Annabeth Rosen

Annabeth Rosen
Född	1957 (65–66 år) Brooklyn, New York , USA
Nationalitet	amerikansk
Alma mater	Cranbrook Academy of Art , New York State College of Ceramics vid Alfred University
Känd för	Skulptur, keramik, teckning
Utmärkelser	Guggenheim Fellowship , American Academy of Arts and Letters , National Endowment for the Arts , American Craft Council
Hemsida	Annabeth Rosen

Annabeth Rosen (född 1957) är en amerikansk skulptör mest känd för abstrakta keramiska verk, såväl som teckningar. Hon anses vara en del av en andra generation av Bay Area keramiska konstnärer efter California Clay Movement , som har utmanat keramiska traditioner som involverar uttryck, form och funktion och hjälpt till att sporra mediets acceptans i mainstream samtida skulptur. Rosens skulpturer sträcker sig från monumentala till bordsstorlekar, och kommer fram ur en ackumulerande bricolageprocess som kombinerar dussintals eller hundratals tillverkade delar och lerfragment och kasserade. Recensenter karakteriserar hennes konst som medvetet rå, både muskulös och oavlåtet feminin, och mycket abstrakt men ändå allmänt refererande i sina förslag på humanoida, botaniska, akvatiska, artificiella, till och med science-fiction kvaliteter. Kritikern Kay Whitney skrev att hennes verk är "visceralt i sin effekt, till och med våldsamt, men också sensuellt och suggestivt" och "svävar mellan komikens och det betande polerna."

Rosen har ställt ut på platser som Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Contemporary Arts Museum Houston , Virginia Museum of Fine Arts , Kyoto Municipal Museum of Art och Yingge Ceramics Museum (Taipei). Hennes verk tillhör de offentliga samlingarna av LACMA, Museum of Fine Arts Boston , Philadelphia Museum of Art och Virginia Museum of Fine Arts, bland andra. Hon har mottagit ett Guggenheim Fellowship , Pew Artists Fellowship, Joan Mitchell Artists Award och United States Artists Award. Rosen är professor i konst vid University of California, Davis .

Annabeth Rosen, Squill , bränd keramik, ståltråd och stålplåt, 30" x 28" x 28", 2006–2007

Tidigt liv och karriär

Rosen är född och uppvuxen i Brooklyn, New York. Hon fick en traditionell utbildning i keramik vid New York State College of Ceramics vid Alfred University (BFA, 1978), innan hon registrerade sig för forskarstudier vid Cranbrook Academy of Art (MFA, 1981). Hon började en lärarkarriär 1985 och tjänstgjorde vid institutioner inklusive School of the Art Institute of Chicago , Rhode Island School of Design , Tyler School of Art and Architecture , University of the Arts och Bennington College . 1997 flyttade hon från östkusten till Davis, Kalifornien för att acceptera en position som Robert Arneson Endowed Chair vid University of California, Davis .

Rosen har blivit erkänd genom inkludering i flera stora keramiska undersökningar, inklusive "The American Way" ( Aberystwyth Arts Center , 1993, resande), "Color and Fire: Defining Moments In Contemporary Ceramics", (LACMA, 2000), "American Ceramics 1950 -1990" (Kyoto Museum of Art, 2002), "Bay Area Ceramic Sculptors: Second Generation" (Daum Museum, 2004), "Overthrown: Clay Without Limits" (Denver Art Museum, 2010) och "New Blue and White " ( Museum of Fine Arts Boston , 2013). Hon har fått bredare uppmärksamhet i sin senare karriär, framför allt genom en tjugoårig undersökning inklusive mer än 120 skulpturer och verk på papper skapade under två decennier, "Fired, Broken, Gathered, Heaped" (2017–9), som monterades på Contemporary Arts Museum Houston, Cranbrook Art Museum och Contemporary Jewish Museum i San Francisco.

Arbete och reception

Annabeth Rosen, "Waver" utställningsbild, Contemporary Arts Museum Houston, 2018

Kritiker har beskrivit Rosens arbete som konceptuellt komplext, som kombinerar feministiska angelägenheter, ödmjuka material och hantverk, dekoration, arbetsintensiva processer och en mycket formell stringens. De antyder att hennes idiosynkratiska tillvägagångssätt både är grundat i traditionell keramikutbildning och kunskap och dedikerad till att utmana mediets normer. Hennes arbete visar lerans mångsidiga och konsthistoriska karaktär, påminner om Robert Arnesons funkhumor , Peter Voulkos expressionism och skala , och verk av andra keramiska innovatörer som Viola Frey , Ken Price och Betty Woodman . Författare lägger lika stor vikt vid Rosens postminimalistiska sammansmältning av formalism med känsla och intuitiv gest, som länkar henne till skulptörerna Eva Hesse , Jackie Winsor , Yayoi Kusama och Lynda Benglis , bland andra.

Rosens skulptur kombinerar i allmänhet betänkligt balanserade och strukturellt täta former, packade gestytor och uttrycksfullt applicerade glasyrer. Kritiker noterar ofta dess störning och förskjutning av perception, med skiftningar mellan detalj och helhet och mikro- och makroskalor, som förmedlar det psykologiska och symboliska genom taktila kvaliteter och figurativa eller arkitektoniska sinnen genom fysisk närvaro. Hon konstruerar sina skulpturer med hjälp av en praktisk, ackumulerande process som är analog med tillväxtmönster som – atypiskt för keramik – inkluderar öppenhet för slumpen, olyckor, tekniska "katastrofer" och pågående experimenterande; Processen inkluderar bland annat glasering, bränning, omlindning eller bindning av skärvor (med tråd eller elastiska band), ombränning och omglasering och att kombinera våt och bränd lera.

Att teckna är också en viktig del av Rosens praktik. Hennes uppslukande, mestadels bläck, gouache och akrylverk består ofta av hela ytor täckta med upprepade, vågliknande gester. Liksom hennes lerbitar betonar de måleriska gester, ackumulering, omedelbarhet och konceptuella och formella experiment, och enligt Art in America- kritikern Glenn Adamson, vittnar de om "vikten av rasande, iterativ markering för hennes praktik."

Annabeth Rosen, Prov , bränd och glaserad keramik på stålstativ, 28" x 108" x 80", 1999

Tidigare arbete

Rosens arbete under den första hälften av hennes karriär återspeglade hennes traditionella keramikutbildning och - särskilt efter flytten till Kalifornien - ett intresse för naturen. Det sträckte sig från höga keramiska utomhusskulpturer till skärande geometriska teckningar med svart bläck till tjocka platt- och kakelbaserade plattor som spirade täta, vertikala ansamlingar av modellerade organiska former. I de senare verken noterade kritiker släktskap med historisk arkitektonisk ornamentik – della Robbias terrakottaplattor, dekorativa aspekter av Gaudi och Louis Sullivan , eller den myllrande statyen av hinduiska tempel – såväl som med geologiska tvärsnitt. Sample (1999) är en representativ del, bestående av ett ungefär 10' gånger 16' rutnät av kvadrater, tätt med slingrande, tentakulära former staplade i två lager och upphöjda på ett stålställ. Maria Porges ansåg att det gulglaserade verket var "en barock, feministiskt böjd motsvarighet till Carl Andres dora modulära golvstycken: naturens fruktsamhet riffar på minimalismens ibland humorlösa torrhet."

Rosens show "Moving in Place" (2003) innehöll abstrakta, squatty agglomerationer av former som antydde framväxande frökapslar, kalebasser, frukt och mänskliga organ med ytor av kritvitt slip bränt över djupfärgade glasyrer (t.ex. Chromus , 2000). Recensioner jämförde verkens spöklighet med de vitpudrade ansiktena från klassisk kinesisk teater, afrikansk ansiktsmålning eller efterdyningarna av en okänd katastrof. skrev om det skaftiga, lökformade verket Cinctus I (2003), liknade Ken Johnson det vid en "uråldrig form av spöklik, månbelyst antikvitet [vars] tunga, lätt hotfulla muskulatur" erbjöd ett spännande alternativ till den typiska förfining av keramik.

"Mash-ups", "Bundlade konstruktioner" och "Mound" skulpturer

Annabeth Rosen, Wave II , bränd och glaserad keramik trådad till stålarmatur, 71" X 60" x 28", 2017. Visad med Sol LeWitt väggmålning (bakgrund), Cranbrook Art Museum, 2018.

I mitten av 2000-talet övergick Rosen till mer löst komponerade stycken som hon kallade "mash-ups" och "bundled constructions", som sträckte sig från piedestal- (t.ex. Squill , 2006–7) till människostorlek. Granskarna noterade det breda utbudet av naturliga och kulturella associationer som skulpturerna framkallade – forskare stenar och trädgårdstomtar, havstulpaner som sprider sig på stenar, bikupor, främmande växter eller rituella föremål. De större verken bestod vanligtvis av många individuellt modellerade biomorfa element, staplade och sammanbundna med tråd- eller gummiremsor och till synes på väg att välta, som hölls upprätt av höga metallarmaturer vilande på hjul, som hjulkärror. Deras rundade, klotformade former - omväxlande maskliknande, lökliknande, knotiga, vegetabiliska eller organliknande - var ofta glaserade i levande nyanser av grönt och gult, och i vissa fall sammanflätade med svarta och vita rörformade former i särskilt asymmetriska sammansättningar.

Kenneth Baker skrev att stycken som Bunny (2011) – ett tätt kluster av vridande former som täcks av en knölformad gul figur – uppvisade "en ton av komisk grotesquerie" vilket gjorde dem lämpliga "emblem av en kultur där röstlös instinkt uttrycker sig som överflöd - av ackumulering, konsumtion, impulsivitet eller makt." 2014 David Cohen sådana verk som "monumenalt fåniga tours de force av konstruktionsmässig komplexitet och formell singularitet [med] skulpturala personligheter som är lika trotsigt närvarande som de är svårfångade eller ambivalenta att karakterisera." Han och andra liknade deras förvånansvärt animerade mänskliga egenskaper, växelvis med Medusa, absurda Philip Guston -verk som väcks till liv, vridande själar i en scen från Dante och "de seniga förvrängningar" av den maneristiska skulptören Giambologna .

Under det senare 2010-talet började Rosen producera högliknande verk som liknade lutande höstackar, steniga klippor eller smältande snögubbar. Dessa inkluderade mindre stycken som Boogaloo (2015) – en bränd manganlila och vit keramisk massa med sprucken glasyr och ett ursprungligt utseende – och enorma verk som Wave II (2017), en böljande vit-svartrandig massa av lökar och rör som "lutade sig" på en stålarmatur och framkallade både vatten i rörelse och en poserad odalisque. Rosens utställning, "Tie Me to the Mast" (PPOW, 2017), inkluderade Bank and Parcel (2011–8), två sex fot höga torn sammansatta av rör, kalebasser, bollar och blobbar trådade och staplade på en docka med hjul som Konst i Amerika kallas "lustiga i sin hängande antropomorfism."

Priser och offentliga samlingar

Rosen har tilldelats stipendier från Pew Center (1992), United States Artists (2016) och John S. Guggenheim Foundation (2018). Hon har mottagit utmärkelser från National Endowment for the Arts (1979, 1986), Pennsylvania Council on the Arts (1988), Joan Mitchell Foundation (2011) och American Academy of Arts and Letters (2018) och valdes in i American Craft Council College of Fellows 2020.. Hon har tilldelats konstnärsresidenser från The Fabric Workshop and Museum , Bemis Center for Contemporary Arts , Watershed Center for the Ceramic Arts och University of the Arts (Philadelphia) .

Rosens verk tillhör de offentliga samlingarna av Los Angeles County Museum of Art, Philadelphia Museum of Art, Crocker Art Museum , Daum Museum of Contemporary Art , Denver Art Museum , Everson Museum of Art , Fine Arts Museum of San Francisco , Museum of Fine Arts Boston, Oakland Museum of California och Virginia Museum of Fine Arts, bland andra.

externa länkar

• "Vad är viktigt för Annabeth Rosen?" UC Davis