De tre nåderna (skulptur)
Antonio Canovas staty The Three Graces är en nyklassisk skulptur , i marmor , av de mytologiska tre Charites , Zeus döttrar – identifierade på några gravyrer av statyn som, från vänster till höger, Euphrosyne , Aglaea och Thalia – som sades att representerar ungdom/skönhet (Thalia), glädje (Euphrosyne) och elegans (Aglaea). The Graces presiderade över banketter och sammankomster för att glädja gudarnas gäster. Som sådana har de tjänat som ämnen för historiska konstnärer inklusive Sandro Botticelli och Bertel Thorvaldsen . En version av skulpturen finns i Eremitagemuseet , och en annan ägs gemensamt och ställs ut i sin tur av Victoria and Albert Museum och Scottish National Gallery .
Versioner av stycket
John Russell , den 6:e hertigen av Bedford, beställde en version av det nu berömda verket. Han hade besökt Canovas ateljé i Rom 1814 och hade blivit oerhört imponerad av en snidning av nåderna som Canova producerade åt kejsarinnan Josephine . När kejsarinnan dog i maj samma år erbjöd han sig att köpa det färdiga verket, men misslyckades eftersom Josephines son Eugène hävdade det (hans son Maximilian tog med det till St. Petersburg , där det nu finns i Eremitagemuseet ). Oavskräckt beställde hertigen en annan version åt sig själv.
Skulpteringsprocessen började 1814 och avslutades 1817. 1819 installerades den vid hertigens residens i Woburn Abbey . Canova reste till England för att övervaka installationen och valde att visa den på en piedestal anpassad från en marmorsockel med en roterande topp. Detta föremål ägs nu gemensamt av Victoria and Albert Museum och National Galleries of Scotland , och visas omväxlande på varje.
Versionen i Eremitaget är huggen av ådrad marmor och har en fyrkantig pelare bakom den vänstra figuren ( Euphrosyne ). Woburn Abbey-versionen är huggen i vit marmor och har en rund pelare, och den centrala figuren ( Aglaea ) har en något bredare midja.
När han fick hertigens uppdrag hade Canova redan haft en lysande skulptörkarriär. Född i den italienska provinsen Treviso 1757, utbildades han av sin farfar och hans konstnärliga talang uppmärksammades snabbt, särskilt av en senator, Giovanni Falieri, som introducerade honom för skulptören Torretto . Torretto tog Canova som lärling i två år.
Canova fortsatte med att åtnjuta små uppdrag, men hans berömmelse kom inte förrän 1780 när han reste till Rom och fann sig inspirerad och stärkt av omfattningen och kvaliteten på konsten och arkitekturen. Under denna tid producerade Canova några av sina mest vördade verk, inklusive: Theseus and the Minotaur (1782), hans monument till påven Clemens XIV (nu visas i basilica dei Santi Apostoli ) och masterminding av Clemens XIII: s överdådiga grav i St. Peters. År 1793 producerade han Psyche Revived by Cupid's Kiss , ett stycke av obefläckad komposition och flödande skönhet.
1802 kallades han till Paris av Napoleon I för att modellera en enorm figur av kejsaren som höll en "seger" i sin hand. Han skulle också modellera en byst av den franske ledaren samt en staty av Napoleons mor. Det faktum att dessa verk endast representerade en bråkdel av hans verk under denna period gör hans dubbla uppdrag att skulptera Gracierna förståeligt.
Skulpturen för hertigen av Bedford baserades på skildringar av gracerna som Canova tidigare hade gjort, inklusive en målning från 1799, andra teckningar och en relief av gracerna som han utförde ungefär samtidigt.
1810 modellerade han en terrakottaskiss (nu i Musée de Lyon, Frankrike). Men det är troligt att hans verk för kejsarinnan Josephine och senare hertigen huvudsakligen var modellerad på de tidiga ritningarna och en terrakottaskissmodell. Vi vet att den omedelbara modellen för arbetet var en fullskalig gipsgrupp som har överlevt och som nu finns på Canova-museet i Possagno . I Duke of Bedford-versionen lutar nåderna mot en pelare, men i tidigare versioner saknades denna funktion.
Konstnärlig teknik och effekt
Pjäsen är huggen från en enda platta av vit marmor . Canovas assistenter blockerade grovt sett ut marmorn och lämnade Canova för att utföra den sista snidningen och forma stenen för att framhäva Graces mjuka kött. Detta var ett varumärke för konstnären, och verket visar en stark trohet mot den nyklassiska rörelsen inom skulptur, där Canova är den främsta exponenten.
De tre gudinnorna visas nakna, hopkurade, deras huvuden nästan vidrörande i vad många har kallat en "erotiskt laddad" pjäs. De står och lutar sig något inåt - kanske diskuterar en gemensam fråga eller bara njuter av deras närhet. Deras frisyrer liknar varandra, flätade och hålls ovanpå huvudet i en knut .
Stilen är elegant och antyder förfining och klass - det finns en delikat skönhet i dem som är vardagligt i Canovas skulptur. Konsthistoriker har ofta kommenterat den fredliga balansen som tycks råda mellan de tre huvudena. Till skillnad från kompositioner av Gracierna som härrörde från antiken , där de yttre figurerna vänder sig ut mot betraktaren och den centrala figuren omfamnar sina vänner med ryggen mot betraktaren, står Canovas figurer sida vid sida, vända mot varandra.
De tre smala kvinnofigurerna blir en i sin famn, förenade av sina sammanlänkade händer och av en halsduk som länkar dem samman. Graceernas enhet är ett av verkets huvudteman. I grevinnan Josephines version står nåderna på ett offeraltare prydt med tre kransar av blommor och en girlang som symboliserar deras ömtåliga, nära band.
Nyklassicismen och barocken
Canovas verk utmanade den barocka uppfattningen om överdådig skönhet; han visar nådarna som nublia , slanka unga kvinnor. Detta är inte det enda avsteg som Canovas verk gör från barocken. presenterar den italienska skulptören Berninis barockverk ett starkt ögonblick i tiden - en ögonblicksbild. Berninis verk från 1644 The Ecstasy of St. Theresa visar ögonblicket då den helige anden tränger igenom Theresas hjärta och lämnar henne i vad som bara kan beskrivas som extas av gudomlig närvaro. Det är en dramatisk, gripande scen fångad av Bernini i ögonblicket av störst effekt. Canovas arbete är dock annorlunda. Hans verk verkar inte ha någon verklig tidskänsla, de existerar bara vid en tidpunkt i det förflutna - nästan spöklika påminnelser om en mytologisk händelse eller person som sedan länge har avlidit. I fallet med Graces avstår han från teater och uppmanar tittaren att göra vad de vill av scenen. Detta är typiskt för den nyklassicistiska rörelsen. I många avseenden var detta arbete ett avsteg och har sedan dess av många betraktats som ett riktmärke för skönhet.
