Olive Ayhens
Olive Ayhens | |
|---|---|
| Född | 1943 (79–80 år) Oakland, Kalifornien, USA
|
| Andra namn | Olive Madora Ayhens |
| Utbildning | San Francisco Art Institute |
| Känd för | Måla, rita |
| Stil | Expressionistisk , representativ |
| Utmärkelser | Guggenheim Fellowship , Joan Mitchell Foundation , Pollock-Krasner Foundation , Adolph and Esther Gottlieb Foundation |
| Hemsida | Officiell hemsida |
Olive Madora Ayhens (född 1943), är en amerikansk konstnär baserad i Brooklyn , New York. Hon fick först ett erkännande i Kalifornien på 1970-talet för stiliserat figurativt arbete, men är mest känd för de fantastiska, svindlande stadsbilder, landskap och interiörer, ofta föreställande New York City, som hon har målat sedan mitten av 1990-talet. Dessa verk blandar det urbana och pastorala, och inuti och utanför, och använder absurda sammanställningar, osannolikheter i skala och levande färger, i spetsiga men lekfulla utforskningar av konflikten mellan civilisation och natur. New York Sun- kritikern David Cohen har beskrivit hennes bilder som "i balans mellan det lyriska och det apokalyptiska. De fångar både poesin och politiken i den tätbefolkade, bokstavligen och metaforiskt skiktade, använda och missbrukade staden."
Ayhens har uppmärksammats med ett Guggenheim Fellowship och utmärkelser från Joan Mitchell , Adolph & Esther Gottlieb och Pollock-Krasner foundations. Hon har ställt ut på institutioner inklusive San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), American Academy of Arts & Letters , Roswell Museum och New York State Museum . Hennes verk tillhör bland annat MTA Arts & Designs offentliga samlingar i New York, Oakland Museum of California och Anderson Museum of Contemporary Art .
Tidigt liv och karriär
Olive Madora Ayhens föddes 1943 och växte upp i Oakland , Kalifornien. Hon bestämde sig för att bli konstnär vid 18 års ålder och skrev in sig på San Francisco Art Institute (SFAI), där hon fick BFA- och MFA-grader (1968, 1969), samtidigt som hon producerade figurativt verk influerat av förcolumbiansk konst , tidiga modernister och abstrakt expressionism .
Ayhens var aktiv bland en grupp kvinnliga konstnärer från Bay Area i början av 1970-talet (bland dem Judith Linhares och M. Louise Stanley ), som blev känd för arbete som byggde på feministiska idéer, outsider och etnografisk konst, och Funk - rörelsen för att utforska mer direkta, personliga och sociala berättelser. Hon väckte uppmärksamhet från kaliforniska curatorer som Philip Linhares och Whitney Chadwick och dök upp i grupputställningar på SFMOMA, Berkeley Art Center , Fresno Art Museum och Laguna Art Museum , och hade separatutställningar på SFAI (1972), SFMOMA Artist Gallery ( 1989) och Michael Himovits Gallery (1991–94), bland andra platser.
1996 fick Ayhens att flytta till New York City genom ett studiebidrag från Marie Walsh Sharpe Foundation. Förändringen riktade hennes ämne mot stadsbilder, kollisionen mellan naturliga och urbana och ekologiska frågor. Ett efterföljande Lower Manhattan Cultural Council World Views residency som tillhandahåller studioutrymme på 91:a våningen i World Trade Center flyttade hennes arbete ytterligare, mot panoramabilder i fågelperspektiv som hon liknade vid att studera en organism under ett mikroskop. I sin senare karriär har Ayhens haft separatutställningar på Gary Tatintsian Gallery (2002–03), Mid-Manhattan Public Library (2007), Frederieke Taylor Gallery (2007¬–09) och Bookstein Projects (2012–19), alla i New York och på Roswell Museum (2015). Hennes arbete har också varit med i Harper's Magazine sedan 2001.
Arbete och reception
Ayhens arbete är inspirerat av hennes fysiska miljö – platser som hon bodde i eller reste till – och har på så sätt beskrivits som nästan biografiska. Hon arbetar utifrån skisser på plats, samlade bilder, minne och slutligen fantasin, men enligt Hyperallergics Stephen Maine, förblir den grundad i en "vilja att tillåta realism att lösas upp i ren abstraktion." Hennes packade kompositioner smälter samman motsägelsefulla och imaginära världar till "förvirrade panoramabilder" som har beskrivits som "urbanvisionära", expressionistiska , folkliknande, häftiga och "både apokalyptiska och glädjefyllda." Kritiker har jämfört hennes konst med de välkända stadsbildskonstnärerna Rackstraw Downes och Yvonne Jacquette , Hieronymus Bosch och expressionisterna Oskar Kokoschka och George Grosz .
Ayhens presenterar katastrofala miljöallegorier som hon kompenserar med en lös målarstil som använder sig av mättade nyanser, oväntade sammanställningar och en skev känsla av rymd. New Yorkers Andrea K. Scott föreslog att Ayhens verk var det som skulle kunna bli resultatet "om modernisten Florine Stettheimer hade korsat vägar med Greta Thunberg ": färgglada, kalejdoskopiska sammansatta målningar som tar upp klimatförändringar där "infall tenderar att överträffa fruktan." Stephen Maine menar att en central, animerande paradox i Ayhens verk är en motsägelse mellan dess överflöd av excentriska bilddetaljer och dess tvetydiga avsikt som omfattar "kulturell symbol, narrativ anordning, självbiografisk markör eller bara det roliga med målning."
Tidigt arbete, 1970- och 1980-talen
Kandinskys och Mirós arbete i dess användning av färg respektive organiska former för att antyda känslotillstånd, samtidigt som de skilde dem från båda i dess mer explicita former grundade i verkligheten. Recensenter beskrev dessa verk som energetiskt uttrycksfulla, lyriska "psykiska upptäckter", vars personliga berättelser – ofta utforskande av kvinnlig sexualitet – också frammanade det universella, ritualistiska och arketypiska. I ljust målade, intrikata kompositioner spelade hon på variationer av aboriginska mänskliga, naturliga och fantasiformer stiliserade till gobelängliknande mönster (t.ex. Goodbye , 1974) eller omgiven av hav av organiska och dekorativa element som antydde instabilitet och kraften hos större krafter ( Kärlek i vattnet , 1980). Kritikern Charles Shere kallade dem "landskap i det inre myllrande av liv, mikroskopiska organismer och insektsorgan som skildrar känslan av ... ett extatiskt utdraget ögonblick." I många verk dominerade en ljusare känsla av livets pågående liv och dess passager eller en häftig humor, som i Love Among the Spiders (1983), som Berkeley Express beskrev som en "ryckig, taktil teckning ... vilket tyder på en syn på samlag inifrån och ut."
På 1980-talet blev Ayhens konst mer influerad av hennes omgivning och miljöhänsyn, och flyttade närmare hennes mogna stil. Dessa akvarell- och tuschlandskap kännetecknades av en nyckfull ljusstyrka som förde dem bortom det representativa mot det fantasifulla, ofta förmedlat genom tungan i kinden, virriga byggnader och träd. Artweek' kallade dem "ängsliga amalgam(er) av ideal och konkreta, natur och civilisation" som erbjuder "en vision av manisk inkludering [som] driver precis till kanten av att hålla ihop motsättningarna i det samtida livet."
New York Works (1996–2006)
Ayhens expressionistiska New York-serie The Esthetics of Pollution (1996) betecknade både hennes övergång över kusten (t.ex. Montana Creeps Into NYC, 1996) och hennes svar på den stadens myllrande stadsmiljö. Arts Magazines kritiker Robert Mahoney beskrev seriens titelverk som "ett energiskt, Red Grooms -liknande panorama av ett lägre Manhattan omgivet av grönt slem" vars skyline som verkade "smälta som en födelsedagstårta i surt regn." The New York Times Roberta Smith karakteriserade det arbetet som en "underbart gulsot ... energiskt pervers vykortsbild."
I tre separatutställningar på Gary Tatintsian Gallery (2002–04) presenterade Ayhens målningar som förde in det naturliga i det urbana och vice versa ( Skyskrapor i Yellowstone, 1998) med fantastiska, svindlande scener av trånga och skrynkliga, instabila metropoler och överkörda motorvägar. av djurhjordar, urtidsöversvämningar, kanjoner och skogar. Rapid Commute (1996–97) skildrade en alpin miljö med en skummande, nedströms flodbärande bilar, dess stränder befolkade med lutande skyskrapor och en stad vid vattnet snarare än klippor. The Streams Return (1997) skildrade vatten som strömmade genom Manhattans gator som det en gång gjorde på ön – och kanske skulle kunna göra det i framtiden – vilket tyder på att eoner kollapsar i ett enda ögonblick. De två sistnämnda föreställningarna antog en mer förskjuten, svindlande egenskap som Ken Johnson skrev visade på en "självisk ignorering av det vanliga perspektivet" och David Cohen karakteriserades som skimrande "med en sorts kubistisk-futuristisk facettering." I ett sådant verk, Urban Strata (2004), introducerade Ayhens inre utrymme i kompositionen; den slog samman en stadsbild i fågelperspektiv med en funhouse-liknande skildring både inuti och utanför en stor, inglasad bilshow fullpackad med konsumenter, kamouflerade soldater, bilar och rulltrappor.
Senare arbete
Under det senare 2000-talet fortsatte Ayhens att utforska interiör-exteriör tvetydigheter, med nya visuella influenser inklusive överdådig morisk och nordlig renässansarkitektur, teknologin i moderna laboratorier och kontorsutrymmen och gallerior. Hennes serie "Extreme Interiors" uppstod efter ett besök i en forskarväns labb, varefter hon skapade en koppling mellan dess labyrint av sladdar och prylar och hennes känsla av staden som en slags levande organism. David Cohen noterade en intensifiering av linje och färg i seriens nervösa, sammansatta banker av trådar, vilket tillförde en "Pollock-liknande överhet" till de skeva scenerna, och avslutade, "Motivet av ett datorlabb, där kontrollerad kaos, ad hoc-effektivitet och extern röra stödjer skapandet av inre ordning, är den perfekta metaforen för Ayhens skildringssätt: hon är ingenting om inte trådbunden."
I separatutställningar på Bookstein Projects, "Interior Wilderness" (2014), "Urbanities and Ur-Beasts" (2019) och "Transformation of Place" (2021–22), presenterade Ayhens surrealistiska landskap som kollapsar naturen och den byggda miljön. Dessa osannolika verk ställde intill rulltrappor och floder, djungler och hotelllobbyer, bestiarier och motorvägar, och enligt kritikern Jerry Saltz , "postapokalyptiska berättelser och prelapsarisk lycka." Den första showens titelverk (2009–10), sammanvävde ett glittrigt hotell, en inträngande damm kantad av vass, stenar, grodor och kakelarbeten, och en destabiliserande bakgrund av konvergerande plan och oöverensstämmande tidsdekor. Flecks in the Foam (2012) erbjöd en panoramisk stadsbild av out-of-scale, vajande skyskrapor och trassliga kablar till datorlabb, en kraschande monstervåg och poliskryssare, vilket framkallade en känsla av stigande havsnivåer och total olycka. I den senare föreställningen skildrade Ayhens en samtida värld som kryllar av märkliga varelser, som i Camelid in the City (2019), där ett förhistoriskt däggdjur sitter på stranden av en syragrön East River, vars gulorange hud ekar det glittrande ljus från en avlägsen Manhattans skyline.
Utmärkelser och samlingar
Ayhens har tilldelats ett Guggenheim Fellowship (2006) och anslag från Adolph & Esther Gottlieb Foundation (1996), Pollock-Krasner Foundation (1998, 2001) och Joan Mitchell Foundation Foundation (2013). Hon har fått konstnärsresidens från Joan Mitchell Center i New Orleans, Djerassi Artists Residency , Fundacion Valparaiso (Spanien), Lower Manhattan Cultural Council, MacDowell Colony , Millay Arts , Roswell Artist-in-Residence (RAiR), Salzburg Kunsterhaus, Sharpe- Walentas Studio Program, Ucross Foundation , Virginia Center for the Creative Arts och Yaddo , bland andra.
Hennes verk tillhör de offentliga museisamlingarna i Anderson Museum of Contemporary Art, Mills College Art Museum , MTA Arts & Design, Oakland Museum of California , Watkins Gallery vid American University , West Collection och Whatcom Museum .
externa länkar
- "Olive Ayhens: Unique Improbabilities," Art Spiel- intervju, 2019
- Olive Ayhens , Bookstein Projects
| Allmän | |
|---|---|
| Nationalbibliotek | |
