Mark Baum
Mark Baum | |
|---|---|
| Född |
2 januari 1903 Sanok, Polen
|
| dog | 8 februari 1997 (94 år) Cape Neddick, Maine
|
| Nationalitet | amerikansk |
| Känd för | Målare |
| Stil | Icke-objektiv |
| Rörelse | Primitiv |
| Make | Celia Frank |
Mark Baum (1903–1997) var en polskfödd amerikansk målare känd från början för sina självlärda landskap och stadslandskap som senare utvecklade en unik icke-objektiv målarstil fokuserad på en enda, unik glyf som han kallade "elementet". Baums tidiga verk hade avsevärd framgång i New York i slutet av 1920-talet till början av 1940-talet, med ett antal soloutställningar och museiplaceringar på Whitney Museum och Frick, men efter andra världskriget drog sig Baum tillbaka från New Yorks konstscen för att Cape Neddick, Maine , där han bodde och målade i relativt dunkel från mitten av 1950-talet fram till sin död.
Barndom
Mark Baum (Marek på polska, Munyok hemma) föddes den 2 januari 1903 i Sanok, en stad som nu är en del av Polen, men som vid den tiden var en del av det österrikisk-ungerska riket, nära dagens Ukraina. Hans föräldrar skilde sig när han var ett litet barn, en mycket ovanlig händelse i hans konservativa judiska samfund. Hans mor, som hade få alternativ i sitt hemland, emigrerade till USA med Marks äldre syster. Mark lämnades med sina morföräldrar som bodde i Frysztak i Karpaterna. Mark hade mycket lite kontakt med sin mamma och pappa från den tidpunkten.
Så småningom flyttade Mark med sin familj till den större staden Rzeszów, och när Mark var i skolåldern trotsade han sin farfar och gjorde provet för att gå på det tyska gymnasiet. Provet hölls på lördagar för att avskräcka judar från att söka. Han kom in och gick på gymnastiksalen och i hebreiska skolan och var flerspråkig från ung ålder, talade jiddisch hemma, hebreiska i templet, polska på gatan och tyska i skolan.
Första världskriget och immigration till USA
Under första världskriget arbetade Mark på somrarna på sin farfars gård utanför staden. Mark erinrade om att sommaren 1917 tilldelades några ryska krigsfångar till gården. De var bolsjeviker och genom dem fick Mark en hel politisk utbildning. De flydde en morgon i oktober efter att ha hört talas om den kommande revolutionen i Ryssland, men inte innan de sa hejdå till Mark, då 14 år gammal.
I slutet av kriget bestämde sig Mark för att lämna hemmet och emigrera till USA. Han tog tåg till slutet av tyskt territorium och anlände till den danska gränsen. Vid det här laget, utan pass, kunde han bokstavligen springa genom kontrollen och fick skydd av en familj som kunde få honom till Köpenhamn. Där kunde han, genom familjeförbindelser, ta sig till New York City, dit han anlände i slutet av 1919.
New York City och vändningen mot konst
I New York fick han jobb i kläddistriktet på en furirbutik. Han återförenades med sin mamma, som han tyckte var väldigt materialistisk och de två hade inte mycket kontakt efter det. I början av 1920-talet satt Mark på tunnelbanan en dag på väg hem från jobbet, efter att ha precis fått sin veckolön kontant, att han tittade ner på pengarna i handen och frågade sig själv: "Kom jag verkligen bara hela vägen för detta?" Han sökte målning som mer reflekterande av hans mänsklighet och ande.
Baum deltog kort i klasser vid Designakademin 1924 eller 1925, sedan sommaren 1926 studerade han vid Cape Cod School of Art i Provincetown, Massachusetts under Charles Hawthorne. Sedan dess målade han på egen hand. Han föll in i en rytm av att arbeta halva året som furir och måla den andra halvan, under lågsäsong.
Konstnärlig stil och början på framgång
Från början var Baums konstnärliga stil utmärkande. Han arbetade ofta i streckade märken, med tillplattat perspektiv, och betonade de kollapsande vinklarna hos byggnader och landskap istället för att försöka ge verklighetstrogen rumslig struktur eller perspektiv. Till en början arbetade han med akvareller, och hans första separatutställning innehöll ett urval av akvarelllandskap och ägde rum på Whitney Galleries 1929, med några verk köpta av den framstående samlaren Julianna Force som så småningom donerade dem till Whitney Museum of American Art. Året därpå kontaktade Baum den berömda fotografen och galleristen Alfred Stieglitz, som köpte en av hans akvareller. I början av 1930-talet gick Baum över till att arbeta med oljefärg, och Marie och Averil Harriman blev ivriga anhängare av hans arbete, med ytterligare en separatutställning på Marie Harriman Gallery 1931. Han var också en del av en grupputställning på Brooklyn Museum i 1932. Genom dessa kopplingar och shower fann Mark en sund samlarbas i början av 1930-talet.
Under denna period, och till Baums förtret, klassades hans verk som "primitivt", vilket på den tiden var ett stenografiskt sätt att gruppera det med en nostalgisk americana (ironiskt nog med tanke på att han var polskfödd) som stod i opposition till europeisk modernism. Mark avvisade ordet primitiv direkt, men också för dess innebörd, och skrev i ett personligt uttalande: "Återigen dök termerna "naiv" och "primitiv" upp i recensionerna. Naiv var jag aldrig. Men även om jag inte var en primitiv målare, stod i ett visst förhållande till måleri. Ja, varje recensent när han beskrev mitt verk tvingades presentera vissa modifieringar av termen "primitiv". Och när Harriet och Sidney Janis, som kände till mitt arbete, sedan arbetade på en bok med primitiva målare , kom för att träffa mig, insåg de också detta och sa senare i sin bok att jag var för avancerad för en primitiv målare." Han kände sig mycket påverkad av modernistiska målare, bland dem Kandinsky, Klee, Picasso, Cézanne och Mondrian, varav de två sistnämnda han hade en särskild affinitet. Mark hade nästan ingen konstutbildning innan han kom till USA, och det var i New Yorks museer och samtida konstgallerier som han utbildade sig.
Personligt liv, depressionen och andra världskriget
1935 gifte sig Mark med Celia Frank, en kvinna från Schenectady, New York. Deras son Paul föddes året därpå, och en annan son, William, föddes 1939. Familjen Baum bodde först i Sunnyside, Queens, och sedan på Upper West Side på Manhattan. Mark blev en WPA-konstnär, som tillsammans med sitt jobb på buntmästaren, som han hade underhållit sedan början av 1920-talet, försörjde familjen.
Mark och Celia var båda aktiva i New Yorks kommunistiska parti, och 1936 kanderade Mark för New York State Senat på kommunistbiljetten. Paret hade ett aktivt socialt liv som var fyllt av bohemer från deras politiska tillhörighet samt konstnärer, skådespelare och fria tänkare.
Under andra världskriget hade Baum en utställning för två personer på Perls Galleries, och sedan separatutställningar 1947 på St. Etienne Gallery och 1948 på Laurel Gallery. Han var också en del av en internationell utställning som organiserades av utrikesdepartementet. Men efter kriget kom en troskris ner. Han skrev: "Världskriget kom, WPA tog slut. År av osäkerhet. Världskriget slutade. Sedan nyheterna om Förintelsen. Alla medlemmar av min familj som mördades av nazisterna, alla min barndoms lekkamrater, hela min familj pojkvänner och skolkamrater dödade av nazisterna. Allt detta och en rad andra faktorer bidrog till medvetenheten: en era har tagit slut, vi levde i en ny annan värld. Jag kunde inte längre måla som förr och sjönk in i en depression ."
Kolgruvor och aspirationstrappa
Baums långa kris i måleriet orsakades av nyheterna från kriget, men samtidigt inom konstscenen i New York upplevde han den kollektiva rusningen mot abstrakt expressionism och förkastade den. "Mållandet verkade värdelöst. Många faktorer orsakade denna kris, bland dem var den abstrakta expressionismen som låg i framkanten av det amerikanska måleriet, och som jag var bitter och antagonistisk mot, inte mot dess upphovsmän utan mot bedragarna som utövade detta enbart för sin egen belöning. Jag såg dem hålla fast vid den."
I slutet av 1940-talet till början av 1950-talet tillbringade Baum omkring tre år, oavbrutet, i Pennsylvania, och målade i företagets städer med en enorm antracitkolverksamhet. 1953 hade Baum en separatutställning på Harry Salpeter Gallery, med verk som främst hämtades från Pennsylvania-serien. Ett år senare skulle Baum dyka upp i Life Magazine, som en del av en artikel om artister som hittade balans mellan liv och arbete i New York.
Ungefär tre eller fyra år senare tittade Baum tillbaka på ett verk från 1948 som hade inkluderats i Salpeter-showen kallat Aspirational Staircase och hade en uppenbarelse: "Vilken underbar diagonal denna trappa. Den bär ögat uppåt från botten av duken. till toppen, och trappans steg är enheter av diagonen och fungerar som ett stadigt slag i musik. Trappan, ett fysiskt föremål, blir till att måla ett element, och - när den förlorar sin fysiska - blir en diagonal uppåt rörelse; och blir vidare en generaliserad riktningsrörelse och blir i slutändan ett bildande element i en målarstil."
Andlighet och "The Element"
Samtidigt med denna uppenbarelse hade Baum i mitten av 1950-talet börjat rikta sin uppmärksamhet mer helt mot sitt andliga liv. Han fann i denna strävan ett motgift mot den formalistiska betoningen av abstrakt expressionism samt en anledning för honom att överhuvudtaget fortsätta i en konstnärlig praktik. För detta återvände han till föreställningen om tro, med utgångspunkt i sin judiska bakgrund, men på abstrakta sätt och genom sekulära ämnen. Som en författare noterade: "Baum verkar komma närmare andlighet genom studiet av sekulära saker, såsom trappor, trafikljus, växter och ljusbärande arkitektur... Triader av ämnen börjar dyka upp i Baums verk. " Denna studie av treenigheten refererar inte bara till judendomens tre patriarker, utan de tre pelarna i det kabbalistiska livets träd, den kristna heliga treenigheten, buddhismens tre Trikaya-utövning.
Det Baum föreslog genom denna vändning mot andlighet i måleriet såg han som ett kontinuum med människans förflutna, och skrev senare:
I århundraden har det funnits ett symbiotiskt förhållande mellan religion och måleri. Detta förhållande upphörde med uppkomsten av förnuftets tidsålder. Även om religionen minskade drastiskt, överlevde våra andliga behov. Och nu med hjälp av högteknologi utforskar vi yttre rymden och hela universum. Vi är desto mer medvetna om dess viddhet, dess oändlighet och dess storhet. Vår känsla av vördnad väcks igen och vårt andliga liv återuppstår. Denna form av andlighet är värd att vara föremål för målning.
Vid denna tidpunkt tog Baum ett radikalt steg i sin målning: 1958 vände han sig helt till det icke-objektiva och började skapa en enda glyf som han kallade "elementet", som var baserad på hans uppenbarelse om trappan. Han utvecklade denna glyf under en period av tio år, från 1958 till 1968, då han kom fram till dess slutliga form. Lutz beskriver denna övergång: "en lång 5-utformad form, som liknar en tallbarrkluster... ett brett krökt element liknar siluetten av en fågel i flykt... det sista elementet, som nästan ser ut som en head in profile dyker upp 1967." Från den tiden skulle han använda elementet, i varierande kombinationer och färger, som det exklusiva märket i sina målningars kompositioner. Lutz beskriver att "När Baum börjar använda elementet konvergerar mikron och makrot i vad som bara kan beskrivas som en typ av kosmisk ordning."
Maine och icke-objektivt arbete
Denna förändring i hans målnings orientering motsvarade också en flytt till Cape Neddick, Maine, där han målade i en ombyggd lada och bodde i en intilliggande bondgård. Han skrev att, "Där... kan jag leva med större intensitet, absorbera vårens grönska och vinterns vithet, sommarens fullhet och höstens alla färger. Genom att absorbera denna rikedom av livet om mig i mig själv, kan ge det bästa av mig till min målning."
Arbetet under denna icke-objektiva period faller in i tre distinkta perioder: tidig utveckling av "elementet" eller tidig icke-objektiv (1959–1967); mitten icke-objektiv (från ungefär 1968–1978), där kompositionerna av elementet är i ofta juvelliknande grupperingar mot många olika färgade bakgrunder som spänner över spektrumet från ljusa turkoser och bleka lavendel till mörkare lila och djupa skogsgrönt. Det sista arbetet från slutet av 1970-talet fram till strax före hans död runt 1995 då han av sin hälsa tvingades sluta måla anses vara det "sena icke-objektivet". Dessa verk är på solida, mestadels svarta bakgrunder (vissa tidiga verk från denna period är på mörkgrönt eller brunt), utan gruppering av elementen, förutom i linjer och vågor. Baum använde stenciler för sina element, spårade ut elementkompositionerna med blyerts och handmålade sedan var och en.
Allt hans icke-objektiva arbete återspeglar mycket raffinerade färgrelationer, där mörkare färger är "tyngre" och ofta på botten av dukarna som stiger mot ljusare, ljusare färger och indikerar en tro eller en känsla av förverkligande. Han var mycket influerad av Manet i detta avseende, med hänvisning till en speciell målning av Kristus och änglar på Metropolitan Museum of Art som han hade studerat noggrant och hittat inspiration i Manets "betoning av färgförhållanden".
Under de mer än 30 år som Baum bodde på heltid i Maine hade han väldigt få offentliga utställningar. Han hade en soloutställning på Bleecker Gallery i East Hampton, NY, i juni 1962; en separatutställning på Rose Fried Gallery, New York, 1963; och en stor utställning av hans icke-objektiva verk på Ogunquit Gallery, i Ogunquit, Maine, 1969, som inte hittade en särskilt mottaglig publik. Men hans fortsatta tro på sina målningar, och tron som de återgav honom, gav en ständig drivkraft att fortsätta arbeta. Baum hade också en omfattande trädgård och vid den här tiden många barnbarn som bodde i närheten. Han upprätthöll också ett ständigt intresse för vetenskap och teknik och prenumererade på ett flertal vetenskapliga vetenskapliga tidskrifter. Baum hade också en samling tidiga kretskort, som var visuellt och filosofiskt viktiga för hans arbete.
1983 köpte Metropolitan Museum of Art två tidiga verk som de ansåg saknade en del av deras samling. Detta faktum var mycket glädjande för Baum och gav honom hopp om att hans verk så småningom skulle bli uppmärksammat igen av en större publik.
Baum målade aktivt fram till hösten 1996 och dog den 8 februari 1997 i sitt hem i Cape Neddick, Maine.
Senaste utvecklingen
Sedan hans död har ett antal museer samlat Baums verk, inklusive Fogg Museum vid Harvard; Mead Gallery i Amherst, Ogunquit Museum, University of New England (där de var en del av en "Selections" show 2009); Berkeley Art Museum; och Bowdoin College Museum of Art. Ett av hans verk i Metropolitan Museum återgavs i en bok för barn utgiven av museet, kallad Gå in och ut genom fönstret.
2016 hölls en separatutställning på Krowswork Gallery i Oakland, Kalifornien, för vilken en katalog också producerades.
| Allmän | |
|---|---|
| Nationalbibliotek | |
| Övrig | |
