Rum i New York

Rum i New York
År	1932
Mått	73,66 cm (29,00 tum) × 93,03 cm (36,63 tum)

Room in New York är en olja på duk målning från 1932 av Edward Hopper som porträtterar två individer i en lägenhet i New York City. Det finns för närvarande i samlingen av Sheldon Museum of Art . Målningen sägs ha inspirerats av glimtarna av upplysta interiörer som konstnären sett nära distriktet där han bodde på Washington Square .

Formella egenskaper

Scenen i ett starkt upplyst rum finns i den mörka tröskeln på ett fönster. Den skarpa inramningen gör rummet till huvudfokus, drar ögat och ger verklighet åt handlingen att titta in i ett utrymme där motiven inte är medvetna om att de betraktas. Genuinheten i spioneri är en produkt av Hoppers konstnärliga process. Han medgav att inspirationen till Room in New York kom från "glimt av upplysta interiörer när jag gick längs stadens gator på natten." Trots scenens ögonblicksbildliknande kvalitet är det faktiskt inget speciellt fönster eller ögonblick Hopper tittade in i utan snarare en kulmen på många olika berättelser han såg när han strövade omkring i New York City. Peeringakten ger betraktaren en känsla av att det som ses är helt verkligt och ofiltrerat; ”de självupptagna gestalterna känner inte till hans närvaro; annars skulle de bli generade, skrämda eller på annat sätt obekväma.” Berättelsen som Hopper porträtterar är således en av oapologetisk verklighet. De hårda linjerna och färgblocken som ramar in scenen delar inte bara upp utrymmet mellan betraktare och motiv utan delar också upp utrymmet i själva rummet. Hopper placerar en dörr nästan exakt i mitten för att dela verket i två distinkta halvor horisontellt, vilket isolerar mannen och kvinnan på sina respektive sidor. Medan mannen läser tidningen spelar hans motsvarighet piano med ryggen mot honom. Block av färg avgränsar rymden och tyder på bristande rörelse. Konsthistorikern och forskaren Jean Gillies hävdar att ju mindre detaljer betraktaren har att titta på, desto långsammare kommer ögat att röra sig över verket. Idén kommer från föreställningen att när man tittar på ett konstverk, hoppar ögat från detalj till detalj för att uppfatta helheten. Genom att minska antalet element skapar Hopper en långsamt rörlig eller till och med stillbildsscen. Gilles menar att de formella teknikerna fungerar för att ge motiven en tidlös kvalitet som om de var frusna i det ögonblicket.

Tolkningar

En majoritet av forskare fokuserar på ensamhet och alienation som temat för Hoppers arbete. Konsthistorikern Pamela Koob påpekar att "de ensamma gestalterna i Hoppers målningar mycket väl kan vara evocationer av en sådan nöjd ensamhet snarare än den ensamhet som så ofta citeras." Bevisen för tillfredsställelse kommer från Hoppers egen uppfattning att ett konstverk är ett uttryck för skaparens "inre liv" -- Enligt hans fru Jo Hopper älskade han sitt inre liv till den grad att han kunde "klara sig bra utan avbrott från andra människor.”

Utöver huvudtemat alienation lyfts en mängd andra faktorer fram i Hoppers verk. Hopper själv beskriver det som, "du vet, det finns många tankar, många impulser som går in i en bild, inte bara en." Vissa forskare har hävdat att Hoppers tydligt definierade former och figurer kan vara en kvarleva från hans tidigare arbete inom reklam. Även om det var välkänt att Hopper gav sig själv väldigt lite kredit när han pratade om sitt långvariga arbete som bok- och tidskriftsillustratör, tenderar några av de formella egenskaperna i kommersiellt arbete att dyka upp i hans oljemålningar. Specifikt hävdar konsthistorikern Linda Nochlin att Hopper höll fortfarande fast vid "besiktningar av dess figurella konventioner, dess rumsliga stenografi och dess ömtåliga puritanska konturstyvhet." Dessa stela formaliteter när det gäller formen är vad Nochlin hävdar ger Hoppers verk ett onekligen amerikanskt utseende.

I sammanhanget

Känslan av separation som ofta är kopplad till lägenheten i New York City är ett genomgående tema i Hoppers verk. I synnerhet Hoppers verk som innehåller två huvudämnen skär djupt i tanken om ensamhet. Hoppers par tenderar att vara en man och kvinna i omedelbar närhet och ändå helt omedvetna om varandra. Medan dessa främmande par förekommer i många av Hoppers verk, föreslår konsthistorikern Joseph Stanton att Hotel by a Railroad kan vara något av en följeslagare till Room i New York. Stanton påpekar att paret vid järnvägen faktiskt kan vara samma par i Room i New York, bara tre eller fyra decennier äldre. I båda verken är klänningarna som kvinnorna bär samma färg och det extremt mörka håret och den bleka huden främjar likheten mellan dem. Likaså bär männen på båda målningarna svarta kostymer utan jackan. Utöver de fysiska likheterna mellan de två paren, binder föreställningen om fysisk närhet men ändå fullständig alienation samman de två.

I populärkulturen

Målningen inspirerade en novell från 2016 av Stephen King , " The Music Room ". Berättelsen samlades i 016-boken In Sunlight or In Shadow: Stories Inspired by the Paintings of Edward Hopper .

Anteckningar

• Gillies, Jean. "The Timeless Space of Edward Hopper." Art Journal 31, nr. 4 (1972): 404-12.
• Koob, Pamela N. "Beingstillstånd: Edward Hopper och symbolistisk estetik." American Art 18, nr. 3 (hösten 2004): 52-77.
• Levin, Gail. Edward Hopper: A Catalogue Raisonné . New York: Whitney Museum of American Art. 1995.
• Levin, Gail. Edward Hopper: En intim biografi . New York: Knopf. 1995.
• Nochlin, Linda. "Edward Hopper och alienationens bildspråk." Art Journal 41, nr. 2 (juni 1981): 136-141.
• Stanton, Joseph. "On Edge: Edward Hopper's Narrative Stillness." Soundings: An Interdisciplinary Journal 77, nr. 1/2 (vår/sommar 1994): 21-40.
• Ward, JA American Silences: The Realism of James Agee, Walker Evans och Edward Hopper . Baton Rouge: Louisiana State University Press. 1985.