Tarō Okamoto

Tarō Okamoto
Tarō Okamoto.jpg
Född ( 1911-02-26 ) 26 februari 1911
Byn Takatsu , Kawasaki, Kanagawa, Japan
dog 7 januari 1996 (1996-01-07) (84 år)
Känd för Måleri, väggmålningar, skulptur, konstteori
Rörelse Avantgarde

Tarō Okamoto ( 岡本 太郎 , Okamoto Tarō , 26 februari 1911 – 7 januari 1996) var en japansk konstnär, konstteoretiker och författare. Han är särskilt känd för sina avantgardemålningar och offentliga skulpturer och väggmålningar, och för sin teoretisering av traditionell japansk kultur och avantgardistiska konstnärliga praktiker.

Biografi

Tidigt liv (1911–1929)

Taro Okamoto var son till serietecknaren Okamoto Ippei och författaren Okamoto Kanoko . Han föddes i Takatsu , i Kawasaki, Kanagawa Prefecture .

1927, vid sexton års ålder, började Okamoto ta lektioner i oljemålning av konstnären Wada Eisaku . 1929 gick Okamoto in på Tokyo School of Fine Arts (idag Tokyo University of the Arts ) i oljemålningsavdelningen.

Tid i Europa (1929–1940)

1929 följde Okamoto och hans familj med sin far på en resa till Europa för att täcka Londons sjöfördrag 1930. Medan han var i Europa tillbringade Okamoto tid i Nederländerna, Belgien och Paris , där han hyrde en studio i Montparnasse och skrev in sig på en lycée i Choisy-le-Roi . Efter att hans föräldrar återvänt till Japan 1932 stannade han kvar i Paris till 1940.

Mycket av Okamotos formativa utbildning skedde under hans vistelse i Paris. 1932 började han delta i klasser vid Sorbonne och skrev in sig på litteraturavdelningen där han studerade filosofi och specialiserade sig på estetik . Han deltog i föreläsningar om hegeliansk estetik av Victor Basch . År 1938 började Okamoto, tillsammans med många andra parisiska konstnärer vid den tiden, studera etnografi under Marcel Mauss , och han skulle senare tillämpa denna etnografiska lins på sin analys av japansk kultur.

Okamoto började också etablera sig som målare i Paris och arbetade med de parisiska avantgardekonstnärerna . Han inspirerades av Pablo Picassos Pitcher and Bowl of Fruit (1931) som han såg på Paul Rosenberg Gallery, och 1932 började han med framgång skicka in sina egna målningar för utställning på Salon des surindépendants, för vilka han fick några positiva recensioner . 1933-1936 var han medlem i gruppen Abstraction-Création , och visade verk på deras utställningar. Han deltog i den franska intellektuella diskussionsgruppen Collège de Sociologie och gick med i det hemliga sällskapet som grundades av Georges Bataille , Acéphale . Hans målning Itamashiki ude ("Sårad arm") ingick särskilt i den internationella surrealistiska utställningen i Paris 1938.

Okamoto träffade och blev vän med många framstående avantgardekonstfigurer i Paris, inklusive André Breton , Kurt Seligmann , Max Ernst , Pablo Picasso , Man Ray , Robert Capa och Capas partner, Gerda Taro , som antog Okamotos förnamn som efternamn.

Krigstid (1940–1945)

andra världskrigets utbrott . Han fann en viss konstnärlig framgång i Japan när han återvände, och vann Nika-priset på den 28:e Nika konstutställningen 1942. Samma år hade han också en separatutställning med verk som han hade slutfört i Europa, på Mitsukoshi- varuhuset i Ginza .

1942 kallades Okamoto in i armén som en konstnär med uppgift att dokumentera kriget och lämnade för tjänst i Kina . Han återvände till Japan 1946 efter att ha tillbringat flera månader i ett krigsfångläger i Chang'an . Under hans frånvaro förstördes hans familjehem och alla hans verk i ett flyganfall .

Efterkrigstidens verksamhet (1946–1996)

1946–1950

Efter kriget etablerade Okamoto en studio i Kaminoge, Setagaya , Tokyo . Han blev medlem i konstnärsföreningen Nika-kai ("Second Section" Society) 1947 och började regelbundet visa verk på Nika konstutställning. Han började också hålla föredrag om europeisk modern konst och började publicera sina egna kommentarer om modern konst. 1948 etablerade han och konstkritikern Kiyoteru Hanada gruppen Yoru no Kai ("Nattsällskapet"), vars medlemmar försökte teoretisera konstnärliga uttryck efter kriget. Det upplöstes 1949. Hanada och Okamoto grundade sedan Abangyarudo Kenkyūkai ("Avant-Garde Research Group") som var mentor för yngre konstnärer och kritiker som Tatsuo Ikeda , Katsuhiro Yamaguchi och Yūsuke Nakahara. Så småningom inspirerade dessa grupper yngre artister att bryta av och bilda sina egna avantgardegrupper.

1950–1969

Ett framstående namn i konstetablissemanget, Okamoto började ha en serie separatutställningar på 1950-talet, på sådana prestigefyllda platser på konstgallerierna i Mitsukoshi -varuhuset i Nihonbashi , Tokyo , och Takashimaya -varuhuset i Osaka . Hans arbete inkluderades i den japanska presentationen vid den andra São Paulo-bienalen 1953 och den 27:e Venedigbiennalen 1954. Okamoto förblev aktiv som Nika-medlem, samtidigt som han ställde ut i den icke-jurierade, icke-prisbelönade Yomiuri Independant Exhibition .

Från 1950-talet till slutet av sin karriär fick Okamoto många offentliga uppdrag för att skapa väggmålningar och stora skulpturer i Japan, inklusive regeringsbyggnader, kontorsbyggnader, tunnelbanestationer, museer och andra platser. Noterbara exempel inkluderar keramiska väggmålningar för den gamla Tokyo Metropolitan Office Building i Marunouchi , designad av Kenzō Tange och färdigställd 1956, och fem keramiska väggmålningar för Tanges Yoyogi National Gymnasium för OS i Tokyo 1964 .

Under 1950-talet teoretiserade Okamoto flera viktiga estetiska idéer som hjälpte till att etablera hans roll som offentlig intellektuell i det japanska samhället. Först skapade han sin teori om "polarism" ( taikyokushugi ), vars deklaration han läste vid invigningen av Yomiuri Indépendant Exhibition 1950. 1952 publicerade Okamoto en inflytelserik artikel om Jōmon-periodens keramik. Den här artikeln var början på ett långt engagemang med det förhistoriska Japan, och hans argument att japansk estetik borde hämta inspiration från den antika Jōmon-perioden hjälpte till att förändra allmänhetens uppfattning om japansk kultur. Han fortsatte att skriva om japansk tradition och blev en av de stora tänkarna som var aktiva i omvärderingen av japansk tradition efter andra världskriget. Han reste senare runt i Japan för att undersöka essensen av japansk kultur och publicerade Nihon Sai-hakken－Geijutsu Fudoki ("Återupptäckt av Japan-konstens topografi") (1962) och Shinpi Nihon ("Mysterier i Japan") ( 1964), rikligt illustrerad av fotografier han tog under sina forskningsresor. Dessa verk var en förlängning av hans etnografiska intresse och att ta hans eget fotografi bidrog till att ge starka bevis för hans observationer.

Som en del av sina resor runt Japan, 1959 och 1966, besökte Okamoto Okinawa . Han slogs av vad han såg som resterna av ett enklare och mer inhemskt liv där. 1961 publicerade han Wasurerareta Nihon: Okinawa bunka-ron ("Forgotten Japan: On Okinawa culture"), som inkluderade många fotografier från hans resa. Boken fick Mainichi Publication Culture Award. Många av Okamotos fotografier återbesökte Okinawa-objekt som redan fotograferats av andra japanska fotografer, som Ihei Kimura och Ken Dōmon . Hans intresse för Okinawa kan ses som en del av ett större modernt japanskt intresse av att se Okinawa som ett kvardröjande förråd av tradition, i motsats till de snabbt moderniserande japanska huvudöarna.

1967 besökte Okamoto Mexiko , där han arbetade på en stor väggmålningsuppdrag och filmade ett program för japansk tv med titeln "Den nya världen: Okamoto Tarō utforskar Latinamerika." Okamoto var djupt inspirerad av mexikansk måleri och såg det som en väg att åter fokusera uppmärksamheten från Japans konstvärld bort från västländer. Han föreställde sig ett partnerskap mellan japanska och mexikanska konstvärldar för att lansera en ny, icke-västerländsk modern konstestetik, och såg släktskap mellan japansk Jōmon - kultur och förcolumbiansk konst i Mexiko. Anspelningar på mexikansk konst skulle dyka upp i hans efterföljande konstverk.

1970–1996

Okamoto fortsatte att resa, skriva och producera offentliga konstverk på 1970-talet. Han började också producera tryck och experimenterade med silkscreen och koppartryck .

Okamotos mest anmärkningsvärda prestation på 1970-talet var hans engagemang vid 1970 års Japans världsutställning i Osaka ( Expo '70 ), för vilken han designade och producerade den centrala temapaviljongen, som inkluderade en monumental skulptur med titeln Tower of the Sun , en utställning i och omkring tornet, och två mindre torn. Det distinkta utseendet på Tower of the Sun påverkades av Okamotos bakgrund i europeisk surrealism , intresse för mexikansk konst och Jōmon- keramik . Paviljongen besöktes av över 9 miljoner människor under Expo '70 och finns idag bevarad i Expo Commemoration Park .

Mot slutet av sin karriär började Okamoto få många fler separatutställningar av sitt arbete. 1986 inkluderades flera av hans tidiga målningar i en stor utställning av japanska avantgardekonstnärer, Japon des Avant-Gardes 1910-1970 i Centre Pompidou i Paris . 1991 donerades hans stora verk till Kawasaki , och ett museum till hans ära öppnades 1999, efter hans död 1996.

Arbete

Konstverk

Målning

Även om mycket få av Okamotos målningar före kriget finns kvar, var han under sin tidiga karriär i Paris intresserad av abstraktion och visade ett antal verk med gruppen Abstraction -Création . Men med tiden blev han missnöjd med begränsningarna av ren abstraktion, och började inkludera mer representativa bilder i sina målningar. Fullbordandet av Itamashiki ude ("Sårad arm") , som förenade abstraktion och representation, övertygade Okamoto om att han borde lämna Abstraction-Création- gruppen och utforska andra sätt att måla. Itamashiki ude , som tycks föreställa en ung flicka genom representationen av en arm, axel, hår och knallröd rosett, innehåller störande nog inget mänskligt huvud eller kropp, och armen i sig trotsar förväntningarna med abstrakta ränder av kött och tuggummirosa toner . Trots att verket firades av surrealisterna i Paris, valde Okamoto att inte gå med i gruppen. Okamotos efterkrigsmålningar, liksom hans väggmålningar och offentliga skulpturer, fortsatte att vara informerade av abstraktion och surrealism , men var också influerade av hans teori om polarism och av hans upptäckt av förhistoriska konster. The Law of the Jungle (1950), en av hans mest kända målningar, föreställer en monstruös röd fiskliknande varelse med en enorm, blixtlåsformad ryggrad som slukar en mänsklig figur. Små människor och djurformer i livfulla primära färger omger den centrala varelsen och svävar genom den glödande gröna djungelmiljön . Många av huvuddragen i detta verk – blandningen av abstraktion och surrealistiska antropomorfa former, livfulla färger och ett platt bildplan – fortsatte i hans målningar under resten av hans karriär.

Viktiga väggmålningar och skulpturer

Under sin resa till Mexiko 1967 målade Okamoto en 5,5 x 30 meter lång väggmålning i olja på duk, med titeln Asu no shinwa ("Myth of Tomorrow"), för Hotel de Mexico i Mexico city av Manuel Suarez y Suarez som höll på att bli byggd för OS 1968. Väggmålningens undertitel är " Hiroshima och Nagasaki ", och följaktligen illustrerar målningen ett landskap av kärnvapenförstörelse där ett skelett brinner i rött och avger spetsiga vita utsprång. Omgivande bilder anspelar på händelser av kärnkraftskatastrofer, som incidenten med Lucky Dragon #5 . Hotellet blev aldrig färdigställt och väggmålningen installerades eller visades därför aldrig. Efter att ha gått vilse i 30 år i Mexiko, den 17 november 2008, avtäcktes väggmålningen på sin nya permanenta plats på Shibuya Station , Tokyo .

Okamoto's Tower of the Sun blev symbolen för Expo '70 i Osaka. Stående på 70 meter lång, skapades den humanoida formen i betong och sprutad stuckatur, med två hornformade armar, två cirkulära ytor och en gyllene metallyta fäst på sin högsta punkt. Som helhet representerar den mänsklighetens förflutna (nedre delen), nutiden (mittendelen) och framtiden (ansiktet). Besökare gick in genom basen av skulpturen och steg sedan upp genom den i rulltrappor bredvid det så kallade "Livets träd", ett skulpturellt träd som visar varelsernas utveckling från primitiva organismer mot mer komplexa livsformer. Besökarna gick sedan ut genom skulpturens armar. Projektet, som byggdes inte långt efter Okamotos besök i Mexiko , var också inspirerat av förcolumbianska bilder. Samtidigt liknade tornets form Jōmon -figuriner ( dogū ) och anspelade på kubistiska porträtt av Picasso. Till skillnad från den apokalyptiska Asu no shinwa ("Myten om imorgon") , hade tornet i slutändan ett mer positivt budskap: de eklektiska inspirationerna för dess bildspråk antydde möjligheten till en mer global modern konst, och Okamoto föreställde sig tornet och dess omgivande torg för att underlätta en stor samling – snarare än en stor förstörelse – av människor.

Både Asu no shinwa och Tower of the Sun visar bilder som går igenom mycket av Okamotos offentliga konstverk. Verk i liknande stil inkluderar Wakai tōkeidai ("Unga klocktornet") (1966) i Ginza , Tokyo , Wakai taiyō no tō (Den unga solens torn) (1969) i Inuyama , prefekturen Aichi , och Kodomo no ki ("Trädet") of Children") (1985) i Aoyama , Tokyo .

Konsteori och skrifter

Polarism

Okamotos idé om taikyokushugi (polarism) föddes ur hans närvaro vid föreläsningar om Hegel när han var i Paris . Han ifrågasatte dialektiken och vägrade föreställningen om syntes, och trodde snarare att tes och antites (polära motsatser) faktiskt kunde förbli isär, vilket resulterade i permanent fragmentering snarare än enhet eller upplösning. Denna teori, som föreslogs kort efter andra världskriget , var på många sätt en estetik som direkt motsatte sig den visuella helheten och harmonin i japansk krigstidsmålning. När det gäller dess tillämpning på konst, såg Okamoto abstrakt måleri som syntes – det förenade färg, rörelse och de olika sinnena i ett verk. The Law of the Jungle (1950) är dock permanent fragmenterad: individuella element beskrivs tydligt i linje och färg, men motstår all identifiering och svävar i det målade utrymmet utan någon koppling till varandra. Det finns också en stark spänning mellan planhet och djup, klarhet och otydlighet, förgrund och bakgrund, representativt och abstrakt. Dawn (1948) och Heavy Industry (1949) anses också vara exempel på polarism.

Tradition och samtidskonst

Okamotos Jōmon -teori har blivit ett av de mest inflytelserika teoretiska bidragen till 1900-talets japanska estetik och kulturhistoria. Teorin introducerades först i hans framstående essä " Jōmon doki ron: Shijigen to no taiwa " ("Om Jomon keramik: Dialog med den fjärde dimensionen"), publicerad i tidskriften Mizue 1952. Inspirerad av en resa till Tokyos nationalmuseum , där han såg keramiska kärl av lergods och dogū från den förhistoriska Jōmon -perioden, artikeln argumenterade för en fullständig omtanke av japansk estetik. Okamoto trodde att japansk estetik fram till den tidpunkten hade grundats på estetiken hos den förhistoriska Yayoi-periodens keramik, som var enkel, dämpad, återhållsam och förfinad. Denna grund gav upphov till vad många ansåg traditionella japanska estetiska koncept, såsom wabi-sabi . Däremot erbjöd de energiska, grova och mystiska mönstren och designerna av Jōmon- keramik ett dynamiskt, autentiskt uttryck som saknades i det samtida Japan. Han hävdade att japanska konstnärer borde sträva efter samma dynamiska kraft och mysterium för att bränsle till sitt eget arbete, och hämta inspiration från denna mer "primitiva" kultur hos sina förfäder. Okamotos förståelse av japansk estetik hämtade mycket från hans etnografiska studier och möten med surrealismen i Paris, men istället för att exotisera etnografiska föremål, använde han Jōmon- objekt specifikt för att konstruera en infödd teoretisk grund för japansk avantgardistisk konstnärlig praktik.

Trots Okamotos intresse för förhistorisk konst, förespråkade han inte något direkt bevarande av det förflutna i samtidskonsten. Hans bästsäljande bok Konnichi no geijutsu (The Art of Today), publicerad 1954, uppmuntrade unga konstnärer att med våld förstöra alla tidigare konstsystem och återuppbygga en japansk konstvärld som är lika med den västerländska konstvärlden. Detta kan ses som ett sätt att förespråka en form av energi och uttryck i Jōmon -stil.

Tarō Okamoto Memorial Museum i Aoyama, Tokyo

Restaureringsprojektet "Myth of Tomorrow".

Ett sedan länge förlorat verk av Taro Okamoto upptäcktes i Mexico Citys förorter hösten 2003. Det är en enorm väggmålning med titeln "Myth of Tomorrow. Den skildrar det tragiska ögonblicket när atombomben exploderade. Verket förmedlar Taro Okamotos starka budskap om att människor kan övervinna även den grymmaste tragedin med stolthet och att "Myten om morgondagen" kommer att födas i dess kölvatten. Men verket hade lämnats i en fattig miljö i många år och skadades allvarligt.Därför tog Taro Okamoto Memorial Museum Foundation lanserade restaureringsprojektet "Myth of Tomorrow" för att transportera verket till Japan, restaurera det och sedan ställa ut det för allmänheten. Restaureringen slutfördes i juni 2006 och den första offentliga visningen av verket hölls i Shiodome i juli samma år och lockade totalt 2 miljoner besökare under en kort period av 50 dagar. Verket ställdes senare ut på Museum of Contemporary Art Tokyo från april 2007 till juni 2008, och i mars 2008 beslutades det att permanent installera verket i Shibuya, där det har visats sedan den 18 november 2008 i den anslutande passagen till Shibuya Mark City. Installationen av verket fortsätter till denna dag.


Samlingar och arv

Mycket av Okamotos verk innehas av Tarō Okamoto Museum of Art i Kawasaki och Tarō Okamoto Memorial Museum, som är inrymt i konstnärens tidigare studio och hem byggt av arkitekten Junzō Sakakura 1954 i Aoyama , Tokyo . Båda museerna anordnar specialutställningar som tar upp nyckelteman i Okamotos verk, som Jōmon -artefakter, Okinawa och offentliga konstverk. Okamotos verk hålls också av Solomon R. Guggenheim Museum , National Museum of Modern Art, Tokyo , National Museum of Modern Art, Kyoto och Museum of Modern Art, Toyama .

Tarō Okamoto Award for Contemporary Art (TARO Award) instiftades 1997 och drivs av Tarō Okamoto Museum of Art i Kawasaki. Priset delas årligen ut till unga samtida konstnärer som skapar konst av nästa generation, och som visar den kreativitet och individualitet han förespråkade i The Art of Today (1954).

Källor

  • Jonathan Reynolds, "Uncanny, Hypermodern Japaneseness: Okamoto Tarō and the Search for Prehistoric Modernism," i Allegories of time and space: Japanese identity in photography and architecture (Honolulu: University of Hawai'i, 2017), 54-85.
  • K. Yoshida, Avantgardekonst och icke-dominant tanke i efterkrigstidens Japan: bild, materia, separation (New York: Routledge, Taylor & Francis Group, 2021).
  • Bert Winther-Tamaki, "To Put on a Big Face: The Globalist Stance of Okamoto Tarō's Tower of the Sun för Japan World Exposition," Review of Japanese Culture and Society Vol. 23 (2011): 81-101.
  • 川崎市岡本太郎美術館, ed. 岡本太郎の絵画: 開館10周年記念展 = Målningarna av Tarō Okamoto . Kawasaki-shi: Kawasaki-shi Okamoto Tarō Bijutsukan, 2009.
  • Okamoto Tarō & Jonathan M. Reynolds (översättare), "On Jōmon Ceramics," Art in Translation 1:1 (2009), 49-60, DOI: 10.2752/175613109787307645

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Tarō_Okamoto&oldid=1144054203 "