Gränskonst
Gränskonst är en samtida konstpraktik med rötter i socio-politiska erfarenheter, såsom de på gränslandet mellan USA och Mexiko, eller frontera . Sedan starten i mitten av 80-talet har denna konstnärliga praktik hjälpt till att utveckla frågor kring hemland , gränser , övervakning , identitet, ras , etnicitet och nationellt ursprung .
.jpg)
Gränskonst som en konceptuell konstnärlig praktik öppnar dock möjligheten för konstnärer att utforska liknande problem med identitet och nationellt ursprung men vars läge inte är specifikt för gränsen mellan Mexiko och USA. En gräns kan vara en uppdelning som delar upp grupper av människor och familjer. Gränser kan innefatta men är inte begränsade till språk, kultur, social och ekonomisk klass, religion och nationell identitet. Förutom en uppdelning kan en gräns också föreställa sig ett gränslandsområde som kan skapa en sammanhållen gemenskap skild från de vanliga kulturerna och identiteterna som porträtteras i samhällena bort från gränserna, såsom Tijuana-San Diego-gränsen mellan Mexiko och USA .
Gränskonst kan definieras som en konst som skapas med hänvisning till hur många fysiska eller föreställda gränser som helst. Denna konst kan men är inte begränsad till sociala , politiska , fysiska, emotionella och/eller nationalistiska frågor. Border art är inte begränsad till ett visst medium . Gränskonst/konstnärer tar ofta upp den påtvingade politiseringen av mänskliga kroppar och fysisk mark och de godtyckliga, men ändå otroligt skadliga, separationer som skapas av dessa gränser och gränser. Dessa artister är ofta själva "gränsöverskridande". De kan korsa gränserna för traditionell konst (genom performance, video eller en kombination av medier). De kan på en gång vara konstnärer och aktivister , som finns i flera sociala roller samtidigt. Många gränskonstnärer trotsar lätta klassificeringar i sin konstnärliga praktik och sitt arbete.
Historia om gränskonst specifik för gränsen mellan Mexiko och USA
Ila Nicole Sheren säger, "Border Art blev inte en kategori förrän Border Art Workshop/Taller de Arte Fronterizo (BAW/TAF). Från och med 1984 och fortsatte i flera iterationer under det tidiga tjugoförsta århundradet, det binationella kollektivet förvandlade San Diego-Tijuana till en mycket laddad plats för konceptuell performancekonst ... BAW/TAF-konstnärerna skulle länka samman performance, platsspecificitet och gränsen mellan USA och Mexiko, samt de första att exportera "gränskonst " till andra geografiska platser och situationer." En förespråkare för Border Art är Guillermo Gómez-Peña, grundare av The Border Arts Workshop/Taller de Arte Fronterizo. Border Arts Workshop/Taller de Arte Fronterizo var pionjär för att ta itu med de politiska spänningarna i gränsländerna, vid en tidpunkt då regionen fick ökad uppmärksamhet från media på grund av NAFTA- debatterna . [ citat behövs ] Motsägelsen i att gränsen öppnades för det fria flödet av kapital men samtidigt stängdes för flödet av invandrare gav möjligheten att ta itu med andra sedan länge existerande konflikter inom regionen.
Antonio Prieto hävdar att "I motsats till folkkonstnärer tillhör den nya generationen medelklassen, har formell utbildning och uppfattar sig självmedvetet som en producent av "gränskonst." Dessutom är deras konst politiskt laddad och intar en konfronterande hållning gentemot både mexikansk och amerikanska regeringspolitik."
I sin introduktion till utställningen, La Frontera/The Border: Art About the Mexico/United States Border Experience, konstaterar Patricio Chávez och Madeleine Grynstejn, "För de konstnärer som representeras här är gränsen inte en fysisk gränslinje som skiljer två suveräna nationer, utan snarare en egen plats, definierad av ett sammanflöde av kulturer som inte är geografiskt avgränsat vare sig i norr eller söder. Gränsen är den specifika kopplingen till en autentisk zon av hybridiserad kulturell upplevelse, som återspeglar migrationen och korspollineringen av idéer och bilder mellan olika kulturer som uppstår från verkliga och konstanta mänskliga, kulturella och sociopolitiska rörelser. Under detta decennium har gränser och internationella gränser blivit avgörande i vårt nationella medvetande och i internationella evenemang. Eftersom gränser definierar ekonomin, den politiska ideologin och den nationella identiteten för länder över hela världen, så bör vi undersöka våra egna gränsland för att få en förståelse för oss själva och varandra.” Prieto noterar att "Medan de första exemplen på Chicano -konst i slutet av sextiotalet tog upp frågor om land, gemenskap och förtryck , var det inte förrän senare som grafiker som Rupert García började explicit skildra gränsen i sina verk. Garcías silkscreen "¡Cesen Deportación!" från 1973 kräver till exempel ett slut på den exploaterande behandlingen av migrantarbetare som tillåts passera gränsen och sedan deporteras efter USA:s ekonomiska och politiska intressen.
skapade rascuaches estetik en hybrid av mexikansk och amerikansk visuell kultur. Även om den inte har en exakt engelsk översättning, kan termen rascuache liknas vid den konstnärliga termen kitsch . Det översätts närmast från spanska som "rester" med en känslighet som ligger närmast den engelska termen kitsch. [ citat behövs ]
Fotografen David Taylor fokuserade på gränsen mellan USA och Mexiko genom att följa monument som markerar USA:s och Mexikos officiella gränser som ett resultat av 1848 års Guadalupe Hidalgo-fördraget . Han citerar på sin hemsida: "Mina resor längs gränsen har gjorts både ensamma och i sällskap med agenter. Sammantaget är de resulterande bilderna avsedda att erbjuda en inblick i platser och situationer som vi i allmänhet inte har tillgång till och skildra en mycket komplex fysisk, social och politisk topografi under en period av dramatisk förändring." I sitt projekt har Taylor täckt fysiska gränser genom att dokumentera miljön och landskapet längs gränsen men tar också upp sociala frågor genom att engagera sig med lokalbefolkningen, patrullman, smugglare och många andra människor som bor i och påverkas av gränsen mellan USA och Mexiko. Han väljer också att ta upp politiska frågor genom att fokusera på den stora frågan om narkotikahandel .
Relaterade konstverk
Border Tuner är ett projekt av den mexikansk-kanadensiske konstnären Rafael Lozano-Hemmer som utforskar kopplingar som finns mellan städer och människor på båda sidor om gränsen mellan Mexiko och USA. Beläget i gränslandet El Paso/Juarez, använder detta interaktiva verk stora strålkastare som ett sätt för deltagare på båda sidor om gränsen att kommunicera med varandra. När en ljusstråle interagerar med en annan slås en mikrofon och högtalare på automatiskt så att deltagare på båda sidor kan kommunicera över den härdade infrastrukturen som delar deras två länder. Strålkastaren, som oftast används i tillämpningar för övervakning och gripande av migranter av USA:s gränspatrull är en av symbolerna som Lozano-Hemmer undergräver i sitt arbete. Om denna laddade symbol säger han: "Jag tycker att strålkastare är helt avskyvärda, det är därför jag måste arbeta med dem."
Borrando La Frontera (Radera gränsen) av Ana Teresa Fernandez utmanar materialiteten hos gränsen mellan USA och Mexiko genom att radera strukturen. I filmen hoppas Ana Teresa Fernandez att "[förvandla] en vägg som delar sig i havet och himlen som expanderar" till en symbol för potentiell framtida rörlighet. Genom att göra gränsen i samma färg som himlen, göra den osynlig, uppmärksammar konstnären den naturaliserade känslan av nation i motsats till det naturliga landskapet. Konstnären skapar ny mening för himlens naturliga blå färg, då hon använder den för att symbolisera en geografi med öppna gränser och rörelsefrihet. Genom att måla denna idé över gränsstängslet, betonar Fernandez och hennes medarbetare. Filmen också de naturliga delarna av scenen. Fåglarnas och vattnets rörelser, oberörda av stängslet, vittnar om staketets redundans och USA:s politik/ Mexikos gräns. Artesania & Cuidado (Craft & Care) av Tanya Aguiñiga fungerar som en samling av konstnärernas arbete med aktivism, design och dokumentation. Specifikt sätter Aguiñigas entré till galleriet tonen för utställningen. [ citat behövs ] Aguiñiga är också ansvarig för AMBOS—Art Made Between Opposite Sides. Projektet består av konstverk gjorda som främjar en känsla av sammanlänkning i gränsregioner. Projektet är mångfacetterat och presenterar sig i form av dokumentär, aktivism, samhällsengagemang och samarbete för att aktivera gränsen mellan USA och Mexiko, utforska identiteter som påverkas av gränsens luminala zon och för att främja sunda relationer från ena sidan av gränsen till den andra.
"World Trade Center Walk" av (Philippe Petit) Kallas "århundradets konstnärliga brott", Petits vågade bedrift blev i fokus för en mediasensation. På morgonen den 7 augusti klev Petit upp på linan, som var upphängd mellan de två tornen. En skara på tusentals samlades snart för att titta på mannen på tråden mer än 1 300 fot ovanför dem. I 45 minuter dansade Petit praktiskt taget på den tunna metalllinjen. Han arresterades för sina ansträngningar och beordrades att ge en föreställning i Central Park som sitt straff. [ citat behövs ]
En annan artist som tar itu med påståendena om gränsen mellan USA och Mexiko är Judi Werthein, som 2005 skapade en serie skor med titeln Brinco, spanska för ordet Jump. Dessa skor skulle delas ut gratis till människor i Tijuana som vill korsa gränsen. Werthein förklarar, "Skon innehåller en kompass, en ficklampa eftersom människor korsar på natten, och inuti ingår också några Tylenol smärtstillande medel eftersom många människor skadas under korsningen." Dessutom hade skorna avtagbara sulor med en karta över gränsen mellan San Diego och Tijuana, som specifikt indikerar gynnsamma vägar att ta. På baksidan av fotleden av skon finns en bild av Toribio Romo González , helgonet tillägnad mexikanska migranter. Själva skorna tillverkades billigt och masstillverkade från Kina, och imiterade produktionsmedlen som missbrukats av många amerikanska företag. Dessa skor skulle också säljas i små boutiquer i San Diego för 215 USD per par, annonserade för den högre klassens publik som "one-of-a-kind konstföremål." Vinsten från denna satsning skulle sedan doneras till ett skydd i Tijuana som hjälper migranter i nöd.
Jorge Rojas performancekonst är komplex när det gäller att spegla hans tvärkulturella erfarenheter i både Mexiko och Amerika. Rojas föddes i Morelos, Mexiko, och bor nu i Salt Lake City, Utah. Denna förändring av bostad har informerat om förändringarna i hans arbete när det gäller hans känslor av hem kontra hemland. Hans arbete undersöker denna förändring i hemlandet på ett sätt som lyfter fram hans främmandehet och hans medvetenhet om båda kulturerna. Hans performanceverk kombinerar ofta mexikanska kulturteman med en performancestil som skapar ett nytt utrymme för att identifiera den ständiga förändringen i kulturell identitet. [ citat behövs ]
Shinji Ohmakis verk "Liminal Air Space-Time" talar om den fysiska känslan av liminalt utrymme och hur detta representerar en gräns. detta liminala utrymme representeras av en tunn vit bit oh kläder som blåser i luften. Användningen av ventiler undertill håller den ständigt svävande i luften. Ohmaki säger, "Duken rör sig upp och ner, vilket orsakar en fluktuation av gränserna som delar olika territorier... vissa människor kommer att känna att tiden går fort medan andra kanske känner att tiden saktas ner. Genom att luta förnimmelserna, en dimension av tid och rum som skiljer sig från vardagen kan skapas." Så precis som en faktisk boarder får du en känsla av att inte veta var du är och hur länge du kommer att sitta fast i luften.
Historia om gränskonst specifik för Palestina-Israel
I juni 2005 gick performancekonstnären Francis Alÿs från ena änden av Jerusalem till den andra och utförde The Green Line . I denna föreställning bär Alÿs en burk fylld med grön färg. Botten på burken var perforerad med ett litet hål, så färgen droppade ut som en kontinuerlig snirklig linje på marken när han gick. Rutten han följde var en ritad i grönt på en karta som en del av vapenstilleståndet efter det arabisk-israeliska kriget 1948, vilket indikerar land under kontroll av den nya staten Israel. Alÿs begränsade sin promenad till en 15-mil lång sträcka genom ett delat Jerusalem, en vandring som tog honom nerför gator, genom gårdar och parker och över stenig övergiven terräng. Julien Deveaux dokumenterade promenaden tillsammans med Alÿs.
Konstnär investerad i Palestina/Israel konst: Sama Alshaibi: En välkänd konstnär som använder sin kropp som ett instrument för sina konstverk. Fokuserar på sammanhanget med dubbel generationsförflyttning såväl som föreställningen om att vara "illegal" i USA som beskrivs som psykologisk förskjutning. Hennes kropp fungerar som en "allegorisk syn" och "fångar feminina perspektiv". Hon fokuserar på att skildra livet för en fördriven palestinsk kvinna som i tidig ålder immigrerade till USA med sin familj. Hon beskriver också information baserad på broderier med palestinska och arabiska kvinnor. Några av hennes konstverk är: Milk Maid , Carry Over , Together Apart och Between Two Rivers. [ citat behövs ]
Internationella konstnärer och deras inflytande
Det har varit flera konstnärer från andra länder som har kommit till den israeliska Västbankens barriär och använt själva muren som en duk för att uttrycka sitt fördömande av dess etablering. De har också arbetat tillsammans med lokala palestinska gatukonstnärer för att uttrycka sina känslor och i slutändan få fram deras budskap. Dessa mycket mer välkända internationella artister har också hjälpt till att vända allmänhetens blick mot konflikten som pågår mellan Palestina och Israel. Många av de konstnärer som arbetar med separationsbarriären har tagit något som uppfattas som ett splittringsinstrument och därmed gjort det till den duk där de skapar sitt budskap. [ citat behövs ]
Banksy
Den anonyma, Storbritannien-baserade konstnären, Banksy , är en framstående figur i hur individer har använt separationsväggen som yta för att uttrycka sitt avståndstagande till dess etablering. Han har använt väggens dimension, indelningen den representerar och sammanhanget bakom för att göra verk som lyckas i sin miljö. Ett av hans mer populära verk föreställer en duva, en symbol för fred, bredvid den iförd en skottsäker väst. Här kan man dra slutsatsen att Banksy försöker uttrycka att det finns en önskan om fred mellan de två nationerna, men med tanke på våldets historia måste de vara beredda på konflikter. I huvudsak demonstrerar han den falska känslan av fred som genereras som en biprodukt av denna mur.
Andra arbeten Banksy har gjort under åren, inklusive att skapa optiska illusioner för att bryta upp murens solidaritet. Han försöker betona elementen i en barriär, hur den delar upp rymden och skapar en avkoppling från omvärlden runt betraktaren. Han har verk som barn framför ett "hål" framför väggen som avslöjar ett paradis, en värld osedd av betraktaren på grund av hindret vid väggen.
Banksy har uttryckt sina olika åsikter om Israel-Palestina-konflikten och de erfarenheter han har mött under arbetet med gränskonst. Ett ofta citerat samtal mellan Banksy och en palestinsk man hjälper till att illustrera känslorna mot muren ur det palestinska perspektivet:
"Gamle man: Du målar väggen, du får den att se vacker ut.
Jag [Banksy]: Tack.
Gubben: Vi vill inte att den ska vara vacker, vi hatar den här väggen. Gå hem."
Allvaret i detta samtal visar hur gränskonst kan ha ett politiskt budskap eller hjälpa en grupp människor att uttrycka sin åsikt, men konsten kan inte ta bort väggen. I denna interaktion är muren antagonisten till det palestinska folket och varje försök att försköna muren görs oanvändbart eftersom det inte tar bort den spricka som uppstår.
Banksy har gjort andra kommentarer angående storleken och omfattningen av separationsbarriären när det gäller hur den i huvudsak isolerar den palestinska befolkningen, nästan omger dem på alla sidor. Han säger, "Det förvandlar i grunden Palestina till världens största friluftsfängelse."
Swoon (artist)
En annan konstnär är amerikansk född gatukonstnär, swoon , som har arbetat med separationsbarriären som en av få framstående kvinnliga konstnärer som har påverkat gatukonstens mansdominerade värld. Swoon är avgörande för att skapa ett kvinnligt narrativ inom detta alltmer studerade konstområde. Många av hennes verk skildrar kvinnor som nyckelfigurer och protagonister i sina respektive kompositioner och ger i slutändan ett annat perspektiv till fenomenet gränskonst. Hennes gränskonst på separationsbarriären fokuserar på egenskaperna hos skala och läge, vilket får betraktaren att förstå väggens storlek i förhållande till kroppen. Swoon förklarar varför skala är viktigt för henne genom att säga, "...Jag tror att det är viktigt att folk förstår omfattningen av det eftersom det hjälper till att förstå den groteska maktobalansen som det palestinska folket står inför." "Genom att skapa denna kontrast i betraktarens storlek till hennes konstverk, får det individen att ifrågasätta väggen, uppmärksamma den och överväga hur långt Israel har tagit för att skydda sig mot yttre krafter.
Ett av hennes verk som visar detta koncept är hennes spetsvävande kvinna, här reser sig motivet ungefär halvvägs upp på väggen och ser ut som om hon vävde sin kjol. Handlingen att väva här innebär en känsla av enhet, och i sitt sammanhang ställs den vid sidan av väggen som symboliseras som splittring. Andra verk av Swoon har fokuserat på plats som att skapa konst där en palestinsk ungdom hade placerat en palestinsk flagga på toppen av barriären och sedan arresterades av israeliska tjänstemän. Swoon har inte gett definitiva betydelser bakom hennes verk, och låter åskådarna tolka dessa utrymmen där hon har arbetat och hur hennes konst har förändrat det, om alls.
Konceptuella gränser
Gränser kan också vara konceptuella . Till exempel gränser mellan samhällsklasser eller raser. Gloria Anzaldúas konceptualisering av gränser går utanför nationella gränser. Anzaldúa konstaterar: "Den USA-mexikanska gränsen es una herida abierta där tredje världen river mot den första och blöder. Och innan en sårskorpa bildas blöder den igen, livsnerven från två världar smälter samman för att bilda ett tredje land - en gränskultur. " Anzaldúa hänvisar också till gränsen som en plats för brott och motstånd; fragmenterad. Borderlands . Gränsartister inkluderar Ana Mendieta , Guillermo Gómez-Peña , Coco Fusco och Mona Hatoum .
Konceptuellt sett kan gränser, som diskuterats av Claire Fox, hittas var som helst; den är bärbar. Särskilt varhelst fattiga, etniska, invandrare och/eller minoritetsgrupper kolliderar med det hegemoniska samhället.
Prieto noterar att "Denna dubbla uppgift - att vara kritisk samtidigt som den föreslår en utopisk gränslös framtid - genomfördes med konceptkonstens verktyg." Konceptuell konst var en europeisk avantgardistisk konstnärlig praktik som fokuserade på den intellektuella utvecklingen av ett konstverk snarare än konst som objekt.
Gränser diskuteras vidare i Adalbarto Aguirre Jr. och Jennifer K. Simmers akademiska tidskrift och diskuterar gränsernas flytande och säger att "Gränsen sammanfogar land och människor till en delad kropp av social och kulturell representation." Artikeln fortsätter också att säga att innebörden av gräns förändras med de människor som upplever dem.
Sheren ekar dessutom att "'gränsen' började hänvisa till en mängd olika icke-fysiska gränser: de mellan kulturella eller trossystem, de som skiljer det koloniala och det postkoloniala, och till och med de som avgränsar olika typer av ämnen." På så sätt överskrider gränser fysiskhet och blir "bärbara".
I ett konceptuellt tänkesätt kan människokroppen ses som en gränslinje. Detta utforskas i Gloria Anzalduas artikel La Frontera = The Border: Art about the Mexico/United States Border Experience. Hon diskuterar utförligt lagren av våra identiteter och hur vi blir dessa gränser inom vår miljö. Hon nämner den dynamik som påverkar våra identiteter såsom kön, kön, utbildning, etnicitet, ras, klass etc. Författaren ifrågasätter om dessa är lika delar eller är delar av vårt jag mer förekommande på grund av vår omgivning? Hon talar om begreppet enhetligt medvetande, en blandning av identitet från det universella kollektivet i människans existens. Hon fortsätter med att säga att vi måste formulera en person som inte kategoriseras av en sak utan som en historia av identiteter som student, mamma, syster, bror, lärare, hantverkare, medarbetare, etc. [ citat behövs ]
En annan individ som också utforskar idéer om att människokroppen fungerar som en begreppsmässig gräns är Sama Alshaibi. Detta uttrycks i hennes personliga essä och konst med titeln Memory Work in the Palestinian Diaspora. I kontextualiseringen av sitt konstverk som nämns senare i verket diskuterar hon sin och sin familjs personliga historia. "Min kropp, avbildad i mitt amerikanska pass, hade förmågan att resa och röra sig fritt i den här världen och kunde komma tillbaka till USA och tala för dem som jag träffade i det ockuperade Palestina, begränsad till en enda stad och avskuren från världen av massiva väggar." Efter att ha refererat till sina egna personliga och familjära berättelser, flyttar Sama sedan sin diskussion mot att använda sin kropp igen inom sin konst; hennes kropp fungerar som "ett fordon för att förkroppsliga och illustrera visuella berättelser om det palestinska förflutna och nuet." Sammantaget är hennes fotografier och videor som visar hennes kropp i centrum av fokus, alla i ett försök att konstruera ett "kollektivt minne", "...[ett minne] som kulminerar i en annan förmedling av historien, en som gör motstånd mot den "officiella " och förmedlade historien Palestina och Israel.
Stuart Hall utvecklar också begreppet identitet i sin artikel: Ethnicity, Identity, and Difference . Han ersätter idén om en intersektionell identitetsmodell med en skiktad identitetsmodell. Den skiktade modellen listar identitetstitlar inom en person i den ordning som är vanligare beroende på omständigheterna. Intersektionen är föråldrad på grund av tanken på att ha en central identitet och förgrening av den är en mängd beskrivningar som ras, klass och kön.
Trinh T. Minh-ha observerar dessutom "gränser uttrycker inte bara önskan att frigöra/att underkasta en praktik, en kultur, en nationell gemenskap från/till en annan, utan också avslöja i vilken utsträckning kulturer är produkter av den fortsatta kampen mellan officiella myndigheter. och inofficiella berättelser – de cirkulerade till stor del till förmån för staten och dess politik för inkludering, inkorporering och validering, såväl som för uteslutning, tillägnande och fördrivande."
Patssi Valdez berör idén om gränsen i sitt screentryck, "LA/TJ". Valdez är en amerikansk Chicana-konstnär som för närvarande bor och arbetar i Los Angeles. Till skillnad från de flesta som hör ordet gräns och omedelbart antar separation, är hennes idé om en gräns en ram. Sett i LA/TJ, ramar Valdez in de två städerna och överdriver därmed idén om att blanda verkligheten snarare än att separera de två. Denna blandning av verkligheten är en symbol för hennes tillhörighet och interaktion med både Mexiko och USA. [ citat behövs ]
Utvidgar begreppen "Border Art"
Det finns inneboende svårigheter att artikulera trauman från Förintelsen. Konsten som skapas mellan direkta och post-generationella deltagare omdefinierar begreppen "minne-som-gräns". Med andra ord, förståelsen av begreppen "gräns" blir komplex i relation till förstahands- och secondhandtrauma. Ett exempel på denna tanke är hur erfarenheterna från de direkt involverade i Förintelsen påverkar deras avkomma? Marianne Hirsch beskriver detta fenomen som " postmemory ". [ citat behövs ]
Postmemory beskriver mest specifikt förhållandet mellan barn till överlevande från kulturella eller kollektiva trauman till sina föräldrars upplevelser, upplevelser som de "minns" endast som de berättelser och bilder som de växte upp med, men som är så kraftfulla, så monumentala, som att utgöra minnen i sin egen rätt. Termen "postmemory" är avsedd att förmedla dess tidsmässiga och kvalitativa skillnad från överlevande minne, dess sekundära eller andra generationens minneskvalitet, dess grund i förskjutning, dess ställföreträdande och försenade. Arbetet med postmemory definierar det familjära arvet och överföringen av kulturella trauman. Barn till offer, överlevande, vittnen eller förövare har olika upplevelser av postmemory, även om de delar de familjeband som underlättar identifiering mellan generationerna. [ citat behövs ]
Konstnären Sama Alshaibi betraktar Hirschs uppfattning om postmemory som "nyckeln till mitt liv och till min konstpraktik, som trots allt är en förlängning av vem jag är." Alshaibi, född av en palestinsk mamma och en irakisk far, beskriver sin uppväxt som "...dominerad av traumatiska berättelser om att förlora Palestina, och hela tiden sörjde jag över en för mig okänd plats." Som ett resultat är hennes arbete "baserat på berättelser om min mors familjs påtvingade migration från Palestina till Irak och sedan vidare till Amerika."
I Headdress of the Disinherited visar Alshaibi fotografiska arbete konstnären bär hennes rekreation av en traditionell palestinsk huvudbonad kantad med mynt som användes som en bruds bröllopshemgift. Alshaibi beskriver huvudbonaden som en del av en överföring mellan generationerna: "Mod efter min mors svaga minne av sin mormors, konstruerar vårt samarbete ett minnesmärke över vår familjs ständiga migrationer." Alshaibi återskapade huvudbonaden med hjälp av familjär efemera och resedokumentation snarare än mynt, "Att ersätta den inte längre präglade palestinska valutan med mynt präglade med våra visum, passstämplar och bilder tyder på en intellektuell hemgift snarare än en monetär." Hemgiftspengarhatt liknar migration och förflyttning. Placeringen fortsätter att ha en effekt över huvudet idag, med dematerialiseringen av kvinnors kroppar och kulturer från regionen.
Gränskonst i praktiken och exempel på arbete
- Doris Salcedo , Shibboleth , 2007 , Installationskonst, Tate Modern
- Sama Alshaibi
- Ahlam Shibli
- Francis Alÿs
- Yishay Garbasz
- Mona Hatoum
- Susan Meiselas
- Christo och Jeanne-Claude , Running Fence , 1972-76, Sonoma och Marin Counties, Kalifornien
- Ana Mendieta , Silueta-serien , 1973-1980
- Anila Quayyum Agha
Hall, S. (1996). Etnicitet, identitet och skillnad. Blir nationell, 337–349.
externa länkar
- La Frontera: Artister längs gränsen mellan USA och Mexiko med Stefan Falke