Föreställningar av karnatisk musik

Karnatisk musik framförs vanligtvis av en liten ensemble av musiker, som sitter på en förhöjd scen. Denna består vanligtvis av minst; en huvudartist, ett melodiskt ackompanjemang, ett rytmackompanjemang och en drönare.

Tamburan är det traditionella drönarinstrumentet som används på konserter, men tamburor ersätts i allt högre grad av śruti- boxar , och nu vanligare, den " elektroniska tamburan " . Drönaren i sig är en integrerad del av föreställningar och ger stabilitet - motsvarigheten till harmoni i västerländsk musik.

Föreställningar kan vara musikaliska eller musikdramatiska. Musikaliska framträdanden är antingen vokala eller rent instrumentala till sin natur, medan musikdramatiska framträdanden hänvisar till Harikatha . Men oavsett vilken typ av recitation det är så är det kompositioner som utgör kärnan i denna musikgenre.

Instrumentation

Tamburan är det traditionella drönarinstrumentet som används vid konserter . Emellertid ersätts tamburor alltmer av śruti -lådor , och nu vanligare, den elektroniska tamburan . Drönaren i sig är en integrerad del av framträdanden och ger stabilitet – motsvarigheten till harmoni i västerländsk musik.

I ett vokalframträdande kan ett konsertlag ha en eller flera sångare som huvudutövare. Instrument, som Saraswati veena och/eller venu -flöjt, kan ibland hittas som ett rytmiskt ackompanjemang, men vanligtvis får en sångare stöd av en violinist (som sitter till vänster om honom/henne). Akkompanjatören är vanligtvis en mridangam -spelare (som sitter på andra sidan, vänd mot fiolspelaren). Men andra slagverksinstrument som ghatam , kanjira och morsing ackompanjerar ofta också huvudslagverksinstrumentet och spelar på ett nästan kontrapunktiskt sätt tillsammans med beatsen.

Syftet med de ackompanjerande instrumenten är mycket mer än att följa melodin och behålla takterna. Ackompanjemangen utgör en integrerad del av varje komposition som presenteras, och de följer noga och förstärker de melodiska fraserna som skisserats av sångaren. Sångaren och violinisten turas om medan de utarbetar eller samtidigt uppvisar kreativitet i sektioner som raga , niraval och kalpanaswaram .

Till skillnad från hindustanska musikkonserter , där en medföljande tablaspelare kan hålla beats utan att ibland följa de musikaliska fraserna, i karnatisk musik måste ackompanjatörerna följa kompositionens krångligheter eftersom det finns slagverkselement som eduppu i flera kompositioner.

Vissa konserter har en bra bit av interaktion med huvudmusikerna och ackompanjatörerna som utbyter toner och medföljande musiker som förutsäger huvudmusikerns musikaliska fraser.

Konsertinnehåll

Utveckling av konsertformat

Den bortgångne Ariyakudi Ramanuja Iyengar , en veteran från karnatisk musik, är krediterad för att etablera det samtida konsertformatet som har använts av karnatiska musiker till denna dag.

Samtida konsertinnehåll

En samtida karnatisk konsert (kallad katcheri ) varar vanligtvis cirka tre timmar och består vanligtvis av ett antal olika kompositioner. Karnatiska sånger komponeras i en viss raga , vilket innebär att de inte avviker från tonerna i ragan . Varje komposition är satt med specifika toner och beats, men artister improviserar mycket. Improvisation förekommer i melodin i kompositionen såväl som i att använda noterna för att förklara skönheten i ragan .

Konserter börjar vanligtvis med en varnam eller ett invocerande föremål som kommer att fungera som öppningsstycke. Varnam är komponerat med tonvikt på swaras av raga, men kommer också att ha texter , saahityam . Det är livligt och snabbt att få publikens uppmärksamhet. Ett anropsobjekt kan alternativt följa varnam .

Efter varnam och/eller uppropsföremål sjunger artisten längre kompositioner som kallas kirtanas (vanligtvis kallade kriti s). Varje kriti håller sig till en specifik raga , även om vissa är komponerade med mer än en raga; dessa är kända som ragamalika (en krans av ragas ).

att ha sjungit öppningskriti , sjunger artisten vanligtvis ragans kalpanaswaram till takten. Utövaren måste improvisera en sträng av swaras i valfri oktav enligt reglerna för ragan och återgå till början av taktcykeln smidigt, förena swaras med en fras vald från kriti . Fiolen framför dessa växelvis med huvudaktören. I mycket långa strängar av swara måste artisterna beräkna sina toner noggrant för att säkerställa att de håller sig till ragan, inte har några besvärliga pauser och avbrott i låten och skapa ett komplext mönster av toner som en erfaren publik kan följa.

Skådespelare börjar sedan huvudkompositionerna med ett avsnitt som heter raga alapana som utforskar ragan . I detta använder de ljuden aa, ri, na, ta , etc. istället för swaras för att långsamt utveckla ragans toner och flöde. Detta börjar långsamt och bygger upp till ett crescendo, och etablerar slutligen en komplicerad beskrivning av ragan som visar artistens skicklighet. Allt detta görs utan något rytmiskt ackompanjemang eller beat. Sedan förklarar det melodiska ackompanjemanget (fiol eller veena), ragan . Erfarna lyssnare kan identifiera många ragas efter att de bara hört några få toner. Med ragan sålunda etablerad börjar sången, oftast med text. I detta uppträder ackompanjemanget (vanligtvis fiol, ibland veena) tillsammans med huvudartist och slagverk (som en mridangam ). I nästa steg av låten kan de sjunga niraval eller kalpanaswaram igen.

I de flesta konserter kommer huvudobjektet åtminstone att ha en sektion i slutet av objektet, för att slagverket ska kunna utföra solo (kallat tani avartanam ) . Slagverksartisterna utför komplexa rytmmönster och visar sin skicklighet. Om flera slagverksinstrument används, deltar de i en rytmisk dialog tills huvudartisten tar upp melodin igen. Vissa erfarna artister kan följa huvudstycket med en ragam thanam pallavi mitt i konserten, om de inte använder den som huvudartikel.

Efter huvudkompositionen fortsätter konserten med kortare och lättare låtar. Några av de typer av låtar som framförs mot slutet av konserterna är tillanas och thukkadas - bitar av populära kritiker eller kompositioner som efterfrågas av publiken. Varje konsert som är den sista för dagen avslutas med en mangalam , en tacksam bön och avslutning på musikevenemanget.

Publik

Publiken på en typisk konsert har en rimlig förståelse för karnatisk musik. Det är också typiskt att se publiken slå ut talan i synk med artistens framträdande. När och när konstnären uppvisar kreativitet, erkänner publiken det genom att klappa händerna. Med erfarna artister, mot mitten av konserten, börjar förfrågningar strömma in. Artisten brukar spela förfrågan och det hjälper till att visa upp artistens breda kunskap om de flera tusen kritis som finns. ^{[ citat behövs ]}

Moderna konserter

Varje december har staden Chennai i Indien sin sex veckor långa musiksäsong , som har beskrivits som världens största kulturevenemang. Musiksäsongen startades 1927, för att markera invigningen av Madras Music Academy . Det brukade vara en traditionell månadslång karnatisk musikfestival, men sedan dess har den också diversifierats till dans och drama , såväl som icke-karnatiska konstformer. Musiksäsongen i Chennai är i månaden Margashira - Marghazhi på tamil och avslutas med festivalen Makara Shankrati eller Pongal. Det kulturella navet i Karnataka, Mysore - Bangalore-regionen firar sin musiksäsong känd som Ramnavami Music Festival under en period av 45 dagar. Till skillnad från Madras-säsongen som hålls i stängda auditorier, hålls Ramanavami Music Festival mestadels i Open Air Aoditoriums. Den trevliga Chaitra - månaden Kannada-kalendern och kvällsduscharna gör evenemanget mycket mer celebröst. I Mysore hålls konserterna i Shri Bidaram Krishnappa Mandira och Jaganmohana Palace. Förutom dessa genomför många andra mindre sabhas i Bangalore, Mysore, Hassan, Shimoga och Chikmagalur också konserter under denna högtid.