Jeanne Silverthorne

Jeanne Silverthorne
Född 1950
Philadelphia , Pennsylvania, USA
Nationalitet amerikansk
Utbildning Temple University
Känd för Skulptur, installationskonst
Utmärkelser Guggenheim Fellowship , Joan Mitchell Foundation , Anonymous Was a Woman Award
Hemsida Jeanne Silverthorne

Jeanne Silverthorne (född 1950) är en amerikansk skulptör, känd för skulpturer och installationer av gjutgummi som utforskar konstnärens ateljé som en metafor för konstnärlig praktik, människokroppen och psyket samt dödlighet. Hon fick en framträdande plats i New York City på 1990-talet, som en av flera materialfokuserade skulptörer som kritiserade den strama, mansdominerade minimalistiska rörelsen genom att omfamna ödmjuka, oortodoxa medier och handgjorda, personliga och tillfälliga egenskaper som försvaras av konstnärer som Eva Hesse och Louise Bourgeois . Hon behandlar ateljén som en fysisk och konceptuell plats som ska grävas ut, dokumenteras och inventeras, och undersöker med Jan Rileys ord från Sculpture "slutet på studiokonsten ... och omöjligheten av att detta uttryckssätt återfår sin tidigare kreativa giltighet och vitalitet. i dagens värld." Art in America- kritikern Raphael Rubinstein skrev att Silverthorne, likt Philip Gustons sena studiomålningar , undersöker "djupt melankoliska sfärer, livade upp av en och annan bettande skämt, där ödmjuka föremål obevekligt och kärleksfullt frågas efter en mening som de aldrig verkar vara redo att avkastning."

Jeanne Silverthorne, Pneuma Machine (i dagsljus och glödande i mörkret), kinetisk gummiskulptur, dimensioner varierande, 2005.

Silverthorne har bland annat uppmärksammats med ett Guggenheim Fellowship , Joan Mitchell Foundation Award och Anonymous Was a Woman Award, och hennes konst har förvärvats av institutioner inklusive Museum of Modern Art ( MoMA) och San Francisco Museum of Modern Art . Hon har ställt ut internationellt, i separatutställningar på Phillips Collection , Whitney Museum of American Art , Institute of Contemporary Art, Philadelphia (ICAP) och PS1 , och grupputställningar på MoMA, Albright-Knox Gallery och Haus der Kunst (München), bland annat andra. Silverthorne är baserad i New York och har undervisat vid School of Visual Arts sedan 1993.

Utbildning och tidig karriär

Jeanne Silverthorne föddes 1950 i Philadelphia, Pennsylvania . Efter att ha tagit en BA från Temple University 1971, studerade hon vid Pennsylvania Academy of the Fine Arts och gifte sig med miljöjuristen, förläggaren och författaren Robert Emmet Hernan, innan hon återvände till Temple för att avsluta en MA-examen (1974). Under större delen av 1980-talet delade hon tiden mellan New York City och Philadelphia, gjorde skulpturer, ställde ut i båda städerna, undervisade och skrev konst-, film- och teaterrecensioner för Artforum ; 1988 bosatte hon sig permanent i New York.

Hennes tidiga arbete balanserade konceptuella intressen för kroppen, vardagsföremål och språklig och konstnärlig representation med materialistiska intressen för massa, taktilitet och yta, som hon utforskade i gjutna hydrokaliska eller epoxibords- och golvskulpturer. Detta arbete inkluderade gjutna protesanordningar, ofta parade med korta fraser som tyder på förlust eller brist; högar av blandat band med upprullade nycklar ("DNA-skulpturer") som porträtterade genetisk kod som en rörig, oordnad leksak och vetenskapliga beskrivningar av livet som otillräckliga; en primitiv bål av Venus of Willendorf -typ; och gjutna föremål som representerar idéer ( Light Bulbs , 1986; Thought Bubble , 1987). Recensioner karakteriserar dessa skulpturer som antiheroiska, antiformalistiska, antropomorfa och påminner om aspekter av verk av bland andra Jasper Johns , Claes Oldenburg , Fischli & Weiss och Richard Tuttle ; New York Times kritiker Roberta Smith beskrev dem som "brännoffer, små katastrofer som just har gått ut ur en tecknad serie."

Moget arbete: konstnärens ateljé

Från början av 1990-talet vände Silverthorne sin uppmärksamhet mot konstnärens ateljé, betraktad som en romantisk anakronism eller ruin, inklusive dess föråldrade infrastruktur och skulpturala tradition, föremål och verktyg, detritus och konstnären själv. Hon utnyttjade den köttiga, ljusdämpande naturen hos gjutet gummi och dramatiska skalförändringar (mikroskopiska vyer, miniatyrer, extrema förstoringar) för att ge vanliga element egenskaper av absurditet, meningslöshet, sjuklighet och obekant. Konceptuellt undersöker detta verk metaforer för människokroppen och dess system, konstnärens kreativa process och psyke, förfall och utmattningen av studiokonstkonventioner om författarskap och hand, behärskning och mimesis, originalitet och tidlöshet ; Artforum noterade i detta projekt en känsla av djup förlust och romantik under "coola strategier".

Jeanne Silverthorne, Untitled (Chandelier) , gummi, dimensioner variabel, 1995.

Silverthorne fick allt större uppmärksamhet under decenniet med utställningar på bland annat Rocca Paolina (Italien), ICA Boston , Wright Museum of Art , Deste Foundation (Athen) och Whitney Museum. Kritiker beskriver dessa utställningar som sardoniskt humoristiska, spretiga arrangemang av gjutna, utgrävda studioobjekt – ofta bildande Rube Goldberg -liknande system eller organismer – förenade av slingrande härvor av ledningar, kablar och rör kopplade till gjutna uttag, transformatorer och säkringsdosor som fungerade som ritningar i rymden. Hennes McKee Gallery-show från 1994 innehöll en enorm, icke-funktionell gjuten ljuskrona hängd i ögonhöjd; Holland Cotter beskrev showen som en perfekt bevarad, pervers industriell dystopi med "en post- Vesuvian chill." Michael Kimmelman kallade hennes show från 1997 "bra läskigt roligt" som gjorde "det oorganiska organiska [och] det funktionella funktionslöst."

I utställningar på ICAP (1996) och Whitney Museum på Philip Morris (1999) omarbetade Silverthorne små gjutgodsfragment som liknade nudlar i förpackningsfodral till stora svarta gummiskulpturer som gav en ironisk, absurdistisk bild av 1800-talets uthållighet i konstnärliga troper och samtida desperation efter nya visuella former. Whitney-installationen ( The Studio Stripped Bare, Again , med hänvisning till Duchamp ) innehöll swags av svarta elektriska sladdar som hängde från ett högt atriumtak och spillde över golv, som konvergerade på en grå, gjuten glödlampa hängd över två av de små fragmenten under ett förstoringsglas. glas. Village Voice- kritikern Kim Levin kallade glödlampan – en tecknad symbol för konstnärlig inspiration – en olycksbådande, "imploderad metafor av modernt geni" som Silverthorne stängde av och släckte "hela det moderna projektet"; Artforums David Frankel beskrev showen som "en hemsökt meditation på konstframställning och produktivitet, kropp och tanke, inspiration och tröghet."

Jeanne Silverthorne, Knothole , gummi och fosforescerande pigment, 24,25" x 20,5" x 5", 2011.

Inramade reliefer och maskiner

Silverthornes Whitney och McKee-shower från slutet av 1990-talet innehöll också kött- och ockrafärgade reliefer baserade på mikroskopiska vyer av mänsklig hud och körtlar, som hon förstorade, formade och gjutna och ramade in i utsmyckade svarta gjutna latexramar. Dessa verk expliciterar hennes studio-som-kropp-metafor, men deras svärmande mönster, virvlar och utsprång framställer också kroppen som främmande och främmande. Recensioner liknar dem vid surrealistiska främmande terränger, gigantiska viktorianska kaméer som blivit galna, abstrakta målningar eller groteska sagospeglar som framkallar "cykler av fascination och avsky."

I efterföljande utställningar utformade Silverthorne relieferna som objektifierade känslotillstånd, ofta i samband med maskinliknande apparater. Fear Machine och Tear Machine (2002, Shoshana Wayne Gallery) kopplade relieferna Dry Mouth (2002) och Aching (2001) genom sladdar, rör och strömbrytare till skenbara "känslomässiga motorer" som Los Angeles Times kritiker Holly Myers karakteriserade som "samtidigt vackra och grotesk, delikat och monstruös." Big Grief och Little Grief (2003, McKee) förenade reliefer av en hals och tårkanaler till en gummihögtalare som avgav en tom ordballong och en pipa som gav en tecknad tår.

I senare arbete övergick Silverthorne till blommiga reliefer (t.ex. Knothole , 2011). Hennes McKee-show 2008 innehöll blå, vita och rosa blommor, dödsvarta gummiramar och matande bin, nyckelpigor och flugor som Artforum beskrev som "läskig vitalitet samexisterar med förfall." Hennes show på The Phillips Collection (2013) var en tragikomisk utforskning av de klassiska vanitas -teman om livets förgänglighet och skönhet och nöjes meningslöshet, som ställde målningar från museets valv tillsammans med hennes egna skulpturer och reliefer som Phosphorescent Pink With Flies och Maskrosklocka .

Figurativa och DNA-porträtt

I början av 2000-talet började Silverthorne inkludera små (mindre än en fot), antiheroiska självporträtt i sina utställningar. Shower på Shoshana Wayne (2002) och Albright–Knox Gallery (2003) visade en centralt belägen plexiglasvitrin som innehöll två identiska kvinnofigurer (en med rött hår, den andra med grått) med knäna utdragna, som Holly Myers föreslog var "fordon" inom vilka Silverthornes omgivande känslomaskiner verkade. Andra självporträtt föreställer Silverthorne sittande med ben utsträckta på gjutna fraktlådor ( Jeanne (Up and Down), 2008), instängd i en genomskinlig låda, och som en upptäckande figur ( Unstrung , 2014).

Jeanne Silverthorne, Jeanne (Up and Down ), gummi och fosforescerande pigment, 9" hög, 2008.

Silverthorne skapade också porträtt av familjemedlemmar och nära vänner i självlysande gummi (t.ex. av hennes mor, i Under a Cloud , 2003), som relaterar till hennes större projekt som "spöken" som följer henne i studion. Porträtten inkluderar ofta ett motivs faktiska hår och DNA-rapporter som spårar genetiska härkomster tillbaka över tusentals år och ger unika genetiska " fingeravtryck ". Sammanställningen av människohår och industrigummi väcker teman som är gemensamma för hennes reliefer – bräcklighet, biologiskt förfall, livslängd, toxicitet – medan intimiteten och egenheten i renderingarna och DNA-rapporterna lyfter fram spänningarna mellan unikhet och autenticitet och det vanliga och kopierade.

Senare utställningar

Silverthornes senare utställningar har beskrivits som kompendier av hennes tidigare verk och upptagenhet – existentiella, ibland makabra meditationer syrade av humor, skepsis mot konstframställning och nya rynkor, såsom kinetiska element, metaforiska vinjetter, gjutna fraktlådor, observatörsliknande larver. och ekologiska teman. Hennes McKee-show från 2008 inkluderade Untitled (Bad Ideas) , en kasserad behållare överfull med glödlampor (alla gjutna i gummi) och Pneuma Machine (2005), en kinetisk installation av sammankopplade, små gummiapparater i fosforescerande gulbensfärg som intermittent rysde till motoriserat liv, som kritiker liknade vid ett operationsbord eller med Samuel Becketts verk, men i skulptur. Senare shower innehöll vinjetter som fungerade som metaforer för Silverthorne och hennes kreativa process: avgjutningar av hennes studiogolv invaderat av ogräs och insekter; en mal som dras till ljus; Suicidal Sunflower (2014), en svart-vit blomma strypt av en sladdsnöre; Självporträtt som en fluga med glasögon (2017).

Silverthornes utställning "Down the Hole and Into the Grain" (Shoshana Wayne, 2014) bestod av femtio skulpturer av främst kontorsartiklar (faktiska stolar och skrivbord, datorer, glödlampor och armaturer, tillbehör) i prydliga rader som förvaringsutrymmen, deras vanlighet upprörd av överdimensionerade pennor, larver och flugor och underdimensionerade figurer och skelett. I sin show 2019 på Marc Straus, använde Silverthorne Mary Shelleys Frankenstein för att undersöka konstnärens Promethean- roll och dilemmat med skapelser som tar sitt eget liv. Brooklyn Rail jämförde hennes tråkiga, gjutna glödlampor (som inte kan lysa) och uttag utan elektricitet med kroppsliga fantomer, som det fiktiva monstret, som imiterar perfekt men som är skilda från verkligheten; showen inkluderade skulpturen Frankenstein , en glödande bok uppslagen på en sockel med text noggrant kopierad från original i osynligt bläck som gjordes synligt av UV-ljus.

Priser och samlingar

Silverthorne belönades med ett John Simon Guggenheim Memorial Fellowship 2017, ett Joan Mitchell Foundation Award 2010 och ett Anonymous Was A Woman Award 1996, prisets första år. Hon har också fått bidrag från Penny McCall Foundation Grant (2002) och National Endowment for the Arts (1980) och stipendier från Civitella Ranieri Foundation (1995) och Pennsylvania Council on the Arts (1982).

Hennes verk tillhör de offentliga samlingarna av Museum of Modern Art, San Francisco Museum of Modern Art, Whitney Museum, Museum of Fine Arts, Houston , Albright–Knox Gallery, Denver Art Museum , Fonds national d'art contemporain (FNAC, Frankrike) ), Honolulu Museum of Art , Leeum, Samsung Museum of Art (Korea), The Phillips Collection, RISD Museum och Weatherspoon Art Museum , bland andra.

Andra källor

externa länkar

Hämtad från " https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Jeanne_Silverthorne&oldid=1088331678 "