Samizu Matsuki
Samizu Matsuki (16 mars 1936 – 4 augusti 2018) var en japansk konstnär och utbildare.
Hon vann guldmedaljen vid 1970 års First New York International Art Show, Grand Prix vid 1971 Locust Valley Art Show på Long Island, New York, och Award of Excellence vid Abraham & Straus-Hempstead Art Show, "Long Island Art '74" för hennes utforskningar av klassisk realism . Matsuki var den första kvinnliga medlemmen i Salmagundi-klubben .
Biografi
Matsuki föddes 16 mars 1936 i Uryū , Hokkaidō , Japan , till utbildarna Satoru och Masue Matsuki. Hennes far Satorus motstånd mot Japans inblandning i andra världskriget ledde till officiella repressalier som tvingade honom och hans familj att gömma sig under större delen av kriget. Efter Japans kapitulation resulterade Satorus kända antikrigskänsla i att han fick en utbildningsledarpost, där han tillämpade innovationerna från den amerikanska utbildaren Ruth Benedict och filosofen John Dewey på det japanska utbildningssystemet, vilket gav honom en utmärkelse från kejsar Hirohito 1970. Familjen bodde på ett antal platser på Hokkaidō, slutligen semesterorten Noboribetsu , känd för sitt landskap och varma källor. Matsukis linjära förfäder hade flyttat till södra Hokkaidō i slutet av 1800-talet.
Matsuki tilldelades ett stipendium till Women's College of Fine Arts fakultet för västerländsk målning (nu känd som Joshibi University of Art and Design), Tokyo. Hon tog examen 1958 med en kandidatexamen . Hennes examensverk "Daphne" (olja, cirka 4' gånger 5'), finns i samlingen av Noboribetsu Cultural Center, Hokkaidō, Japan. Målningen led viss ryktbarhet för sin sensualitet; kort ur sikte dök den på mystiskt sätt upp på skyltväggen nästa morgon. Hennes två lärarjobb, det ena på en grundskola i Itabashi Precinct 1959, det andra på Shimura Daisan Junior High School i Tokyo 1960, upplyste för henne barnens formbarhet enligt uppmaningen från konstkritikern och historikern Herbert Read för originalitet och kreativitet .
Hon var en aktiv medlem i Tokyo Teachers Union. År 1960 Teachers Union Monthly en presentation och en föreläsning som Matsuki höll i Bunkyo Precinct i Tokyo, där hon, som talade på vägnar av lärarna i det mer arbetarklassiga Itabashi -distriktet, uppmanade till antagande i hela det japanska utbildningssystemet av de uppsatta utbildningsprinciperna ut av Läs i sin bok Education Through Art .
1961 gifte Matsuki sig med den amerikanske flygmannen Herman Berry vid den amerikanska ambassaden i Tokyo. De lämnade Japan 1962 och bodde under de följande sju åren på flygbaser i Europa och USA. När hennes man skickades till Pakistan tillbringade Matsuki arton månader med Berrys släktingar, där hon målade porträtt av invånare i deras avlägsna bergssamhälle i Appalacherna i västra North Carolina.
När han återvände tillbringade de fyra år på flygbasen Spangdahlem i Tyskland. Under denna period (1964 till 1968) besökte Matsuki Rom och målade beställda porträtt för fem flygvapnets officerare och deras fruar, och fick i uppdrag av Officers Club of the 49th Tactical Squadron att måla ett porträtt av den nyligen avlidne USAF-jaktaren Richard Bong .
Matsuki blev allt mer desillusionerad av sitt äktenskap. 1969 skilde hon sig från Berry medan de bodde på Calumet Air Force Station i norra Michigan. Livmodercancer gjorde att hon fick en hysterektomi vid 32 års ålder. Den sommaren tillbringade hon i Albany, Oregon, där hon skickade in den vinnande designen för logotypen för Albany Jaycees Timber Carnival 1969. Detta eftersom karnevalens 25-årsjubileum var, var temat "passera facklan". Matsukis teckning, som här visas på karnevalens nålknapp , föreställer en ung skogshuggare med hjälm och motorsåg och en äldre skogshuggare med ullmössa och yxa, stående bakom en kort barkbelagd stock. Den unge skogshuggaren har en arm runt axeln på sin äldre på ett kamratligt sätt.
Informerad om att det skulle gå sex år innan hon kunde förklaras fri från cancer, 1970 kastade hon sig in i New Yorks konstkultur. År 1975 hade hennes utforskningar av klassisk realism vunnit henne en guldmedalj vid 1970 års First New York International Art Show, medlemskap som en av de första kvinnliga konstnärerna i den hittills enbart män New York konstklubb, Salmagundi Club , Grand Prix kl. 1971 Locust Valley Art Show på Long Island, New York, och Award of Excellence vid 1974 Abraham & Straus-Hempstead Art Show, "Long Island Art '74".
Matsuki, som blev känd som "hajen" av vänner för att hon till synes aldrig saktade ner, blev mindre bekymrad över att cancern återuppstod, och arbetade sedan i ett lugnare tempo och slutade delta i tävlingar. Hon återvände till Oregon 1980, där hon undervisade vid Albany Art Center, arbetade på en studentexamen vid Oregon State University i närliggande Corvallis, anställd av universitetet som vaktmästare och skapade ytterligare ritade verk. Under en kort vistelse i Kalifornien målade Matsuki en väggmålning på ett spa i Isla Vista.
1985 träffade Matsuki Earth First! aktivisten Ron Huber i Corvallis, Oregon. Flera månader senare ritade hon omslagsbilden till augustiupplagan 1985 av Earth First! Journal . Teckningen visade att Huber satt i en gammal douglasgran, konfronterad av två sheriffsrepresentanter i Linn County, upphöjda till honom av en kran.
Matsuki gifte sig med Huber 1987. De flyttade till Cheverly, Maryland 1988, sedan till Rockland, Maine 1992. Neurologiska problem som blossade upp 1991 när de bodde i en bondgård i Calvert County, Maryland ledde till en minskning av Matsukis målar- och teckningsinsatser i mer än ett decennium. 2006 genomgick Matsuki en fysisk och neurologisk rehabilitering. 2010 fick hon diagnosen kronisk borrelia , som härrörde så långt tillbaka som 1991.
Den 4 augusti 2018 dog Matsuki i cancer i sitt hem i Rockland.
Två av hennes verk, Ah... och A Celebrator ägs av samlaren Cristina Chan Johnston från Huntingtown, Maryland.
Karriär
En av de första kvinnorna som erkände medlemskap i den prestigefyllda Salmagundi Club i New York City sedan dess grundande 1871. Matsukis vinnande bidrag på två stora konstutställningar i New York 1970 hjälpte till att återuppväcka entusiasmen för realistiskt måleri bland amerikanska konstnärer.
1970 fick Matsukis målning "Triumphal Return" henne två utmärkelser: guldmedaljen på First New York International Art Show * , (hennes första bidrag i öppen tävling), och Grand Prix på Locust Valley Art Show * , på Long Island, New York.
Enligt Matsuki "integrerar hennes verk den klassiska västerländska målarmetoden med samtidskonstens teoretiska anständighet, inklusive färgteorin om pointillism, flera fokuspunkter för kubisterna, Modigliannis deformationer; Buffes "ideosynkracyism" Picassos förskjutning av perspektiv och förskjutningen av tid och eller rum av egyptisk väggmålning.
Matsukis "Magical Realism", som hon kallade sin målarstil, ägnar stor uppmärksamhet åt fina detaljer, med subtilt omöjliga perspektiv, vilket utlöser en känslomässig laddning av verkens ämnesområden.
"Triumphal Return" (1970, olja på duk, 50" gånger 60") avslöjar flygvapenveteranen Andrew Delaneys tusen meter långa blick, som funderar bland sina barndomsreliker i Long Island-enklaven Rockville Center. Stor bild av Triumphal Return
Matsuki beskriver syftena och teknikerna som är involverade i målningen av Triumphal Return:
Målningen "Triumphal Return" gjordes under den epok då Vietnamkriget närmade sig sin zenit. Den mest högljudda av alla känslor var "antikrig". Den mest omedelbara upplevelsen som inspirerade mitt tema var den där jag, av en slump, deltog i den årliga ceremonin för den lokala amerikanska legionen, Long Island New York, där hela processionen genomfördes till synes mest omtänksam och händelselöst påskyndad väg. Nationalsången sjöngs med tysta röster i oordning. De vita rektangulära militärkepsarna såg lika övergivna ut som de bruna övergivna bryggorna.
Det var något som rörde mig tillräckligt djupt för att kasta mig in i mitt första stora verk, som produktionen av krävde total koncentration under fyra månaders arbete varje natt (jag målade på natten.) Förutom lördagen. Jag gick på bio på dagen, till baren på natten för att distrahera mig.
Förberedelse av målningsytan gjordes genom en blandning av ogenomskinliga och transparenta oljefärgspigment producerade av Windsor och Newton och Grumbacher som så småningom fick nyansen av rödaktig mörkbrunt. Jag använde en kommersiellt framställd bomullsduk med små korn. Så långt acceptabelt för min återgivning av detaljer. På denna preparerade yta, med ungefär 1~2 mm tjocklek av pigmentet efter att tillräcklig torrhet uppnåtts, överförde jag först den slutliga skissen av temat med medelstarkt träkol av kommersiellt ursprung.
Cirka 3 eller 4 skikt av ett fixativ av kommersiellt märke applicerades innan den slutliga underritningen (tecknad film) utfördes med oljefärg, blandning av bränd umbra och preussisk blått i olika sammansättningsförhållande i syfte att förkorta torktiden, med ren terpentin, som medium .
När underritningen var tillräckligt torr, och därför accepterade överlappande pigmentapplicering utan att orsaka ytskador, började jag första appliceringen av målning, gjutning. Medium: ren terpentin plus linolja. Förhållande, ca 2 turp/1 linfrö. Pigment som användes var bränd umbra, valfri preussisk blå och gul ockra (i senare målningar ändrade jag denna färg till Neapelgul på grund av dess större täckningsstyrka och snabba torkningshastighet.)
Efter adekvat yttorrhet av det hittills monokromatiskt skissade första lagret (på denna nivå var hela bildplanet lika utvecklat), applicerades det andra lagret för att uppnå kromatisk "kartläggning" enligt den psykologiska konnotationen och estetiska atmosfären som önskades av temat.
I det här fallet började jag med att använda ogenomskinliga pigment för liknande styrka som gul ockra, koboltblått, bränd sienna etc, och snabbtorkande egenskaper som umbra, preussiskt blått, Neapelgult blandat med turp och linfrö med ovannämnda hopkok förhållande. I detta skede uppvisar hela effekten av målningen fortfarande monokromatisk, reliefliknande kvalitet, även om riktiga nyanser tillskrivs de viktigaste områdena i kompositionen. Jag kallar det "vyn i skymningen" för dess likhet i kromatiska effekter.
I detta skede började målningsytan framstå som "realistisk". Eftersom dukdimensionerna för "Triumphal Return" är ganska stora, 50" gånger 60", blev de tidigare applikationerna tillräckligt torra för att acceptera ytterligare applicering när denna kust var klar.
När detta stadium är uppnått börjar den verkliga delen av "målningen": återgivning av föremålen med yttersta objektiv trohet. Metoden jag använde för detta ändamål var glaseringstekniker (tunn applicering av transparent pigment) som använder pigment med hög transparens som alizarin crimson, ultramarin, preussian blue, verdian grön, kromgul, aureolin, zinkvit, elfenbensvart, etc.
Jag upptäckte senare att familjen "Thalo" hade bra egenskaper för glasning. Speciellt thalo viol var spännande i sin kameleontliknande anpassning till de underliggande nyanserna. Med samma pigment, thaloviolett, kan man utveckla flera nyanser på ytor beroende på nyanserna av tidigare applikation(er). Thalo-familjen ansågs av auktoriteter som Ralph Meyer som jämförelsevis säker men inte tidstestad till den perfekta önskvärdheten, vilket kan ta 500 år att slutföra. Om ytan på "Triumphal Return" smulas sönder, bör Thalo-familjen av pigment begravas med den.
När hela bildytan var täckt och säkert torkad använde jag större borstar som 1 tum eller 1 1 ⁄ 2 tum platt, sobel- och solfjäderborstar och eller grishårborstar, med en "tvätt"-teknik som liknar den andra beläggningen, för att gå över hela duken för att uppnå tematisk och bildmässig enhet*. Detta är det sista skedet av målningen. När ytan blir tillräckligt torr applicerades regelbundet 3~4 lager "retusch"-lack (jag använder detta ofta för att få fram insjunkna färger) på hela bildytan. Den slutliga lacken för slutlacken applicerades mycket senare. Faktum är att efter att utställningsinträdet till 1st NY International Art Show hade varit över.
* Bildlig enhet: I det här fallet används termen för att antyda alla utförandeaspekter som används för att konstruera en bildyta."
Slutet på Matsukis beskrivning av målningen av Triumphal Return. (Brev till Ronald Huber, 24 mars 2007)
Andra verk
Matsuki har målat och ritat mer än 100 andra verk i olja på duk, kol, penna och penna.
1971 har New Yorks torn fallit sönder i hennes kusliga verk __opia , vilken avkortad fras är tryckt på en papperslapp som blåser förbi två kvinnor i ruinstadens krossade landskap. Verket tog form i hennes chockade reaktion på att upptäcka Amerikas största stad i förfall, till och med legendariska Harlem. Olja på duk. Stor bild av ___opia Ljudinspelning: Samizu Matsuki som beskriver detta verk (inspelat 18 april 1989)
Också 1971 målade Matsuki Barbara och spådamen där en ung kvinna som flytt från den borgerliga förorten till Greenwich Village, nu flyr det hon just hade lärt sig av en svart zigenare i ett hål under en ylande tunnelbanekorsning. Olja på duk. Stor bild av Barbara och spåmannen
1973, efter ett år i Japan, återvände Matsuki till New York City. Ett tidningsfotografi av en havererad egyptisk stridsvagn – i efterdyningarna av Yom Kippur-kriget – blev, i hennes oljemålning från 1974 Ah... en sönderslagen hummer som är större än livet och som sprider sig över dystra, rufsiga tidningspapper. Olja på duk. Ah... vann Award of Excellence på Abraham & Straus-Hempstead Art Show, "Long Island Art '74".
speglar hennes oljemålning A Celebrator (Oil & canvas, 60" x 50") den växande kulturen av lösryckning och narcissism som hon såg omsluta Amerika. Ligger, som Triumphal Return, i en källare, formatet målning-i-en-målning, och uppmärksamheten på detaljer i figurerna, kristallen, de utspridda kläderna, mattan och vattenpipan, den dubbla bilden av en artillerigranula som återhämtats från USS Maine och det noggrant omöjliga perspektivet gör A Celebrator" till ett av hennes finaste verk. Stor bild på A Celebrator
I målningen "Blå spöke" från 1976 visar Matsuki en rad i en rysk dikt av Esunin. I den dikten sa han "Blå spöke! Varken här eller där." Matsuki beskriver sitt verk Blue Ghost så här: "Målningen skildrar några aspekter av överklassens borgerliga liv som då var min miljö. Spegeln bakom den centrala figuren speglar finare saker från det förflutna. Den vänstra sidan av målningen representerar det förflutna, mitten är nuet, medan den högra sidan och botten, framtiden. Den gigantiska kompassen skiljer saker från det förflutna från framtidens. Genom bågen ser man civilisationens skräp."
"Jag målade Blue Ghost först i bara två färger: titanvitt och Paynes grå. (Jag applicerade färg efteråt med hjälp av glasering.) Jag fann fördelen med monokrom målning, vilket befriade mig från att behöva överväga problem med att matcha färgnyanser. Detta gav mig en perfekt scen för att fritt framkalla bild direkt på duken."