Barbara Takenaga

Barbara Takenaga
Född
Barbara Takenaga

1949
North Platte, Nebraska , USA
Nationalitet amerikansk
Utbildning University of Colorado Boulder
Känd för Målning , grafik
Stil Abstrakt
Utmärkelser Guggenheim Fellowship , National Academy of Art , American Academy of Arts and Letters
Hemsida [barbaratakenaga.com]

Barbara Takenaga (född 1949) är en amerikansk konstnär känd för virvlande, abstrakta målningar som har beskrivits som psykedeliska och kosmiska, såväl som vetenskapliga, på grund av deras mycket detaljerade, tvångsmässiga mönster. Hon fick ett brett erkännande på 2000-talet, då kritiker som David Cohen och Kenneth Baker placerade henne i en ledande ställning av konstnärer som förnyade abstraktionen med målningar som betonade visuell skönhet och överflöd, noggrann teknik och optiska effekter. Hennes arbete föreslår möjligheter som sträcker sig från föreställda landskap och flygkartor till astronomiska och meteorologiska fenomen till mikroskopiska vyer av celler, vattenlevande varelser eller mineraltvärsnitt. I en recension från 2018 beskrev The New Yorker Takenaga som "en abstraktionist med en mystikers intresse för hur det extatiska kan komma ur det mödosamma."

Barbara Takenaga, Forte , akryl på linne, 54 tum × 135 tum (1 400 mm × 3 400 mm), 2011. Courtesy DC Moore Gallery, New York.

Takenaga har haft separatutställningar på MASS MoCA Hunter Center, Huntington Museum of Art , Neuberger Museum of Art Space 42 och Art in General , och en tjugoårig undersökning på Williams College Museum of Art 2017. Hon har deltagit i grupputställningar på Frist Art Museum , Bemis Center for Contemporary Arts , Pennsylvania Academy of Fine Arts , deCordova Museum och San Jose Museum of Art , bland andra. 2020 fick hon ett Guggenheim Fellowship och hon har erkänts av National Academy of Design och American Academy of Arts and Letters . Takenaga bor och arbetar i New York City och är Mary A. & William Wirt Warren professor i konst, emerita vid Williams College .

Moget arbete och kritiskt bemötande

Författare karakteriserar Takenaga som en abstrakt målare trots de illusionistiska och suggestiva egenskaperna hos hennes konst, och noterar att verket uppstår ur fantasi, reflektion och en intuitiv process som kombinerar slump, ordning och repetitivt arbete, snarare än från observation . Hon börjar ofta med stänkande, falska abstrakt expressionistiska grunder, innan hon metodiskt men intuitivt tillämpar handmålade former för att skapa mönster; Processen är inspirerad av hennes tidiga grafikbakgrund och använder ett platt, grafiskt tillvägagångssätt som inkluderar spårning, överföring, konturering och sammanslagning av färg.

Barbara Takenaga, Gold + Red , akryl på träpanel, 42 tum × 36 tum (1 070 mm × 910 mm), 2005. Samling av Pennsylvania Academy of Fine Art.

Takenagas olika influenser inkluderar tantriska mandalas , träblockstrycken av Utagawa Kuniyoshi , japansk- popgrafikern Tadanori Yokoo , Sol LeWitt , Roger Brown och rörelsen Mönster och dekoration . Författare som John Yau och Debra Bricker Balken tillskriver hennes tonvikt på dekoration och detaljer, rumslig tvetydighet och viscerala, optiska egenskaper till hennes intresse för de extatiska, njutbara egenskaperna hos icke-västerländsk konst och op -konst, som var och en erbjöd alternativ till abstrakt expressionism. självuttryckande existentiell ångest och minimalismens platta, reduktiva självreferensialitet. Formellt engagerar Takenaga motsatta element av yta och djup, planhet och dimension, stas och rörelse. I konceptuella termer identifierar kritiker ihärdiga (om nedsänkta) teman i hennes arbete som involverar personlig historia, förundran och fruktan, sorg och dödlighet, tillsammans med en känsla av lättsinne som hon har kallat "allvarlig fånighet".

Målning (2001–09)

I början av 2000-talet engagerade sig Takenaga för abstraktion och arbetade blygsamt skalade variationer på ett fast format: centripetal- eller centrifugalmönster som strålar ut eller lindas upp från en något utanför mittpunkten, och bildar övergripande fält som framkallar nattliga himlar och himmelska former (t.ex. , Nattmålning , 2001). New York Times kritiker Ken Johnson beskrev dessa målningar som "optiskt fängslande och transcendentalt suggestiva [av] en myllrande, rymd känsla som att resa med ljusets hastighet genom en galax eller ett psykiskt centrum för belysning." Hennes verk från slutet av 2001 skapades i skuggan av sorg efter hennes mors död; hon förevigade minnet av båda sina föräldrar i de eteriska verken Shizue och Toshiwo – ljusa, utstrålande konstellationer av koncentriska punkter och spiraler på nebulösa blå fält som förmedlar både dödlighet och visuell eufori.

Barbara Takenaga, Ozma , akryl på linne, 70 tum × 60 tum (1 800 mm × 1 500 mm), 2009.

Kritiker som Art in Americas Robert Kushner identifierade en expansion av Takenagas ordförråd i shower på McKenzie Fine Art (2003, 2005), vilket gav överraskande, mer dynamiska arrangemang inom hennes snäva självpåtagna parametrar. Feathery swirls i Wave (2002) föreslår studier av utsmyckade, autonoma system som framkallar både dekorativa tvärkulturella och vetenskapliga bilder; senare verk liknar levande cell- eller bubbelformer ( Rubazu ), bulbous spiralformade mikroorganismer ( Tarazed #1 ) och juvelförsedda mandala- eller Paisleymönster ( guld + rött ). I efterföljande arbete utforskade hon dämpade paletter som framkallade förlust – grått, vitt, svart, ljusgrönt och turkos, och metalliska guld och silver – och former som antydde tvetydiga, utomjordiska omgivningar (Ghost Triptych 2007–8), molekylära ramverk eller sugkoppen undersidorna av havsstjärnor och bläckfiskar ( Ozma , 2009), och böjda, sneda rutnät och galler som tredimensionella, topografiska kartor över svarta hål som närmar sig Op-art, som Angel (rosa) (2008) och Zardo (2009).

Målning efter 2009

Under 2010 gjorde Takenaga två betydande förändringar i sitt arbete: hon började införliva ett platt, linjärt element som fungerade som både horisont och rumslig uppdelning, och hon avstod från viss kontroll, vilket tillät slumpmässiga element och lösare mönster (fortfarande prickvirvlar, böljande konstellationer och sprängande virvlar ) för att dyka upp i djärvare kompositioner. Kritiker antyder att horisontlinjen - normalt sett ett stabiliserande element - störde hennes typiskt beställda arbete, vilket gjorde att ett bredare bildområde kunde utvecklas som anspelade på imaginära landskap och akvatiska såväl som galaktiska världar.

Skiften dök först upp i målningar som drog på Takenagas uppväxt i mellanvästern . Den till största delen grå och blå Nebraska Painting EL1 (2010) och Whiteout (2011) tyder på att gränslösa vinterfält försvinner till stora himlar, medan de mer färgglada Sparkler (Red Line) (2010) och Red Funnel (2013) anspelar på fyrverkerier, karnevalsljus och tromber. Hon förnyade sitt intresse för ambitiöst skalat, horisontellt arbete i panoramatriptykerna Rise/Fall and Forte (2011), Diptych (Ikat) (2012) och senare Nebraska (2015, MASS MoCA), en 110 fot lång väggmålning som upprepade en svindlande, handmålat tapetmönster som påminner om ett snöigt, fårat fält under en avlägsen blå himmel. John Yau identifierar en dissonans och instabilitet som han liknar vid olika system som invaderar varandras territorium i detta arbete (t.ex. Ronin , 2011). Han tillskriver detta till hennes lösare inställning och användning av ojordiska metallfärger (som förändras med ljusets vinkel), och noterar en kollektiv, oroande effekt som han tolkar som ett erkännande av ett likgiltigt universum. Art in America's Carol Diehl urskiljer dock en känsla av ordning utöver det lättbegripliga i verkets upphängning mellan visuell överdrift och rigor; hon jämför dess mystiska kvalitet med van Goghs The Starry Night .

I sitt senare arbete har Takenaga erkänt mer öppet utrymme och exponerat dropparna, pölarna och stänken från hennes modulerade undermålningar som ett kompositionselement (t.ex. det lyktliknande Green Light , 2013). Hon har också fortsatt att utöka sitt associativa utbud till att inkludera norrsken, meteorskurar ( Night Painting (JFM) , 2016), geoder och fraktaler, i arbete som Ken Johnson beskriver som mer betraktat "genom de extatiska, möjligen farmaceutiskt understödda uppfattningarna av en hippiedrömmare" än "en vetenskapsmans tekniskt assisterade ögon."

Barbara Takenaga, grenrör 5 , akryl på linne, 70 tum × 225 tum (1 800 mm × 5 700 mm), 2018.

Takenagas målningar i utställningarna "Outset" (2018) och "Manifold" (2019) på DC Moore Gallery använder strama, kontemplativa paletter (svart, skimrande vitt, silvergrå och blått) och djärvare, skiftande figur-grund-relationer med stora, mörka former som hål i bilderna (t.ex. Aeaea ; Hej ). Deras mystiska former bygger brett – på klassisk japansk konst , vetenskapliga bilder och abstraktion från mitten av århundradet – och lämnar bakom hennes fält, asfalter och horisontlinjer för mer konfronterande, turbulenta referenser till explosioner, rymdresor, drivande landmassor och mikrobiologi, vilket framkallar en en värld av konstant press och obeveklig förändring. Verk som det vidsträckta, fempanelsfördelningsröret 5 använder abstrakta siluettbilder (en flod, moln, dräkter, elefanter, votivljus, gejserformer) tagna från japanska skärmar och andra österländska källor; de fungerar som mönster eller mörka grunder som växlar mellan positiva former och negativt utrymme. Den kontrasterande Serrulata (i översättning, körsbärsträd) lager och pressar samman flera processer – mönster, hällningar, Sumi bläckliknande fläckar och droppar av mörkblått, svart och grått – skapar mönster på en skalrosa botten för att föreslå körsbärsblommor och teman av störningar, spridning, förfall och förgänglighet.

Tidig biografi och karriär

Takenaga föddes i North Platte, Nebraska 1949. Hon tog en BFA (konst och engelska, 1972) och MFA (1978) från University of Colorado Boulder . Hennes doktorandstudier fokuserade på grafik och ägde rum mot en bakgrund av 1970-talets postpsykedeliska medvetandehöjning , intresse för österländskt tänkande och andra vågsfeminismen ; de kulminerade i en 52-fots mural-installation, Here to Here, Sense and Nonsens (1978), sammansatt av flera dussin abstrakt-mönstrade litografier.

Efter att ha tagit sin MFA undervisade Takenaga vid Washington University och University of Denver , innan hon flyttade till New York City och började på fakulteten vid Williams College i Massachusetts 1985. Under denna tid producerade hon storskaliga installationer som kombinerade element som stenar och klipp och mönstrat papper som anspelade på Zen krattade trädgårdar ; deras balans mellan asymmetriska element, rumslig tvetydighet, svart grafisk markering och subtila färger utforskade den japansk-amerikanska kulturella identitetens roll i hennes konst. Takenaga presenterades i separatutställningar på AIR Gallery and Art in General, och i grupputställningar på Boston Center for the Arts , Asian American Arts Center och Asian Art Museum (San Francisco) , bland annat.

På 1990-talet vände Takenaga sig till enorma (ofta tjugo fot långa) akrylmålningar konstruerade av ihåliga trädörrar, som använde gåtfulla abstrakta former och symboler hämtade från vetenskap, logik och klassisk österländsk konst . The Long Resonance (1991) är ett representativt verk; den har en molnliknande vidd som bryter in i en mörk, rektangulär mark dekorerad med ikoner, silhuetter (djur eller japanska figurer) och girlanger av röda, prickade linjer som förebådar hennes framtida målningar. I efterföljande arbete reducerade hon dramatiskt sin skala till intima (12 tum × 9 tum (300 mm × 230 mm)) abstraktioner som eliminerade skyltar och igenkännbara element. Nevus (1997) och Tortuca (1998) använder nyckfulla, intrikata spiraler överlagrade på modulerade grunder av beige och brunt. Inspirerade av en direkt observation av hårtussar i spiralform på hennes hund, utvecklades dessa former till Takenagas mogna arbete när hon började måla varianter på mörka bakgrunder, vilket framkallade himmelska fenomen.

I början av 2000-talet ställde Takenaga ut på institutioner inklusive McKinney Avenue Contemporary, CU Art Museum (båda solo), Tang Teaching Museum och Museum of Contemporary Art Denver , bland andra.

Erkännande och offentliga samlingar

Takenaga har mottagit ett Guggenheim Fellowship (2020), blivit vald till akademiker vid National Academy of Design (2013) och belönats med priser från For-Site Foundation , National Academy Museum , American Academy of Arts & Letters, New England Foundation för Arts och New York State Council on the Arts ; hon har fått uppehållstillstånd från Space Program av Marie Walsh Sharpe Art Foundation, Smith College grafikverkstad och Dieu Donne Papermill.

Hennes verk är representerat i de permanenta samlingarna av Library of Congress , Frederick R. Weisman Art Foundation , Crocker Art Museum , Ackland Art Museum , Arkansas Art Center , deCordova Museum , Henry Art Gallery , Museum of Outdoor Arts , Museum of Nebraska Art , New Jersey State Museum , Neuberger Museum of Art , Pennsylvania Academy of Fine Art , San Jose Museum of Art, Sheldon Museum of Art , Tang Teaching Museum och USA:s ambassad , såväl som många college-, universitets- och företagssamlingar. Hon har ställt ut på DC Moore Gallery (New York, sedan 2009), Gregory Lind Gallery (San Francisco, 2003–19) och Robischon Gallery (Denver), och hennes tryckta förlag inkluderar Shark's Ink (Colorado) och Wingate Studios (New Hampshire) .

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Barbara_Takenaga&oldid=1132718444 "