Scribner Ames
Scribner Ames | |
|---|---|
 Ames 1962
| |
| Född |
Polly Scribner Ames
16 februari 1908 |
| dog | 28 december 1993 (85 år) Chicago, Illinois
|
| Nationalitet | amerikansk |
| Utbildning |
University of Chicago ( BPhil ) School of the Art Institute of Chicago |
Scribner Ames (1908–1993) var en amerikansk konstnär känd för sina målningar och skulpturer. Hennes målningar inkluderade porträtt , stilleben , landskap och abstraktioner. Hennes porträttsittare var ofta barn eller välkända män och kvinnor inom scenkonsten. Född och uppvuxen i Chicago , arbetade hon först på Manhattan och återvände senare till sin födelsestad. Hon gjorde också upprepade resor till Europa och, en gång, till Västindien. Även om hon beundrade arbetet av Cézanne , Braque och Marsden Hartley , var hennes målning, som en kritiker sa, "inte härledd". Kritiker noterade hennes effektiva hantering av färg och en sa att hon var "särskilt känd för sitt arbete med att skapa rörelse genom rymden genom att använda färgperspektiv." I hennes snidade träskulptur noterade kritiker i allmänhet påverkan av hennes lärare, José de Creeft .
En förespråkare för progressiv utbildning, Ames undervisade i konst i många år i en privat skola och i sin egen studio. Hon var författare, även om hennes publikationer var få. Hon skrev och illustrerade en bok som heter Marsden Hartley i Maine och hon skrev tidskriftsartiklar och brev till redaktören om konstutbildning, abstraktion i konsten och samlare och kommersiella galleriers skadliga tendens att främja dålig konst.
Tidigt liv och träning
Ames gick i skolor i Chicago. Hon gick in i förstaårsklassen vid University of Chicago 1923 och tog examen med en Bachelor of Philosophy- examen 1928. Efter examen studerade hon vid School of the Art Institute of Chicago och reste sedan i Europa, där hon studerade skulptur i München med Hans Schwegerle . När hon återvände till USA 1933, gjorde hon sitt hem på Manhattan och studerade där målning hos Hans Hofmann och skulptur hos José de Creeft .
Karriär inom konst
Ames visade ett stilleben i den årliga Society of Independent Artists-utställningen 1935. En kritiker noterade att hennes målning var "intressant och lovande", och berömde dess "särskilt anmärkningsvärda" användning av färg. Recensionen namngav inte målningen. "Still Life #2"", som visas ovan, nr 1, är ett exempel på hennes stillebensverk på den tiden. Nästa år uppmärksammade en kritiker för Art News en målning av henne som heter "The Gift" vid en Salons of America-utställningen, som sa att den rankades "som en av de mer anmärkningsvärda bilderna" i den stora och mångsidiga showen. Förutom kritikens recension inkluderade tidningen en bild av målningen (visad ovan, nr 2).
Sommaren 1938 reste hon i Skandinavien. Ett år senare fick hon sin första separatutställning, en visning av målningar och snidade träskulpturer på Bonstell Gallery i New York. Showen fick utmärkta recensioner i Art News och New York Times . Ruth Green Harris från Times sa om Ames, "Hon arbetar lätt i en hög ton. Hennes pensel, verkar det som, bara snärtar på duken, först här, sedan där. Men i slutändan samlas saken på ett förståeligt sätt inom ramen ." Kritikern för Art News sa att mångfalden av Ames verk visade att hon "medvetet söker individuella uttryck för hennes uppenbara talanger." 1943 och 1944 fick Ames ytterligare två separatutställningar, den första på Puma Gallery och den andra på Eleanor Smith Gallery i St. Louis. Det senare omfattade oljemålningar, teckningar, akvareller och träskulpturer. När en lokal kritiker granskade den sa att ett porträtt av den dansk-amerikanska operasångaren Povla Frijsh var enastående.
Ames deltog i grupputställningar under 1940-talet, inklusive framträdanden på ett nytt galleri kallat "Number 10" och på ett galleri i American Women's Associations klubbhus i New York, båda 1940. Hon deltog i en medlemsutställning på American Women's Association British Art Center, en grupputställning på New Yorks Puma Gallery och en show på ett galleri som drivs av Friends of Greece, allt 1943. En recension av Puma-showen i Art Digest nämner Ames porträtt av en då populär solist i orkestersaxofon , Sigurd Rasher och Art News tryckte därefter en bild av målningen. Howard Devree från New York Times uppmärksammade också porträttet och kallade dess ämne för en "flammande saxofonist". En skiss för denna målning visas ovan, nr. 3.
1947 reste Ames till Curaçao på Nederländska Antillerna med den holländskfödda skulptören Jacoba Coster och där gavs en separatutställning på stadens kulturcenter. Efter återkomsten visade hon några av sina porträtt i en tvåkonstnärsutställning med skulptören Marie Taylor på Carroll-Knight Gallery i St. Louis. En lokal kritiker noterade särskilt målningar som hon hade gjort på Curaçao av en kompositör, Paul Nordoff, och en holländskfödd pedagog, Frater Radulphus, som var vördad som "Fader Flanagan av Curaçao". Ames tillbringade större delen av 1948 och 1949 i Europa. Under den tiden höll hon en separatutställning på Cercle Universitaire-Interallie, Aix-en-Provence, och fick efter sin återkomst separatutställningar på Galerie Chardin i Paris och Esher-Surrey Gallery, Haag, Holland.
1953 flyttade Ames från New York till Chicago för att ta hand om sin åldrande far och började därefter delta i stadens konstscen. Hon gick med i Renaissance Society vid University of Chicago och deltog i konstnärsmedlemmarnas utställning som hölls där 1955. En recensent för Chicago Tribune fann att en av landskapsmålningarna hon visade var en "enastående" upptäckt i denna show. När sällskapet höll en annan medlemsvisning året efter, tryckte Chicago Tribune ett foto av Ames som kallade henne "en konstnär som fördubblar sin tekniks förträfflighet med känslor, ömhet och känsla för skönhet." Det året höll hon också en soloutställning med målningar och skulpturer på Chicagos 1020 Art Center. Denna utställning fick en av de få negativa recensionerna av hennes karriär. En kritiker för Art News kallade hennes målningar "bokstavliga och förskönade, tunna ytor" och kallade hennes skulpturer "avledda, obeslutsamma sniderier i de Creef-stil." Åtminstone en person verkar ha inte hållit med om denna recension i och med att tre verk, en skulptur och två målningar stals från galleriet under föreställningen.
Hon fick separatutställningar på Cromer & Quint Gallery 1958, på Little Gallery 1959 (båda i Chicago) och på New Yorks Poindexter Gallery 1960. The Tribunes kritiker kallade blomstudierna och små abstraktioner av Cromer & Quint utställning "ovanligt intressant". Hon fick låna sitt beställda porträtt av skådespelerskan Geraldine Page till Poindexter-showen. Denna målning gjordes 1959 under den ursprungliga Broadway-produktionen av " Sweet Bird of Youth " och hängdes i Martin Beck Theatre där pjäsen framfördes.
Under slutet av 1950-talet fortsatte Ames att delta i grupputställningar i Chicago, inklusive sådana på Art Institute (1957 och 1959), Arts Club (1958 och 1959) och Cromer & Quint (1959). Arts Club-showen 1958 inkluderade en målning, "Dark Birds", som en kritiker kallade "kraftig, rikt tonad" och som återgavs i en artikel om Ames i University of Chicago Magazine senare samma år. En reproduktion av denna bild visas ovan, nr. 4.
Under 1960-talet hade Ames separatutställningar på Clossen's Gallery i Cincinnati (1961), Bresler Galleries i Milwaukee (1961), Chicago Public Library (1962) och på varuhuset Carson Pirie Scott i Urbana, Illinois (1967 ) . En lokal kritiker kallade porträttet av Geraldine Page för en "sann triumf" i Cincinnati-showen. Utställningen på Chicago Public Library drog fram en lång recension från Tribunes kritiker, Edith Weigle. Hon sammanfattade Ames karriär och kommenterade hennes stil positivt och citerade Ames om "det svårfångade sökandet efter att fånga ljusets och rymdens rörelse på en plan yta", en sökning som hon sa alltid "missar". Recensionen åtföljdes av ett foto av Ames med tre stora abstrakta målningar (visas i rutan överst i denna artikel). Varuhusutställningen var stor: totalt 51 verk, inklusive oljemålningar, akvareller, skulpturer och teckningar.
Ames grupputställningar under denna period inkluderade en utställning av Chicago-konstnärer på Portrait Center (1960) och en utställning av samtida porträtt av medlemmar i Renaissance Society (1960) samt utställningar på Illinois State Museum (1961), Chicago Society of Artists ( 1963) och Chicago Arts Club (1961 och 1966). En bronsskulptur med namnet "Young Satyr and Friend" fick ett inköpspris på Illinois State Museum-utställningen.
Det finns inga rapporter om Ames deltagande i utställningar mellan 1967 och hennes död 1993.
Konstnärlig stil
Ames var både målare och skulptör. Hennes skulpturer var främst i snidat trä och ibland i gjuten brons. Hennes målade ämnen omfattade landskap, stilleben och både halv- och rena abstraktioner. Hon var mest känd för sina porträtt, särskilt de som fick barn som motiv samt framstående män och kvinnor inom scenkonsten . Många, kanske de flesta, av porträtten beställdes. Av de som har barn som försökspersoner visar den mest kända de två barnen till Mr. och Mrs. Lloyd W. Powers Jr. sittande vid pianot. De mest kända av hennes kändisporträtt inkluderar konsertsaxofonisten Sigurd Rasher ; operasångare, Povla Frijsh ; klassisk kompositör, Paul Nordoff ; skådespelare, Geraldine Page ; och modell Marion Morehouse. En recensent sa en gång att Ames inte strävade efter realism i sina porträtt och trodde att "målningen av en människa har samma inställning som ett landskap eller stilleben - det är rörelsen som skapas genom färgen som är viktigare än motivet."
Ames diskuterade färgens betydelse även i andra sammanhang. 1937 skrev hon att "färg, form och ljus" var de "rena elementen" i en målares medium. Hon frågade: "Om formen inte växer ur själva färgen, vilken betydelse har färg i måleriet?" Angående användningen av abstraktion sa hon en gång till en reporter att genom historien "har all god konst abstrakta element". I ett annat sammanhang sa hon, "Det är min erfarenhet att själva målningsprocessen är det viktigaste eftersom man i det svårfångade sökandet efter att fånga ljusets och rummets rörelse på en plan yta kommer så kort. Det är alltid nästa. duk hoppas vi säkert kommer att säga vad vi är ute efter."
Konstlärare och författare
Mellan 1939 och 1942 var Ames konstinstruktör på en liten skola i Greenwich Village som heter City and Country School . Skolans rektorer ansåg att barn lär sig bäst när deras aktiviteter är självstyrande och praktiska. 1939 skrev Ames en tidskriftsartikel om detta ämne från en konstlärares synvinkel. Hon sa att eleverna borde välja sina egna ämnen när de gör konst. De ska läras ut teknik med indirekta medel, som att visa förkortning genom att hålla en penna upprätt på golvet och be eleven rita den uppifrån. Hon sa att detta tillvägagångssätt skulle göra det möjligt för eleverna att skapa konstverk som inte bara var exakt ritade utan också estetiskt tilltalande. Hon gav privatlektioner i sina studior, först i New York och sedan i Chicago.
1937 deltog Ames i en debatt om abstrakt konst som började när Edward Alden Jewell från New York Times skrev en artikel om Guggenheim Foundations konstsamling och dess planerade Museum of Non-Objective Art. Även om debatten började som ett övervägande av icke-objektiv (eller ämneslös) konst kontra all annan, utvecklades den till en diskussion om hela skalan av abstrakt konst, där abstrakt modern konst ställdes mot konst som ansågs vara traditionell och tids- testat. I sitt bidrag svarade Ames på ett brev från dansaren, komikern och filmskådespelerskan, Elise Cavanna (då känd som Elise Armitage), som skrev att det inte fanns någon framtid inom abstrakt konst eftersom det bara betydde något för "några skarpsinniga konstnärer, samlare och lekmän." Hon tog en ståndpunkt som hon delade med kritikern Jewell och sa: "Det finns ingen stor konst som inte är abstrakt." Enligt hennes uppfattning kunde moderna abstrakta konstnärer ses arbeta för att återställa de gamla mästarnas "enhet av andliga och konstnärliga uttryck". Hon såg samtida konstnärer som en fortsättning på en tradition som sträckte sig tillbaka till urminnes tider och sa att det var föga hjälpsamt att gömma dem genom att använda splittande terminologi.
1945 gick hon in i en annan tvist i Times , denna om ett förmodat "kaos" i New Yorks konstvärld på den tiden. Advokaten och konstsamlaren, Sam A. Lewisohn , skrev den 4 mars och klagade på ett "osammanhängande virrvarr i gallerierna" som hade "ingen kontinuitet och ingen sekvens". Ames höll med om att det rådde kaos men sa att det inte var artisternas fel. Hon trodde att samlare och gallerier var orsaken och konstnärer offren. I ett starkt formulerat brev sa hon att konstnärernas kreativa energi skulle bestå trots "trick, krig och materiella brister på integritet" hos samlare och gallerier. Hon förutspådde också förutseende att "trots all panik från de små egon som skulle höras (genom den underbara och fruktansvärda publiciteten), är vi på gränsen till vår egen stora kreativa era".
1945 skrev Ames en kort memoarbok om Marsden Hartley . Utspelar sig i den period i slutet av sitt liv då han bodde i hemmet hos en hummerman i Maine och hans fru, det skrevs som genom ögonen på frun, Katie Young, en långtidsboende vars utländska födelse skilde henne åt. från de andra invånarna i den lilla byn Corea, Maine . Ames hade träffat Katie och hennes man Forrest när hon besökte Hartley i hönshusets studio som Youngs hade lånat honom. Efter att ha skrivit det behöll hon det maskinskrivna manuskriptet bland sina ägodelar till 1959 då hon donerade det till Smithsonian Archives of American Art . University of Maine press publicerade manuskriptet 1972 som Marsden Hartley i Maine . Boken redigerades av Richard S. Sprague, en engelsk professor vid universitetet som också var ansvarig för att skaffa maskinskrivet och ordna med publicering. Boken hade ett förord av konstkritikern och historikern Elizabeth McCausland och ett efterord av Carl Sprinchorn , en svensk-amerikansk konstnär känd för målningar gjorda i North Maine Woods . Ames illustrerade arbetet med linjeteckningar och akvareller. En recensent sa att boken egentligen inte handlade om Hartley alls, även om han verkligen är en del av berättelsen. Boken handlar egentligen om vänskap, om att leva och dö, och om hur vi reagerar på en älskads död. En annan recensenten skrev att "Miss Ames prosa är sällan pretentiös, och den har alltid en behaglig smak av hennes artists öga när hon sätter scenen för Katies egen berättelse. Teckningarna och akvarellerna är likaledes enkla och återspeglar på lämpligt sätt både hemligheten i Hartleys sista bostad och känslan av frånvaro utan honom." En akvarell av kyrkan i Correa, som visas ovan till höger, är en av bokens illustrationer.
Ames skrev andra manuskript inklusive poesi, noveller och några facklitteratur. Hon skrev också en memoarbok som heter "A Chance of My Making" om sina efterkrigsresor och de utställningar hon fick i Paris och Haag.
Personligt liv och familj
Ames föddes i Chicago den 16 februari 1908. Hennes födelsenamn var Polly Scribner Ames. Hennes far var Edward Scribner Ames (1870–1958), professor i filosofi vid University of Chicago och minister för Kristi lärjungar . Hennes mor var Mabel Van Meter Ames (1869–1953). Ames hade två systrar, Demaris (1901–1985) och Adelaide (född 1905), och en bror, Van Meter (1898–1985). Demaris bodde i Washington DC-området där hennes man arbetade för utrikesdepartementet. Adelaide bodde i Köpenhamn med sin konstnärsman. Van Meter var professor i filosofi vid University of Cincinnati.
Under sina collegeår var Ames en aktiv deltagare i universitetsorganisationer (sport, rytmisk dans, en litterär klubb som heter Mortar Board), men gjorde inte studiokonst.
När hon flyttade till Chicago 1953 flyttade hennes far in i hennes lägenhet och hon hjälpte till att ta hand om honom fram till hans död 1958.
Under sin ungdom och långt in i karriären kallade hon sig Polly Ames. Mot slutet av 1930-talet började hon använda Scribner Ames för professionella ändamål och kallades därefter ibland för det namnet och ibland med sitt fullständiga födelsenamn, Polly Scribner Ames.