Lisa Hoke

Lisa Hoke
Född 1952
Virginia Beach, Virginia , USA
Nationalitet amerikansk
Alma mater Virginia Commonwealth University , Florida State University , University of North Carolina
Känd för Installationskonst , skulptur
Makar) David Bemis (1990– ); Tom Hatch (1982–5)
Utmärkelser Joan Mitchell Foundation , American Academy of Arts and Letters , National Academy of Design
Hemsida Lisa Hoke
Lisa Hoke, Light My Fire , platsspecifik installation, papper och lim, 40' × 20', 2006, Rice University Moody Arts Center, Houston, TX.

Lisa Hoke (född 1952) är en amerikansk bildkonstnär baserad i New York City och Hudson Valley, New York. Hon är känd för färgglada, uppslukande installationer och abstrakta skulpturer som kännetecknas av arbetskrävande arbetsprocesser och uppfinningsrik användning av återanvänt konsumentavfall som råmaterial. Hennes arbete har ofta utmanat föreställningar om behärskning, beständighet och fast mening, och omfattat egenskaper som tillfällighet och förgänglighet. I tidiga skulpturer testade hon gravitation och balans med intuitivt arrangerade, tunna upphängningar; hennes senare storskaliga installationer skapas på plats och demonteras efter utställning, deras material sparas för framtida återanvändning. Hoke fick först erkännande på 1990-talet som en av ett antal skulptörer som bröt den inhemska sfären efter material och idéer, i hennes fall, blandande element av formalism och postminimalism , popsammansättning och sociala, ofta feministiska, kommentarer. Under 2000-talet har kritiker jämfört de ljusa, virvlande formerna och texturerna i hennes installationer med Antoni Gaudís varierande ytor och Seurats och Klimts gnistrande mönster .

Hoke har erkänts av Joan Mitchell Foundation , American Academy of Arts and Letters och National Academy of Design . Hon har ställt ut på bland annat Whitney Museum of American Art , Holly Solomon Gallery , Oklahoma City Museum of Art , Aldrich Museum of Contemporary Art , North Carolina Museum of Art och New Museum . Hennes verk tillhör samlingarna av bland annat Whitney, Johnson Museum of Art och New Orleans Museum of Art .

Biografi

Hoke föddes i Virginia Beach, Virginia 1952. Hennes far var en marin testpilot; upplevelsen av hans verk påverkade hennes framtida skulpturala intressen i balans, gravitation och kontrasten mellan jordbundna och luftburna former. Hon tog en BA i engelska från University of North Carolina i Greensboro 1974, blev sedan intresserad av konst och skrev in sig på Virginia Commonwealth University (BFA, 1978) och forskarstudier vid Florida State University . 1980 flyttade hon till New York City och ockuperade SoHo- studion som hon skulle arbeta från i över fyrtio år.

Arbete och reception

Lisa Hoke, Equilibrium , stål, gjutjärn och tråd, dimensioner varierande, 1990.

Hokes arbete har till stor del drivits av hennes utveckling genom en rad oväntade, ofta knäppa råvaror – bildelar, textilier och hushållsföremål, konsumentavfall och förpackningar – och de intuitiva processer hon har upptäckt för att transformera dem. Hennes lediga, nästan monokroma, tidiga konstruktioner i gjutjärn, stål och tråd utforskade traditionella skulpturala frågor som involverade balans, massa och rymd, samtidigt som hon engagerade tvådimensionella teckningsfrågor. Hennes vändning till återanvända konsumentföremål introducerade emellertid det bredare färgspektrumet i hennes praktik, och riktade hennes fokus mot måleriska angelägenheter med färg, mönster och yta i arbete som gjorde jämförelser med Jessica Stockholder . Denna förändring signalerades av övergångsskulpturen Malaprop (1990), där hon sydde ihop två prickiga duschdraperier och hängde upp femtio pund stål från dem. Hokes senare väggmålningsinstallationer fortsätter det målariska skiftet i ännu högre grad, influerad av de ljusa överskotten av hennes valda råmaterial - återvunna konsumentförpackningar.

Tidigare skulptur (1980-1998)

Hoke fick tidigt erkännande för akrobatiska, osvetsade tråd- och metallupphängningar av gjutna föremål som utforskade balans, gravitation, aerodynamik och aktivering av tomrum i rymden. Kritikern Lucy Lippard skrev att dessa stycken skissade knappt synliga energimönster och ställde tungt vägande frågor om den fysiska verkligheten med minimala medel (t.ex. Magnet , 1989), en egenskap som hon liknade vid Eva Hesses verk som "förlänar [ed] formell åtstramning med subtil känslomässig resonans ." Skulpturerna Eclipse och Levee (båda 1987) vaggade fruktformer gjorda av gröna sandgjutgods i små trådslingor som hölls i luften i spänd, osäker balans av sträckta kablar och enkla stålformer; för Equilibrium (1990) skapade Hoke ett takbundet, trassligt moln av tråd som hissades av en handformad motvikt över rummet. Recensioner i Arts and Art International relaterade den gesturala effekten och den grafiska närvaron av sådant arbete till konceptet att rita i rymden förknippat med modernistiska skulptörer Julio González och David Smith , bland andra.

På 1990-talet noterade kritiker som Eleanor Heartney Hokes förskjutning mot tätare, mer lekfulla hängande stycken som omarbetade den låga, återvunna skräpestetiken hos Pop-assemblage och Arte Povera genom en processorienterad, feministisk känslighet. Dessa skulpturer och installationer använde omisskännliga hushålls- och bildelar som förmedlade användning och det verkliga livets kaos. Den slumpmässiga färgen på de nya materialen omorienterade Hoke mot färg och textur; deras status som funktionella objekt introducerade nya, öppna sociala och psykologiska nyanser i hennes arbete: en känsla av dårskap och existensens villkorlighet, antydningar om känslomässig stress och kommentarer om hushållsarbete som blandade tvångstanke med underströmmar av fara och oordning.

Lisa Hoke, Manifold Destiny , ljuddämpare och rosa och gula webbing, 10' x 5', 1991.

Skulpturen Manifold Destiny (1991) var ett anmärkningsvärt exempel - en hängande sammansättning av gula och rosa utemöbler i plast som strippas allt mer insnärjda i rostiga billjuddämpare och slingrande avgasrör som antydde entropi. Tema Celeste beskrev det som en rolig och skrämmande "Medusa i papiljotter ... på en gång sårbar och hotfull, delikat och herkulisk." I utställningar på Corcoran Gallery of Art (1992), Horodner Romley (1993, 1994) och Serpentine Gallery (London, 1998) dominerade hushållsmaterial – tråd, knappar, dragkedjor, totem av färgglada, styva skjortärmar och duschdraperier – i verk som använde en abstrakt känslighet och mer luftiga, intuitiva former av vävning. Heirloom (1994) bestod av härvor av färgad tråd som slängdes, fixerades och installerades i vertikala solfjädrar av tätt, spetsmönster över två hörnväggar, sedan kopplade ihop med enstaka trådar till gjutna vaxtvättmedelsflaskor och hushållsformer på golvet. Kritiker liknade det 12 fot långa verkets utseende vid "en mormors uppradade afghan", havskoraller eller trassligt hår och dess kalligrafiska mönster och process med abstrakt expressionism , en skuld som refereras till i den dubbla betydelsen av dess titel.

Installationer och skulptur (1999– )

Med början i slutet av 1990-talet fokuserade Hoke alltmer på abstrakta installationer av hängande former, mosaikliknande paneler och skulpturala väggmålningar, med konsumentavfall och kommersiella förpackningar som råmaterial. Dessa var ofta platsspecifika, tillfälliga verk – många större än Hokes studioutrymme – som hon utförde utan förteckningar eller kunskap om resultat, vilket gav dem en performativ aspekt.

För Ricochet (Holly Solomon, 1999) fyllde Hoke galleriet med drakeliknande polyesterlakan inbäddade med flerfärgade neonsugarrör; de hängdes upp i ett nätverk av färgade snören som löpte långt över tak, väggar och golv innan de konvergerade på och fästes på en uppsättning vegetabiliska motvikter i gjutjärn på golvet. Recensioner i New York Times och New Art Examiner jämförde arken med målat glas, scenbilder och fantastiska gobelänger, deras absurditet dämpats av installationens Rube Goldberg -liknande invecklade och formella spänning mellan lekfulla skulpturala former och galleriarkitektur.

I en serie efterföljande installationer utforskade Hoke färgkromatik och ytsensationer i högre grad, med hjälp av färgat papper och dryckesmuggar som material. Light My Fire (Aldrich Museum, 2001; Rice University, 2006) bestod av korta, olika beskurna röda, rosa, gula och vita pappersrullar fästa vid fem intilliggande fönster; det utnyttjade skiftande solljus för att skapa en spetsliknande effekt som fläckar utrymmet med fläckar av ljus och färg som förändrades (och bleknade i intensitet) över tiden. För den väggmålningliknande Gravity of Color (Elizabeth Harris, 2004) använde Hoke utskjutande pappersmuggar och plastbägare delvis fyllda med färg för att skapa juvelliknande, serpentinformer av rika färger som kritiker relaterade till Gaudis täckta väggar och den virvlande mönster av Seurat och Klimt målningar. Hoke omarbetade verket på Katonah Museum of Art (2005) och i en två våningar lång sexårig installation på New Britain Museum (2008).

Lisa Hoke, Come On Down , platsspecifik installation, kartongförpackningar, koppar, lim och hårdvara, 16' x 110' x 2', 2013, Oklahoma City Museum of Art, OK.

På 2010-talet började Hoke arbeta med återanvänd kartong – mycket av det samlat in från hennes flerbostadshus i SoHo – med hjälp av de rika färgerna, mönstren och attraktiviteten hos kommersiella förpackningar. I sin ateljé arrangerade hon kartongen i papperskorgar sorterade efter färg, och skapade sedan hundratals ungefär 2 x 2 tum collage, som redigerades och monterades på plats till storskaliga, böljande vägginstallationer. Efter utställningen plockades de isär och ibland omarbetades i nya delar. Kritiker som Stephen Westfall relaterade de abstrakta "tidvattendragen och arabeskerna av färg och fläktande former" av detta verk i formella termer till konstnärer som Klimt och samtida Polly Apfelbaum , Judy Pfaff och Tony Feher , samtidigt som de noterade dess kommentarer om de samtidiga nöjena och fasorna. marknadsföring, materialöverskott och masskonsumtion.

Hoke skapade fyra versioner (upp till 75 fot långa) av sitt första sådant verk, Love, American Style (2011–2), på MASS MoCA, Elizabeth Harris, J. Johnson Gallery och D'Amour Museum of Fine Arts. Relaterade installationer i samma veva inkluderade: The future isn't what it used to be (McNay Art Museum, 2012), ett sprettigt, ungefär triangulärt verk som också inkluderade spelkort och papperstallrikar; den 16 x 110 fot långa Come on Down (Oklahoma City Museum of Art, 2013), vars The Price Is Right- härledd titel signalerade dess tveeggade firande av överflöd; och Swept Away (Sarasota Museum of Art, 2014). 2018 gav det italienska kaffeföretaget Lavazza Hoke i uppdrag att skapa den platsspecifika Dolce Croma för showroomet och lobbyn på dess nya huvudkontor i Turin, Italien. De flora- och faunaliknande formerna för den 51 fot långa installationen bildades av ljusa förpackningsmaterial från hela företagets historia.

Under denna senare period skapade Hoke även diskreta skulpturala verk, för grupp- och separatutställningar, som "Attention Shoppers" (2015) på Pavel Zoubok Gallery. Den showen innehöll väggar och fristående verk som liknade excentriska, färgstarka, paradflottor eller monument (t.ex. Coming Attractions eller Aisle 3 ).

Utmärkelser och samlingar

Hoke har fått utmärkelser och utmärkelser från bland annat American Academy of Arts and Letters (2016), National Academy of Design (2008, 2018), Joan Mitchell Foundation (1996) och Southeastern Center for Contemporary Art (1990). Hennes verk tillhör de offentliga konstsamlingarna på Whitney Museum of American Art , National Academy of Design , New York Public Library , D'Amour Museum of Fine Arts, Johnson Museum of Art , Memphis Brooks Museum of Art , Montgomery Museum of Fine Arts , New Orleans Museum of Art , Oklahoma City Museum of Art och Orlando Museum of Art , samt företagssamlingar.

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Lisa_Hoke&oldid=1045794648 "