Frances Barth
Frances Barth | |
|---|---|
| Född | 1946 |
| Nationalitet | amerikansk |
| Utbildning | Hunter College |
| Känd för | Målning, video, animation, grafisk roman |
| Makar) | Ron Nakahara, Harvey Quaytman (div.) |
| Utmärkelser | Guggenheim Fellowship , Anonymous Was a Woman , Joan Mitchell , Pollock-Krasner , Adolph och Esther Gottlieb , American Academy of Arts and Letters , |
| Hemsida | Frances Barth |
Frances Barth (född 1946) är en amerikansk bildkonstnär som är mest känd för målningar som ligger mellan abstraktion, landskap och kartläggning, och i sin senare karriär, video och berättande verk. Hon uppstod under en period då samtida målare sökte en väg framåt bortom 1960-talets minimalism och konceptualism , och producerade verk som kombinerade modernistisk formalism, geometrisk abstraktion, referenselement och metafor. Kritikern Karen Wilkin skrev, "Barths målningar spelar en mängd olika rumsliga språk mot varandra, från luftvyer som föreslår kartläggning, till förslag på perspektivrum, till obeveklig platthet ... [hon] ifrågasätter själva de bildmässiga konventionerna hon använder, vilket skapar tvetydiga bilder och lika tvetydigt utrymme som verkar skifta när vi tittar."
Barth har bland annat uppmärksammats med ett Guggenheim Fellowship och Anonymous Was a Woman Award . Hon har ställt ut på Museum of Modern Art (MoMA), Dallas Museum of Art och på Whitney- och Venedigbiennialerna . Hennes verk tillhör de offentliga samlingarna på Metropolitan Museum of Art , MoMA och Whitney Museum , bland andra. Hon är direktör emerita för Mount Royal School of Art vid Maryland Institute College of Art ( MICA).
Tidigt liv och karriär
Barth föddes i Bronx , New York 1946. På 1960-talet gick hon på Hunter College och fick en BFA och MA i målning och konsthistoria. Hennes tidiga intressen sträckte sig till skulptur (inklusive studier med Tony Smith ), rörelse och musik; efter att ha gått en workshop i modern dans på Hunter, uppträdde hon i verk av Yvonne Rainer och Joan Jonas mellan 1968 och 1976.
Barth fick tidigt erkännande genom flera undersökningsutställningar på 1970-talet. Curator Marcia Tucker inkluderade henne i Whitney Museums årliga målning 1972 och biennalen 1973; showerna ledde till en separatutställning 1974 och representation med Susan Caldwell Gallery. Barth medverkade också i "American Painting: The Eighties" (1979, kurerad av Barbara Rose ), "American Paintings of the 1970s" ( Albright-Knox Art Gallery , 1979), och fokuserade grupputställningar på Contemporary Arts Museum Houston och Corcoran Gallery av konst . Under de följande åren ställde hon ut på bland annat Tomoko Liguori, Sundaram Tagore och Silas Von Morisse i New York, Jan Cicero Gallery (Chicago) och Marcia Wood (Atlanta).
Målning
Sedan början av 1970-talet har Barth utforskat möjligheterna till mening och metafor inom abstrakta målningar som använder komplexa bildrum och flera synvinklar. Hennes verk kombinerar ofta planhet och volym, delikat obestämd färg och en känsla av instabilt utrymme och skala, ofta i långa horisontella format som kräver att tittarna "läser" (och läser om) dem långsamt, från vänster till höger.
I sin första stora separatutställning (Susan Caldwell, 1974) visade Barth 10' till 16' långa horisontella målningar fokuserade på färg, rörelse och gravitation, som utvecklats från vanliga geometriska former som trianglar, trapetser och cirklar. De skurna, repiga formerna fungerade som både objekt och atmosfär och föreslog att plan försiktigt förflyttade sig (t.ex. Vermillion , 1973). År 1978 producerade hon allt mer komplexa, väggmålningsliknande arrayer som Artforum beskrev som "långa, smala, frisliknande kompositioner av alternerande cirkulära och triangulära former, framåt, vikande, sträcker sig ut bortom synen" (t.ex. Mariner , 1977). Den successiva omvandlingen av former etablerade en känsla av temporalitet och främjade dikotomien mellan ytdesign och bilddjup i hennes arbete.
Med början på 1980-talet började Barth lägga till referensformer och markörer till sina geometriska former, och inkorporerade nya rumsliga och grafiska språk – flygkartläggningssymboler, schematiska diagram, perspektivåtergivning, modellering, ren planhet – som provocerade fram flera läsningar av verket. Art in America kallade hennes utställning 1983 för ett medvetet "stilistiskt språng" mot "geometriskt landskap" med ett "djupare, avgjort illusionistiskt utrymme" bebott av volymetriska former och mjukare färger (t.ex. sjunde nyåret , 1983). 1989 New York Times- kritikern Roberta Smith att Barths "verk på sistone har öppnat sig i konstigt kantiga landskap, lika abstrakta som de är fantasifulla och lika gestala som de är strukturerade." Författare har beskrivit dessa verk som både linjära "berättelser" som översätter den geologiska tidens långsamma rörelse (t.ex. utvecklingen av förkastningar eller bildandet av kanjoner) och som trovärdiga panoramaskildringar av landskap och upplevelser – inklusive ljus och tid på dygnet – som uppnås genom en subtil och informerad användning av abstrakt färg.
På 1990-talet införlivade Barth klassiska japanska influenser i sina målningar, samtidigt som hon fortsatte att kontrapunktera västerländsk illusionism mot modernistisk platthet. De österländska inspirationerna visade sig i verkets rudimentära landskapsbilder, snedställda perspektiv, balansen mellan plana och linjära element och dämpade, ekonomiska paletter av dammiga färger. Kritiker karakteriserade målningarna som mycket individualistiska, förbryllande, "tänksamma improvisationer", och noterade deras sammanställning av dekoration, noggrant rutnät och kalligrafisk spontanitet (t.ex. L. Rides West , 1993). Art Papers beskrev verk som sal.-v (1997) som "hänförda av tystnad, inriktade på att beskriva [upplevelsen] av ett ögonblick av igenkänning."
Granskare av Barths shower mellan 2006 och 2011 fokuserade ofta på vad Joan Waltemath kallade ett "dialektiskt tillvägagångssätt" som blandar divergerande syntaktiska koder, perspektiv och instabila skalor för att producera verk som samtidigt framkallar mystiska terränger, geologiska scheman och "nästan minimal abstraktion." David Brody beskrev det collageliknande samspelet i Barths utställning 2017 (t.ex. i Yellow Yellow , 2016 eller Olive , 2017) som en plats "exakt balanserad mellan klarhet och mystik" där "en absorberande värld av fantasi också kan vara en udda transkription av observerbara fakta." Han noterade särskilt interaktionen mellan hennes målningar och nya sekventiella arbeten (animationer och en grafisk roman), och antydde att de senare verken förde "till öppna långvariga interna dispyter" i kärnan av hennes praktik, särskilt "ett implicit argument mellan abstraktion och narrativ, mellan stillhet och framåtrörelse."
Video, animation och berättande verk
Sedan 2007 har Barth skapat två animationer ( End of the Day, End of the Day , 2007; och Jonnie in the Lake , 2016), två dokumentärer ( Regina , 2013, om målaren Regina Bogat ; och The Audition , 2018) och två berättande kortfilmer ( No No Boy , 2015; och Dreaming Tango , 2020). 2017 publicerade hon den grafiska romanen Ginger Smith och Billy Gee, som innehöll inställningar som härrörde från hennes målningar.
Priser och samlingar
Barth har mottagit ett Guggenheim Fellowship (1977), utmärkelser från Joan Mitchell Foundation (1995) och American Academy of Arts and Letters (1999, 2004) och anslag från National Endowment for the Arts (1974), Adolph och Esther Gottlieb Foundation (1993), Anonymous Was a Woman (2006) och Pollock-Krasner Foundation (2017), bland andra. 2011 valdes hon in i National Academy of Design .
Hennes verk tillhör de offentliga samlingarna av Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum, Akron Art Institute , Albright-Knox Art Gallery, Cincinnati Art Museum , Dallas Museum of Fine Art, Davis Museum , Herbert F. Johnson Museum of Art , Minneapolis Institute of Art , Newark Museum och Tucson Museum of Art , bland andra.
externa länkar
- Frances Barths hemsida
- Frances Barth Guggenheim Fellowship-sida
- Frances Barth Silas Von Morisse Gallery
| Allmän | |
|---|---|
| Nationalbibliotek | |
| Konstforskningsinstitut | |
