablerade ett rykte som en av de mest gåtfulla av de amerikanska realisterna . Han chockade, förundrade och upprörde publiken genom sin betoning på kroppens, köttets och det mänskliga tillståndets bräcklighet med sådana verk som The Lineman (1928), That What I Should Have Done I Did Not Do (The Door) ( 1931 ) ), och The Picture of Dorian Gray (1943). Hans arbete för att lyfta fram de minsta detaljerna och strukturen på varje yta krävde ofta att han spenderade år eller decennier på en enda målning.

Medan Albrights verk kan hittas på museer över hela USA, är det viktigaste förrådet av hans verk på Art Institute of Chicago .

Liv

Adam Emory Albright (amerikansk, 1862–1957), Barnacles , 1907, olja på duk, 24 x 30 tum, Art Institute of Chicago. Barnacles är ett exempel på Adams målning med Ivan och Malvin som modeller.

Innan Ivan Le Lorraine och hans identiska tvillingbror Malvin Marr Albright föddes, var familjen Albright (tidigare familjen Albrecht ) redan känd för konstverk och hantverk. Ivans farfars farfars far Andreas Albrecht var vapenslagare i Thüringen , Tyskland , en familjehandel som gick i arv till Ivans farfar Zachariah. På samma sätt var Ivans far Adam Emory Albright en impressionistisk målare och elev till Thomas Eakins som byggde sitt rykte på landskap och idealiserade målningar av barn.

Ungdom och utbildning (1897–1925)

Ivan och Malvin föddes 1897 nära Chicago i North Harvey, Illinois, till Adam Emory Albright och Clara Wilson Albright. Genom sin ungdom och tills de två var elva år använde deras far pojkarna som modeller i sina målningar. Adam började på samma sätt lära de två att rita vid åtta års ålder: Detta inkluderade formella Eakins-liknande ritlektioner och regelbundna besök på Art Institute of Chicago . Genom sin far introducerades pojkarna för flera framstående amerikanska impressionister och realister inklusive Childe Hassam , Robert Henri , William Glackens , Maurice Prendergast , Edmund Tarbell och John Twachtman . Som Michael Croydon, Ivans biograf, beskriver, lade dessa erfarenheter grunden för Ivan och hans brors senare karriärer som målare.

Ivans formella utbildning och karriärmöjligheter under hans ungdom och tidiga vuxen ålder var relativt oberäkneliga. Hans familj flyttade ofta på grund av sin fars karriär och det var inte förrän 1910 som de bosatte sig i Hubbard Woods där Ivan och Malvin kunde gå på New Trier High School . År 1915 gick Ivan in på College of Liberal Arts vid Northwestern University , som han misslyckades med. Hans bror skrevs in i samma skola kort efter. 1916 började han studera vid University of Illinois i Urbana , då han övervägde karriärer inom arkitektur eller kemiteknik. Det var inte förrän 1918, efter en familjemålarresa till Caracas , Venezuela , som Ivan började ta på allvar möjligheten att bli konstnär. Samma år ställde han offentligt ut sitt första verk – en akvarellstudie av träden hör hans hem i Hubbard Woods med titeln The Oaks in Winter – på Art Institute of Chicagos årliga akvarellutställning. Förenta staternas inträde i första världskriget störde likaså hans tidiga vuxenliv eftersom både han och hans bror togs in i USA:s armé som en del av den medicinska kåren av de amerikanska expeditionsstyrkorna . Medan han var stationerad i Nantes, Frankrike mellan 1918 och 1919, producerade Albright minst åtta skissböcker med medicinska ritningar som illustrerade operationer och sår i grafit och akvarell. Även om Albright ännu inte var en skicklig ritare, citerar konsthistoriker och kritiker ofta dessa illustrationer som katalysatorn för hans intresse för köttets och mänsklighetens bräcklighet för de som lider.

The Philosopher , 1922, olja på papper på kartong, 24 x 18 tum. Målade medan Ivan gick på Art Institute of Chicago.

Efter att ha arbetat kort med arkitektur och reklam, gick både han och hans bror 1920 in på Art Institute of Chicago. Medan Malvin studerade skulptur studerade Ivan måleri - var och en fick standard, akademisk utbildning i linje med institutets traditionella filosofi. Han stannade där tills han tog examen 1923, efter att ha ställt ut The Philosopher (1922) och mottagit fakultetens hedersomnämnande i både liv- och porträttmåleri. Efter sin tid på Art Institute fortsatte han sina studier vid sin fars alma mater Pennsylvania Academy of the Fine Arts med avsikten att lära sig av George Bellows . Bellows var dock på sabbatsår i Europa och så Ivan valde istället att flytta till National Academy of Design för att studera under Charles Webster Hawthorne . Efter att ha avslutat sin formella utbildning hyrde han och brodern Malvin 1925 en studio i Philadelphia och hans professionella karriär som konstnär började.

Tidig och mitten av karriären (1925–1950)

Mellan 1925 och 1926 började Albrights mogna "barocka" formella stil att växa fram, och i många fall var allmänheten inte förberedd på hans "nakna och kompromisslösa avslöjande av det mänskliga tillståndet". I slutet av 1926 tillbringade Albright och hans bror tre månader i södra Kalifornien nära San Diego . Medan han var där producerade Albright flera verk som är representativa för mognaden i hans stil, inklusive I Walk To and Fro Through Civilization och I Talk As I Walk (Följ mig, The Monk) och I Draw a Picture in the Sand and the Water Washed It Away (Teosofen) . År 1927 återvände han och Malvin till Illinois där deras far Adam hade återställt en gammal metodistkyrka för användning som Albright Gallery of Painting and Sculpture. På grund av brödernas närhet under de kommande två åren antog Malvin pseudonymen Zsissly för att undvika förväxling med Ivan. Det var under åren i denna studio som Ivans stil började orsaka kontroverser: I maj 1928 användes hans målning The Lineman som omslag till branschtidningen Electric Light and Power . Tidningens läsekrets tyckte att linjemannens figur var felaktig och deprimerande; dock var målningen mycket mer framgångsrik med konstkritiker. Inte långt efter började Albright arbeta på målningar som betonade ytans mikroskopiska kvalitet lika mycket som barockform, med början med Woman (1928). När Woman visades på Toledo Museum of Art i den 17:e utställningen av utvalda målningar av samtida amerikanska konstnärer 1929 möttes målningen av demonstranter som först fick tavlan borttagen, följt av en annan grupp som protesterade mot att tavlan togs bort.

Bondens kök , 1933–34, olja på duk, 36 x 30,13 tum.

År 1931 och början av den stora depressionen började Albrights karriär etablera sig. I juli samma år ställde han ut fjorton målningar på Art Institute of Chicago tillsammans med andra konstnärer George och Martin Baer. Även det året, efter fullbordandet av den monumentala Into the World There Came a Soul Called Ida (1929–30), började han sin decennielånga besatthet av sin magnum-opus That What I Should Have Done I Did Not Do (The Dörr) (1931). Enligt Albright påverkade inte depressionen hans karriär nämnvärt eftersom folk inte köpte hans målningar "oavsett om tiderna var bra eller dåliga, [så] det gjorde inte en liten skillnad." Faktum är att hans fars framgångar inom konstförsäljning och fastigheter gjorde det möjligt för Albright att leva bekvämt under 1930-talet. Icke desto mindre, liksom många andra konstnärer under perioden, deltog Albright i Public Works of Art Project i Illinois. Han var tänkt att få trettioåtta dollar per vecka i programmet som en "klass A"-konstnär, men han vidhöll att han aldrig fick betalt för sina verk. Under projektet avslutade Albright två målningar: Bondens kök (1933–34) och Självporträtt (1934). Farmer's Kitchen , nu inrymt på Smithsonian American Art Museum , passade särskilt PWAP:s förväntningar på bilder av hårt arbetande amerikaner och är verkligen tematiskt den närmaste av Albrights målningar till de populära regionalisternas . Ämnet tillät ändå Albright att visa trötthet och försämring hos kvinnan och därmed kritisera den positivistiska synen hos regionalistiska konstnärer som Grant Wood och Doris Lee .

1940-talet medförde en rad förändringar i Albrights liv. Hans mor, Carla Wilson Albright, dog den 8 maj 1939, och hjärtbruten tillbringade han, Malvin och Adam de följande somrarna med att måla i Maine. Under denna period, 1941, avslutade Albright arbetet med The Door och började arbeta på sin de facto följeslagare Poor Room – There Is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever and Forever och Forever Without End (Fönstret) , som Albright skulle fortsätta att arbeta med av och på under de kommande tjugoen åren. Arbetet med Fönstret upplevde sitt första avbrott när Ivan och Malvin ombads att måla för Metro-Goldwyn-Mayer- anpassningen av The Picture of Dorian Gray, regisserad av Albert Lewin . För sitt porträtt insisterade Albright på att arbeta under samma hårda ljus som på uppsättningen, så för att kompensera utvecklade han en ny aggressiv känslighet kring färg som skulle bestå i hans arbete in på 1970-talet. 1946 förändrades Albrights personliga liv ännu mer när han den 27 augusti gifte sig med Josephine Medill Patterson Reeve. Efter äktenskapet flyttade paret kort till Billings , Montana och sedan söderut till Ten Sleep , Wyoming innan de återvände till Chicago. Albright adopterade Josephines barn vid äktenskapet. 1947 fick Ivan och Josephine sonen Adam Medill och två år efter 1949 fick de dottern Blandina Van Etten.

Sen karriär (1950–1983)

Porträtt och självporträtt dominerar mycket av produktionen från den sista delen av Albrights karriär. Det sista avbrottet i Albrights arbete på Fönstret var beställningen av Portrait of Mary Block (1955–57). Efter att ha avslutat The Window 1962 började han omedelbart arbeta på ett postumt porträtt av sin svärfar kapten Joseph Medill Patterson (1962–64), en officer under första världskriget och grundaren av New York Daily News . På samma sätt, medan han och hans familj var på semester i Aspen, Colorado 1963, utförde han Aspen Self Portrait och objektivt fångade konstnären vid sextiosex års ålder.

Decennierna av 1950- och 1960-talen innehöll få storskaliga verk av Albright, men såg honom vidga sina vyer med resor. Mellan 1948 och 1964 producerade Albright ett antal oljor och gouacher med västerländska teman. Detta berodde delvis på att konstnären genom Josephine och hennes syster Alicia Patterson Guggenheim fick delägande av en ranch i Dubois, Wyoming. Ranchen var en passande miljö för en serie konstverk med västerländskt tema, inklusive Roaring Fork, Wyoming (1948) , The Purist (1949), The Wild Bunch (Hole in the Wall Gang) (1951), Tin (1952–54) och The Rustlers (1959, 1963–64). På samma sätt, efter Alicias bortgång 1963, ärvde Ivan och Josephine hennes plantage i Georgia , strax norr om Jacksonville , vilket fick Albright att intressera sig särskilt för träsket som ämne. Ivans tid i Georgia mellan 1963 och 1965 var dock delvis av nödvändighet då staden Chicago bestämde sig för att riva hans studio på Ogden Avenue för att ge plats åt ett köpcentrum. Dessutom, trots att han hedrades med en retrospektiv på Art Institute of Chicago och Whitney Museum of American Art 1964–65, kände sig Albright utstött av Chicagos konstnärliga gemenskap. Samtida konst dominerades vid den tiden av popkonst och minimalism , mycket till skillnad från Albrights figurativa stil. Dels för att undkomma denna "scen", flyttade Ivan och Josephine till Woodstock , Vermont 1963, men kunde börja bo där på heltid först 1965 när fastigheten totalrenoverades. Det var där som Albright avslutade vad som utan tvekan var hans sista stora verk, If Life Were Life – There Would Be No Death (The Vermonter) ( 1966–77), med modellen Kenneth Harper Atwood, en pensionerad lönnbonde och tidigare medlem i Vermont Representanthuset .

Medan Albright var sjuttiofem började hans syn försämras med utvecklingen av grå starr. Grå starren vändes 1977 med hans första hornhinnetransplantation, vilket gav konstnären en ny känsla av liv. Det året skänkte han mycket av sitt arbete till Art Institute of Chicago, och året därpå publicerades hans första biografi av Michael Croydon. Trots det försämrades hans hälsa snart. Hans sista serie målningar var en grupp självporträtt utförda mellan 1981 och 1983. Serien påbörjades på begäran av Galleria degli Uffizi i Florens för ett självporträtt att lägga till deras samling av självporträtt av stora mästare i äran av deras 400-årsjubileum. Medan en av målningarna nu finns i Uffizierna, producerade Albright mer än tjugofyra totalt i en mängd olika stilar och media. Den sista av dessa avslutade han efter en stroke och bara några dagar innan han dog den 18 november 1983.

Stil och fungerar

Konstnärlig utveckling

Jag är han som han talade om (Samson), 1925, olja på duk, 26 1/8 x 20 1/8 tum. Samson är ett övergångsverk för Albright, eftersom det visar hans rörelse mot en "barock" stil men inte visar den noggranna uppmärksamheten på ytan som ses i senare målningar.

Det var inte förrän på 1930-talet som Albright utvecklade en konsekvent teknik för sina verk. Tekniken inkluderade att skapa många detaljerade teckningar, skapa sin egen färgpalett och måla med hundratals små penslar. Albrights tidskrävande teknik möjliggjorde inte bara detaljerad skildring av den fysiska försämringen av föremål och människor, utan gjorde det möjligt för honom att införliva en mängd små förskjutningar i synvinkel och lyfta fram relationerna mellan föremålen. Albrights kombination av extrem realism med en våldsam och kuslig färgpalett fick konstkritiker att kategorisera hans verk med verk av amerikanska magiska realister .

I slutet av 1950-talet och 1960-talet använde han metalpoint för teckningar. The Last of the Old WoodStock Inn ritades 1968, med silver-, platina-, guld-, koppar- och brasspoint på VideoMedia-papper.

Teman genom Albrights verk inkluderar döden, livet, andligt vs fysiskt och tidens effekter. Tittlarna på hans verk var lika komplexa. Han skulle inte namnge en målning förrän den var färdig, då skulle han komma på flera möjligheter innan han bestämde sig för en. Till exempel har en målning av ett fönster titeln Poor Room – There is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever, and Forever and Forever Without End (Fönstret) . Målningen hänvisas i allmänhet endast till med dessa två sista ord. En annan målning, Och människan skapade Gud i sin egen bild , hade orden i titeln omvänt till Gud skapade människan i sin egen bild när den turnerade i södra USA för att undvika kontroverser.

Större verk

Se även: Lista över konstverk av Ivan Albright

Till världen kom en själ som heter Ida (1929–30)

Denna målning är en grotesk skildring av en kvinna som (baserat på titeln) heter Ida. Inom denna målning finns det flera referenser till tanken att människokroppen är svag och att vi alla är fångade i våra fysiska former. Det verkar finnas en konflikt mellan själen och kroppen. Figuren sitter i ett rum som är rörigt och i ett tillstånd av förfall. Hon tittar in i en handspegel med en blick av sorg i ansiktet. En läsning av detta är att hon är ledsen på grund av sin ålder och brist på skönhet. Vissa tror att hon är en gammal skådespelare eller möjligen en prostituerad. Ida är besläktad med många av Albrights andra verk på grund av figurens döda och ruttnande utseende samt de djupare (och ofta mörka) betydelserna som döljs inom.

Det som jag skulle ha gjort gjorde jag inte (dörren) ( 1931–1941)

En av hans mest kända målningar, med titeln That What I Should Have Done I Did Not Do (Dörren), tog honom tio år att färdigställa och vann högsta pris på tre stora utställningar i New York City , Chicago och Philadelphia 1941. priset på Metropolitan Museum of Art i New York gav honom en inköpspris på 3 500 $ för målningen och dess plats i den permanenta samlingen, men Albright satte inköpspriset till 125 000 $. Istället tog han första medaljen, vilket tillät honom att behålla arbetet. Denna målning finns för närvarande att beskåda på Art Institute of Chicago .

The Picture of Dorian Gray (1943)

The Picture of Dorian Gray, 1943, olja på duk, 85 x 42 tum.

1943 fick Albright i uppdrag att skapa titelmålningen för Albert Lewins filmatisering av Oscar Wildes The Picture of Dorian Gray . Hans naturalistiska, överdrivna skildringar av förfall gjorde honom lämpad att skapa bilden av den korrumperade Dorian. Hans bror valdes ursprungligen att göra den första, oförstörda målningen av grått. Men målningen som användes i den sista filmen var från Henrique Medina . När ändringar i Medinas målning behövdes för att visa Grays fall, målade Albright dem. Hans målning av den korrumperade Dorian Gray finns för närvarande på Art Institute of Chicago.

Rykte och arv

Albrights målningar kan hittas i några av de mest framstående institutionella samlingarna i USA, inklusive Museum of Modern Art , Metropolitan Museum of Art , Detroit Institute of Arts , National Gallery of Art , Whitney Museum of American Art , och Solomon R. Guggenheim-museet . Den största och viktigaste samlingen av Albrights konstverk och arkiv hålls på Art Institute of Chicago , vilket visar hans unika relation till institutionen. Mellan donationer från konstnären, hans familj och hans mecenater, har institutet nu 137 målningar, teckningar, tryck och skulpturer. I sin tur arbetar institutet för att främja hans arv genom publicering av vetenskapliga kataloger och utställning av verk. Stora retrospektiv av hans verk hölls 1964 och 1997. Dessutom hölls mindre utställningar 1978, 1984 och 2018.

Heavy the Oar to Him Who is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea , 1929, olja på duk, 53 1/4 x 34 tum.

Art Institute of Chicagos samling var resultatet av Albrights egna kunskaper i att befästa sitt rykte bland högnivåmuseer och samlare. Under 1940- och 1950-talen tillät Albright upprepade gånger framstående institutioner att byta verk mot överlägsna exempel: 1947 bytte institutet Woman (1928) mot Into the World There Came a Soul Called Ida (1929–30); och 1956, tillsammans med finansiering från givare, bytte de ut Ida tillsammans med Heavy the Oar till Him Who Is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea (1929) och Oh God, Herrings, Buoys, the Glittering Sea (1940) mot Albrights mästerverk Dörren (1931–1941). 1977 skänkte Albright sjuttiofem av sin personliga samling till museet och återlämnade flera verk som tidigare hade handlats med. Efter Albrights död donerade hans änka Josephine Patterson Albright ytterligare tjugo självporträtt samt en samling arkivmaterial, som nu innehas av Ryerson & Burnham Libraries vid Art Institute of Chicago . Arkivet innehåller fotografier, klippböcker, skisser, anteckningsböcker, en film och annat material som dokumenterar hans liv och karriär.

Se även

Bibliografi

  •   Croydon, Michael (1978). Ivan Albright . New York: Abbeville Press. ISBN 9780896590021 .
  •   Donnell, Courtney Graham; Wenninger, Susan S.; Cozzolino, Robert (1997). Rossen, Susan F. (red.). Ivan Albright . Chicago: Art Institute of Chicago. ISBN 9781555951368 . Utställningskatalog.
  •   Grayson, Gael, red. (1978). Graven Image: The Prints of Ivan Albright, 1931–1977 . Lake Forest, IL: Lake Forest College. OCLC 5220669 . Utställningskatalog.
  •   Oehler, Sarah Kelly, red. (2019). Ivan Albright Paintings vid Art Institute of Chicago . Chicago: Art Institute of Chicago. ISBN 9780865593039 . Publicerad efter utställningen Flesh: Ivan Albright på Art Institute of Chicago , organiserad av och presenterad på Art Institute of Chicago, 4 maj – 4 augusti 2018.
  •   Sweet, Frederick A. (1964). Ivan Albright: en retrospektiv utställning organiserad av Art Institute of Chicago i samarbete med Whitney Museum of American Art . Chicago: Art Institute of Chicago. OCLC 472225602 . Utställningskatalog.

Slutanteckningar


externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Ivan_Albright&oldid=1125489855 "