Chaim Koppelman

Chaim Koppelman
Koppelman 1981 (foto av Robert Bianchi)
Född	( 1920-11-17 ) 17 november 1920 Brooklyn , New York City, New York
dog	6 december 2009 (2009-12-06) (89 år) Manhattan , New York City
Nationalitet	amerikansk
Utbildning	American Artists School , Art Students League , School of Creative Arts , Bristol, École des Beaux Arts , Amédée Ozenfant
Känd för	grafik , skulptur, målning, teckning
Make	Dorothy Myers
Hemsida	http://chaimkoppelman.net

Chaim Koppelman (17 november 1920 – 6 december 2009) var en amerikansk konstnär, konstpedagog och konsult för estetisk realism . Mest känd som grafiker producerade han också skulpturer, målningar och teckningar. Medlem av National Academy of Design sedan 1978, var han ordförande för Society of American Graphic Artists (SAGA), som gav honom en Lifetime Achievement Award 2004. Han etablerade Printmaking Department of School of Visual Arts 1959, och undervisade där fram till 2007.

Koppelman var en tidig student i estetisk realism, filosofin som grundades 1941 av Eli Siegel , som bygger på principen "All skönhet är att skapa en av motsatser, och att skapa en av motsatser är vad vi går efter i oss själva" . Denna princip informerade Koppelmans konst, undervisning och hans arbete som konsult för estetisk realism. Om vikten av denna princip för konsten och livet, sa Koppelman, "När Eli Siegel visade att det som gör ett konstverk vackert – motsatsernas enhet – är detsamma som varje individ vill ha, var det en av de mäktigaste och vänligaste. prestationer av människans sinne".

Koppelmans konst är känd för sin originalitet, mästerliga teknik, humor och kraft. Han är representerad i de flesta stora tryckta samlingarna, inklusive New Yorks Museum of Modern Art , Guggenheim Museum , Whitney Museum , Metropolitan Museum , New York Public Library , Brooklyn Museum , Philadelphia Museum of Art , National Gallery , Smithsonian Institution och Hirshhorn Museum and Sculpture Garden i Washington, DC och Victoria and Albert Museum i London. En retrospektiv utställning på Museo Napoleonico i Rom (2011–12) exponerade hans verk för en internationell publik.

tidigt liv och utbildning

1929 skiss

1941, Guggenheim-samlingen utan titel

Chaim Koppelman föddes i Brooklyn , New York City, till Sam och Sadie Koppelman, vars bilder förekommer i flera av hans verk. Vid 9 års ålder ritade han en profil av Napoleon i en geografibok, och bilder av kejsaren skulle dyka upp igen under hela hans långa karriär. Han började sin konststudie i Works Progress Administration (WPA) klasser vid Brooklyn Museum 1936 och fortsatte vid Brooklyn College , Educational Alliance och American Artists School . Han studerade skulptur hos William Koss, abstrakt målning hos Carl Holty och litografi hos Eugene Morley. På Art Students League studerade han skulptur hos Jose de Creeft och etsning hos Martin Lewis och Will Barnet .

I början av 1940-talet arbetade Koppelman på Museum of Non-Objective Painting på 54th Street på Manhattan (som senare blev Guggenheim Museum) med bland andra Jackson Pollock , Robert De Niro, Sr. , Rolph Scarlett, Lucia Autorino och Ward Jackson. Två av hans tidiga abstrakta penn- och bläckteckningar finns i Guggenheim-samlingen. Den första inspelade utställningen av Koppelmans verk hölls i Lounge Gallery of the Eighth Street Playhouse 1942 och inkluderade teckningar, målningar och skulpturer. Året därpå hade han en separatutställning på Outlines Gallery i Pittsburgh.

Estetisk realism och konstnärlig utveckling

1940 började Koppelman delta i poesiklasser med Eli Siegel, den amerikanske poeten och kritikern som först kom till nationell uppmärksamhet 1925, när hans dikt "Hot Afternoons Have Been in Montana" vann det uppskattade poesipriset The Nation . Denna dikt, sade Siegel senare, uppstod från ett sätt att se att det 1941 blev estetisk realism, filosofin att verkligheten är estetisk och att "Lösningen av konflikter i mig själv är som att göra en av motsatser i konsten." Enligt Koppelmans åsikt var Siegel "1900-talets viktigaste filosof – kanske genom tiderna".

I lektioner och lektioner i estetisk realism lärde Koppelman att etiska problem också är konstnärliga problem. Han kände att hans arbete led av en kamp mellan stelhet och flexibilitet. Han lärde sig att han kunde gå efter precision i studion som bot för att vara slarvig vid andra tillfällen, vilja komma bort från saker. När frihet och ordning, sanning och fantasi blev mer integrerade i hans liv, blev hans konst mer fantasifull. "Jag hade alltid haft en klassisk inställning i mitt arbete", skrev han. "Men det fanns också en vildhet i mig som inte hade kommit in i mitt arbete tillräckligt eller graciöst." Som ett resultat av sin studie, noterade Koppelman, "Täthet och övergivenhet, det klassiska och det vilda, till och med de konservativa och rebellen verkade arbeta bättre tillsammans" vilket resulterade i konst som var "mer fantasifull, friare i konceptet". Fantasinens djärvhet och en osviklig känsla för detaljer var två egenskaper som Koppelmans arbete blev uppmärksammat för.

Han lärde sig också att konst inte uppstår ur lidande eller depression, utan snarare ur hoppet att respektera och ärligt tycka om världen genom att se motsatser som en. Detta är, enligt den estetiska realismen, varje människas djupaste önskan, men det motarbetas av begäret efter förakt – den falska föreställningen att man lägger till sig själv genom att minska värdet av andra saker. Koppelmans konst är genomsyrad av hans förståelse för denna konflikt. Hans verk är ofta allegorier som pekar på diskrepansen mellan, och behovet av att integrera, motsatser som stolthet och ödmjukhet, generositet och själviskhet, idealism och cynism. "Att konst skulle kunna vara ett medel för att förstå individuellt beteende verkar alltid ha inspirerat Koppemans kreativa process" skrev John B. Ravenal från Virginia Museum of Fine Arts och noterade att hans verk "erbjuder intim återgivning av noggrant observerade detaljer, som paradoxalt nog , de framkallar universella sanningar".

Siegel: Det finns en tendens från din sida att separera den djupa uppfattningen av verkligheten. Och en av sakerna man måste gå efter är att känna att när man mår bra är man lika djup som när man mår dåligt. Och det här tror jag inte du har känt ännu. Ta kampen mellan Delacroix och Ingres. Ingres gick efter konturer och form och något jämförelsevis återhållsamt, och Delacroix gick efter mycket rörelse och färg. Finns det nu krigföring i dig?

Koppelman: Ja.

Siegel: Det tar många former. Du kommer inte att vara fri om konst förrän din rörelse, din krusning, ditt flöde ses som detsamma som din exakthet, din stelhet, din grymhet. Jag tror att du tror att du är som djupast när du lider. Ser du vad jag menar?

– från en estetisk realismlektion av Chaim Koppelman med Eli Siegel, 2 juni 1949 Chaim Koppelman, This Is the Way I See Aesthetic Realism (NY: Terrain Gallery & Definition Press, 1969)

I november 1942 värvades Koppelman till den amerikanska armén och 1943 gifte han sig med målaren Dorothy Myers. Han arbetade som radioväderman under andra världskriget och ledde fartyg genom det grova vattnet i Engelska kanalen , som var en kritisk del av invasionen av Normandie . Han bemannade ett luftvärnsmaskingevär i D-Day- landningen på Omaha Beach och belönades senare, som stabssergeant, med en bronsstjärna . Före invasionen hade han kunnat studera vid Art College of Western England i Bristol, och senare vid École des Beaux-Arts i Reims. Under ledigheten besökte han Picassos ateljé i Paris, och det var Picasso och Louis Aragon som berättade för Koppelman att kriget i Europa var över. Brev som beskriver hans erfarenheter från krigstid finns i Chaim och Dorothy Koppelmans tidningar på Smithsonian Archives of American Art.

När han återvände till New York, fortsatte Koppelman sina studier av estetisk realism, och under GI Bill studerade han vid Amédée Ozenfant School och blev Ozenfants assistent. Samtidigt som han fortsatte att ställa ut skulpturer och teckningar började han också trycka, ett medium som, sa han, kombinerar skulpturens snidningskvalitet med finesser av ljus och skugga i teckning och målning.

Sättet etsning är både kritiskt och vänligt, kom jag att älska. Den har en grävande, kritisk, bitande kvalitet. Men det kan också ge effekter av de mildaste ljusen och skuggorna. Etsning är på en gång mild och skarp – och jag ville sätta ihop dessa motsatser i mig själv. När jag tar etsnålen i handen blir växlingen fixerad, det däremellan bestämt, det dunkla klara, det dolda sett, det retande full hals.

Chaim Koppelman

• 

  Combat (1958) Akvatint

• 

  Homage a Degas (1960) Etsning/Aquatint

• 

  Gentleness (1962) Etsning/Aquatint

• 

  Intaglio Angel (1966) Akvatint

Inflytande i konstgemenskapen

Robert Blackburn workshop, Foto: Lou Dienes, 1959

I början av 1950-talet var Koppelman en del av Stanley William Hayter Atelier 17 i New York. Senare arbetade han på Printmaking Workshop som grundades av Robert Blackburn och Will Barnet. Blackburn krediterade Koppelman för att rädda verkstaden när den stod inför ekonomiska svårigheter 1956, genom att omvandla den till ett artistkooperativ med sju medlemmar med årliga avgifter för att hålla dörrarna öppna.

Blackburn, Chaim och Dorothy Koppelman, och Leo Katz – chefen för Atelier 17 efter Hayter – var bland de konstnärer som deltog i skönhetskonferenser och konstutredningar genomförda av Eli Siegel, klasser där han diskuterade aktuella verk av samtida konstnärer med de närvarande konstnärerna och deltar. "Djupet av diskussionerna som ägde rum", skrev Koppelman senare, "uppmuntrade konstnärerna att förstå djupare vad deras arbete handlade om och vad deras avsikt var".

Chaim Koppelman på Terrain Gallery, NYC, juni 1956 Foto: Lou Dienes

1955 öppnade Terränggalleriet med Dorothy Koppelman som grundare. Hon och Chaim Koppelman, som tryckkurator, ansvarade för stora tryckta utställningar som inkluderade verk av Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Alex Katz , Ad Reinhardt , Fay Lansner, John von Wicht, Leonard Baskin , Robert Conover, Will Barnet, Harold Krisel , Vincent Longo och andra. Terrängens motto var Siegels uttalande: "I verkligheten är motsatser en; konsten visar detta." Galleriet höll utställningar av samtidskonst, med verk som ofta åtföljdes av konstnärernas kommentarer till Siegels femton frågor, Is Beauty the Making One of Opposites? , publicerad av Terrain och omtryckt i The Journal of Aesthetics and Art Criticism . Efter enmansvisningar på terrängen hade både Chaim och Dorothy Koppelman verk inkluderat i 1962 års utställning "Recent Painting USA: The Figure" på Museum of Modern Art.

Koppelman öppnade sin egen ateljé och grafisk verkstad 1964 på 498 Broome Street, som banbrytande för SoHo-konstnärernas community. Broome Street Workshop förblev öppen i mer än fyrtio år och användes och togs om hand av olika artister, inklusive Michael DiCerbo, Sally Brody, Carl Shishido, Reynolds Tenezias och andra.

Vietnam (1965)

1967 höll Terränggalleriet en utställning till förmån för napalmbrända och handikappade vietnamesiska barn. Med titeln All Art Is for Life and Against the War in Vietnam inkluderade den verk av 105 målare, skulptörer, grafiker och fotografer. "Vietnam", en Koppelman-akvatint ursprungligen i terrängutställningen, ingår i The Indignant Eye: The Artist as Social Critic in Prints and Drawings from the Fifteenth Century to Picasso, av Ralph E. Shikes, som citerar Koppelman om hans konstnärliga avsikt: "Jag ville ha en känsla av en mammas värdighet mitt i tragedin."

Vår orättvisa, Vietnam (1970)

"Our Injustice, Vietnam", ett präglat tryck med metallfärg på papper, beskrivet som ett "stark politiskt uttalande" i The New York Times, finns i samlingarna på Whitney Museum of American Art och Brooklyn Museum.

Koppelman fick i uppdrag 1968 att intervjua Roy Lichtenstein, Richard Anuszkiewicz och Clayton Pond om relevansen av Siegel Theory of Opposites för deras arbete. Inspelningar av dessa intervjuer är en del av Smithsonian Archives of American Art. Året därpå dök essäer av Dorothy och Chaim Koppelman upp i boken, Aesthetic Realism: We Have Been There – Six Artists on the Siegel Theory of Opposites (New York: Definition Press, 1969).

Efter att ha testat sina estetiska koncept i bokstavligen tusentals verk från olika perioder, i olika stilar, i olika medier, i mer än tjugo år, säger jag att Eli Siegels Teori om motsatser är nyckeln till vad som är bra eller vackert i konst. Jag har sett att ju större konstverket är, desto rikare, mer överraskande och subtil blir spelet och sammansmältningen av de motsatta egenskaperna i det. I ett dåligt konstverk finns motsatserna, men antingen slåss de för mycket, eller så är de slappa där ... Föraktet är konstens största fiende ... Föraktet är enligt Estetisk realism skillnaden mellan vad en sak förtjänar och vad vi ger den ... Skönhet kan bara uppstå från ett sinne som är rättvist, vill se saker exakt och ge dem all den mening de förtjänar. Man kan inte byta från förakt utanför till respekt i studion, och komma undan med det.

Estetisk realism: Vi har varit där

Kritiskt mottagande och utmärkelser

Koppelmans tryck jämfördes med William Blake och Francisco Goya . ARTnews skrev om hans "superbra användning av allegori." Kritiker berömde hans arbete på Terrain Gallery, Kennedy Gallery, RoKo Gallery, Brooklyn Museum, National Academy of Design och National Gallery i Washington, DC "Koppelmans angelägenhet är människan, god och ond ... Han är en superb tekniker vars arbete har storslagenhet och känslomässig inverkan", skrev Bennett Schiff. "Chaim Koppelman för med sig ett helt nytt koncept och teknik till området för grafisk konst", skrev kritikern och gallerichefen Sylvan Cole, Jr. "Siegels teori om motsatser har haft en djupgående effekt på hans arbete". Una Johnson , Curator emeritus of Prints and Drawings vid Brooklyn Museum sa: "Han har utnyttjat sina färdigheter och sitt oblinkande bildspråk till vår tids oroliga, ofta kontroversiella problem." Medkonstnären Will Barnet sa: "Han var briljant, både i grafik och målning. Hans verk har en känsla av mörker och ljus som är unik ... Det fanns denna djuphet i honom och denna känsla av mänsklighet. Och det utvecklades genom Estetisk realism".

Koppelman fick SAGA Markel-priset 1956 och Tiffany Grants 1967 och 1969. Han representerade USA i Documenta II-utställningen, Kassel, Västtyskland 1969. I SAGAs årliga utställning 1967 belönades Koppelmans tryck "Exodus" Vera Listpriset. Året därpå visades och diskuterades hans verk på Channel 31, WNYC-TV. 1976 vann han ett CAPS-stipendium (Creative Artists Public Service) i New York för en serie litografier med titeln Closeness and Clash in Couples and Domestic Life . 1998 vann hans kolteckning "The Dark Angels" Gladys Emerson Cook Award för allmän excellens från National Academy. 1992 mottog Koppelman, Blackburn och Barnet en New York Artists Equity Award för deras engagerade service till tryckeriet. Legends of the Printmaking Workshop , en utställning 2011 på LaGrange Museum i Georgia, innehöll tryck av alla tre konstnärerna och Tom Laidman, utvald av, och nu en del av, samlingen av Wesley Cochran.,

Undervisning, skrivande och senare arbete

Självporträtt (ca 1980), personlig samling

1959 började Koppelman tryckeriavdelningen vid School of Visual Arts, där han undervisade fram till 2007. Han undervisade också vid National Academy, New York University , SUNY New Paltz , Rhodes Preparatory School och 92nd Street Y. 1971 blev han konsult vid fakulteten för den icke-vinstdrivande stiftelsen Aesthetic Realism Foundation. Som en del av trion, The Kindest Art, gav han konsultationer till konstnärer och andra och lärde att konsten svarar på den djupaste frågan i livet: hur man kan vara helt sig själv genom att vara rättvis mot omvärlden. Han lärde ut konsten att teckna: yta och djup . Han studerade estetisk realism hos Eli Siegel fram till 1978, och sedan i professionella klasser hos utbildningsordföranden Ellen Reiss.

Hans vetenskapliga författarskap som konsult för estetisk realism som visar förhållandet mellan konst och liv inkluderar överväganden om skulptörerna Augustus Saint-Gaudens och Jacques Lipchitz liv och verk ; målarna René Magritte , Giorgio de Chirico , Henri Matisse , Rembrandt , Fernand Léger , Henri de Toulouse-Lautrec , Masaccio ; och många amerikanska tryckare. Han är författare till The Art of the Print , essäer om verk av Picasso, Daumier , Munch , Hogarth och Duane Hanson . Hans teckningar illustrerar Siegels bok, Damned Welcome: Aesthetic Realism Maxims (New York: Definition Press, 1972, 2011).

Även om Koppelman mestadels var känd för sitt arbete i svart och vitt, tog Koppelmans måleriska intresse för färg en ny form på 1970-talet, när han började använda färg i sina tryck. Efter 1980 arbetade han allt mer med pastell och akvarell.

• 

  Över SoHo (ca 1970-tal) Litografi

• 

  Över Brooklyn (1975) Litografi

• 

  Not There (1976–77) Litografi

• 

  Oroväckande stilleben (1978) Pastell

• 

  The Kind Messenger (1986) Handfärgad etsning, Collage

• 

  Min röda tekanna (1979) Pastell

• 

  Stilleben (nd) Pastell

• 

  Peaches (1980) Pastell

Samlingar och utställningar

Koppelmans verk visas i stora tryckta samlingar, inklusive Museum of Modern Art, Metropolitan, Whitney, Brooklyn och Guggenheim Museum; Peabody Essex Museum , Yale University Art Gallery , National Gallery, Pennell Collection-Library of Congress, Minneapolis Institute of Art , Los Angeles County Museum , Walker Art Center , Victoria and Albert Museum i London, Fine Arts Museum i Anchorage , och Museum of Fine Arts i Caracas. Både Chaim och Dorothy Koppelman förde "objektböcker" som började 1949, innehållande skisser av vanliga föremål tillsammans med, på förslag av Eli Siegel, tre beskrivande meningar om varje föremål. Dessa skisser och anteckningar fortsatte till år 2000, och vissa volymer är bland Chaim och Dorothy Koppelmans papper i Smithsonian Institutions Archives of American Art-samling.

År 2000 hölls en retrospektiv utställning av Koppelmans verk på papper på galleriet Beatrice Conde. Chaim Koppelman dog den 6 december 2009 av naturliga orsaker på Beth Israel Medical Center på Manhattan , New York City. En minnesutställning som sträckte sig över sju decennier av hans arbete hölls på Terränggalleriet 2010.

Museo Napoleonico utställning

Möte (2007) Pastell

Under Koppelmans långa karriär är bilden av Napoleon återkommande, och en retrospektiv utställning med över åttio verk och studier som handlar om Napoleon hölls på Museo Napoleonico i Rom (11 oktober 2011 – 6 maj 2012). Med titeln Napoleon Entering New York: Chaim Koppelman and the Emperor, Works 1957–2007, inkluderade den målningar, pasteller, teckningar, collage, akvareller, intaglioetsningar, linosnitt och många av konstnärens anteckningar på papper. Utställningen innehöll också ett urval från en föreläsning som Siegel höll 1951, Napoleon Bonaparte: eller, Ordna energi, som Koppelman hade deltagit i och som han tillskrivs ha inspirerat mycket av det visade arbetet.

Napoleon hade en häftig önskan om ordning och reda och hans önskan om ordning gjorde honom mycket energisk ... Napoleon kände djupt att alla människor hade med varandra att göra och att det förflutnas orättvisor borde förändras till något som framkallade förmågorna hos alla människor. Å ena sidan ser vi hos honom en enorm önskan om demokrati, och å andra sidan ett enormt ego, en enorm önskan om makt. Förvirringarna ... pekar på förvirringarna i oss. Vi vill bli välkomnade av massorna, men vi vill ge näring till våra själviska själar.

Eli Siegel

• 

  Napoleon och jag (nd) Litografi

• 

  Napoleon kommer in i New York (ca 1957) Akvatint

• 

  Napoleon kommer in på Coney Island (1957) Etsning

• 

  "Napoleon som indian" (nd) Gouache

• 

  Napoleoner på Alligatorer (1963) Etsning

• 

  Napoleon Entering Brighton Beach (1981) Pastell

• 

  Napoleon och den lilla dansaren (nd) Akvarell

• 

  Napoleon Alone (nd) Akryl och oljepastell

I sin recension, "Chaim Koppelmans Napoleon Entering Brighton Beach, Coney Island", skrev konstnären Richard Sloat, tidigare president för SAGA: "I sin konst skapade Chaim Koppelman berättelser om vårt inre... För Napoleon att Att leda sin armé på reträtt längs strandpromenaden på Coney Island är lite heroiskt, lite tragiskt, lite roligt, lite absurt, men också härligt. Är inte detta en underbar metafor på att vi lever det här livet?"

I sin granskning av denna utställning beskrev den italienska dagstidningen Corriere della Sera Koppelman som "en av de största amerikanska tryckerierna".

Böcker och essäer

• Koppelman, Chaim (1969). Det är så jag ser estetisk realism . New York: Terrain Gallery & Definition Press.
•   Koppelman, Chaim (1969). "Jag tror det här om konst". I Kranz, Sheldon (red.). Estetisk realism: Vi har varit där – Sex artister på Siegel Theory of Opposites . New York: Definition Press. ISBN 978-0-910492-11-9 .
•   Koppelman, Chaim (2004). Fyra uppsatser om tryckets konst . New York: Orange Angle Press. ISBN 978-0-9759813-0-6 .
•   Koppelman, Chaim (24 juli 2003). "Skulpturen av Augustus St. Gaudens: dess betydelse för våra liv" . Southampton Press . ISSN 0745-6484 .

externa länkar

• Officiell hemsida