Florence Cane

Florence Cane
Född	Florens Naumburg 28 september 1882 Manhattan, NY
dog	1952
Arbetsgivare	Walden School Counseling Center för begåvade barn vid New York University
Släktingar	Margareta Naumberg

Florence Cane (28 september 1882 – 1952) var en framstående amerikansk konstpedagog vars idéer påverkade konstterapiområdet.

Privatliv

Florence föddes 1882 av Max och Theresa Naumberg 1882 i New York City. Hon var den näst äldsta av fyra barn och beskrevs ha en utåtriktad och livlig läggning. Hennes syster Margaret Naumburg var en pionjär inom amerikansk konstterapi. När Cane växte upp utsattes Cane för dålig konstundervisning, vilket inspirerade henne att bli konstlärare.

Florence gifte sig med Melville Cane och fick tvillingdöttrarna Katherine och Mary. Cane upplevde diskriminering, vilket ledde till att hon gick med i kvinnorättsgrupper. Hennes man stödde hennes intellektuella och sociala reformintressen.

Hon dog 1952 vid 70 års ålder.

Yrkesbakgrund

Florence och hennes syster Margaret var båda djupt imponerade av psykoanalytiska idéer och fortsatte jungiansk analys med Beatrice Hinkle runt 1910. Detta formade Canes undervisning och uppmuntrade henne att se bortom enbart teknik till sina egna känslor som en källa till kreativitet. Hon var också en anhängare av Gurdjieff , som betraktade "dans, musik, rörelse, innovativt grupparbete och skrivande" som uttryckssätt och självmedvetenhet. Inte minst var hon influerad av österländska filosofiska traditioner, som informerade hennes förståelse av sambandet mellan sinne och kropp i konstframställningsprocessen.

Margaret Naumburg grundade The Children's School, nu känd som Walden School , 1914. Naumburg bjöd in Cane att undervisa på Walden, ett experimentellt, progressivt projekt, runt 1920. Det sägs att Naumburg erbjöd henne tjänsten efter att Cane klagade över hur konst lärdes ut. i skolan. Cane trodde, "ungdomar förtjänar lärare med psykologisk förståelse, konstnärlig förmåga och enkla, direkta metoder för att tillhandahålla tekniker," och "kreativitet och individualitet krossades." Cane valde att gå bort från den färdighetsundervisningsmetod som vanligtvis används i skolor och använde istället ett integrerat tillvägagångssätt. Medan Cane undervisade på The Children's School, fortsatte hon att undervisa privat i sitt hem. Efter att ha lämnat The Children's School talade Cane på undervisningsseminarier och började sin egen skola på Rockefeller Center. 1936 blev Cane chef för konst vid Counseling Center for Gifted Children vid School of Education vid New York University, och arbetade främst med intagsportföljer för sökande.

Florence Cane med sin man och två döttrar.

Bidrag till konstundervisning

Publikationer

I sin artikel från 1930, "Observations on the Creative Impulse in Very Young Children", anspelade Cane på utvecklingsbehoven och de främsta miljöerna för kreativitet och självutforskning 1930. Andra publikationer inkluderar The begåvad barn i konsten (1936); en artikel i Journal of Educational Sociology , Art-The Child's Birthright (1931a) och Earliest School Approaches (1931b) i The American Magazine of Art.

Canes bok The Artist in Every of Us publicerades 1951, ett år före hennes död. Boken behandlade ämnen som instruktioner som är lämpliga för varje åldersgrupp, val av material, specifika tekniker och betydelsen av symboler. Dess nytryckning 1983 leddes av Mary Cane Robinson, Elinor Ulman och Claire Levy.

Föregångare till Expressive Therapies Continuum

Hennes tidiga utveckling av att uttrycka det omedvetna genom rörelse, känslor och tankefunktioner placerar henne som föregångare till Kontinuumet för uttrycksfulla terapier.

Canes progressiva idéer drog på vikten av att konst är en komplex process som fungerar som en helhetsupplevelse. Hon trodde att rörelsen bortom det typiska stationära området skulle åkalla konstverket med mer mening. Hon utvecklade ytterligare användningen av rörelse i sin artikel (Cane, 1931a) genom att säga att "det kinestetiska sinnet är länken mellan att tänka och göra" och "fingertopparna är ... den sista känsliga delen för att förmedla sinnets budskap till papper...(bär) hela bördan." Hon insisterade på att bristen på rörelseuttryck kunde blockera konstnärens kreativa kapacitet, och insisterade på att hitta balans mellan de tre funktionerna för bättre helhet och självkänsla. Detta är en annan aspekt av hennes bidrag, som identifierar konst som en helande process som kan avslöja det omedvetna.

Rörelse är den kinestetiska känslan som varje person besitter. Detta kan uttryckas i principen om rytm. Cane konstaterar att det överallt i världen finns rytm, som fungerar som en grundläggande princip i livet, och att ha rytm kan hjälpa till att frigöra motoriska funktioner och hjälpa individen att befria sina känslor. Den enklaste formen av rytm är användningen av upprepning. Känsla, en annan huvudfunktion, kan ge kreativ förmåga. Känslan är dynamisk och harmonisk i att skapa konst. Känslor kan komma från många olika vägar som minne och fantasi. Den sista huvudfunktionen, tanken, är kopplad till idén om maktens utloppsbalans. Cane hänvisade till dessa som mänskliga krafter "kropp, psyke och sinne" som sammanhängande fungerade i en individs kreativa uttryck. Dessa inkluderar vision, observationer, minnen, fantasi och förståelse. Med alla huvudfunktioner, rörelse, känsla och tanke, som arbetar tillsammans, kan individen uppleva den sista dimensionen av andligt uppvaknande. Denna process är samtalsintegration.

Klottertekniken

Cane utvecklade en klotterteknik som "en sorts lek med en fritt flödande sammanhängande linje". Det första steget är att dra en linje efter att ha gjort några stretching-uppvärmningar. I det andra steget tittar konstnären på linjen för att hitta en form eller en association och utvecklar den sedan.

När du ritar klottret kan ögonen öppnas eller stängas. Men att hålla ögonen stängda hjälper artisten att röra sig fritt utan att försöka rikta handen. Cane utvecklade denna övning för att främja fantasi och omedvetna bilder, liknande fri association i psykoanalys.

Cane-uppvärmningsrörelserna och klottertekniken införlivades senare i en anmärkningsvärd konstterapibedömning, Ulman Personality Assessment Procedure.

Terapeutisk tillvägagångssätt

Terapeutisk miljö, befolkning och praktik

Cane utbildades under den psykoanalytiska teoretiska orienteringen och är baslinjen för hennes tillvägagångssätt för uttrycksfulla terapier. Canes integrerade undervisningsmetod involverade känslomässig kreativitet och fri association. Cane ansåg sig vara en psykologiskt informerad konstlärare, inte en konstterapeut. Cane hade dock patienter som hänvisades till henne av psykiatriker och analytiker som var medvetna om vikten av konstbilder som ett terapeutiskt verktyg. I Canes bok The artist in each of us uttryckte hon vikten av att känna igen symboler i ett barns konstverk. Cane trodde att när symboler väl är kända för konstterapeuten-läraren, kan det vara lättare att avgöra barnets problem och behov.

Canes tror att barn går igenom stadier och med rätt positiv förstärkning kan de skapa och uttrycka sig själva. Det första skedet hon kallade var förskolaperioden. Cane säger att spädbarn bör lämnas ensamma med material som småsten, pinnar och löv så att de kan utforska världen och bli mer autonoma. När barnet väl har anpassat sig till konstmaterialet kommer det att börja skapa. I detta skede gör 2–3-åringen sensoriska muskelaktiviteter. Barnet, fram till sju års ålder, befinner sig i klottringsfasen. De kommer att njuta av denna muskulösa aktivitet och kommer att utforska form och färg. Barnet kommer att arbeta och rita i en dimension. Från åldrarna 7 till 14 kommer de att söka godkännande från andra. De kommer att börja titta på världen omkring dem och vilja replikera den. De kommer också att arbeta i två dimensioner. Från 14–18 års ålder börjar tonåren få ett fördjupat medvetande och känslor kommer att uttryckas mer. De kommer också att vara väldigt självkritiska mot sig själva. Under denna tid kommer de att bli medvetna om den tredje dimensionen. Cane trodde att detta var processen för mänsklig utveckling i uttrycksfull konstterapi.

Om sina elever sa Cane: "Mitt arbete med barnen bygger på tron ​​att nästan alla små barn kan lära sig att rita eller måla lika naturligt som att tala eller skriva" (1931b). Hon förstärkte vikten av att utveckla och uttrycka identitet genom den kreativa processen, och varnade andra vuxna med deras interaktioner med kreativa barn (1931a). Det är viktigt för föräldrar och vårdnadshavare att vara stödjande. Hon beskrev vuxna som mer konventionella och precisa med förväntningar på att produkten ska ha en färdig kvalitet, medan barnet inte har det. Barndomen beskrivs som en tid då fantasin lever. Ett barn använder sina streck på en sida som "shorthandsymboler för vad han vill att de ska vara" (1931a). Om föräldern eller vårdnadshavaren inte är stöttande, till exempel rynkar pannan på jobbet eller skrattar åt det, kommer det att leda till att barnet tappar självförtroendet. När ett barn visar fantasifullt, självuttryckande arbete för den kritiska vuxen, är fördömandet av verkets tekniska effektivitet faktiskt ett fördömande av barnet. Detta kan i sin tur göra att barnen inte längre uttrycker sig kreativt. Istället borde vi "fråga honom om det med intresse och låta uppmuntran stå i proportion till vad det betyder för barnet" (1931a). Beröm bör vara precis tillräckligt för att upprätthålla hans tro på hans ansträngningar.

Hennes teorier omfattade även yttre förhållanden och material. Cane var övertygad om att lärare är ansvariga för att säkerställa optimala förutsättningar för kreativiteten att blomstra. De förhållanden som Cane ansågs vara mest gynnsamma för barn var vita, kala väggar; rymliga, upplysta rum; och synliga material. Orolig för att hennes elever skulle känna en känsla av underlägsenhet, skulle hon inte låta kända reproduktioner hängas i utrymmet. I sin publikation från 1930, eftersom hon kände att jämförelsen kan vara skadlig för hennes elevers självkänsla och ursprungliga kreativa process. Senare i sin publikation från 1950 av The Artist in Every of Us drog Cane tillbaka påståendet att studioväggar skulle vara kala vilket antydde att väggar skulle prydas med barnkonstverk. Ibland skulle några av de mest "levande" barnens konstverk pryda väggarna, de som hon identifierade vara fulla av rytm, färg och ärliga råheter som exemplifierade den ansträngning som lagts ner på dem (1931a). Andra dekorationer användes för specifika direktiv och var typiskt färgglada material som användes för stimuli.

Cane föredrog kritor, krita, temperafärg och kol, och trodde att dessa verktyg underlättade konst som var "mer bred och individuell". , och stödde barns tanke- och rörelsefrihet.

Cane föreslog att det första konstdirektivet för varje individ skulle involvera en "full, balanserad rörelse" som att kasta en boll eller lekfullt producera linjer. Att röra kroppen med lätthet samtidigt som de gör konst kan hjälpa barn att bygga upp förtroende för att skapa och utforska sina kinestetiska sinnen genom aktiviteter som involverar perception, minne och fantasi. Dessa aktiviteter inkluderade att observera föremål, återkalla de föremål som observerats utan att titta och tänka på nytt material och bildspråk.

Föredragen stil och teknik

Cane, genom sina år som arbetat med barn och ungdomar, upptäckte vanliga svårigheter bland barnen hon arbetade med. De svårigheter som barnen hade, som rädsla, stolthet och tröghet, orsakade ofta ett kreativt block och var vanligtvis underliggande symptom på en psykologisk attityd. Hon trodde att de elever som upplevde svårigheter inom akademiska, konstnärliga eller beteendemässiga områden upplevde en blockering i en av hennes föreslagna tre funktioner. Hon trodde att att hjälpa eleverna genom detta blockerade område kunde få dem till ett bredare spektrum av uttryck och förståelse. Cane diskuterade det faktum att denna förbättring i funktion var förenlig med betydande förbättringar inom sådana elevers konstverk. Konstnären utvecklade också en mer personlig mening från konstverket och kände sig föryngrad genom konstframställningsprocessen.

Tröghet, eller motstånd, beror ofta på brist på psykisk energi. Orsaken till bristen på energi för konstaktiviteter är att barnets energi går åt till andra saker. Denna energi kan läggas på problem hemma eller i skolan, eller om barnet har ett späckat schema. Cane hittade ett sätt att bryta igenom trögheten och hjälpa barnet att ta sig förbi det kreativa blocket. Ett sätt som Cane tog sig förbi barnets block var genom att ge barnet en tidigare, ofullbordad teckning. Barnet kan sedan titta på den ofärdiga ritningen och bestämma hur den ska avslutas. Förhoppningen är att när barnet är färdigt med teckningen kommer det att finnas tillräckligt med energi för att påbörja ett nytt konstverk.

Rädsla kan också orsaka ett kreativt block. När ett barn är rädd blir säkerheten ett problem och barnet kan bli fientligt eller utveckla skuldkänslor. Cane skulle ge ett räddt barn en enkel konstaktivitet som var lätt att utföra så att barnet kunde känna tillfredsställelse. Om konstverksamheten var för svår, skulle barnet bli avskräckt och bli rädd för att misslyckas. Cane utvecklade klottermetoden som ett sätt att ta sig igenom det kreativa blocket och bli nöjd med konstverket. Klottret är barnets egen design och kan inte jämföras med någon annans.

Barn kan ha två typer av stolthet. De kan ha stolthet som orsakar inbilskhet eller den typen av stolthet som orsakar känslor av underlägsenhet. Canes inställning till inbilsk stolthet var att inte ge barnen vad de ville ha. Cane skulle inte ge barnet belöningar eller beröm för deras konstverk. Anledningen till detta var att bryta barnet från att göra konstverk enbart för uppmärksamhet. Cane närmade sig barnen med mindervärdesstolthet på ett annat sätt. Cane märkte att barn med mindervärdesstolthet var rädda för att skapa konstverk som var mindre än perfekta. Cane använde konstaktiviteter, som klottermetoden, för att ge barnen tillfredsställelse i sina konstverk.

Andra viktiga aspekter av konstinsatsen inkluderar att uppmuntra den studerande konstnären att välja sina egna idéer för ämnet. Dessa beslut kommer att vara relaterade till hans känslor och intresse, och därför kommer han att ha mer av en önskan att vara engagerad i konstframställningsprocessen (Cane, 1931a). Anmärkningsvärt är också när tiden är mogen att ingripa för en undervisningsstund. Medan eleverna är entusiastiskt engagerade i processen, är de upptagna med att aktivt förmedla vad de tänker på i formen. Cane säger "och vem kan säga annat än konstnären själv vad han menar att göra och hur han ska göra det" (1931a). Vänta istället på paus och tider av missmod, för det är dessa tillfällen då eleverna kommer att vara mer mottagliga och villiga att lära.

Personlig konst

Fotografier av Canes arbete finns i 1983 års publikation "Roots of Art Therapy" i American Journal of Art Therapy . I sin personliga konst skapade Cane stora stycken med användning av hela hennes kropp. En av hennes mest anmärkningsvärda verk var som svar på Bachs h-mollmässa där hon använde målade på en storskalig yta. Detta var så att hon kunde använda båda armarna för att skapa ett rytmiskt mönster. Hon startade målningen nere vid fötterna, tryckte linjerna uppåt mot himlen och sedan utåt med båda armarna. Cane titulerade det färdiga stycket "Credo". Credo speglar hennes värde av kinestetisk erfarenhet inom konstframställning och rytmisk rörelse inspirerad av Bachs h-mollmässa.

Hon fann att det fanns en ökad känslomässig koppling för det yttre uttrycket i större skala. Visuellt hade det instinktivt bildats i hennes sinne när hon lyssnade på musiken och sedan när hon skapade. Hon fann att större papper gav mer rörelsefrihet genom att använda hela kroppen. "...[Stora, fria rörelser när jag ritar frigjorda bilder i mitt sinne som jag inte hade kunnat uttrycka i liten skala."