Diana Shpungin
Diana Shpungin | |
|---|---|
.jpg) Diana Shpungin
| |
| Född |
Riga, Lettland (fd Sovjetunionen) |
| Nationalitet | amerikansk |
| Utbildning | School of Visual Arts (MFA) |
| Känd för | Skulptur, teckning, installation, handritad pennanimation, performance |
| Anmärkningsvärt arbete | "Ritning av ett hus (Triptyk)" (2016) |
| Rörelse | Samtida konst Konceptuell konst |
Diana Shpungin är en lettisk -född amerikansk multidisciplinär konstnär. Hon är känd för sitt arbete inom teckning , skulptur , installation , performance, video, ljud och handritad pennanimation . Hennes arbete utforskar icke-traditionella idéer om teckning genom skulpturala och tidsbaserade processer.
tidigt liv och utbildning
Diana Shpungin föddes i Riga, Lettland under sovjetiskt styre. Som barn emigrerade hon med sin familj till USA, där de bosatte sig i New York City . Shpungin tog en MFA från School of Visual Arts i New York och har undervisat och föreläst vid flera institutioner. Hon är för närvarande biträdande professor vid Parsons School of Design .
Karriär
Tidigt samarbete
Under det tidiga 2000-talet engagerade Shpungin en samarbetsövning och skapade stiliserade, performativa videor och installationer som utforskade teman som vänskapens intimitet.
Teman och koncept
Shpungins verk behandlar ofta teman som minne, längtan, förlust och empati. Influerad av konstnärer som Felix Gonzales-Torres, använder Shpungin djupt personliga motiv och berättelser i sina teckningar, skulpturer och videoverk, ofta i kombination med hittade föremål för att betona ett koncept som hon refererar till som "objekt empati". I sina mindre skulpturer och större installationer utforskar Shpungin föremål och arkitektur för att betona kontrasterande teman som hem och gemensamt, ljust och mörkt, eller interiör och exteriör.
Väsentlighet
Användningen av grafit är ett grundläggande element i Shpungins arbete. Utöver teckningar och handritade animationer involverar mycket av hennes skulpturala arbeten att belägga föremål och utrymmen i ett alltförbrukande lager av grafit. Författaren Megan Garwood kallade detta "en penumbra, ett motiv av ljus och mörker".
Anmärkningsvärda verk
"Teckning av ett hus (Triptyk)"
Under 2015 samarbetade Shpungin med SiTE:LAB för en installation i Grand Rapids Michigan. Shpungin valde en övergiven prästgård, planerad för ombyggnad, och täckte den i grafit för hand, med hjälp av över hundra deltagare. Hon ritade nio handritade animationer som projicerades bakifrån på – och ut ur – husets fönster. Projektet var både en estetisk och historisk frammaning av det kollektiva minnet. Curator Caryn Coleman skrev:
- ”Diana Shpungins Ritning av ett hus (Triptyk) har åter animerat ett ledigt hus till ett bostadsutrymme igen. Rumsey Street 333 täcker hela fasaden i grafit och projicerar animationer ut genom fönstren, och har blivit ett transformativt utrymme som existerar inom en rad paradoxer: inhemskt och kommunalt, med skulptural, ljus och mörk, interiör och exteriör. Dessa motsatta egenskaper är inte en aggressiv disjunktur utan poetiskt samexisterar. . . Shpungin tar de politiska och, i det här fallet, andliga implikationerna förknippade med 333 Rumsey Street ombord för att skapa ett multimediakonstobjekt som inte avskärmar sig från publiken eller förvärvar en helt separat tillvaro utan snarare etablerar en bindning förhållandet mellan betraktare och objekt."
"Utan titel (Porträtt av pappa)"
2011 visade Shpungin sitt första soloverk i New York efter slutet på ett nästan decennium långt samarbete. Utställningen innehöll över hundra teckningar, handritade animationer och skulpturala scenarier inklusive ett ton potatis för allmänheten att ta, en referens till Félix González-Torres- verken som föreställningen tog sitt namn från. Utställningen exemplifierade Shpungins primära användning av grafit genom processen att metodiskt handbelägga föremål med materialet. Sådana skulpturer inkluderar en trasig stol i "A Fixed Space Reserved for the Haunting" och en död citrusplanta – komplett med fallna löv – i "I Especially Love You When You Are Sleeping" (båda 2011).
.jpg)
Konstkritikern Jerry Saltz sa om Shpungins verk:
- "En gång i årtusendena användes konst för att sörja och även föra den avlidne in i livet efter detta. I "(Untitled) Portrait of Dad" gräver Diana Shpungin in i förlustens känslor och estetik. Vi ser vackra handritade animationer här, en av hennes far i sin kista, en annan av världen sett från hans grav. En trasig stol refererar till en udda familjevidskepelse. I närheten ser vi ett litet berg av spuds att ta med, som ska läggas i påsar märkta med hennes fars handskrivna potatisrecept. Det är en gripande och poetisk upplevelse och berör de mer mystiska saker som konsten fortfarande kan göra.”
"Ljust ljus / mörkaste skuggan"
I början av 2020 hade Shpungin en separatutställning på Museum of Contemporary Art, Tucson med titeln ''Bright Light / Darkest Shadow''. Showen sammanställde nästan ett decennium av arbete, främst handritade animationer. Sjutton animationer, samt källteckningar för dem, visades tillsammans med animationer från ''Drawing Of A House (Triptych)''. Ytterligare tre videoverk visades i ett separat galleri och två helt nya verk projicerades på stora ark ritpapper. Under flera år såg Shpungin utforska återkommande teman i verket som minne, familj och förlust, samt visade hennes fortsatta utforskande av teckningens natur som medium.
"Rita för ett relikvieskrin"
2021 samarbetade Shpungin med Paul Amenta från SiTE:LAB om en utomhusskulptur beställd av Franconia Sculpture Park i Minneapolis , Minnesota . Verket, med titeln Drawing For a Reliquary , är en storskalig mixed-mediainstallation gjord av olika räddade komponenter och två tillverkade stålfackverksstrukturer, med varje yta handritad över med grafitpenna. Ytbehandlingen kallade på engagemang från dussintals deltagare, vilket gjorde att den gemensamma markeringen kunde vara både en del av verkets nuvarande historia och som ett erbjudande till det förflutna. Verkets adaptiva karaktär reagerar specifikt på föremål/reliker som finns på plats i skulpturparken. Från de tre upprättstående livlösa träden som räddats från att brännas i en brasa, till det nedfallna 40-fots döda trädet som upptäcktes i skogen, till den monumentala 40-fots stålbalken begravd i en metallhög i parken. Drawing For A Reliquary ramas in av parkens bakgrund och erbjuder många vyer som linjerar skulpturens siktlinjer med de avlägsna horisonterna. Sågen som är skuren i det massiva lagda trädet och änden av I-balken är klädda i bladsilver som ett sätt att lyfta dem, minnes dem och för att beteckna empati för varandra. Tillägget av ett urval av räddade stenblock fungerar som en definierande ritualliknande ram och som en plats att sitta och begrunda.
"Börja alltid i slutet"
I början av 2022 hade Shpungin en separatutställning på Smack Mellon i Brooklyn .
Utställningen centrerades kring en arena med marmorkakel som täcker en betydande del av Smack Mellons 4 000 kvadratmeter stora gallerigolv. Utställningens titel Always Begin At The End , och dess förkortning ABATE , signalerar hur tiden kan loopa, hur berättelser kan börja på oväntade platser och hur en resas slut kan bli mindre än den tänkta starten. En ljuskrona, en skivspelare, snäckskal, stolar, kedjelänksstängsel, gjutna kroppsdelar, dörrar, kartonger, en omkonfigurerad amerikansk flagga och lösa småpengar bidrar till utbudet av föremål som Shpungin installerade i hela utrymmet. Den här utställningen visar många föremål gjorda av gjutet papper, tillsammans med kombinerade hittade föremål som konstnären ändrar, konstruktionsmaterial och en enda handritad pennanimation som metaforiskt krossats av stenar. Mycket av Shpungins verk kan ses som "teckningar" i den meningen att de bokstavligen täcks av teckningens mest allmänt förekommande medium: grafitpenna. Shpungin täcker omsorgsfullt varje objekt men skymmer det inte, i en självreflekterande process som resulterar i verk som konstruerar, förändrar och ifrågasätter sig själva genom sin egen skapelseprocess.
Efter utställningens stängning publicerade Diana Shpungin och Smack Mellon en tillhörande katalog, även med titeln Always Begin At The End . Förutom att dokumentera konstverket innehåller publikationen flera skrifter om innehållet i showen: en introduktion av curator Rachel Vera Steinberg, en essä av kritikern och filosofen Darla Migan, en intervju mellan Shpungin och curator Gabriel de Guzman, och ett diktverk. av konstnären själv. I Migans essä, To Make Bare The Shadow: On Diana Shpungin's Always Begin At The End , skriver hon: "De objekt som utgör ABATE repeterar performativt motsättningarna mellan tidens ostoppbara marsch och vår förmåga att omorientera livets arrangemang från vad som än finns kvar. Tillgänglig för pågående manipulation. Genom att rulla in eller snurra ut från olika misslyckanden i så kallade "framsteg", detta vinglande mellan akut kritik och långsammare kontemplation känns i Shpungins upprepande upprepningshandlingar." Boken designades av Shpungin och designern Grant Carmichael på ett sätt så att den kan läsas framifrån och bakifrån eller vice versa, för att hålla sig till temat och titeln på själva showen.
"Dag för natt"
I samband med Always Begin At The End hölls en föreställning den 3 februari 2022. Med titeln Day For Night inkorporerades en hybrid av experimentell dans och balett, koreograferad av Shpungin i samarbete med den klassiskt utbildade balettdansösen Tatiana Nuñez, som framför den bit. Ett originellt experimentellt partitur av den berömda musikern Mick Rossi (från Philip Glass Ensemble ) ackompanjerar föreställningen, där han inkorporerade Shpungins eget ostämda amatörspel på hennes barndomspiano som skickades från Riga , Lettland . Day For Night har också kostymdesign av den berömda NYC mode- och kostymdesignern David Quinn, som använde skulpturverket från ABATE som inspiration. Titeln Day For Night , som också är titeln på partituret, refererar till filmen från 1973 av François Truffaut som berömt använde ett filter på kameralinsen för att förvandla bilder som tagits under dagtid till nattscener.
Utställningar och press
Shpungin har ställt ut mycket på både nationella och internationella arenor inklusive: The Bronx Museum of Art i Bronx , NY ; SculptureCenter i Long Island City , NY ; Bass Museum of Art i Miami , FL ; Locust Projects i Miami , FL ; Franconia Sculpture Park i Minneapolis , MN ; Futura Center for Contemporary Art i Prag , Tjeckien ; Tomio Koyama Gallery i Tokyo, Japan ; Carrousel du Louvren i Paris , Frankrike ; Invisible-Exports i New York , NY ; Stephan Stoyanov Gallery i New York , NY ; Marc Straus Gallery i New York , NY ; Brooklyn Museum of Art i Brooklyn , NY ; Webbplats:Lab i Grand Rapids , MI ; Aldrich Contemporary Art Museum i Ridgefield , CT , och Smack Mellon i Brooklyn , NY
Hennes arbete har recenserats i publikationer som Artforum , Flash Art , New York Magazine , Art in America , The New York Times , Timeout London och Le Monde bland andra. Hennes arbete var föremål för ett avsnitt av PBS :s Art Assignment, "Object Empathy" och citerades i inledningen av Jerry Saltz bok "Seeing Out Louder".
Utmärkelser
Shpungin tilldelades 2019/20 Pollock Krasner Foundation Grant och 2017 New York Foundation for the Arts Fellowship in Sculpture och har mottagit utmärkelser, stipendier och residenser med MacDowell, Art Omi, CEC Artslink, Dieu Donne, The Lower Manhattan Cultural Council, VLA Art and Law, Bronx Museum AIM Program, Guttenberg Arts, Islip Carriage House.
Vidare läsning
- Saltz, Jerry. Seeing out Louder: Art Criticism, 2003–2009. Lenox, MA: Hard Press Editions, 2009.
- Diana Shpungin. Teckning Av Ett Hus (Triptyk). Grand Rapids, MI: SITE:LAB, 2016.