Andrew Spence (artist)

Andrew Spence
Född	1947 Bryn Mawr, Pennsylvania , USA
Nationalitet	amerikansk
Utbildning	University of California i Santa Barbara , Tyler School of Art
Känd för	Målning, grafik
Utmärkelser	Guggenheim Fellowship , National Endowment for the Arts , American Academy of Arts and Letters
Hemsida	Andrew Spence

Andrew Spence, Swivel Chairs , olja på duk, 84" x 60", 1988.

Andrew Spence (född 1947) är en amerikansk konstnär känd för abstrakta målningar som kombinerar ett minimalistiskt ordförråd med lekfulla referenser till den observerade världen. På 1970- och 1980-talen fick han ett erkännande som en av ett antal yngre konstnärer som omprövade den geometriska modernismen genom en samtida lins som bjöd in humor och referens till vardagsföremål och livserfarenhet i traditionen. Spences metod att destillera visuella fenomen till enkla, emblematiska bilder har jämförts med Ellsworth Kelly , men hans arbete har skiljt sig åt i sin jämnare balans mellan abstraktion och igenkänning (ofta med hjälp av bildtitlarna), intuitivt förhållningssätt och varierande, uttrycksfulla målarytor. . Art in America- kritikern Ken Johnson skrev att hans verk upprätthåller "en ironisk spänning mellan modernistisk geometris upphöjda purism och jordbunden vanlighet i de folkliga källorna." I senare målningar har Spence alltmer fördunklat de ursprungliga inspirationerna till sina abstraktioner, både i form och titel. Hans verk tillhör de permanenta samlingarna av Metropolitan Museum of Art , Museum of Modern Art och Whitney Museum of American Art, bland andra. Han har mottagit ett Guggenheim-stipendium och utmärkelser från American Academy of Arts and Letters och National Endowment for the Arts .

Liv och karriär

Spence föddes 1947 i Bryn Mawr, Pennsylvania och växte upp i Philadelphia. Han deltog i University of Oklahoma , överförde sedan till Tyler School of Art , studerade i Rome och Philadelphia innan han tog examen med en BFA 1969. 1971 avslutade han en MFA vid University of California i Santa Barbara och flyttade till Los Angeles. Han fortsatte att göra konst och arbetade i flera år som konsthanterare och krater, vilket förstärkte intresset för den byggda världen och gav honom direkt tillgång till den minimalistiska målaren John McLaughlins och designern Charles Eames verk , båda tidiga influenser. Under sitt första professionella decennium valdes Spence ut till Whitney-biennalen 1975 och grupputställningar på MoMA PS1 , La Jolla Museum of Contemporary Art, Los Angeles Institute of Contemporary Art (LAICA) och Indianapolis Museum of Art . Hans första separatutställningar var på Nicholas Wilder Gallery i Los Angeles 1974 och 1976.

1977 flyttade Spence till New York City, där han ställde ut i sju separatutställningar på Barbara Toll Gallery mellan 1982 och 1990. Han har haft efterföljande utställningar på Worcester Art Museum (1991) och Max Protetch Gallery (1992, 1993), Edward Thorp Gallery (2001, 2002, 2006) och 57W57 Arts (2016) i bland annat New York. Han medverkade också i Whitneybiennalen 1989, den 40:e biennalen på Corcoran Gallery of Art (1987) och grupputställningar på Metropolitan Museum of Art och Whitney Museum.

Spence bor och arbetar i New York med sin fru, Sique Spence.

Arbete och reception

Spences arbete har relaterats till minimalistiska föregångare som Constructivism , Malevich och McLaughlin, såväl som till samtida rörelser som Neo-Geo . Kritiker antyder dock att den undviker enkel kategorisering och utvecklas utifrån ett intuitivt "inre momentum", snarare än teoretiska ramar eller ideologiska trender. Eleanor Heartney skrev att hans "tyst effektiva målningar styr en kurs mellan den strama reduktiviteten hos en Ellsworth Kelly och den självutnämnda negationen av en Peter Halley ." Författare pekar på Spences syntes av humaniserande aspekter utanför den formalistiska traditionen som definierande egenskaper: en udda humor och associativitet; användningen av personliga bilder och observerade erfarenheter; en populistisk entusiasm för folklig design och nedbrytningen av hög-låg distinktioner; och tätt bearbetade ytor som avslöjar den konstnärliga processen och ger en känslomässig kvalitet till annars coolt arbete.

Andrew Spence, Red Line , olja på duk, 60" x 48", 2005.

Spences konst intar ofta en tvetydig position mellan abstrakt och representativt, sofistikerat och ordinärt, och meditativt och deadpan som återspeglas av skiftande figur-grund-relationer. Hans målningar uppstår ur en rigorös teckningsprocess, som resulterar i schematiska bilder förfinade till kanten av igenkänning och en kärna av väsen. Denna formella koncision sträcker sig till hans användning av färg, som är icke-associativ, och även om den ibland är djärv, ofta begränsad till två eller tre färger, varav en nästan alltid är vit. Carol Diehl skrev att verkets "medfödda drollness" uppvägs av Spences akuta uppmärksamhet på ytan. Medan hans målningar verkar platta och hårda i reproduktion, noterar recensenter ofta deras kroppslighet och täta, varierade strukturer. Spence bygger dem i vaxartade lager applicerade med en färgladdad palettkniv, vilket skapar former med nästan graverade kanter som han slipar och polerar till en ogenomskinlig glans.

Tidigt arbete: 1970-talet

Spence fick först uppmärksamhet i mitten av 1970-talet för abstrakt arbete jämfört med modernister från Malevich till Barnett Newman när det gäller dess reduktiva visuella grammatik, geometriska integritet och stillhet. Målningarna refererade till strukturen och färgen i Los Angeles byggd miljö (t.ex. prefabricerade hem och släpvagnar, aluminiumbeklädnad eller målade väggar), med gjutna akrylstrukturelement, angränsande paneler, opersonliga industriella nyanser och tjockt applicerad emalj som ibland bildade vertikala taggar dela färgområden. Kritiker jämförde dem med "abstrakta fasader slitna ur sitt sammanhang" mellan målningar och målade föremål, och fysisk grovhet och kompositionsmässig elegans. Artweeks Suzanne Muchnic skrev "Spence tar hand om den anonyma, konstgjorda skönheten som ofta förbises i vardagliga omgivningar"; Los Angeles Times kritiker William Wilson liknade den kontemplativa kvaliteten på de strukturerade ytorna med Giorgio Morandis metafysiska målningar .

Moget arbete

På 1980-talet flyttade Spence bort från ett rätlinjigt ordförråd, och inkorporerade bågar, spiraler och trianglar och biomorfa former i sitt arbete. Hans bilder bestod till en början av singulära, ikoniska bilder i begränsade färger som var inbäddade i kraftigt strukturerade ytor och lästes som grafiska språksymboler eller fragment av reklamlogotyper. Allteftersom decenniet fortskred, vände han sig alltmer till schematiska återgivningar av vanliga föremål och arkitektur eller modernistiska möbler (t.ex. Light , 1987), vars inspirationer och excentriska perspektivvyer (ofta ovanför) endast blev uppenbara genom bildtitlarna . Till exempel, Swivel Chairs (1988) byggde på den välkända Eames-fåtöljdesignen, medan Blue Canoe (1988) presenterade ett fält av horisontella ränder, varav två var blå och ändrade för att efterlikna halvkanotformer.

Kritiker som Eleanor Heartney och Stephen Westfall kontrasterade verkets minimalistiska kvaliteter – frontalitet, figur-markjämvikt, en känsla av plan rigor, proportioner och balans – med dess avvikelser från traditionen: idiosynkratiska referenser till tillverkade föremål, elementära koncept och livserfarenheter och en betoning på konstnärens hand, förmedlad genom uttrycksfulla, uppenbart omarbetade ytor. Heartney beskrev målningar som Ivy Windows (1988) som "enkla utan att vara förenklade", och jämförde dess subtila och intrikata relationer mellan form, negativt utrymme och proportioner och oregelbundna rytmiska mönster med Mondrians Broadway Boogie Woogie .

Andrew Spence, Untitled Brown/Violet , olja på duk, 40" x 35", 2018.

I slutet av 1980-talet gick Spence över till gåtfulla, formella kompositioner vars titlar var jämförbart kryptiska och försökte utöka tittarnas engagemang i verket. Till exempel, Commander (1989) och Citibanker (1990) – inspirerade av en TV-fjärrkontroll respektive en bankomat – presenterade var och en reservabstraktioner av skiftande plan, fyrkanter och rektanglar, återgivna i tungt, strukturerat penseldrag och ytor skrapade till släta patiner. De minimala formerna av Sculpture/Painting (1989) erbjöd Spences humoristiska återskapande av synen av hans verk bakom en skulptur på Whitney Biennalen, såväl som en meditation över den godtyckliga karaktären hos olika konstutmärkelser – representativ, abstrakt, platt, tre- dimensionell, objekt och bild.

Mellan 1993 och 1996, i shower på Max Protetch och Morris Healy, fortsatte Spence att skapa visuell komplexitet i enkla konfigurationer, och förlitade sig på pjäser med likhet och skillnad, exakt beskärning och upprepning för att driva sina bilder längre in i det icke-funktionella, rent estetiska området. Tvåfärgsverk, som Up and Up och Space Saver (båda 1993), alternerade i form av figur och mark för att komplicera avläsningar, medan andra, som Cover Up (1993) och Goggleplex (1995), roterade och upprepade enkla former ( sicksack eller bokstäver, konturer av glasögon) för att skapa rytmiska visuella pussel som, givet tid, blev igenkännbara för tittarna.

På 2000-talet ändrade Spence sin palett (ofta med ljusa mättade färger, i större mängder), inställning till bildrymd, och enligt Carol Diehl, hans innehåll, skiftade mot mer fantasifulla bilder inspirerade av känslor snarare än de symboliska föremålen från hans förflutna arbete. Till exempel presenterade verk som Bob (2002) komplexa rumsliga och optiska effekter som skiftade under granskning, i så fall med hjälp av horisontella ränder som ändrade färg för att antyda en äggformad form i rörelse mot en rektangel och kurva. Faye Hirsch noterade i Spences show 2006 på Edward Thorp en avslappnad inställning till anspelning som introducerade ett bredare utbud av visuella skämt och ordvitsar. Målningarna Hidden Landscape (2005) och Untitled (Camouflage) (2004) kombinerade ljusa och stereotypt tjejiga färger med kamouflagemönster, vilket undergrävde traditionella associationer (manlighet, dolda); linjerna och krusningarna av Squid (2003) antydde både vattenvarelsen och en glödlampa och dess glödtrådar.

Spence har vänt sig till linjära former som föreslår samtida skyltar, arkitektoniska scheman eller byggnadsställningar, och ytterligare döljer hans ursprungliga inspirationer i mycket av hans senare arbete. Tidigare exempel inkluderar Paint Run (2005) – som har en ställningsliknande röd linje överlagrad på rosa och ljusgröna block – och Red Line (2005) – ett kontinuerligt, rött streck som spårar flammor i sidled på vitt. Senare verk, som Red Pink White 3 (2011) eller Untitled Brown/Violet ( 2018), använder extra linjer och former för att föreslå skiktade eller skiftande tvådimensionella plan inom eller på periferin av dukar, och fortsätter Spences långvariga undersökningar av bild , objekt, arkitektur och design.

Priser och samlingar

Spence har mottagit ett Guggenheim Fellowship 1994, samt utmärkelser från American Academy of Arts and Letters (2008) och National Endowment for the Arts (1987). Hans verk tillhör företags-, universitets- och museisamlingar, inklusive de från Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Whitney Museum of American Art, Albright-Knox Art Gallery, Boston Museum of Fine Arts, Carnegie Museum of Art , Cleveland Museum of Art , Philadelphia Museum of Art , Smithsonian Institution och Walker Art Center , bland andra.

externa länkar

• Andrew Spence
• Andy Spence , 57W57 Arts
• Andrew Spence , Jennifer Melby Editions