Elise Siegel
Elise Siegel | |
|---|---|
| Född | 1952 (70–71 år)
Newark, New Jersey , USA
|
| Nationalitet | amerikansk |
| Utbildning | Emily Carr University of Art and Design , University of Chicago |
| Känd för | Skulptur, installationskonst |
| Utmärkelser | Anonymous Was A Woman Award , New York Foundation for the Arts , Virginia A. Groot Foundation |
| Hemsida | |
Elise Siegel (född 1952) är en amerikansk skulptör och installationskonstnär baserad i New York City. Hon är känd för flera figurativa verk som använder subtila och tvetydiga gester och ansiktsuttryck för att framkalla psykiska och känslomässiga tillstånd. På 1990-talet fick hon först ett erkännande för plaggliknande konstruktioner som suddade ut gränserna mellan kläder, hud och kropp, och kritiserade de roller mode och plastikkirurgi spelar i konstruktionen av sexuell och kulturell identitet; Författaren Mira Schor inkluderade Siegel bland den kohort av konstnärer som hon kallade "Generation 2.5" och krediterade för att ha utvecklat den feministiska konstens troper . Efter att ha gått över till lera som sitt primära material, var Siegel en av ett antal konstnärer på 2000-talet vars arbete sporrade till en återfödelse i figurativ keramik som betonade känslomässiga uttryck, sociala förhållanden, identitet och berättelse. Hennes keramiska verk – som sträcker sig från grovt modellerade porträttbyster till mycket laddade, teatrala installationer – sägs fånga flyktiga ögonblick av intern kamp, konflikt och sårbarhet, vilket skapar en psykologisk spänning med betraktaren.
Siegel har ställt ut på institutioner inklusive Museum of Fine Arts Houston (MFAH), The Museum at FIT , Mississippi Museum of Art , Chazen Museum of Art , Neuberger Museum of Art och Third World Ceramic Biennale i Sydkorea, bland andra. Hon har mottagit Anonymous Was A Woman Award och stipendier från New York Foundation for the Arts, och hennes verk tillhör de offentliga konstsamlingarna av MFAH och Chazen Museum of Art. Siegel har undervisat i keramik på Greenwich House Pottery sedan 1984.
Tidigt liv och karriär
Siegel föddes i Newark, New Jersey 1952. Hon studerade vid University of Chicago från 1969 till 1971, innan hon skrev in sig på Emily Carr University of Art and Design i Vancouver, British Columbia, där hon tog en BFA och gjorde forskarstudier ( 1980–1). Hon fokuserade på keramik som en grundutbildning, men efter att ha flyttat till New York City 1982, utforskade hon andra material under ungefär det första decenniet av sin yrkeskarriär. Musikern och låtskrivaren, Dick Siegel , är hennes bror.
Siegel fick först uppmärksamhet på 1980-talet för vägg- och golvskulpturer som ställdes ut på Laurie Rubin Gallery (hennes första separatutställning, 1987) och SculptureCenter i New York och på Williams Center for the Arts på Lafayette College, bland andra platser. Siegel gjorde dessa skulpturer av ark av trådnät som hon belade med lager av pigmenterad eller målad modellpasta. Efter att ha klippt upp arken sydde hon ihop bitarna med tråd för att göra volymetriska former, vred sedan konstruktionerna och skapade rika ytor av sprickor, spån och blottade ådror av underfärg och nät. Även om de var helt abstrakta, förmedlade skulpturerna anatomiska eller animistiska kvaliteter, som ofta antydde kroppar med artikulerade, utsträckande bihang. ARTnews liknade dem i färg och konsistens med ben eller fossiler med inslag av tidigare liv och väderpåverkan, och i form, med de biomorfa abstraktionerna av Eva Hesse , Jean Arp och Constantin Brâncuși .
Moget arbete och kritiskt bemötande
Under hela sin mogna karriär har Siegel koncentrerat sig på tredimensionellt arbete som betonar material, konstframställningsprocessen och den mänskliga kroppen och psyket. Hon har producerat tre breda verk: feministiska, plaggliknande konstruktioner under 1990-talet; figurativa keramiska installationer och skulptur under de senare 1990- och 2000-talen; och keramiska porträttbyster på 2010-talet.
Klädkonstruktioner (1990-talet)
Från och med 1991 tog Siegel en mer sociopolitisk riktning och använde feministisk kritik och psykologisk undersökning i skulpturer som liknade kvinnliga kläder och refererade till kroppen metaforiskt genom sin frånvaro. Detta verk utvecklades formellt och materiellt ur hennes abstrakta skulptur och visades flitigt under första hälften av decenniet, i grupputställningar - på Neuberger Museum ("Empty Dress," 1993) och Museum at FIT ("Fashion Is a Verb, " 1995), bland annat - och en soloshow, "Second Skin" ( College of Charleston , 1993). Siegel animerade plaggen (kjolar, klänningar, pinafores, korsetter, behåar och tutus) med trådar som antydde hår, skapade rörelse och lät henne rita i rymden. Deras lappade och spruckna, pigmenterade ytor framkallade hud, medan remmar och sydda trådsömmar antydde bandage och psykologisk/kulturell förträngning. Kuratorn och författaren Nina Felshin identifierade dessa verk som "konkreta estetiska paralleller" till samtida kulturteori, som avslöjade klädernas roll i definitioner och transformationer av kvinnlig identitet genom att i huvudsak vända social konstruktion "ut och in så att sömmarna syns".
I sin "Portrait"-serie skapade Siegel en serie bh-former som svar på Dow Corning-bröstimplantatkrisen 1992. Den inkluderade Portrait #6 (1992), en korsett och tutu som dubblerades som en kvinnlig torso som drog en koppling mellan grundläggande plagg som "formar och formar" och kroppar som förändras genom att skära i kött. Skulpturens grova, trassliga konstruktion likställde plaggband – både intima och strypande – med medicinska bandage, medan dess slitna, bleka kanter och frankensteinska trådsömmar framkallade kamp och skada, vilket förmedlade en känsla av skräck när det gällde rörelsen till kirurgi som återuppfinning, vilket sårade som mycket som förbättrade kvinnor. I en annan serie utforskade Siegel förklädeformer och använde nät av tråd som samtidigt läses som (könshår) och kjol (t.ex. Hairskirt , 1993), vilket anspelar på plaggets ursprungliga funktion som skydd mot könsorganens "förorenande" kraft.
Figurativa keramiska installationer och skulptur
I mitten av 1990-talet återvände Siegel till leran och letade efter ett mer omedelbart, taktilt material för att skapa direkt figurativt arbete. Hon producerade till en början fragment – spöklika huvuden, hårt knäppta händer, dinglande armar – innan hon vände sig till installationer av ihåliga dockor eller marionettliknande figurer i naturlig storlek, som Eleanor Heartney beskrev som "psykologiskt komplexa tablåer av barn med märkligt tvetydig sexualitet." Village Voice- kritikern Robert Shuster skrev att dessa verk härledde en kuslig, olycklig kraft från vad han kallade "Siegels process of golem -like creation", en schematisk form av modellering som satte i förgrunden ett sammansytt utseende med roterande delar och feljusteringar. Hon handbyggde figurerna hela av lerslingor, skar dem i delar för att passa in i ugnen, sedan satte hon ihop dem igen och lämnade synliga sömmar längs axlar, handleder och midjor, med huvuden ibland vilande i obekväma vinklar.
Siegels installationer kombinerade noggrant arrangerat scenkonst och en exakt känsla för gester och koreografi för att skapa tvetydiga scener med drömmars kusliga kvalitet. Hennes första, Into the room of dream/dread, I abrupt awake clapping (2001), installerades i ett kraftigt nedtonat galleri och bestod av sju sittande barn uppställda i en lös cirkel runt ett annat barn, på en osäker hedersplats eller förebråelse. Figurerna färgades en tråkig, till och med grå och modellerade på degigt sätt, med enkla, instansade ögon, detaljerade extremiteter och separata avfyrade huvuden på små kilar så att de kunde roteras för att fästa blickarna. Sittande upprätt med spända dinglande fötter och händer framför sina bröst, arresterade i klappandet – förutom det centrala barnet – lutade barnen frågande med huvudena mot galleriingången, munnen lite på glänt i tystnad. Recensenter noterade den kusliga omkastningen av fokus – som gjorde tittarna till centrum för uppmärksamheten, som om de hade avbrutit en konversation eller ett spel i ett ögonblick av förväntan eller rädsla – som ett effektivt sätt att framkalla en känsla av förtryck och ångest förknippad med barndomen.
Tre efterföljande installationer använde barnkroppar uppdelade i övre och nedre halvor, som skulpturkritikern Edward Rubin skrev, projicerade "en kyligt verklig psykisk turbulens." I Twenty-four Feet (2004) placerade Siegel två prydliga rader av flickor – endast underkroppar – sittande på motstående stolar utan sitsbottnar, och exponerade dem underifrån. De nedre bålarna var öppna i midjan och ihåliga, vilket förstärkte en känsla av sårbarhet som redan skapats av de öppna sitsbottnarna. Figurerna var ordnade så att deras lekfullt renderade strumpfötter nästan rörde; Art in America's Nancy Princenthal skrev, "böjda och spetsiga, tårna böjda och spridda, de kommunicerar med ohämmad vältalighet", en oskuld så stark att den kastade tittarna "i en total fördjupning i barndomen."
Diametralt motsatt i tonen avbildade Twenty-one Torsos (2004) tjugoen överkroppar i par eller grupper om tre med armar och nävar viftande (men aldrig riktigt rörande), var och en uppflugen på ett rullande metallstativ. Siegel modellerade figurerna med pojkaktigt beskuret hår, tajta ärmlösa t-shirts och vaga, något hjälplösa uttryck av osäkerhet som motsäger en aggressiv scen Princenthal kallade "ett instabilt moln av tyst strid". I I am what is around me (2007) skapade Siegel en liknande grupp av osmilande, nästan identiska pojkar – övre halvor, monterade på svarta stativ – som verkade genomföra en kultisk lekplatsritual eller lek; i sin recension, noterade Robert Shuster en pojke som kommer fram för att presentera bönande, svärtade händer, vilket implicerar betraktaren som en möjlig inkräktare eller korrumperare.
Keramiska porträttbyster
På 2010-talet har Siegel koncentrerat sig på handbyggda keramiska byster som utforskar människans inre. Detta arbete bygger på historiskt bemyndigade föremål, såsom Jōmon-perioden Dogū och Haniwa begravningsfigurer från förhistoriska respektive Japanska 3-600-talet, europeiska järnhjälmar, renässansens relikviebyster, idoler och afrikanska masker. De naturliga till 24-tums skulpturerna – presenterade på piedestaler eller plintar – är inte porträtt av specifika människor, utan verk skapade utifrån minne och fantasi. Recensioner beskriver huvudena som anonyma och universella – suggestiva men obestämda när det gäller ras och kön. , och föränderliga när det gäller att registrera flyktiga passager av oro, oro eller obeslutsamhet. Deras köttiga egenskaper sträcker sig i modellering från naturalistisk till klumpig och rå, med glasyr som skiftar från subtilt skiktade patinaliknande ytor till provisoriska och råa; de flesta bränns i två delar, lämnar en synlig spricka vid nacken.
Kritiker som Nina Felshin och Ann Landi menar att dessa egenskaper översätts till emotionell sårbarhet och värme och stimulerar personlig projektion av tittarna, en nyckel till Siegels arbete. Romanov Grave beskrev hennes uppmärksamhet på subtiliteterna i uttryck, modellering och ytapplicering som en vokabulär som framkallar "världens skador som bärs av kroppen ... artikulerande patos, skräck och eros av daglig mänsklig erfarenhet." I sin recension i Hyperallergic av Siegels utställning "Rough Edges" (2019, Studio 10) kommenterade Stephen Maine ansiktens komplexa, tvetydiga känslor – till exempel svävande mellan stoicism och besvikelse (i Pale Blue Portrait Bust with Dark Drips , 2018 ) eller oförståelse och dämpad förtret ( Portrait Bust with Amber Shirt and Lavender Hair , 2016): "betraktaren slås av dessa mångfacetterade men ändå underskattade attityder och skuggade känslotillstånd eftersom de förkroppsligas i verket genom sådana direkta, primala medel. Vi uppskattar finjusteringen åstadkom dessa lerklumpar, även när vi lät oss bli upptagna av den."
Priser och samlingar
Siegel har mottagit stipendier från New York Foundation for the Arts (2017, 2007, 1988), MacDowell Colony (1988) och Yaddo (1986), Anonymous Was A Woman Award 2014 och utmärkelser från Virginia A. Groot Foundation ( 2016) och Canada Council (1982, 1981). Hennes verk tillhör de offentliga konstsamlingarna på Museum of Fine Arts, Houston, Chazen Museum of Art, Museum of Anthropology vid UBC och Arario Gallery (Seoul, Korea).
externa länkar
- Elise Siegel officiella hemsida
- Studiobesök med Elise Siegel , Two Coats of Paint
- 1952 födslar
- Amerikanska kvinnliga konstnärer från 1900-talet
- 2000-talets amerikanska kvinnliga konstnärer
- amerikanska keramister
- Amerikanska installationskonstnärer
- Amerikanska kvinnliga installationskonstnärer
- Amerikanska kvinnliga skulptörer
- Konstnärer från Newark, New Jersey
- Emily Carr University of Art and Design alumner
- Levande människor